Gli anni Settanta compongono un panorama di grande ricchezza e complessità e nel quale le esperienze artistiche appaiono dotate di una forza problematica ed espressiva che le rende risolutamente attuali. L’attività degli artisti si poneva con grande franchezza di fronte alle contraddizioni sociali e politiche del tempo, indagando i meccanismi di consenso di massa o l’identità personale nelle sue articolazioni sessuali e relazionali, o ancora l’uso dello spazio e delle risorse naturali, l’organizzazione della vita politica ed economica, la violenza, la guerra, tutti temi che mantengono visibilmente intatta, e anzi hanno accresciuto la loro carica problematica e conflittuale nel nostro mondo globalizzato.

L’elemento comune a tutte le esperienze artistiche del decennio è senza dubbio la consapevolezza che l’arte è un codice, una costruzione collettiva, che le sue realizzazioni, gli spazi che occupa (il “cubo bianco”), i giudizi e le reazioni che suscita nel pubblico, hanno determinate possibilità e appartengono a un ordine pienamente storico e culturale. L’arte di questo periodo cerca di “fuoriuscire” dal suo ambito specialistico, di abbandonare le tecniche tradizionali, di investire lo spazio reale, tanto quello della città che quello naturale, di decostruire i meccanismi di consenso sociale e politico, di interrogare i meccanismi consci e inconsci che contribuiscono a formare la personalità e l’identità.

Tutto questo riguarda tanto gli artisti impegnati direttamente nella corrente concettuale (che usa di preferenza il linguaggio verbale come mezzo espressivo), come ad esempio Joseph Kosuth o Lawrence Weiner, ma anche quanti, come ad esempio Bruce Nauman, Daniel Buren, Dennis Oppenheim, Douglas Huebler e Franco Vaccari, usano altri media, e toccano infine anche quello che è stato definito il “campo allargato” dell’arte, vale a dire quell’insieme di esperienze che agisce fuori dai limiti della galleria e del museo e della stessa tradizione “antropocentrica”, in particolare della scultura. Figure emblematiche di questa tendenza sono Joseph Beuys, Gordon Matta-Clark e Robert Smithson, autori di alcune delle opere più memorabili di quegli anni, con la loro caratteristica mescolanza di visionarietà poetica e riflessività filosofica, o ancora Hans Haacke, con le sue “inchieste” di taglio esplicitamente politico, e Christo, con i suoi interventi (anti)monumentali. In Italia, artisti vicini all’Arte povera come Merz, Kounellis, Penone, Fabro e Boetti, declinano in forme e materiali originali una riflessione sul tempo, l’energia cosmica e psichica, altri, come Fabio Mauri, indagano la memoria storica e la dimensione politica, altri acnora, come Gino De Dominicis e Vettor Pisani, esplorano l’allegoria e il tableau vivant.

Il corpo è negli anni Settanta l’altro epicentro della ricerca artistica, grazie al lavoro di performer che mettono in scena, come Marina Abramović e Ulay, la loro interazione psicologica ed erotica, oppure la condizione di pericolo vigente in uno spazio sociale dominato dalla violenza, come nel caso del californiano Chris Burden, o ancora si legano alle posizioni del movimento di liberazione femminista, mettendo in discussione, come nei casi di Gina Pane, Valie Export, Ketty La Rocca e Hannah Wilke gli stereotipi dell’identità femminile. Tutti esempi questi in cui si manifesta pienamente l’irrequietezza, la mobilità, l’inventiva anticonvenzionale che compongono la cifra inconfondibile di un decennio straordinariamente vitale.

Hal Foster et al., Arte dal 1900, Zanichelli (1945-1980)
annisettanta (con Marco Belpoliti, Gianni Canova), Skira, Milano 2007 [PDF]
Anne Rorimer, New art in the 60 and 70s, Thames and Hudson 2001, pp. 194-274: https://www.dropbox.com/s/zivvzz76w32cu75/New%20Art%20in%20the%2060%27s%20and%2070%27s.pdf?dl=0

Prende le mosse dagli aspetti di metodologia della ricerca storica, intesa sia come insieme di tecniche e strumenti operativi, sia come teoria storiografica per poi concentrarsi sul concetto di Storia globale.
La prima parte del corso (12 ore) orienta gli studenti sui principali elementi di storia della storiografia a partire dalla nascita della disciplina nel corso del XIX secolo. La seconda parte del corso (12 ore) affronta gli aspetti teorici e metodologici dell’uso delle fonti storiche con particolare riferimento alle “nuove fonti” e all’uso dinamico. La terza e ultima parte del corso (12 ore) si concentra sul tema monografico della Storia globale.

G. De Luna, La Passione e la ragione. Il mestiere dello storico contemporaneo, Milano, Bruno Mondadori, 2004 (pp. 259, € 20,00)

Un testo a scelta tra:
- E. Vanhaute, Introduzione alla World History, Bologna, il Mulino, 2015 (pp. 272, € 25,00)
- S. Conrad, Storia globale. Un’introduzione, Roma, Carocci, 2015 (pp. 212, € 19,00)

Si suggerisce la lettura di:
- S. Gruzinski, Abbiamo ancora bisogno della storia? Il senso del passato nel mondo globalizzato, Milano, Raffaello Cortina, 2016 (pp. 166, € 18,00)

Le lezioni analizzeranno principalmente i seguenti temi: le origini della rappresentazione diplomatica residente, i modelli italiani, carriere sociali e ruoli degli ambasciatori e dei nunzi apostolici, la trattatistica sull’ambasciatore, la critica delle fonti diplomatiche, le mansioni e i codici del mestiere diplomatico, le pratiche concrete delle diplomazie all’opera nei contesti storici propri dell’età moderna.

Testi d’esame:
1) S. ANDRETTA, L’arte della prudenza. Teorie e prassi della diplomazia nell’Italia del XVI e XVII secolo, Biblink, Roma 2006.
2) G. ALONGE, Ambasciatori. Diplomazia e politica nella Venezia del Rinascimento, Donzelli, Roma 2019
oppure, E. PLEBANI, E.VALERI, P.VOLPINI, Diplomazie. Linguaggi, negoziati e ambasciatori far XV e XVI secolo, ( a cura di), Franco Angeli, Milano 2017

I non frequentanti dovranno portare in aggiunta ai testi sopra indicati:

3) R. SABBATINI, P. VOLPINI ( a cura di), Sulla diplomazia in età moderna. Politica, economia, religione, Franco Angeli, Milano 2011;

Oppure in alternativa 4 saggi a scelta tratti dai volumi:

a) S. ANDRETTA, S. PÉQUIGNOT, J.-C.WAQUET ( a cura di), De l’ambassadeur. Les écrits relatifs à l’ambassadeur et à l’art de négocier du Moyen Âge au début du XIXe siècle (L’ambasciatore. Scritti relativi all’ambasciatore e all’arte della negoziazione dal Medioevo all’inizio del XIX secolo), EFR, Roma 2015.
b) S.ANDRETTA, S. PÉQUIGNOT, M.K.SCHAUB,J.-C.WAQUET, C. WINDLER ( a cura di), Paroles de négociateurs. L’entretien dans la pratique diplomatique de la fin du Moyen Ȃge à la fin du XIXe siècle (Parole di negoziatori. Pratiche dell’incontro diplomatico dalla fine del Medioevo alla fine del XIX secolo),EFR, Roma 2010

Il corso intende ripercorrere l’arte dagli anni Sessanta ad oggi attraverso l’analisi di alcune mostre che hanno segnato momenti cruciali di rinnovamento, sia dal punto di vista dell’elaborazione dei formati espositivi sia per ciò che concerne il dibattito critico.
La prima parte del corso sarà dedicata all’approfondimento di rassegne tenutesi internazionalmente tra il ’68 e i primi anni Settanta, con la messa a fuoco del rinnovamento delle pratiche artistiche (tra processualità, performatività e dematerializzazione) e del ruolo e delle metodologie della critica (dalla crisi dell’interpretazione all’emergenza della figura del curatore, con la progressiva affermazione di una nuova dimensione di “scrittura espositiva”). Oggetto di riflessione sarà altresì il reenactment delle mostre, ovvero la riproposizione di esposizioni storiche come pratica curatoriale al centro del dibattito e della progettazione attuale.
La seconda parte del corso si concentrerà sull’analisi di mostre che riflettono i cambiamenti sociali, economici, politici ed ecologici dell’epoca globale. Si analizzeranno eventi e strategie curatoriali che hanno contribuito a definire nuove geografie artistiche e a decolonizzare le narrazioni, con un forte impatto sull’immaginario socioculturale del mondo contemporaneo – a partire da "Le magiciens de la terre", per arrivare a progetti curatoriali dello scenario artistico attuale.

1) B. O’Doherty, Inside the White Cube. L’ideologia dello spazio espositivo, Johan & Levy, Milano 2000

2) R. Pinto, Nuove geografie artistiche. Le mostre al tempo della globalizzazione, Postmedia, Milano 2012

3) S. Zuliani, Esposizioni. Emergenze della critica d’arte contemporanea, Bruno Mondadori, Milano 2012

Non frequentanti:
Integreranno con uno o più testi segnalati nella bibliografia di riferimento. I testi sono da concordare con la docente.

Gli anni Settanta compongono un panorama di grande ricchezza e complessità e nel quale le esperienze artistiche appaiono dotate di una forza problematica ed espressiva che le rende risolutamente attuali. L’attività degli artisti si poneva con grande franchezza di fronte alle contraddizioni sociali e politiche del tempo, indagando i meccanismi di consenso di massa o l’identità personale nelle sue articolazioni sessuali e relazionali, o ancora l’uso dello spazio e delle risorse naturali, l’organizzazione della vita politica ed economica, la violenza, la guerra, tutti temi che mantengono visibilmente intatta, e anzi hanno accresciuto la loro carica problematica e conflittuale nel nostro mondo globalizzato.

L’elemento comune a tutte le esperienze artistiche del decennio è senza dubbio la consapevolezza che l’arte è un codice, una costruzione collettiva, che le sue realizzazioni, gli spazi che occupa (il “cubo bianco”), i giudizi e le reazioni che suscita nel pubblico, hanno determinate possibilità e appartengono a un ordine pienamente storico e culturale. L’arte di questo periodo cerca di “fuoriuscire” dal suo ambito specialistico, di abbandonare le tecniche tradizionali, di investire lo spazio reale, tanto quello della città che quello naturale, di decostruire i meccanismi di consenso sociale e politico, di interrogare i meccanismi consci e inconsci che contribuiscono a formare la personalità e l’identità.

Tutto questo riguarda tanto gli artisti impegnati direttamente nella corrente concettuale (che usa di preferenza il linguaggio verbale come mezzo espressivo), come ad esempio Joseph Kosuth o Lawrence Weiner, ma anche quanti, come ad esempio Bruce Nauman, Daniel Buren, Dennis Oppenheim, Douglas Huebler e Franco Vaccari, usano altri media, e toccano infine anche quello che è stato definito il “campo allargato” dell’arte, vale a dire quell’insieme di esperienze che agisce fuori dai limiti della galleria e del museo e della stessa tradizione “antropocentrica”, in particolare della scultura. Figure emblematiche di questa tendenza sono Joseph Beuys, Gordon Matta-Clark e Robert Smithson, autori di alcune delle opere più memorabili di quegli anni, con la loro caratteristica mescolanza di visionarietà poetica e riflessività filosofica, o ancora Hans Haacke, con le sue “inchieste” di taglio esplicitamente politico, e Christo, con i suoi interventi (anti)monumentali. In Italia, artisti vicini all’Arte povera come Merz, Kounellis, Penone, Fabro e Boetti, declinano in forme e materiali originali una riflessione sul tempo, l’energia cosmica e psichica, altri, come Fabio Mauri, indagano la memoria storica e la dimensione politica, altri acnora, come Gino De Dominicis e Vettor Pisani, esplorano l’allegoria e il tableau vivant.

Il corpo è negli anni Settanta l’altro epicentro della ricerca artistica, grazie al lavoro di performer che mettono in scena, come Marina Abramović e Ulay, la loro interazione psicologica ed erotica, oppure la condizione di pericolo vigente in uno spazio sociale dominato dalla violenza, come nel caso del californiano Chris Burden, o ancora si legano alle posizioni del movimento di liberazione femminista, mettendo in discussione, come nei casi di Gina Pane, Valie Export, Ketty La Rocca e Hannah Wilke gli stereotipi dell’identità femminile. Tutti esempi questi in cui si manifesta pienamente l’irrequietezza, la mobilità, l’inventiva anticonvenzionale che compongono la cifra inconfondibile di un decennio straordinariamente vitale.

Hal Foster et al., Arte dal 1900, Zanichelli (1945-1980)
annisettanta (con Marco Belpoliti, Gianni Canova), Skira, Milano 2007 [PDF]
Anne Rorimer, New art in the 60 and 70s, Thames and Hudson 2001, pp. 194-274: https://www.dropbox.com/s/zivvzz76w32cu75/New%20Art%20in%20the%2060%27s%20and%2070%27s.pdf?dl=0

Ri-Animazione: l’animazione contemporanea come nuova logica dominante delle immagini in movimento.

