Titolo del corso: Musica ed emozioni

Il corso indagherà le seguenti questioni:
Qual è il rapporto tra la musica e le emozioni?
Come possiamo giustificare l’attribuzione di qualità emotive alla musica? Cosa intendiamo quando diciamo, per esempio, che una certa musica è triste, gioiosa, malinconica?
Come può la musica suscitare emozioni (ad esempio, emozione, tristezza, euforia) nell’ascoltatore?
Come spiegare le nostre risposte emotive alla musica?
Infine, che tipo di emozioni sono quelle generate dall'ascolto musicale?

- Kivy, P., Filosofia della musica. Un’introduzione, Einaudi, Torino, 2007 (capp. 1-7).
- Hanslick, E., Il bello musicale, Aesthetica, Palermo 2007 (capp. 1-3).
- Langer, S., Filosofia in una nuova chiave, Ramando editore, Roma, 1972 (cap. 8: Sul significato in musica).
- Lentini, D., La musica e le emozioni. Percorsi nell’estetica analitica, Mimesis, Milano, 2014 (capp. 1, 2, 4, 5).
- Mado Proverbio, A., Neuroscienze cognitive della musica, Zanichelli, Roma, 2019 (capp. 11, 12, 13).

Dalla grammatica cartesiana alla pragmatica del linguaggio

Il corso si propone di affrontare uno dei temi classici della filosofia del linguaggio: il dibattito tra i modelli che si ispirano alla tradizione cartesiana-razionalista e le prospettive teoriche che, facendo riferimento ai reali contesti d'uso del linguaggio, promuovono una visione fondata sugli aspetti pragmatici della comunicazione umana. L'obiettivo del corso è mostrare come tale dibattito abbia ripercussioni importanti sul tema della natura umana.

- Chomsky N. (1988) Linguaggio e problemi della conoscenza. Bologna: Il Mulino
- Tomasello M. (2014) Unicamente Umano: storia naturale del pensiero. Bologna: Il Mulino
- Ferretti F. (2015) La facoltà di linguaggio. Roma: Carocci.

Muovendo da due testi di Chateaubriand sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

F.-R. Chateaubriand, Atala-René (traduzione Bruno Nacci), Garzanti 2006

A. Breton, Nadja (traduzione Giordano Falzoni), Torino, Einaudi, 2007

V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2006

MODERNITÀ E MODERNISMI, 1880-1940

Il corso introduce gli studenti agli sviluppi storici e alle personalità cruciali delle arti visive del modernismo – dal 1880 al 1940 circa –, mettendo a fuoco temi come le relazioni con la tecnica e i nuovi media (fotografia, cinema), il contesto politico e sociale, gli ambienti urbani e naturali, la vita psichica. Queste esperienze artistiche hanno non solo contribuito a trasformare la natura dell’esperienza estetica e al contempo aperto nuove forme di sensibilità ma hanno radicalmente ridefinito la comprensione della realtà individuale e collettiva.

L’analisi delle diverse tendenze e poetiche fornirà altresì la metodologia di base per lo studio dei media e linguaggi che caratterizzano l’arte tra metà Ottocento e primo Novecento, fornendo gli strumenti critici indispensabili alla lettura di diverse tipologie di opere.

Stephen Kern, Il tempo e lo spazio, Il Mulino 2007: capitoli 4: Il futuro; 5: La velocità; 6: La natura dello spazio, pp. 117-226 (PDF)
Philippe Dubois, L'atto fotografico, Urbino 2009, pp. 25-108 (PDF)
Georg Simmel, La metropoli e la vita dello spirito, Armando 2011 (PDF)

Per l'Ottocento (1850-1900): Federica Rovati, L'arte dell'Ottocento, Einaudi 2017
Per il Novecento (1900-1940): Federica Rovati, L’arte del primo Novecento, Einaudi 2015.
Hal Foster, Rosalind Krauss, Yve-Alain Bois, Benjamin Buchloh, Art since 1900, Thames & Hudson (PDF) o traduzione italiana, Arte dal 1900, Zanichelli 2016: 1900-1940.

Il corso intende analizzare la relazione tra l’arte e l’ambiente, a partire dalla fuoriuscita dell’intervento artistico dalla dimensione del quadro e della scultura nelle avanguardie storiche per arrivare allo scenario operativo del secondo Novecento in cui l’intervento artistico deflagra in installazioni ambientali, spesso realizzate in situ o site-specific, nello spazio espositivo, nella natura o nello spazio pubblico. Benché le artiste abbiano dato un contributo fondamentale a queste pratiche, le mostre storiche che hanno dedicato approfondimenti a questi aspetti della ricerca hanno pressoché ignorato il loro contributo. Questo ha determinato la marginalizzazione di figure che solo negli ultimi anni sono state recuperate dagli studi attraverso affondi monografici o mostre collettive come Ambienti 1956-2010. Environments by Women Artists (in corso al Museo Maxxi, Roma, dal 10 aprile al 20 ottobre 2024). A partire da queste considerazioni, si metteranno a fuoco prospettive teoriche e metodologiche che sostanziano la ricerca storico-artistica attuale nella messa in discussione del canone patriarcale dominante e si proporrà una riflessione sulla riscrittura della storia dell’environment internazionale.
Dalla relazione tra l’arte e l’ambiente, il corso si soffermerà inoltre ad analizzare il dispositivo della mostra come spazio installativo e immersivo nelle dinamiche relative alla spettatorialità, alla dimensione multimediale e multisensoriale.
Nello specifico saranno analizzati i seguenti argomenti:
- Oltre il quadro e la scultura. La relazione arte-ambiente, tra Futurismo, Costruttivismo e Dada;
- le mostre e la pratica curatoriale di Marcel Duchamp;
- Environment ed Happening;
- Dall’Arte Povera alla Land Art;
- Una nuova ideologia dello spazio espositivo: mostre e gallerie tra anni Sessanta e Settanta;
- Site-specific e time-specific: le installazioni ambientali come spazi immersivi.
- Tre momenti espositivi a confronto: Lo spazio dell’immagine (1967), Ambiente / Arte (1976), Ambienti 1956-2010. Environments by Women Artists (2024).

1) D. Riout, L’arte del ventesimo secolo. Protagonisti, temi, correnti, Einaudi, Torino 2002

2) F. Poli. F. Bernardelli, Mettere in scena l’arte contemporanea. Dallo spazio dell’opera allo spazio intorno all’opera, Johan & Levi, Milano 2016

3). Dispensa di testi e fonti disponibile a fine del corso (teams del corso).
Raccolta online delle immagini proiettate a lezione (disponibile a fine del corso, teams del corso)

PROGRAMMA COMUNE PER TUTTI GLI STUDENTI (6 CFU):

- Le fonti e i princípi del diritto dello spettacolo.
- I soggetti che operano nel mondo dello spettacolo.
- L’oggetto della tutela e la nozione giuridica di arte.
- Artisti e diritto del lavoro.
- L’organizzazione del mercato dello spettacolo e gli incentivi economici per il settore.
- La contrattualistica nel settore cinematografico.
- La contrattualistica per gli artisti di teatro.
- La contrattualistica del mercato discografico.
- La tutela del diritto d’autore.
- Il diritto di autore