Tra la fine del XX e l’inizio del XXI secolo l’animazione si è andata configurando come l’orizzonte audiovisivo ideale per mettere in atto alcune delle sfide più stimolanti dal punto di vista tecnologico, estetico, narrativo, politico e culturale. E' in particolare attraverso la tecnologia digitale che l’animazione, per lungo tempo campo ancillare rispetto al "cinema-cinema", ha potuto riprendersi la scena riaffermando la sua identità non già di genere specifico, separato e secondario, quanto di insieme di forme espressive e di tecniche attraverso le quali è possibile configurare qualsiasi tipo di narrazione, praticare qualunque genere e colonizzare qualsivoglia medium e formato. Partendo da tali premesse, il corso propone una serie di riflessioni che prendono in esame le dinamiche e i meccanismi sottostanti alla realizzazione di alcuni dei principali successi dell’animazione mainstream per il cinema e la televisione. Ponendo particolare attenzione alla congiunzione tra le teorie e le pratiche, verranno indagati gli stili dei nuovi prodotti d’animazione guardando in primo luogo alla dialettica tra innovazione e tradizione, ma anche tra forme estetiche e narrative provenienti da paradigmi culturali differenti. Senza dimenticare il modo in cui i software per l'animazione vengono impiegati anche nel cinema in live action, si evidenzierà come il concetto di ri-animazione che dà il titolo al corso debba essere inteso anche nella direzione di una rivitalizzazione e problematizzazione, operate dall’animazione stessa, di questioni di natura storica, politica e culturale che coinvolgono le nuove immagini in movimento.

C. Uva, P. Wells (a cura di), Re-Animation.L’animazione contemporanea tra cinema, televisione, videoarte e nuovi media, «Imago. Studi di cinema e media», n. 16, 2017.

C. Uva, Il sistema Pixar, Il Mulino, Bologna 2017.

Dispense a cura del docente.

Il corso mira a problematizzare l’insegnamento del cinema e delle discipline audiovisive nel più ampio contesto della media education, sia dal punto di vista teorico-metodologico che dal punto di vista pragmatico.
A partire dalla ridefinizione delle strategie didattiche conseguente all’uso sempre più frequente delle tecnologie digitali in ambito educativo, la prima parte del corso si concentrerà sulla presenza e la funzione dei media nella prassi pedagogica, tanto come oggetto di studio (educazione ai media e al linguaggio cinematografico) quanto come supporto alla didattica in numerose discipline differenti (educazione attraverso i media), con particolare attenzione ai media audiovisivi.
Nella seconda parte del corso la media education sarà posta in dialogo con le più recenti teorie elaborate nell’ambito degli studi di cultura visuale, per valutare l’efficacia di alcune strategie didattiche nell’ambito dell’educazione all’immagine.

- Pier Cesare Rivoltella, Media Education. Idea, metodo, ricerca, ELS La Scuola, Brescia 2017
- Dispense a cura del docente

Impiegando le metodologie dei visual studies contemporanei, il corso ricompone teorie e orientamenti estetici tardo-ottocenteschi e novecenteschi con riflessioni attuali, concentrando l’attenzione sulle forme urbane della sperimentazione artistica: dal cinema delle avanguardie all’underground, dalle arti elettroniche e digitali al web, dallo spot pubblicitario al music video al Vj’ing. Il corso vuole porre in rapporto i cambiamenti dell’habitat urbano con quelli del panorama mediale contemporaneo, indagando i territori d’ibridazione tra cinema, video, architettura e arti visive, alla luce delle nuove forme percettive e cognitive, estetiche e tecnologiche emerse nel sistema degli audiovisivi attuali.

G. Ravesi, La città delle immagini, Rubbettino, Soveria Mannelli 2011.
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria di Via G. Rocco, n. 11.

FILMOGRAFIA:
FILM E VIDEO MONOCANALE
The Corridor (Norman McLaren, anni '50); Blinkity Blank (Norman McLaren, 1955); N.Y., N.Y. – A Day in New York (Francis Thompson, 1957); Bridges-Go-Round (Shirley Clarke, 1958); Broadway by Light (William Klein, 1958); New York Lightboard (Norman McLaren, 1961); Sulle scale mobili (Bruno Munari e Marcello Piccardo, 1964); Empire (Andy Warhol, 1964); Lights (Marie Menken, 1964-1966);Tre e basta (Luca Maria Patella, 1965); (Back and Forth, 1968) di Michael Snow (1968); Necrology (Roll Call Of The Dead) di Standish D. Lawder (1969); Serene Velocity (Ernie Gehr, 1970); Broadwalk (William Raban, 1971); Synchromy (Norman McLaren, 1971); Shift (Ernie Gehr, 1972-1974); Park Film (Chris Welsby, 1973); Eureka (Ernie Gehr,1974); Nuovo libro (Nowa ksiazka, Zbigniew Rybczynski, 1975); Analogies: Studies in the Movement of Time (Peter Rose, 1977); Mein Fenster (La mia finestra, Zbigniew Rybczynski, 1979); Media (Zbigniew Rybczynski, 1980); Tango (Zbigniew Rybczynski, 1980); Mistaken Memories of Mediaeval Manhattan (Brian Eno, 1981-1982); Koyaanisqatsi (Godfrey Reggio, 1983); Two Times in One Space (Ivan Ladislav Galeta, 1976-1984); Signal – Germany on the Air (Ernie Gehr, 1985); Steel Cathedrals (Yasuyuki Yamaguchi, David Sylvian, 1985); Le deuxième jour (Robert Cahen, 1988); Hong Kong Song (Robert Cahen, 1989); Appunti di viaggio su moda e città (Wim Wenders, 1989); Surveillance (Jem Cohen, 1995); X-Rays (Jem Cohen, 1995); Lost Book Found (Jem Cohen, 1996); Lucy et le fantôme de Marcushelmons (Valérie Pavia, 1996); Monocodes (Alexander Rutterford, 2000); Naqoyqatsi (Godfrey Reggio, 2002); Crossings (H.C. Gilje, 2002); Panorama_Roma (ZimmerFrei, 2004); Crossings (Marina Chernikova, 2004); Exchangeable Cities (Kentaro Taki, 2004); Site specific_Roma 04 (Olivo Barbieri, 2004); Site specific_Las Vegas 05 (Olivo Barbieri, 2005); Tournis (François Vogel, 2006); Reflect (spot Motorola, François Vogel, 2007); Fell It (spot ATP, Luis Nieto, 2007); Empire II (Amos Poe, 2007).
INSTALLAZIONI, VIDEOINSTALLAZIONI, ARTE INTERATTIVA
Intervento per lo Scalone, IX Triennale di Milano (Lucio Fontana, 1951); Italia 61 (Soffitto Padiglione, Torino, Lucio Fontana, 1961); Ambienti stroboscopici (Davide Boriani, 1965-1967); Live-taped Video Corridor (Bruce Nauman, 1970); Present Continuous Past (Dan Graham, 1974);
Video Piece for Showcase Windows In Shopping Arcade (Dan Graham, 1976);Video Piece for Two Glass Office Buildings (Dan Graham, 1976); Alteration to a Suburban House (Dan Graham, 1978);
Video Projection Outside Home (Dan Graham, 1978); Titled Arc (Federal Plaza, New York, Richard Serra, 1981);Vedute – quel tale non sta mai fermo (Studio Azzurro, 1985); The Legible City (Jeffrey Shaw, 1988-1991); The Stairs I – Geneva (Peter Greenaway, 1994); The Georgetown Loop (Ken Jacobs, 1996); Périphérie (Miguel Chevalier, 1998);On View (Antoni Muntadas, 1999);
Megalopoli (Studio Azzurro, 2000); Naples (piazza Plebiscito, Napoli, Richard Serra, 2000); Exercising Nowheres (1), (2) e (3) (Hans op de Beeck, 2000); CECUT Projection (Omnimax Theater, Centro Cultural Tijuana, Mexico, Krzysztof Wodiczko, 2000); Macchina dell’arcobaleno (Alberto Biasi, 2000); Location (2) (Hans op de Beeck, 2001); WalkAround (Patrick Tuttofuoco , 2002); Metapolis (Miguel Chevalier, 2002); Y (Patrick Tuttofuoco, 2004); T-Mart (Hans op de Beeck, 2004); Location (5) (Hans op de Beeck, 2004); Celestial Subway Lines/ Salvaging Noise (Ken Jacobs, 2004); Revolving Landscape (Patrick Tuttofuoco, 2006); Sleepwalkers (Doug Aitken, 2007); Crossborders (Miguel Chevalier, 2007); Location (6) (Hans op de Beeck, 2008).
MUSIC VIDEO, VISUAL, VJ’ING
Se telefonando (spot Barilla, Piero Gherardi, 1966); Under pressure (music video Queen feat. David Bowie) di David Mallet e Andy Morahan (1982); Imagine (music video John Lennon) di Zbig Rybczynski (1987); La tour de Pisa (music video Jean François Cohen) di Michel Gondry (1992); Big Time Sensuality (music video Björk) di Stéphane Sednaoui (1992); Love is Strong (music video Rolling Stones) di David Fincher (1995); Children (music video Robert Miles) di Elizabeth Bailey (1996); Ray of Light (music video Madonna) di Jonas Âkerlund (1997); Non è mai stato subito (music video Biagio Antonacci) di Stefano Salvati (1998); Brown Paper Bag (music video Roni Size/Reprazent, 1998); The Child (music video dj Alex Gopher) di Antoine Bardou-Jacquet (1999); Strong Enough (music video Cher) di Nigel Dick (1999); Freestyler (music video Bomfunk MC’S, 2000); This strange effect (music video Hooverphonic, 2000); Analyse (music video Cranberries) di Keir McFarlane (2001); Star Guitar (music video The Chemical Brothers) di Michel Gondry (2002); Come Into My World (music video Kylie Minogue) di Michel Gondry (2002); Growing Up (music video Peter Gabriel) di François Vogel (2002); Sit Down. Stand Up (music video Radiohead) di Ed Holdsworth (2003); Woodsroads (Saul Saguatti , 2003-2004); Tension (visual Orbital) di Giles Thacker (2004); I Citizen The Loathsome (visual Plaid) di Bob Jaroc (2006); Colombo (music video Baustelle) di Stefano Poletti (2007); Presunti Accenni (music video IG) di Fabio Massimo Iaquone, Luca Attilii (2007); Se vuoi (music video IG) di Fabio Massimo Iaquone, Luca Attilii (2007); Transit City #2 RomAstratta (Saul Saguatti, 2008)
NET E SOFTWARE ART
Blinkenlights (2001) Chaos Computer Club; Arcade (2002) Chaos Computer Club; Avatar's Portraits (2006) Eva e Franco Mattes; Stereoscope (2008) Chaos Computer Club.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139 insieme a una dispensa con i materiali audiovisivi delle lezioni per sola consultazione interna.

Il corso è suddiviso in due parti.
Nella prima parte vengono illustrate le principali evoluzioni del contesto sociale, politico, culturale, economico e tecnologico, con particolare riguardo alla dimensione urbana e dei territori, collocando lo spettacolo dal vivo nel perimetro delle risorse culturali materiali e immateriali, al fine di fornire, mediante molteplici chiavi di lettura, una conoscenza critica degli scenari e dei campi d’azione e interazione.
Nella seconda parte, partendo dagli approcci di cultural planning e dalla misurazione della legacy (esiti, impatti), vengono investigate le diverse piattaforme progettuali e le opportunità con le quali le imprese teatrali e dello spettacolo dal vivo possono contribuire a progetti di rilancio delle città, rigenerazione di spazi, innovazione sociale, residenze e pratiche collaborative.
Il corso utilizzerà case-studies, anche internazionali, con particolare riguardo alle ECoC (Capitale Europea della Cultura), alle Capitali italiane della Cultura, alle città creative Unesco.

Per gli studenti frequentanti:
Lucio Argano "Manuale di progettazione della cultura. Filosofia progettuale, design e project management in campo culturale e artistico" FrancoAngeli, Milano, 2012 (Capitoli 2, 4, 5, 6)
Carlini C., Gallina M., Ponte di Pino O. (a cura di), "Reinventare i luoghi della cultura contemporanea. Nuovi spazi, nuove creatività, nuove professioni, nuovi pubblici", FrancoAngeli, Milano, 2017

Per gli studenti non frequentanti:
Lucio Argano "Manuale di progettazione della cultura. Filosofia progettuale, design e project management in campo culturale e artistico" FrancoAngeli, Milano, 2012 (Capitoli 2, 4, 5, 6)
Carlini C., Gallina M., Ponte di Pino O. (a cura di), "Reinventare i luoghi della cultura contemporanea. Nuovi spazi, nuove creatività, nuove professioni, nuovi pubblici", FrancoAngeli, Milano, 2017
Hangar "La “quasi” impresa. Manuale d’uso per operatori culturali", Sole 24 Ore, Milano, 2018

Prende le mosse dagli aspetti di metodologia della ricerca storica, intesa sia come insieme di tecniche e strumenti operativi, sia come teoria storiografica per poi concentrarsi sul concetto di Storia globale.
La prima parte del corso (12 ore) orienta gli studenti sui principali elementi di storia della storiografia a partire dalla nascita della disciplina nel corso del XIX secolo. La seconda parte del corso (12 ore) affronta gli aspetti teorici e metodologici dell’uso delle fonti storiche con particolare riferimento alle “nuove fonti” e all’uso dinamico. La terza e ultima parte del corso (12 ore) si concentra sul tema monografico della Storia globale.

G. De Luna, La Passione e la ragione. Il mestiere dello storico contemporaneo, Milano, Bruno Mondadori, 2004 (pp. 259, € 20,00)

Un testo a scelta tra:
- E. Vanhaute, Introduzione alla World History, Bologna, il Mulino, 2015 (pp. 272, € 25,00)
- S. Conrad, Storia globale. Un’introduzione, Roma, Carocci, 2015 (pp. 212, € 19,00)

Si suggerisce la lettura di:
- S. Gruzinski, Abbiamo ancora bisogno della storia? Il senso del passato nel mondo globalizzato, Milano, Raffaello Cortina, 2016 (pp. 166, € 18,00)

Il laboratorio permetterà di approfondire e di sperimentare sul campo i temi che vengono affrontati nel corso in rapporto all'antropologia delle performance e delle rappresentazioni culturali.

Jean-Loup Amselle, Connessioni. Antropologia dell'universalità delle culture, trad. it. di Marco Aime, Torino, Bollati Borimghieri, 2001.
Shahram Khosravi, Io sono confine, trad. it. di Elena Cantoni, Milano, elèuthera, 2019.
Alessandro Leogrande, La frontiera, Milano, Feltrinelli, 2017 (edizione economica).
Luca Rastello, La frontiera addosso. Così si deportano i diritti umani, Roma-Bari, Laterza, 2010.

Il corso intende focalizzare l'attenzione sulle strategie della messa in scena cinematografica, privilegiando il contesto del cinema contemporaneo senza rinunciare - però - a un confronto serrato con le pratiche registiche che hanno segnato il periodo del cinema classico e, soprattutto, del cinema moderno. La questione delle regia sarà analizzata in quanto questione eminentemente "teorica", sviluppando una riflessione che intende spingersi oltre la questione della grammatica filmica.
Muovendo dall'idea della messa in scena cinematografica come strategia di organizzazione dello spazio filmico, il corso si soffermerà anche sulle pratiche contemporanee che svincolano il film dalla sala proponendo forme di "rilocazione" che obbligano a un ripensamento dell'idea stessa di regia (in particolare focalizzando l'attenzione sulla relazione sala-museo e sull'opera dei cosiddetti "cineasti-artisti"). In questo quadro, l'opera di Abbas Kiarostami fornirà casi di studio rilevanti che consentiranno un costante scivolamento delle questioni teoriche sollevate nella pratica d'analisi dei film e delle installazioni del cineasta iraniano.

BIBLIOGRAFIA:
- Elio Ugenti, "Abbas Kiarostami. Le forme dell'immagine", Bulzoni, Roma 2018
- Francesco Federici, "Cinema esposto. Arte contemporanea, museo, immagini in movimento", Forum, Udine 2017
- Dispense a cura del docente

FILMOGRAFIA:
- Dov'è la casa del mio amico? [Khane-ye dust kojast], 1987
- Compiti a casa [Mashq-e shab], 1989
- E la vita continua [Va zendegi edame darad], 1992
- Il sapore della ciliegia [Tam'e ghilas], 1997
- Il vento ci porterà via [Bad ma-ra khahad bord], 1999
- ABC Africa, 2001
- Five, 2004
- Roads of Kiarostami, 2005
- Shirin, 2008
- Copia conforme [Copie conforme], 2010
- Qualcuno da amare [Like Someone in Love], 2012
- 24 Frames, 2016

Nella contemporaneità l’arte influenza il discorso pubblico, divenendo “fabbrica di senso”, laboratorio della società civile, spazio e luogo della memoria pubblica, arena in cui definire socialmente le identità di genere, le appartenenze etniche e di classe sociale.
La prima parte del corso è dedicata allo studio della produzione artistica e delle politiche del consumo culturale. Affronta i seguenti temi: le teorie della morte dell’autore, le teorie della ricezione, l’arte come pratica sociale, le definizioni istituzionali del valore artistico, i casi di “mancato riconoscimento” e le politiche del plagio, le politiche del genio, la canonizzazione e le pratiche di esclusione sociale, le teorie del capitale culturale, la formazione dei canoni artistici nella società dei media, il rapporto tra arte e pubblicità, il ruolo dei social media nella produzione delle reputazioni artistiche e nei "mondi dell'arte" più in generale.
La seconda parte, invece, concerne le istituzioni artistiche e affronta i seguenti temi: arte e sfera pubblica, il monumento nello spazio urbano, l'arte come tecnologia della memoria, il consumo culturale del passato e il ruolo del cinema nella produzione della memoria pubblica dei passati controversi, i modelli sociologici di analisi dei musei e le politiche di allestimento museale, la rappresentazione nei musei delle identità etniche, i musei come tecnologie di genere, i musei on line, l'arte elettronica e l'arte multimediale.

1) Anna Lisa Tota e Antonietta De Feo (2019), La comunicazione artistica, Carocci, Roma (in pubblicazione).
2) Anna Lisa Tota, Lia Luchetti e Trever Hagen (2018) (a cura di) Sociologie della memoria. Verso un’ecologia del passato, Carocci, Roma.

Le lezioni analizzeranno principalmente i seguenti temi: le origini della rappresentazione diplomatica residente, i modelli italiani, carriere sociali e ruoli degli ambasciatori e dei nunzi apostolici, la trattatistica sull’ambasciatore, la critica delle fonti diplomatiche, le mansioni e i codici del mestiere diplomatico, le pratiche concrete delle diplomazie all’opera nei contesti storici propri dell’età moderna.

Testi d’esame:
1) S. ANDRETTA, L’arte della prudenza. Teorie e prassi della diplomazia nell’Italia del XVI e XVII secolo, Biblink, Roma 2006.
2) G. ALONGE, Ambasciatori. Diplomazia e politica nella Venezia del Rinascimento, Donzelli, Roma 2019
oppure, E. PLEBANI, E.VALERI, P.VOLPINI, Diplomazie. Linguaggi, negoziati e ambasciatori far XV e XVI secolo, ( a cura di), Franco Angeli, Milano 2017

I non frequentanti dovranno portare in aggiunta ai testi sopra indicati:

3) R. SABBATINI, P. VOLPINI ( a cura di), Sulla diplomazia in età moderna. Politica, economia, religione, Franco Angeli, Milano 2011;

Oppure in alternativa 4 saggi a scelta tratti dai volumi:

a) S. ANDRETTA, S. PÉQUIGNOT, J.-C.WAQUET ( a cura di), De l’ambassadeur. Les écrits relatifs à l’ambassadeur et à l’art de négocier du Moyen Âge au début du XIXe siècle (L’ambasciatore. Scritti relativi all’ambasciatore e all’arte della negoziazione dal Medioevo all’inizio del XIX secolo), EFR, Roma 2015.
b) S.ANDRETTA, S. PÉQUIGNOT, M.K.SCHAUB,J.-C.WAQUET, C. WINDLER ( a cura di), Paroles de négociateurs. L’entretien dans la pratique diplomatique de la fin du Moyen Ȃge à la fin du XIXe siècle (Parole di negoziatori. Pratiche dell’incontro diplomatico dalla fine del Medioevo alla fine del XIX secolo),EFR, Roma 2010

a) I contenuti dell’insegnamento (indicati nei tre nuclei tematici del punto c) saranno resi comprensibili per tutti gli studenti, frequentanti e non frequentanti, anche grazie alla continua alternanza tra francese e italiano;
b) Il corso sarà attentamente calibrato alla luce del numero di CFU previsti dall’insegnamento;
c) Il corso affronterà tre nuclei tematici: una prima parte dedicata alla storia del Cinquecento con particolare attenzione alle scoperte geografiche, alla guerre religiose interne ed esterne al cristianesimo, alla Renaissance francese; una seconda parte sulla presentazione di alcuni fra gli autore della Pléiade; infine una terza parte di letture poetiche attraverso l’analisi ravvicinata del testo.

C. Vivanti, Le guerre di religione nel Cinquecento, Laterza, 2007

F. Braudel, Espansione europea e capitalismo (1450-1650), Il Mulino, 1999

Du Bellay, Rimpianti, Dedalus, 2014

AAVV, Lodi del corpo femminile, SE, 2013

Du Bellay, Le antichità di Roma, Carocci, 2005

P. de Ronsard, Amori, Mondadori, 1990 [dispensa]

Du Bellay, Inno alla sordità, Dedalus, 2017 [dispensa]

J. de Sponde, Stanze e sonetti della morte, Einaudi, 1970 [dispensa]

Globalizzazione e diversità culturale. Migrazioni e confronti tra culture. La resistenza delle culture. Ognuno di noi è cultura. Il lavoro del vivere assieme.

Jean-Loup Amselle, Connessioni. Antropologia dell'universalità delle culture, trad. it. di Marco Aime, Torino, Bollati Borimghieri, 2001.
Shahram Khosravi, Io sono confine, trad. it. di Elena Cantoni, Milano, elèuthera, 2019.
Alessandro Leogrande, La frontiera, Milano, Feltrinelli, 2017 (edizione economica).
Luca Rastello, La frontiera addosso. Così si deportano i diritti umani, Roma-Bari, Laterza, 2010.

PROGRAMMA: Linee di sviluppo teorico e storiografico, dagli anni Trenta del ‘900 a oggi, di concetti quali “intermedialità”, “expanded arts”, “artmix”, “drammaturgia delle arti”, “televisione creativa”, “expanded television”, ecc.
Studio delle ricadute “intermediali” nelle storie del cinema come in quelle della comunicazione e dei media audiovisivi dall’analogico al Web.
Sono previste “lezioni-incontro” con artisti e cineasti italiani ed esteri.

- M.M. Gazzano (a cura di) Edison Studio. Il "silent film" e l'elettronica in relazione intermediale, Exorma, Roma 2015;
- F. Zecca, Cinema e intermedialità. Modelli di traduzione, Forum, Udine 2013.

Il corso si concentra sulle forme della Media Literacy nella cultura digitale contemporanea. La prima parte è di ordine teorico e si confronta con le trasformazioni delle forme pedagogiche e di apprendimento scolastico interpretate in sinergia con le nuove forme di spettatorialità basate sulle logiche delle culture partecipative. La seconda parte è invece incentrata sulle forme del crito-film e del video-saggio. Lette in continuità con le analisi teoriche sul motivo della cornice, del paratesto e dello schermo, tali pratiche critico-espressive reinterpretano motivi e stili peculiari della storia del cinema e dell’arte promuovendo un’inedita elaborazione educativa e creativa di confronto con le immagini contemporanee.

Henry Jenkins, Culture partecipative e competenze digitali. Media education per il XXI secolo, Guerini, Milano 2010.
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria di Via G. Rocco, n. 11.

FILM E VIDEOGRAFIA:
I bambini al cinema (1957) Francesco Maselli; Zorns Lemma (1970) Hollis Frampton; Live-taped Video Corridor (1970) Bruce Nauman; Present Continuous Past (1974) Dan Graham; Mein Fenster (La mia finestra, 1979) Zbigniew Rybczynski; Media (1980) Zbigniew Rybczynski; Tele-racconto (1991) Giacomo Verde; Evidence (1995) Godfrey Reggio; Blinkenlights (2001) Chaos Computer Club; Star Guitar (music video The Chemical Brothers, 2002) Michel Gondry; Arcade (2002) Chaos Computer Club; La pozzanghera (2006) Studio Azzurro; Be Kind Rewind (2007) Michel Gondry; Stereoscope (2008) Chaos Computer Club; Rembrandt’s J’accuse (2008) Peter Greenaway; Shirley: Visions of Reality (2013) Gustav Deutsch;
antologia di found footage film: Trade Tattoo (1937) Len Lye, Rainbow Dance (1936) Len Lye, Rose Hobart (1939) Joseph Cornell, Le film est déjà commencé? (1951) Maurice Lemaitre, A movie (1958) Bruce Conner, Very Nice, Very Nice (1961) Arthur Lipsett, La rabbia (1963) Pier Paolo Pasolini, La verifica incerta (1965) Gianfranco Baruchello, Alberto Grifi, Movie Drome (1965-1968) Stan Vanderbeek, The Cut-Ups (1966) William S. Burroughs, Antony Balch, Exploding Plastic Inevitable (1966) Andy Warhol, Le stelle di Mario Schifano (1967), L’inizio (Načalo, 1967) Artavazd Pelešian, Tom Tom the Piper’s Son (1969-1971) Ken Jacobs, La société du spectacle (1973) Guy Debord, Technology Transformation: Wonder Woman (1978) Dara Birnbaum, Mongoloid (music video Devo, 1978) Bruce Conner, Koyaanisqatsi (1983) Godfrey Reggio, A TV Dante. The Inferno (1985-1989) Peter Greeneway e Tom Phillips, Dal polo all’equatore (1986) Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi, Art of Memory (1987) Woody Vasulka, Steps (1987) Zbigniew Rybczynski, Histoire(s) du cinéma. 1a Toutes les histoires (1988) Jean Luc Godard, Dab (1988-2016) John Oswald, Alchemie (1992) Jürgen Reble, Filmarilyn (1992) Paolo Gioli, Passage à l’acte (1993) Martin Arnold, 24 Hour Psycho (1993) Douglas Gordon, Telephones (1995) Christian Marclay, The Georgetown Loop (1996) Ken Jacobs, Yours (1997) Jeff Scher, Film Ist 1. Movement and time (1998) Gustav Deutsch, L’arrivée (1998) Peter Tscherkassky, Outer Space (1999) Peter Tscherkassky, Essere morti o essere vivi è la stessa cosa (2000) Gianluigi Toccafondo, The Pentagon Tv Commercials (2003) Cane CapoVolto, Fast Film (2003) Virgil Widrich, Celestial Subway Lines/ Salvaging Noise (2004) Ken Jacobs, Sync(Watch) (2005) Marco Brambilla, 24 seconds Psycho (2005) Chris Bors, Installazione Film Ist (1-12) (2006) Gustav Deutsch, Crumax Rins (2006, visual Plaid) Bob Jaroc, Blob. THI$ I$ NOTH&ND (2008), Domine Jesus (2008) Leonardo Carrano, Alessandro Pierattini, Pasolini Requiem (2009) Mario Verger, The Clock (2010) Christian Marclay, Delia Derbyshire, Loop Composer (2011) AK_Alias, Blue Matter, Change Your Mind (2011) AK_Alias, Distorted Times (2012) Gideon van der Stelt, Creation (2012) Marco Brambilla, Cinema rianimato n. 3 (2012) Daniele Puppi, Cirrus (music video Bonobo, 2013) Cyriak, The Emoshjining (2014) Donato Sansone, Sigla Mostra Internazionale del Cinema di Pesaro (2016) Virgilio Villoresi, Purge The Odd Couple (2017) Pogo, RedruM (2018) Pogo;
antologia di crito-film: Stile di Piero della Francesca (1954) Carlo Ludovico Ragghianti, Carpaccio (1947) Roberto Longhi e Umberto Barbaro, Il dramma di Cristo (1948) Luciano Emmer ed Enrico Gras, Pittori di provincia (1953) Lucio Fulci, Cinéastes de notre temps (1964-1972) e Cinéma, de notre temps (1989-2018);
antologia di video-essay: Le combat avec l’ange (2004) Alain Bergala, The Doors of Perspection (2011) People Like Us (Vicki Bennett), Double Lives, Second Chances (2011) Cristina Álvarez López, Kubrick // One Point Perspective (2012) kogonada, Tarantino // From Below (2012) kogonada, Wes Anderson // From Above (2012) kogonada, The Career of Paul Thomas Anderson in Five Shots (2012) Kevin B. Lee, Rear Window Timelapse (2012) Jeff Desom, Zero De Doom (2012) Matthew Cheney, The Essay Film: Some Thoughts of Discontent (2013) Kevin B. Lee, Screen and Surface, Soft and Hard: the Cinema of Leos Carax (2013)Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, [De Palma’s] Vision (2014) Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, Wes Anderson // Centered (2014) kogonada, Peter Greenaway // Centered (2014) LaurentG, Evolution of the Dolly Zoom (2014) Vashi Nedomansky, Eyes of Hitchcock (2014) kogonada, Alphaville - A Crystal Maze (2014) Henrike Lindenberger, Cross-cut (2014) Drew Morton, Last Year At The Overlook (2015) Drew Morton, The Dutch Angle (2015) Jacob T. Swinney, First and Final Frames (2015) Jacob T.Swinney, The Definition of Film (2015) Richard Misek, Auteur in Space (2015) kogonada, Volumetric Cinema (2015) Kevin L. Ferguson, Manderley Motel (2015) Corey Creekmur, Blue Shining (2015) Richard Vezina, Joel & Ethan Coen - Shot | Reverse Shot (2016) Tony Zhou, Taylor Ramos, Amélie - Symmetry & Camera Movement (2016) Lessa Räbiger, Godard in Fragments (2016) kogonada, The Spielberg Touchscreen (2016) Ken Provencher, Graphic Spaces: Film Transitions in Steven Spielberg’s Filmmaking (2018) Andrea Minuz.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

Nella contemporaneità l’arte influenza il discorso pubblico, divenendo “fabbrica di senso”, laboratorio della società civile, spazio e luogo della memoria pubblica, arena in cui definire socialmente le identità di genere, le appartenenze etniche e di classe sociale.
La prima parte del corso è dedicata allo studio della produzione artistica e delle politiche del consumo culturale. Affronta i seguenti temi: le teorie della morte dell’autore, le teorie della ricezione, l’arte come pratica sociale, le definizioni istituzionali del valore artistico, i casi di “mancato riconoscimento” e le politiche del plagio, le politiche del genio, la canonizzazione e le pratiche di esclusione sociale, le teorie del capitale culturale, la formazione dei canoni artistici nella società dei media, il rapporto tra arte e pubblicità, il ruolo dei social media nella produzione delle reputazioni artistiche e nei "mondi dell'arte" più in generale.
La seconda parte, invece, concerne le istituzioni artistiche e affronta i seguenti temi: arte e sfera pubblica, il monumento nello spazio urbano, l'arte come tecnologia della memoria, il consumo culturale del passato e il ruolo del cinema nella produzione della memoria pubblica dei passati controversi, i modelli sociologici di analisi dei musei e le politiche di allestimento museale, la rappresentazione nei musei delle identità etniche, i musei come tecnologie di genere, i musei on line, l'arte elettronica e l'arte multimediale.

1) Anna Lisa Tota e Antonietta De Feo (2019), La comunicazione artistica, Carocci, Roma (in pubblicazione).
2) Anna Lisa Tota, Lia Luchetti e Trever Hagen (2018) (a cura di) Sociologie della memoria. Verso un’ecologia del passato, Carocci, Roma.

Il corso intende focalizzare l'attenzione sulle strategie della messa in scena cinematografica, privilegiando il contesto del cinema contemporaneo senza rinunciare - però - a un confronto serrato con le pratiche registiche che hanno segnato il periodo del cinema classico e, soprattutto, del cinema moderno. La questione delle regia sarà analizzata in quanto questione eminentemente "teorica", sviluppando una riflessione che intende spingersi oltre la questione della grammatica filmica.
Muovendo dall'idea della messa in scena cinematografica come strategia di organizzazione dello spazio filmico, il corso si soffermerà anche sulle pratiche contemporanee che svincolano il film dalla sala proponendo forme di "rilocazione" che obbligano a un ripensamento dell'idea stessa di regia (in particolare focalizzando l'attenzione sulla relazione sala-museo e sull'opera dei cosiddetti "cineasti-artisti"). In questo quadro, l'opera di Abbas Kiarostami fornirà casi di studio rilevanti che consentiranno un costante scivolamento delle questioni teoriche sollevate nella pratica d'analisi dei film e delle installazioni del cineasta iraniano.

BIBLIOGRAFIA:
- Elio Ugenti, "Abbas Kiarostami. Le forme dell'immagine", Bulzoni, Roma 2018
- Francesco Federici, "Cinema esposto. Arte contemporanea, museo, immagini in movimento", Forum, Udine 2017
- Dispense a cura del docente

FILMOGRAFIA:
- Dov'è la casa del mio amico? [Khane-ye dust kojast], 1987
- Compiti a casa [Mashq-e shab], 1989
- E la vita continua [Va zendegi edame darad], 1992
- Il sapore della ciliegia [Tam'e ghilas], 1997
- Il vento ci porterà via [Bad ma-ra khahad bord], 1999
- ABC Africa, 2001
- Five, 2004
- Roads of Kiarostami, 2005
- Shirin, 2008
- Copia conforme [Copie conforme], 2010
- Qualcuno da amare [Like Someone in Love], 2012
- 24 Frames, 2016

Il corso ruota attorno ai seguenti temi:
digitalizzazione dei media audiovisivi, convergenza multimediale, crossmedialità, moltiplicazione delle piattaforme distributive, multimedia storytelling, con un focus particolare sull'intrattenimento come metagenere dei media, dei social e dell’esperienza condivisa.

Libri e saggi:

A. Arvidsson, A. Delfanti, Introduzione ai media digitali, seconda edizione aggiornata, Bologna, Il Mulino, 2016. ;
E. Menduni, Entertainment, Bologna, Il Mulino, 2013.
F. Di Chio (a cura di), Mediamorfosi 2, Industrie e immaginari dell'audiovisivo digitale, Link idee per la televisione n. 22, Dicembre 2017 (l'intera sezione "Immaginari" disponibile come dispensa in copisteria).

Impiegando le metodologie dei visual studies contemporanei, il corso ricompone teorie e orientamenti estetici tardo-ottocenteschi e novecenteschi con riflessioni attuali, concentrando l’attenzione sulle forme urbane della sperimentazione artistica: dal cinema delle avanguardie all’underground, dalle arti elettroniche e digitali al web, dallo spot pubblicitario al music video al Vj’ing. Il corso vuole porre in rapporto i cambiamenti dell’habitat urbano con quelli del panorama mediale contemporaneo, indagando i territori d’ibridazione tra cinema, video, architettura e arti visive, alla luce delle nuove forme percettive e cognitive, estetiche e tecnologiche emerse nel sistema degli audiovisivi attuali.

G. Ravesi, La città delle immagini, Rubbettino, Soveria Mannelli 2011.
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria di Via G. Rocco, n. 11.

FILMOGRAFIA:
FILM E VIDEO MONOCANALE
The Corridor (Norman McLaren, anni '50); Blinkity Blank (Norman McLaren, 1955); N.Y., N.Y. – A Day in New York (Francis Thompson, 1957); Bridges-Go-Round (Shirley Clarke, 1958); Broadway by Light (William Klein, 1958); New York Lightboard (Norman McLaren, 1961); Sulle scale mobili (Bruno Munari e Marcello Piccardo, 1964); Empire (Andy Warhol, 1964); Lights (Marie Menken, 1964-1966);Tre e basta (Luca Maria Patella, 1965); (Back and Forth, 1968) di Michael Snow (1968); Necrology (Roll Call Of The Dead) di Standish D. Lawder (1969); Serene Velocity (Ernie Gehr, 1970); Broadwalk (William Raban, 1971); Synchromy (Norman McLaren, 1971); Shift (Ernie Gehr, 1972-1974); Park Film (Chris Welsby, 1973); Eureka (Ernie Gehr,1974); Nuovo libro (Nowa ksiazka, Zbigniew Rybczynski, 1975); Analogies: Studies in the Movement of Time (Peter Rose, 1977); Mein Fenster (La mia finestra, Zbigniew Rybczynski, 1979); Media (Zbigniew Rybczynski, 1980); Tango (Zbigniew Rybczynski, 1980); Mistaken Memories of Mediaeval Manhattan (Brian Eno, 1981-1982); Koyaanisqatsi (Godfrey Reggio, 1983); Two Times in One Space (Ivan Ladislav Galeta, 1976-1984); Signal – Germany on the Air (Ernie Gehr, 1985); Steel Cathedrals (Yasuyuki Yamaguchi, David Sylvian, 1985); Le deuxième jour (Robert Cahen, 1988); Hong Kong Song (Robert Cahen, 1989); Appunti di viaggio su moda e città (Wim Wenders, 1989); Surveillance (Jem Cohen, 1995); X-Rays (Jem Cohen, 1995); Lost Book Found (Jem Cohen, 1996); Lucy et le fantôme de Marcushelmons (Valérie Pavia, 1996); Monocodes (Alexander Rutterford, 2000); Naqoyqatsi (Godfrey Reggio, 2002); Crossings (H.C. Gilje, 2002); Panorama_Roma (ZimmerFrei, 2004); Crossings (Marina Chernikova, 2004); Exchangeable Cities (Kentaro Taki, 2004); Site specific_Roma 04 (Olivo Barbieri, 2004); Site specific_Las Vegas 05 (Olivo Barbieri, 2005); Tournis (François Vogel, 2006); Reflect (spot Motorola, François Vogel, 2007); Fell It (spot ATP, Luis Nieto, 2007); Empire II (Amos Poe, 2007).
INSTALLAZIONI, VIDEOINSTALLAZIONI, ARTE INTERATTIVA
Intervento per lo Scalone, IX Triennale di Milano (Lucio Fontana, 1951); Italia 61 (Soffitto Padiglione, Torino, Lucio Fontana, 1961); Ambienti stroboscopici (Davide Boriani, 1965-1967); Live-taped Video Corridor (Bruce Nauman, 1970); Present Continuous Past (Dan Graham, 1974);
Video Piece for Showcase Windows In Shopping Arcade (Dan Graham, 1976);Video Piece for Two Glass Office Buildings (Dan Graham, 1976); Alteration to a Suburban House (Dan Graham, 1978);
Video Projection Outside Home (Dan Graham, 1978); Titled Arc (Federal Plaza, New York, Richard Serra, 1981);Vedute – quel tale non sta mai fermo (Studio Azzurro, 1985); The Legible City (Jeffrey Shaw, 1988-1991); The Stairs I – Geneva (Peter Greenaway, 1994); The Georgetown Loop (Ken Jacobs, 1996); Périphérie (Miguel Chevalier, 1998);On View (Antoni Muntadas, 1999);
Megalopoli (Studio Azzurro, 2000); Naples (piazza Plebiscito, Napoli, Richard Serra, 2000); Exercising Nowheres (1), (2) e (3) (Hans op de Beeck, 2000); CECUT Projection (Omnimax Theater, Centro Cultural Tijuana, Mexico, Krzysztof Wodiczko, 2000); Macchina dell’arcobaleno (Alberto Biasi, 2000); Location (2) (Hans op de Beeck, 2001); WalkAround (Patrick Tuttofuoco , 2002); Metapolis (Miguel Chevalier, 2002); Y (Patrick Tuttofuoco, 2004); T-Mart (Hans op de Beeck, 2004); Location (5) (Hans op de Beeck, 2004); Celestial Subway Lines/ Salvaging Noise (Ken Jacobs, 2004); Revolving Landscape (Patrick Tuttofuoco, 2006); Sleepwalkers (Doug Aitken, 2007); Crossborders (Miguel Chevalier, 2007); Location (6) (Hans op de Beeck, 2008).
MUSIC VIDEO, VISUAL, VJ’ING
Se telefonando (spot Barilla, Piero Gherardi, 1966); Under pressure (music video Queen feat. David Bowie) di David Mallet e Andy Morahan (1982); Imagine (music video John Lennon) di Zbig Rybczynski (1987); La tour de Pisa (music video Jean François Cohen) di Michel Gondry (1992); Big Time Sensuality (music video Björk) di Stéphane Sednaoui (1992); Love is Strong (music video Rolling Stones) di David Fincher (1995); Children (music video Robert Miles) di Elizabeth Bailey (1996); Ray of Light (music video Madonna) di Jonas Âkerlund (1997); Non è mai stato subito (music video Biagio Antonacci) di Stefano Salvati (1998); Brown Paper Bag (music video Roni Size/Reprazent, 1998); The Child (music video dj Alex Gopher) di Antoine Bardou-Jacquet (1999); Strong Enough (music video Cher) di Nigel Dick (1999); Freestyler (music video Bomfunk MC’S, 2000); This strange effect (music video Hooverphonic, 2000); Analyse (music video Cranberries) di Keir McFarlane (2001); Star Guitar (music video The Chemical Brothers) di Michel Gondry (2002); Come Into My World (music video Kylie Minogue) di Michel Gondry (2002); Growing Up (music video Peter Gabriel) di François Vogel (2002); Sit Down. Stand Up (music video Radiohead) di Ed Holdsworth (2003); Woodsroads (Saul Saguatti , 2003-2004); Tension (visual Orbital) di Giles Thacker (2004); I Citizen The Loathsome (visual Plaid) di Bob Jaroc (2006); Colombo (music video Baustelle) di Stefano Poletti (2007); Presunti Accenni (music video IG) di Fabio Massimo Iaquone, Luca Attilii (2007); Se vuoi (music video IG) di Fabio Massimo Iaquone, Luca Attilii (2007); Transit City #2 RomAstratta (Saul Saguatti, 2008)
NET E SOFTWARE ART
Blinkenlights (2001) Chaos Computer Club; Arcade (2002) Chaos Computer Club; Avatar's Portraits (2006) Eva e Franco Mattes; Stereoscope (2008) Chaos Computer Club.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139 insieme a una dispensa con i materiali audiovisivi delle lezioni per sola consultazione interna.

Il corso è suddiviso in due parti.
Nella prima parte vengono illustrate le principali evoluzioni del contesto sociale, politico, culturale, economico e tecnologico, con particolare riguardo alla dimensione urbana e dei territori, collocando lo spettacolo dal vivo nel perimetro delle risorse culturali materiali e immateriali, al fine di fornire, mediante molteplici chiavi di lettura, una conoscenza critica degli scenari e dei campi d’azione e interazione.
Nella seconda parte, partendo dagli approcci di cultural planning e dalla misurazione della legacy (esiti, impatti), vengono investigate le diverse piattaforme progettuali e le opportunità con le quali le imprese teatrali e dello spettacolo dal vivo possono contribuire a progetti di rilancio delle città, rigenerazione di spazi, innovazione sociale, residenze e pratiche collaborative.
Il corso utilizzerà case-studies, anche internazionali, con particolare riguardo alle ECoC (Capitale Europea della Cultura), alle Capitali italiane della Cultura, alle città creative Unesco.

Per gli studenti frequentanti:
Lucio Argano "Manuale di progettazione della cultura. Filosofia progettuale, design e project management in campo culturale e artistico" FrancoAngeli, Milano, 2012 (Capitoli 2, 4, 5, 6)
Carlini C., Gallina M., Ponte di Pino O. (a cura di), "Reinventare i luoghi della cultura contemporanea. Nuovi spazi, nuove creatività, nuove professioni, nuovi pubblici", FrancoAngeli, Milano, 2017

Per gli studenti non frequentanti:
Lucio Argano "Manuale di progettazione della cultura. Filosofia progettuale, design e project management in campo culturale e artistico" FrancoAngeli, Milano, 2012 (Capitoli 2, 4, 5, 6)
Carlini C., Gallina M., Ponte di Pino O. (a cura di), "Reinventare i luoghi della cultura contemporanea. Nuovi spazi, nuove creatività, nuove professioni, nuovi pubblici", FrancoAngeli, Milano, 2017
Hangar "La “quasi” impresa. Manuale d’uso per operatori culturali", Sole 24 Ore, Milano, 2018

UNA RICERCA ARDENTE
L'essere si dispiega in palpiti e luce con la voce dell'Io intorno a un Tu luminoso, orientandosi a
vuoto, cambiando direzione, sempre cercando, con ostinazione, nella propria irripetibile forma di
vita, giocando con slanci e lacerazioni le infinite possibilità che l'esserci contiene, muovendosi tra le
cose del mondo, danzando nel proprio corpo, ombra e fiore. Nella continua mutazione del vivere
tutto tende ad una forma come opera di vita. Ogni corpo, trascendendo la propria effimera evidenza,
appare nell'unicità della propria figura. L'intimità, raccolta in disegni e aspirazioni segrete, vuole
manifestarsi ma non sa orientarsi verso una completa visibilità. Attraverso una ricerca libera da
condizionamenti e illusorie aspettative, il laboratorio intende risvegliare la passione di sé come
forza creativa per ogni percorso possibile.

Definizione di comunicazione. Processi cognitivi, affettivi e relazionali implicati nella comunicazione in tutte le sue modalità corporee (parole e frasi, prosodia e intonazione, gesti, espressione facciale, sguardo, contatto fisico, postura, prossemica, musica) e tecnologiche. Analisi e detezione della comunicazione sincera e ingannevole, cooperativa e aggressiva, e suoi usi nell’interazione interpersonale, sul lavoro, nell’educazione, nella politica, nello spettacolo.

I testi da portare all’esame sono i seguenti:

A. Lotto L. e Rumiati R. (a cura di). Introduzione alla psicologia della comunicazione. Il Mulino, Bologna 2019 (nuova edizione): esclusi i capitoli 3, 4, 5, 10, 11.
B. Poggi I.: Le parole del corpo. Introduzione alla comunicazione multimodale. Carocci, Roma 2006.
C. Castelfranchi C. e Poggi I.: Bugie, finzioni, sotterfugi, per una scienza dell’inganno, Carocci, Roma 2012.
D. Un testo o insieme di testi, a scelta fra gli 8 punti del seguente elenco:

1. Bazzanella C.: Linguistica cognitiva. Un’introduzione. Laterza, Bari 2014.
2. Gallese V. e Guerra M.: Lo schermo empatico. Cinema e neuroscienze. Raffaello Cortina, Milano 2015.
3. Boulez P., Changeux J.P. e Manoury P.: I neuroni magici. Musica e cervello. Carocci, Roma 2016.
4. Cavalieri R. e Chiricò D.: Parlare, segnare. Introduzione alla fisiologia e alla patologia delle lingue verbali e dei segni. Bologna, Il Mulino.
5. Benedetti F.: L’effetto placebo. Breve viaggio tra mente e corpo. Roma, Carocci 2018.
6. La seguente coppia di testi:
a. Arielli E. e Bottazzini P.: Idee virali. Perché i pensieri si diffondono. Bologna, Il Mulino.
b. Riva G.: I social network. Bologna, Il Mulino

7. La seguente coppia di testi:
a. Cavazza N.: Pettegolezzi e reputazione. Bologna, Il Mulino.
b. Riva G.: Fake news: vivere e sopravvivere in un mondo post-verità. Bologna, Il Mulino

8. 4 articoli sulla comunicazione multimodale scelti fra i seguenti, scaricabili dal link:
http://www.comunicazione.uniroma3.it/it/page/25/_/___22

Vincze L., Poggi I. (2013) Multimodal markers of One's Own and the Other's Vagueness. AI*HCI 2013, Workshop of the XIII AI*IA Conference, December 4th

Poggi I., D'Errico F. (2013) Towards the Parody Machine. Qualitative analysis and cognitive processes in the parody of a politician. In A. Petrosino,

D'Errico F and Poggi I., Vincze L. (2013) Discrediting body. A multimodal strategy to spoil the other's image. In Poggi I., D'Errico F. (et al.; eds)

D'Errico, F., Vincze L. Poggi, I. (2013). Vagueness in Political Discourse. In S. Villalta & Cabrio (eds) Proceedings of 2nd International Workshop on

Poggi I, D'Errico F., Vincze L. (2013) Comments in words, face and body. Journal of multimodal users interface. Vol. 7, Issue 1 (2013), Page 67-78; DO

D'Errico, F., Vincze L. Poggi, I. (2013). Face and head comments. Taking the floor without words. In Mello, H., Pettorino, M., and Raso, T., editors,

Signorello, R., D'Errico, F., Poggi, I., Demolin, D., and Mairano, P. (2013). Charisma perception in political speech: a case study. In Mello, H., Pet

D'Errico F., Signorello R., Poggi I..(2013) The perception of charisma from voice. A cross-cultural study. Proceedings of Aci Conference, IEEE, pp. 55-

D’Errico F. and Poggi I.:“The Bitter Laughter”. When Parody Is a Moral and Affective Priming in Political Persuasion. Frontiers in Psychology, 09 August 2016 | https://doi.org/10.3389/fpsyg.2016.01144 (Scaricabile direttamente da Frontiers)

Il corso mira a problematizzare l’insegnamento del cinema e delle discipline audiovisive nel più ampio contesto della media education, sia dal punto di vista teorico-metodologico che dal punto di vista pragmatico.
A partire dalla ridefinizione delle strategie didattiche conseguente all’uso sempre più frequente delle tecnologie digitali in ambito educativo, la prima parte del corso si concentrerà sulla presenza e la funzione dei media nella prassi pedagogica, tanto come oggetto di studio (educazione ai media e al linguaggio cinematografico) quanto come supporto alla didattica in numerose discipline differenti (educazione attraverso i media), con particolare attenzione ai media audiovisivi.
Nella seconda parte del corso la media education sarà posta in dialogo con le più recenti teorie elaborate nell’ambito degli studi di cultura visuale, per valutare l’efficacia di alcune strategie didattiche nell’ambito dell’educazione all’immagine.

- Pier Cesare Rivoltella, Media Education. Idea, metodo, ricerca, ELS La Scuola, Brescia 2017
- Dispense a cura del docente

Il corso 2019-2020 affronta alcuni degli episodi determinanti nel cambiamento della relazione fra attore e scena nel XX secolo.
Particolare attenzione sarà dedicata ad Appia, Piscator e all'attore nel cinema muto tedesco e sovietico

A. Appia, Attore, musica e scena, ed. italiana a c. di F. Marotti, Cue Press;
B. Balazs, L'uomo visibile, Lindau (NON REPERIBILE IN COMMERCIO, può essere sostituito da W. Benjamin, L'opera d'arte nell'epoca della sua riproducibilita' tecnica, Einaudi);
S. M. Ejzenstejn, Lezioni di regia, Einaudi.

Filmografia:
R. Wiene, Il gabinetto del dottor Caligari;
F. Lang, Metropolis;
L. Kuleshov, Secondo la legge (Dura Lex);
S.M. Ejzenstejn, Que viva Mexico!

Il Butō e l’eredità della cultura europea, l’antropologia teatrale e l’individuazione dei principi dell’arte dell’attore/danzatore nelle diverse epoche e culture, azione ed espressione nella danza tedesca del primo Novecento.
Il corso prevede, per i frequentanti, un esercizio di ricognizione bibliografica e di scrittura biografica nel quadro del progetto di ricerca sulla fotografia di danza e del suo archivio www.fotografiaedanza.it

- Eugenio Barba, Nicola Savarese, L’arte segreta dell’attore, edizioni di pagina, Bari 2011
(acquistabile anche in formato pdf sul sito della casa editrice)
- Eugenia Casini Ropa, La danza e l'agitprop. I teatri non-teatrali nella cultura tedesca del
primo Novecento, Imola, Cue Press, 2015 (disponibile anche in formato e-book)
- Butoh-fu. Dance and words, Dossier edited by Samantha Marenzi, in “Teatro e Storia”, 37/2016 (scaricabile in pdf sul sito della rivista in corrispondenza del numero 37, pp. 51-150, comprensivo dei saggi di Marenzi, Kasai, Baird, Morishita, Barber, Centonze, D’Orazi, al link http://www.teatroestoria.it/indici.php?id_volume=102). In caso di impossibilità di lettura in lingua inglese il Dossier può essere sostituito dal volume a cura di Matteo Casari ed Elena Cervellati, Butō. Prospettive europee e sguardi dal Giappone, Bologna, Dipartimento delle Arti e ALMADL, 2015, limitatamente ai saggi IV, V, VI, VII, IX, XI (il volume è scaricabile al link http://amsacta.unibo.it/4352/)

PER I NON FREQUENTANTI: I corpi del Butō. Fotografie di danza tra Oriente e Occidente, a cura di Samantha Marenzi, Postcart, Roma 2018. (Il volume sarà disponibile all’acquisto on-line a partire dal mese di maggio 2020. In caso di difficoltà di reperimento scrivere alla docente a partire da quella data)

Il corso mira a problematizzare l’insegnamento del cinema e delle discipline audiovisive nel più ampio contesto della media education, sia dal punto di vista teorico-metodologico che dal punto di vista pragmatico.
A partire dalla ridefinizione delle strategie didattiche conseguente all’uso sempre più frequente delle tecnologie digitali in ambito educativo, la prima parte del corso si concentrerà sulla presenza e la funzione dei media nella prassi pedagogica, tanto come oggetto di studio (educazione ai media e al linguaggio cinematografico) quanto come supporto alla didattica in numerose discipline differenti (educazione attraverso i media), con particolare attenzione ai media audiovisivi.
Nella seconda parte del corso la media education sarà posta in dialogo con le più recenti teorie elaborate nell’ambito degli studi di cultura visuale, per valutare l’efficacia di alcune strategie didattiche nell’ambito dell’educazione all’immagine.

- Pier Cesare Rivoltella, Media Education. Idea, metodo, ricerca, ELS La Scuola, Brescia 2017
- Dispense a cura del docente

Ri-Animazione: l’animazione contemporanea come nuova logica dominante delle immagini in movimento.

Tra la fine del XX e l’inizio del XXI secolo l’animazione si è andata configurando come l’orizzonte audiovisivo ideale per mettere in atto alcune delle sfide più stimolanti dal punto di vista tecnologico, estetico, narrativo, politico e culturale. E' in particolare attraverso la tecnologia digitale che l’animazione, per lungo tempo campo ancillare rispetto al "cinema-cinema", ha potuto riprendersi la scena riaffermando la sua identità non già di genere specifico, separato e secondario, quanto di insieme di forme espressive e di tecniche attraverso le quali è possibile configurare qualsiasi tipo di narrazione, praticare qualunque genere e colonizzare qualsivoglia medium e formato. Partendo da tali premesse, il corso propone una serie di riflessioni che prendono in esame le dinamiche e i meccanismi sottostanti alla realizzazione di alcuni dei principali successi dell’animazione mainstream per il cinema e la televisione. Ponendo particolare attenzione alla congiunzione tra le teorie e le pratiche, verranno indagati gli stili dei nuovi prodotti d’animazione guardando in primo luogo alla dialettica tra innovazione e tradizione, ma anche tra forme estetiche e narrative provenienti da paradigmi culturali differenti. Senza dimenticare il modo in cui i software per l'animazione vengono impiegati anche nel cinema in live action, si evidenzierà come il concetto di ri-animazione che dà il titolo al corso debba essere inteso anche nella direzione di una rivitalizzazione e problematizzazione, operate dall’animazione stessa, di questioni di natura storica, politica e culturale che coinvolgono le nuove immagini in movimento.

C. Uva, P. Wells (a cura di), Re-Animation.L’animazione contemporanea tra cinema, televisione, videoarte e nuovi media, «Imago. Studi di cinema e media», n. 16, 2017.

C. Uva, Il sistema Pixar, Il Mulino, Bologna 2017.

Dispense a cura del docente.

Definizione di comunicazione. Processi cognitivi, affettivi e relazionali implicati nella comunicazione in tutte le sue modalità corporee (parole e frasi, prosodia e intonazione, gesti, espressione facciale, sguardo, contatto fisico, postura, prossemica, musica) e tecnologiche. Analisi e detezione della comunicazione sincera e ingannevole, cooperativa e aggressiva, e suoi usi nell’interazione interpersonale, sul lavoro, nell’educazione, nella politica, nello spettacolo.

I testi da portare all’esame sono i seguenti:

A. Lotto L. e Rumiati R. (a cura di). Introduzione alla psicologia della comunicazione. Il Mulino, Bologna 2019 (nuova edizione): esclusi i capitoli 3, 4, 5, 10, 11.
B. Poggi I.: Le parole del corpo. Introduzione alla comunicazione multimodale. Carocci, Roma 2006.
C. Castelfranchi C. e Poggi I.: Bugie, finzioni, sotterfugi, per una scienza dell’inganno, Carocci, Roma 2012.
D. Un testo o insieme di testi, a scelta fra gli 8 punti del seguente elenco:

1. Bazzanella C.: Linguistica cognitiva. Un’introduzione. Laterza, Bari 2014.
2. Gallese V. e Guerra M.: Lo schermo empatico. Cinema e neuroscienze. Raffaello Cortina, Milano 2015.
3. Boulez P., Changeux J.P. e Manoury P.: I neuroni magici. Musica e cervello. Carocci, Roma 2016.
4. Cavalieri R. e Chiricò D.: Parlare, segnare. Introduzione alla fisiologia e alla patologia delle lingue verbali e dei segni. Bologna, Il Mulino.
5. Benedetti F.: L’effetto placebo. Breve viaggio tra mente e corpo. Roma, Carocci 2018.
6. La seguente coppia di testi:
a. Arielli E. e Bottazzini P.: Idee virali. Perché i pensieri si diffondono. Bologna, Il Mulino.
b. Riva G.: I social network. Bologna, Il Mulino

7. La seguente coppia di testi:
a. Cavazza N.: Pettegolezzi e reputazione. Bologna, Il Mulino.
b. Riva G.: Fake news: vivere e sopravvivere in un mondo post-verità. Bologna, Il Mulino

8. 4 articoli sulla comunicazione multimodale scelti fra i seguenti, scaricabili dal link:
http://www.comunicazione.uniroma3.it/it/page/25/_/___22

Vincze L., Poggi I. (2013) Multimodal markers of One's Own and the Other's Vagueness. AI*HCI 2013, Workshop of the XIII AI*IA Conference, December 4th

Poggi I., D'Errico F. (2013) Towards the Parody Machine. Qualitative analysis and cognitive processes in the parody of a politician. In A. Petrosino,

D'Errico F and Poggi I., Vincze L. (2013) Discrediting body. A multimodal strategy to spoil the other's image. In Poggi I., D'Errico F. (et al.; eds)

D'Errico, F., Vincze L. Poggi, I. (2013). Vagueness in Political Discourse. In S. Villalta & Cabrio (eds) Proceedings of 2nd International Workshop on

Poggi I, D'Errico F., Vincze L. (2013) Comments in words, face and body. Journal of multimodal users interface. Vol. 7, Issue 1 (2013), Page 67-78; DO

D'Errico, F., Vincze L. Poggi, I. (2013). Face and head comments. Taking the floor without words. In Mello, H., Pettorino, M., and Raso, T., editors,

Signorello, R., D'Errico, F., Poggi, I., Demolin, D., and Mairano, P. (2013). Charisma perception in political speech: a case study. In Mello, H., Pet

D'Errico F., Signorello R., Poggi I..(2013) The perception of charisma from voice. A cross-cultural study. Proceedings of Aci Conference, IEEE, pp. 55-

D’Errico F. and Poggi I.:“The Bitter Laughter”. When Parody Is a Moral and Affective Priming in Political Persuasion. Frontiers in Psychology, 09 August 2016 | https://doi.org/10.3389/fpsyg.2016.01144 (Scaricabile direttamente da Frontiers)

Il corso 2019-2020 affronta alcuni degli episodi determinanti nel cambiamento della relazione fra attore e scena nel XX secolo.
Particolare attenzione sarà dedicata ad Appia, Piscator e all'attore nel cinema muto tedesco e sovietico

A. Appia, Attore, musica e scena, ed. italiana a c. di F. Marotti, Cue Press;
B. Balazs, L'uomo visibile, Lindau (NON REPERIBILE IN COMMERCIO, può essere sostituito da W. Benjamin, L'opera d'arte nell'epoca della sua riproducibilita' tecnica, Einaudi);
S. M. Ejzenstejn, Lezioni di regia, Einaudi.

Filmografia:
R. Wiene, Il gabinetto del dottor Caligari;
F. Lang, Metropolis;
L. Kuleshov, Secondo la legge (Dura Lex);
S.M. Ejzenstejn, Que viva Mexico!

Il corso intende analizzare le relazioni tra arti visive, suono e musica dal secondo dopoguerra agli anni Sessanta del XX secolo. Partendo dall’approfondimento del rapporto tra pittura e musica nell’ambito delle ricerche artistiche dell’espressionismo astratto e delle poetiche della materia e del segno informali, si porterà l’attenzione al silenzio di John Cage in relazione al monocromo, alla dematerializzazione dell’opera e alla “teatralità” del minimalismo. Con un percorso trasversale, che tiene conto di continuità e discontinuità tra le avanguardie storiche e la stagione della neoavanguardia, saranno inoltre analizzate pratiche comportamentali-performative che hanno a vario modo incentrato la propria poetica sulla voce e sulle sonorità corporali, anche in relazione all’utilizzo delle nuove tecnologie.

1) Testi a carattere generale per lo studio della storia dell’arte del secondo Novecento:
- F. Poli, Informale ed espressionismo astratto, in F. Poli (a cura di), Arte moderna. Dal Postimpressionismo all’Informale, Electa, Milano 2007, pp. 262-283)[PDF area download sito della docente]

- F. Poli (a cura di), Arte contemporanea. Le ricerche internazionali dalla fine degli anni ’50 a oggi, Electa, Milano 2003, pp. 12-221

2) Letture di approfondimento sulle tematiche affrontate nel corso:
- Art or sound, catalogo della mostra (Venezia, Fondazione Prada Ca’ Corner della Regina, 7 giugno – 8 novembre 2014), a cura di G. Celant, Fondazione Prada, Milano 2014 [in particolare i saggi: G. Celant, Dal plurilinguismo al multisensoriale; C. Cox, Vedere non è sentire. Sinestesia, anestesia e arte audiovisiva; L. Chessa, Un’orchestra metafisica. Una ricerca sulla ricostruzione degli intonarumori; R. Young, Così brutalmente forzata. La svolta del dopoguerra dalla musica al suono; E. de Visscher, Il silenzio come scultura musicale. John Cage e gli strumenti di 4’33’’; G. Dayal, Musica sperimentale e performance. David Tudor, John Cage e Merce Cunningham; Jo Applin, Rumore ottico. Il suono della scultura negli anni ’60; A. Licht, Il rumore della superficie. Rendere l’arte udibile nel XX Secolo; S. Menegoi, Sound Art? Arti visive e suono al passaggio fra anni ’70 e ’80; H. Rogers, Sinestesia distorta. Il video musicale e le arti visive ]

- P. Bolpagni, Musica visiva / Colori immateriali. Tentazioni sinestetiche e prospettive intermediali negli anni Sessanta e Settanta, in “Medea”, a. I, n. 1, 2015
http://ojs.unica.it/index.php/medea/article/view/1818/1531

- P. Fameli, Il corpo risonante. Vocalità e gestualità nel Novecento, Campanotto Editore, Pasian di Prato (UD) 2013

Non frequentanti:
Integreranno le letture di approfondimento con
- P. Bolpagni, F. Tedeschi (a cura di), Rapporti tra musica e arti visive nel Novecento, Vita e Pensiero, Milano 2009
o con altro testo concordato a ricevimento con la docente.

Globalizzazione e diversità culturale. Migrazioni e confronti tra culture. La resistenza delle culture. Ognuno di noi è cultura. Il lavoro del vivere assieme.

Jean-Loup Amselle, Connessioni. Antropologia dell'universalità delle culture, trad. it. di Marco Aime, Torino, Bollati Borimghieri, 2001.
Shahram Khosravi, Io sono confine, trad. it. di Elena Cantoni, Milano, elèuthera, 2019.
Alessandro Leogrande, La frontiera, Milano, Feltrinelli, 2017 (edizione economica).
Luca Rastello, La frontiera addosso. Così si deportano i diritti umani, Roma-Bari, Laterza, 2010.

Il corso intende focalizzare l'attenzione sulle strategie della messa in scena cinematografica, privilegiando il contesto del cinema contemporaneo senza rinunciare - però - a un confronto serrato con le pratiche registiche che hanno segnato il periodo del cinema classico e, soprattutto, del cinema moderno. La questione delle regia sarà analizzata in quanto questione eminentemente "teorica", sviluppando una riflessione che intende spingersi oltre la questione della grammatica filmica.
Muovendo dall'idea della messa in scena cinematografica come strategia di organizzazione dello spazio filmico, il corso si soffermerà anche sulle pratiche contemporanee che svincolano il film dalla sala proponendo forme di "rilocazione" che obbligano a un ripensamento dell'idea stessa di regia (in particolare focalizzando l'attenzione sulla relazione sala-museo e sull'opera dei cosiddetti "cineasti-artisti"). In questo quadro, l'opera di Abbas Kiarostami fornirà casi di studio rilevanti che consentiranno un costante scivolamento delle questioni teoriche sollevate nella pratica d'analisi dei film e delle installazioni del cineasta iraniano.

BIBLIOGRAFIA:
- Elio Ugenti, "Abbas Kiarostami. Le forme dell'immagine", Bulzoni, Roma 2018
- Francesco Federici, "Cinema esposto. Arte contemporanea, museo, immagini in movimento", Forum, Udine 2017
- Dispense a cura del docente

FILMOGRAFIA:
- Dov'è la casa del mio amico? [Khane-ye dust kojast], 1987
- Compiti a casa [Mashq-e shab], 1989
- E la vita continua [Va zendegi edame darad], 1992
- Il sapore della ciliegia [Tam'e ghilas], 1997
- Il vento ci porterà via [Bad ma-ra khahad bord], 1999
- ABC Africa, 2001
- Five, 2004
- Roads of Kiarostami, 2005
- Shirin, 2008
- Copia conforme [Copie conforme], 2010
- Qualcuno da amare [Like Someone in Love], 2012
- 24 Frames, 2016

Impiegando le metodologie dei visual studies contemporanei, il corso ricompone teorie e orientamenti estetici tardo-ottocenteschi e novecenteschi con riflessioni attuali, concentrando l’attenzione sulle forme urbane della sperimentazione artistica: dal cinema delle avanguardie all’underground, dalle arti elettroniche e digitali al web, dallo spot pubblicitario al music video al Vj’ing. Il corso vuole porre in rapporto i cambiamenti dell’habitat urbano con quelli del panorama mediale contemporaneo, indagando i territori d’ibridazione tra cinema, video, architettura e arti visive, alla luce delle nuove forme percettive e cognitive, estetiche e tecnologiche emerse nel sistema degli audiovisivi attuali.

G. Ravesi, La città delle immagini, Rubbettino, Soveria Mannelli 2011.
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria di Via G. Rocco, n. 11.

FILMOGRAFIA:
FILM E VIDEO MONOCANALE
The Corridor (Norman McLaren, anni '50); Blinkity Blank (Norman McLaren, 1955); N.Y., N.Y. – A Day in New York (Francis Thompson, 1957); Bridges-Go-Round (Shirley Clarke, 1958); Broadway by Light (William Klein, 1958); New York Lightboard (Norman McLaren, 1961); Sulle scale mobili (Bruno Munari e Marcello Piccardo, 1964); Empire (Andy Warhol, 1964); Lights (Marie Menken, 1964-1966);Tre e basta (Luca Maria Patella, 1965); (Back and Forth, 1968) di Michael Snow (1968); Necrology (Roll Call Of The Dead) di Standish D. Lawder (1969); Serene Velocity (Ernie Gehr, 1970); Broadwalk (William Raban, 1971); Synchromy (Norman McLaren, 1971); Shift (Ernie Gehr, 1972-1974); Park Film (Chris Welsby, 1973); Eureka (Ernie Gehr,1974); Nuovo libro (Nowa ksiazka, Zbigniew Rybczynski, 1975); Analogies: Studies in the Movement of Time (Peter Rose, 1977); Mein Fenster (La mia finestra, Zbigniew Rybczynski, 1979); Media (Zbigniew Rybczynski, 1980); Tango (Zbigniew Rybczynski, 1980); Mistaken Memories of Mediaeval Manhattan (Brian Eno, 1981-1982); Koyaanisqatsi (Godfrey Reggio, 1983); Two Times in One Space (Ivan Ladislav Galeta, 1976-1984); Signal – Germany on the Air (Ernie Gehr, 1985); Steel Cathedrals (Yasuyuki Yamaguchi, David Sylvian, 1985); Le deuxième jour (Robert Cahen, 1988); Hong Kong Song (Robert Cahen, 1989); Appunti di viaggio su moda e città (Wim Wenders, 1989); Surveillance (Jem Cohen, 1995); X-Rays (Jem Cohen, 1995); Lost Book Found (Jem Cohen, 1996); Lucy et le fantôme de Marcushelmons (Valérie Pavia, 1996); Monocodes (Alexander Rutterford, 2000); Naqoyqatsi (Godfrey Reggio, 2002); Crossings (H.C. Gilje, 2002); Panorama_Roma (ZimmerFrei, 2004); Crossings (Marina Chernikova, 2004); Exchangeable Cities (Kentaro Taki, 2004); Site specific_Roma 04 (Olivo Barbieri, 2004); Site specific_Las Vegas 05 (Olivo Barbieri, 2005); Tournis (François Vogel, 2006); Reflect (spot Motorola, François Vogel, 2007); Fell It (spot ATP, Luis Nieto, 2007); Empire II (Amos Poe, 2007).
INSTALLAZIONI, VIDEOINSTALLAZIONI, ARTE INTERATTIVA
Intervento per lo Scalone, IX Triennale di Milano (Lucio Fontana, 1951); Italia 61 (Soffitto Padiglione, Torino, Lucio Fontana, 1961); Ambienti stroboscopici (Davide Boriani, 1965-1967); Live-taped Video Corridor (Bruce Nauman, 1970); Present Continuous Past (Dan Graham, 1974);
Video Piece for Showcase Windows In Shopping Arcade (Dan Graham, 1976);Video Piece for Two Glass Office Buildings (Dan Graham, 1976); Alteration to a Suburban House (Dan Graham, 1978);
Video Projection Outside Home (Dan Graham, 1978); Titled Arc (Federal Plaza, New York, Richard Serra, 1981);Vedute – quel tale non sta mai fermo (Studio Azzurro, 1985); The Legible City (Jeffrey Shaw, 1988-1991); The Stairs I – Geneva (Peter Greenaway, 1994); The Georgetown Loop (Ken Jacobs, 1996); Périphérie (Miguel Chevalier, 1998);On View (Antoni Muntadas, 1999);
Megalopoli (Studio Azzurro, 2000); Naples (piazza Plebiscito, Napoli, Richard Serra, 2000); Exercising Nowheres (1), (2) e (3) (Hans op de Beeck, 2000); CECUT Projection (Omnimax Theater, Centro Cultural Tijuana, Mexico, Krzysztof Wodiczko, 2000); Macchina dell’arcobaleno (Alberto Biasi, 2000); Location (2) (Hans op de Beeck, 2001); WalkAround (Patrick Tuttofuoco , 2002); Metapolis (Miguel Chevalier, 2002); Y (Patrick Tuttofuoco, 2004); T-Mart (Hans op de Beeck, 2004); Location (5) (Hans op de Beeck, 2004); Celestial Subway Lines/ Salvaging Noise (Ken Jacobs, 2004); Revolving Landscape (Patrick Tuttofuoco, 2006); Sleepwalkers (Doug Aitken, 2007); Crossborders (Miguel Chevalier, 2007); Location (6) (Hans op de Beeck, 2008).
MUSIC VIDEO, VISUAL, VJ’ING
Se telefonando (spot Barilla, Piero Gherardi, 1966); Under pressure (music video Queen feat. David Bowie) di David Mallet e Andy Morahan (1982); Imagine (music video John Lennon) di Zbig Rybczynski (1987); La tour de Pisa (music video Jean François Cohen) di Michel Gondry (1992); Big Time Sensuality (music video Björk) di Stéphane Sednaoui (1992); Love is Strong (music video Rolling Stones) di David Fincher (1995); Children (music video Robert Miles) di Elizabeth Bailey (1996); Ray of Light (music video Madonna) di Jonas Âkerlund (1997); Non è mai stato subito (music video Biagio Antonacci) di Stefano Salvati (1998); Brown Paper Bag (music video Roni Size/Reprazent, 1998); The Child (music video dj Alex Gopher) di Antoine Bardou-Jacquet (1999); Strong Enough (music video Cher) di Nigel Dick (1999); Freestyler (music video Bomfunk MC’S, 2000); This strange effect (music video Hooverphonic, 2000); Analyse (music video Cranberries) di Keir McFarlane (2001); Star Guitar (music video The Chemical Brothers) di Michel Gondry (2002); Come Into My World (music video Kylie Minogue) di Michel Gondry (2002); Growing Up (music video Peter Gabriel) di François Vogel (2002); Sit Down. Stand Up (music video Radiohead) di Ed Holdsworth (2003); Woodsroads (Saul Saguatti , 2003-2004); Tension (visual Orbital) di Giles Thacker (2004); I Citizen The Loathsome (visual Plaid) di Bob Jaroc (2006); Colombo (music video Baustelle) di Stefano Poletti (2007); Presunti Accenni (music video IG) di Fabio Massimo Iaquone, Luca Attilii (2007); Se vuoi (music video IG) di Fabio Massimo Iaquone, Luca Attilii (2007); Transit City #2 RomAstratta (Saul Saguatti, 2008)
NET E SOFTWARE ART
Blinkenlights (2001) Chaos Computer Club; Arcade (2002) Chaos Computer Club; Avatar's Portraits (2006) Eva e Franco Mattes; Stereoscope (2008) Chaos Computer Club.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139 insieme a una dispensa con i materiali audiovisivi delle lezioni per sola consultazione interna.

Il corso ruota attorno ai seguenti temi:
digitalizzazione dei media audiovisivi, convergenza multimediale, crossmedialità, moltiplicazione delle piattaforme distributive, multimedia storytelling, con un focus particolare sull'intrattenimento come metagenere dei media, dei social e dell’esperienza condivisa.

Libri e saggi:

A. Arvidsson, A. Delfanti, Introduzione ai media digitali, seconda edizione aggiornata, Bologna, Il Mulino, 2016. ;
E. Menduni, Entertainment, Bologna, Il Mulino, 2013.
F. Di Chio (a cura di), Mediamorfosi 2, Industrie e immaginari dell'audiovisivo digitale, Link idee per la televisione n. 22, Dicembre 2017 (l'intera sezione "Immaginari" disponibile come dispensa in copisteria).

Linee di sviluppo teorico e storiografico, dagli anni Trenta del ‘900 a oggi, di concetti quali “intermedialità”, “expanded arts”, “artmix”, “drammaturgia delle arti”, “televisione creativa”, “expanded television”, ecc.
Studio delle ricadute “intermediali” nelle storie del cinema come in quelle della comunicazione e dei media audiovisivi dall’analogico al Web.
Sono previste “lezioni-incontro” con artisti e cineasti italiani ed esteri.

- M.M. Gazzano (a cura di) Edison Studio. Il "silent film" e l'elettronica in relazione intermediale, Exorma, Roma 2015;
- F. Zecca, Cinema e intermedialità. Modelli di traduzione, Forum, Udine 2013.

Il corso si concentra sulle forme della Media Literacy nella cultura digitale contemporanea. La prima parte è di ordine teorico e si confronta con le trasformazioni delle forme pedagogiche e di apprendimento scolastico interpretate in sinergia con le nuove forme di spettatorialità basate sulle logiche delle culture partecipative. La seconda parte è invece incentrata sulle forme del crito-film e del video-saggio. Lette in continuità con le analisi teoriche sul motivo della cornice, del paratesto e dello schermo, tali pratiche critico-espressive reinterpretano motivi e stili peculiari della storia del cinema e dell’arte promuovendo un’inedita elaborazione educativa e creativa di confronto con le immagini contemporanee.

Henry Jenkins, Culture partecipative e competenze digitali. Media education per il XXI secolo, Guerini, Milano 2010.
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria di Via G. Rocco, n. 11.

FILM E VIDEOGRAFIA:
I bambini al cinema (1957) Francesco Maselli; Zorns Lemma (1970) Hollis Frampton; Live-taped Video Corridor (1970) Bruce Nauman; Present Continuous Past (1974) Dan Graham; Mein Fenster (La mia finestra, 1979) Zbigniew Rybczynski; Media (1980) Zbigniew Rybczynski; Tele-racconto (1991) Giacomo Verde; Evidence (1995) Godfrey Reggio; Blinkenlights (2001) Chaos Computer Club; Star Guitar (music video The Chemical Brothers, 2002) Michel Gondry; Arcade (2002) Chaos Computer Club; La pozzanghera (2006) Studio Azzurro; Be Kind Rewind (2007) Michel Gondry; Stereoscope (2008) Chaos Computer Club; Rembrandt’s J’accuse (2008) Peter Greenaway; Shirley: Visions of Reality (2013) Gustav Deutsch;
antologia di found footage film: Trade Tattoo (1937) Len Lye, Rainbow Dance (1936) Len Lye, Rose Hobart (1939) Joseph Cornell, Le film est déjà commencé? (1951) Maurice Lemaitre, A movie (1958) Bruce Conner, Very Nice, Very Nice (1961) Arthur Lipsett, La rabbia (1963) Pier Paolo Pasolini, La verifica incerta (1965) Gianfranco Baruchello, Alberto Grifi, Movie Drome (1965-1968) Stan Vanderbeek, The Cut-Ups (1966) William S. Burroughs, Antony Balch, Exploding Plastic Inevitable (1966) Andy Warhol, Le stelle di Mario Schifano (1967), L’inizio (Načalo, 1967) Artavazd Pelešian, Tom Tom the Piper’s Son (1969-1971) Ken Jacobs, La société du spectacle (1973) Guy Debord, Technology Transformation: Wonder Woman (1978) Dara Birnbaum, Mongoloid (music video Devo, 1978) Bruce Conner, Koyaanisqatsi (1983) Godfrey Reggio, A TV Dante. The Inferno (1985-1989) Peter Greeneway e Tom Phillips, Dal polo all’equatore (1986) Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi, Art of Memory (1987) Woody Vasulka, Steps (1987) Zbigniew Rybczynski, Histoire(s) du cinéma. 1a Toutes les histoires (1988) Jean Luc Godard, Dab (1988-2016) John Oswald, Alchemie (1992) Jürgen Reble, Filmarilyn (1992) Paolo Gioli, Passage à l’acte (1993) Martin Arnold, 24 Hour Psycho (1993) Douglas Gordon, Telephones (1995) Christian Marclay, The Georgetown Loop (1996) Ken Jacobs, Yours (1997) Jeff Scher, Film Ist 1. Movement and time (1998) Gustav Deutsch, L’arrivée (1998) Peter Tscherkassky, Outer Space (1999) Peter Tscherkassky, Essere morti o essere vivi è la stessa cosa (2000) Gianluigi Toccafondo, The Pentagon Tv Commercials (2003) Cane CapoVolto, Fast Film (2003) Virgil Widrich, Celestial Subway Lines/ Salvaging Noise (2004) Ken Jacobs, Sync(Watch) (2005) Marco Brambilla, 24 seconds Psycho (2005) Chris Bors, Installazione Film Ist (1-12) (2006) Gustav Deutsch, Crumax Rins (2006, visual Plaid) Bob Jaroc, Blob. THI$ I$ NOTH&ND (2008), Domine Jesus (2008) Leonardo Carrano, Alessandro Pierattini, Pasolini Requiem (2009) Mario Verger, The Clock (2010) Christian Marclay, Delia Derbyshire, Loop Composer (2011) AK_Alias, Blue Matter, Change Your Mind (2011) AK_Alias, Distorted Times (2012) Gideon van der Stelt, Creation (2012) Marco Brambilla, Cinema rianimato n. 3 (2012) Daniele Puppi, Cirrus (music video Bonobo, 2013) Cyriak, The Emoshjining (2014) Donato Sansone, Sigla Mostra Internazionale del Cinema di Pesaro (2016) Virgilio Villoresi, Purge The Odd Couple (2017) Pogo, RedruM (2018) Pogo;
antologia di crito-film: Stile di Piero della Francesca (1954) Carlo Ludovico Ragghianti, Carpaccio (1947) Roberto Longhi e Umberto Barbaro, Il dramma di Cristo (1948) Luciano Emmer ed Enrico Gras, Pittori di provincia (1953) Lucio Fulci, Cinéastes de notre temps (1964-1972) e Cinéma, de notre temps (1989-2018);
antologia di video-essay: Le combat avec l’ange (2004) Alain Bergala, The Doors of Perspection (2011) People Like Us (Vicki Bennett), Double Lives, Second Chances (2011) Cristina Álvarez López, Kubrick // One Point Perspective (2012) kogonada, Tarantino // From Below (2012) kogonada, Wes Anderson // From Above (2012) kogonada, The Career of Paul Thomas Anderson in Five Shots (2012) Kevin B. Lee, Rear Window Timelapse (2012) Jeff Desom, Zero De Doom (2012) Matthew Cheney, The Essay Film: Some Thoughts of Discontent (2013) Kevin B. Lee, Screen and Surface, Soft and Hard: the Cinema of Leos Carax (2013)Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, [De Palma’s] Vision (2014) Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, Wes Anderson // Centered (2014) kogonada, Peter Greenaway // Centered (2014) LaurentG, Evolution of the Dolly Zoom (2014) Vashi Nedomansky, Eyes of Hitchcock (2014) kogonada, Alphaville - A Crystal Maze (2014) Henrike Lindenberger, Cross-cut (2014) Drew Morton, Last Year At The Overlook (2015) Drew Morton, The Dutch Angle (2015) Jacob T. Swinney, First and Final Frames (2015) Jacob T.Swinney, The Definition of Film (2015) Richard Misek, Auteur in Space (2015) kogonada, Volumetric Cinema (2015) Kevin L. Ferguson, Manderley Motel (2015) Corey Creekmur, Blue Shining (2015) Richard Vezina, Joel & Ethan Coen - Shot | Reverse Shot (2016) Tony Zhou, Taylor Ramos, Amélie - Symmetry & Camera Movement (2016) Lessa Räbiger, Godard in Fragments (2016) kogonada, The Spielberg Touchscreen (2016) Ken Provencher, Graphic Spaces: Film Transitions in Steven Spielberg’s Filmmaking (2018) Andrea Minuz.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

Il corso intende analizzare le relazioni tra arti visive, suono e musica dal secondo dopoguerra agli anni Sessanta del XX secolo. Partendo dall’approfondimento del rapporto tra pittura e musica nell’ambito delle ricerche artistiche dell’espressionismo astratto e delle poetiche della materia e del segno informali, si porterà l’attenzione al silenzio di John Cage in relazione al monocromo, alla dematerializzazione dell’opera e alla “teatralità” del minimalismo. Con un percorso trasversale, che tiene conto di continuità e discontinuità tra le avanguardie storiche e la stagione della neoavanguardia, saranno inoltre analizzate pratiche comportamentali-performative che hanno a vario modo incentrato la propria poetica sulla voce e sulle sonorità corporali, anche in relazione all’utilizzo delle nuove tecnologie.

1) Testi a carattere generale per lo studio della storia dell’arte del secondo Novecento:
- F. Poli, Informale ed espressionismo astratto, in F. Poli (a cura di), Arte moderna. Dal Postimpressionismo all’Informale, Electa, Milano 2007, pp. 262-283)[PDF area download sito della docente]

- F. Poli (a cura di), Arte contemporanea. Le ricerche internazionali dalla fine degli anni ’50 a oggi, Electa, Milano 2003, pp. 12-221

2) Letture di approfondimento sulle tematiche affrontate nel corso:
- Art or sound, catalogo della mostra (Venezia, Fondazione Prada Ca’ Corner della Regina, 7 giugno – 8 novembre 2014), a cura di G. Celant, Fondazione Prada, Milano 2014 [in particolare i saggi: G. Celant, Dal plurilinguismo al multisensoriale; C. Cox, Vedere non è sentire. Sinestesia, anestesia e arte audiovisiva; L. Chessa, Un’orchestra metafisica. Una ricerca sulla ricostruzione degli intonarumori; R. Young, Così brutalmente forzata. La svolta del dopoguerra dalla musica al suono; E. de Visscher, Il silenzio come scultura musicale. John Cage e gli strumenti di 4’33’’; G. Dayal, Musica sperimentale e performance. David Tudor, John Cage e Merce Cunningham; Jo Applin, Rumore ottico. Il suono della scultura negli anni ’60; A. Licht, Il rumore della superficie. Rendere l’arte udibile nel XX Secolo; S. Menegoi, Sound Art? Arti visive e suono al passaggio fra anni ’70 e ’80; H. Rogers, Sinestesia distorta. Il video musicale e le arti visive ]

- P. Bolpagni, Musica visiva / Colori immateriali. Tentazioni sinestetiche e prospettive intermediali negli anni Sessanta e Settanta, in “Medea”, a. I, n. 1, 2015
http://ojs.unica.it/index.php/medea/article/view/1818/1531

- P. Fameli, Il corpo risonante. Vocalità e gestualità nel Novecento, Campanotto Editore, Pasian di Prato (UD) 2013

Non frequentanti:
Integreranno le letture di approfondimento con
- P. Bolpagni, F. Tedeschi (a cura di), Rapporti tra musica e arti visive nel Novecento, Vita e Pensiero, Milano 2009
o con altro testo concordato a ricevimento con la docente.

Definizione di comunicazione. Processi cognitivi, affettivi e relazionali implicati nella comunicazione in tutte le sue modalità corporee (parole e frasi, prosodia e intonazione, gesti, espressione facciale, sguardo, contatto fisico, postura, prossemica, musica) e tecnologiche. Analisi e detezione della comunicazione sincera e ingannevole, cooperativa e aggressiva, e suoi usi nell’interazione interpersonale, sul lavoro, nell’educazione, nella politica, nello spettacolo.

I testi da portare all’esame sono i seguenti:

A. Lotto L. e Rumiati R. (a cura di). Introduzione alla psicologia della comunicazione. Il Mulino, Bologna 2019 (nuova edizione): esclusi i capitoli 3, 4, 5, 10, 11.
B. Poggi I.: Le parole del corpo. Introduzione alla comunicazione multimodale. Carocci, Roma 2006.
C. Castelfranchi C. e Poggi I.: Bugie, finzioni, sotterfugi, per una scienza dell’inganno, Carocci, Roma 2012.
D. Un testo o insieme di testi, a scelta fra gli 8 punti del seguente elenco:

1. Bazzanella C.: Linguistica cognitiva. Un’introduzione. Laterza, Bari 2014.
2. Gallese V. e Guerra M.: Lo schermo empatico. Cinema e neuroscienze. Raffaello Cortina, Milano 2015.
3. Boulez P., Changeux J.P. e Manoury P.: I neuroni magici. Musica e cervello. Carocci, Roma 2016.
4. Cavalieri R. e Chiricò D.: Parlare, segnare. Introduzione alla fisiologia e alla patologia delle lingue verbali e dei segni. Bologna, Il Mulino.
5. Benedetti F.: L’effetto placebo. Breve viaggio tra mente e corpo. Roma, Carocci 2018.
6. La seguente coppia di testi:
a. Arielli E. e Bottazzini P.: Idee virali. Perché i pensieri si diffondono. Bologna, Il Mulino.
b. Riva G.: I social network. Bologna, Il Mulino

7. La seguente coppia di testi:
a. Cavazza N.: Pettegolezzi e reputazione. Bologna, Il Mulino.
b. Riva G.: Fake news: vivere e sopravvivere in un mondo post-verità. Bologna, Il Mulino

8. 4 articoli sulla comunicazione multimodale scelti fra i seguenti, scaricabili dal link:
http://www.comunicazione.uniroma3.it/it/page/25/_/___22

Vincze L., Poggi I. (2013) Multimodal markers of One's Own and the Other's Vagueness. AI*HCI 2013, Workshop of the XIII AI*IA Conference, December 4th

Poggi I., D'Errico F. (2013) Towards the Parody Machine. Qualitative analysis and cognitive processes in the parody of a politician. In A. Petrosino,

D'Errico F and Poggi I., Vincze L. (2013) Discrediting body. A multimodal strategy to spoil the other's image. In Poggi I., D'Errico F. (et al.; eds)

D'Errico, F., Vincze L. Poggi, I. (2013). Vagueness in Political Discourse. In S. Villalta & Cabrio (eds) Proceedings of 2nd International Workshop on

Poggi I, D'Errico F., Vincze L. (2013) Comments in words, face and body. Journal of multimodal users interface. Vol. 7, Issue 1 (2013), Page 67-78; DO

D'Errico, F., Vincze L. Poggi, I. (2013). Face and head comments. Taking the floor without words. In Mello, H., Pettorino, M., and Raso, T., editors,

Signorello, R., D'Errico, F., Poggi, I., Demolin, D., and Mairano, P. (2013). Charisma perception in political speech: a case study. In Mello, H., Pet

D'Errico F., Signorello R., Poggi I..(2013) The perception of charisma from voice. A cross-cultural study. Proceedings of Aci Conference, IEEE, pp. 55-

D’Errico F. and Poggi I.:“The Bitter Laughter”. When Parody Is a Moral and Affective Priming in Political Persuasion. Frontiers in Psychology, 09 August 2016 | https://doi.org/10.3389/fpsyg.2016.01144 (Scaricabile direttamente da Frontiers)

Il corso intende focalizzare l'attenzione sulle strategie della messa in scena cinematografica, privilegiando il contesto del cinema contemporaneo senza rinunciare - però - a un confronto serrato con le pratiche registiche che hanno segnato il periodo del cinema classico e, soprattutto, del cinema moderno. La questione delle regia sarà analizzata in quanto questione eminentemente "teorica", sviluppando una riflessione che intende spingersi oltre la questione della grammatica filmica.
Muovendo dall'idea della messa in scena cinematografica come strategia di organizzazione dello spazio filmico, il corso si soffermerà anche sulle pratiche contemporanee che svincolano il film dalla sala proponendo forme di "rilocazione" che obbligano a un ripensamento dell'idea stessa di regia (in particolare focalizzando l'attenzione sulla relazione sala-museo e sull'opera dei cosiddetti "cineasti-artisti"). In questo quadro, l'opera di Abbas Kiarostami fornirà casi di studio rilevanti che consentiranno un costante scivolamento delle questioni teoriche sollevate nella pratica d'analisi dei film e delle installazioni del cineasta iraniano.

BIBLIOGRAFIA:
- Elio Ugenti, "Abbas Kiarostami. Le forme dell'immagine", Bulzoni, Roma 2018
- Francesco Federici, "Cinema esposto. Arte contemporanea, museo, immagini in movimento", Forum, Udine 2017
- Dispense a cura del docente

FILMOGRAFIA:
- Dov'è la casa del mio amico? [Khane-ye dust kojast], 1987
- Compiti a casa [Mashq-e shab], 1989
- E la vita continua [Va zendegi edame darad], 1992
- Il sapore della ciliegia [Tam'e ghilas], 1997
- Il vento ci porterà via [Bad ma-ra khahad bord], 1999
- ABC Africa, 2001
- Five, 2004
- Roads of Kiarostami, 2005
- Shirin, 2008
- Copia conforme [Copie conforme], 2010
- Qualcuno da amare [Like Someone in Love], 2012
- 24 Frames, 2016

Il corso ruota attorno ai seguenti temi:
digitalizzazione dei media audiovisivi, convergenza multimediale, crossmedialità, moltiplicazione delle piattaforme distributive, multimedia storytelling, con un focus particolare sull'intrattenimento come metagenere dei media, dei social e dell’esperienza condivisa.

Libri e saggi:

A. Arvidsson, A. Delfanti, Introduzione ai media digitali, seconda edizione aggiornata, Bologna, Il Mulino, 2016. ;
E. Menduni, Entertainment, Bologna, Il Mulino, 2013.
F. Di Chio (a cura di), Mediamorfosi 2, Industrie e immaginari dell'audiovisivo digitale, Link idee per la televisione n. 22, Dicembre 2017 (l'intera sezione "Immaginari" disponibile come dispensa in copisteria).

PROGRAMMA: Linee di sviluppo teorico e storiografico, dagli anni Trenta del ‘900 a oggi, di concetti quali “intermedialità”, “expanded arts”, “artmix”, “drammaturgia delle arti”, “televisione creativa”, “expanded television”, ecc.
Studio delle ricadute “intermediali” nelle storie del cinema come in quelle della comunicazione e dei media audiovisivi dall’analogico al Web.
Sono previste “lezioni-incontro” con artisti e cineasti italiani ed esteri.

- M.M. Gazzano (a cura di) Edison Studio. Il "silent film" e l'elettronica in relazione intermediale, Exorma, Roma 2015;
- F. Zecca, Cinema e intermedialità. Modelli di traduzione, Forum, Udine 2013.

Corso teorico sulle relazioni tra la musica - in particolare P. Schaeffer e J. Cage - la videoarte e le Sound Arts nella seconda metà del Novecento.
Audiovisione e analisi storico-critica delle principali opere riferibili alle esperienze videoartistiche in relazione con la ricerca musicale e sonora.

UN TESTO A SCELTA TRA:
- M.M. Gazzano (a cura di), "Visione molteplice. L'Opera Audiovisiva di Hermes Intermedia", Armando, Roma 2019;
- M. M. Gazzano (a cura di), "Edison Studio. Il silent film e l’elettronica in relazione intermediale", Exorma Roma 2015;
- G. Guanti (a cura di), "La resistenza estetica in musica", Pisa University Press, Pisa 2018.

Inquadramento della materia:
• Cos’è l’analisi musicale; suo rapporto con le altre discipline musicologiche
• Cenni di storia dell’analisi musicale
Cenni alle metodologie principali dell’analisi musicale
Esercitazioni di analisi fraseologica
Esercitazioni di analisi morfologica
Esercitazioni di analisi del lavoro tematico

1. CLEMENS KÜHN, Il linguaggio delle forme nella musica occidentale, Milano, Unicopli, 1987: parte III (Musica e tempo), IV (Elementi strutturali della composizione), V (Melodia) e VI (Forma musicale e opera musicale)
2. IAN BENT – WILLIAM DRABKIN, Analisi musicale, Torino, EDT, 1990: capitoli I (L’analisi musicale in generale) e IV (La metodologia dell’analisi)

Corso teorico sulle relazioni tra la musica - in particolare P. Schaeffer e J. Cage - la videoarte e le Sound Arts nella seconda metà del Novecento.
Audiovisione e analisi storico-critica delle principali opere riferibili alle esperienze videoartistiche in relazione con la ricerca musicale e sonora.

UN TESTO A SCELTA TRA:
- M.M. Gazzano (a cura di), "Visione molteplice. L'Opera Audiovisiva di Hermes Intermedia", Armando, Roma 2019;
- M. M. Gazzano (a cura di), "Edison Studio. Il silent film e l’elettronica in relazione intermediale", Exorma Roma 2015;
- G. Guanti (a cura di), "La resistenza estetica in musica", Pisa University Press, Pisa 2018.

Il corso 2019-2020 affronta alcuni degli episodi determinanti nel cambiamento della relazione fra attore e scena nel XX secolo.
Particolare attenzione sarà dedicata ad Appia, Piscator e all'attore nel cinema muto tedesco e sovietico

A. Appia, Attore, musica e scena, ed. italiana a c. di F. Marotti, Cue Press;
B. Balazs, L'uomo visibile, Lindau (NON REPERIBILE IN COMMERCIO, può essere sostituito da W. Benjamin, L'opera d'arte nell'epoca della sua riproducibilita' tecnica, Einaudi);
S. M. Ejzenstejn, Lezioni di regia, Einaudi.

Filmografia:
R. Wiene, Il gabinetto del dottor Caligari;
F. Lang, Metropolis;
L. Kuleshov, Secondo la legge (Dura Lex);
S.M. Ejzenstejn, Que viva Mexico!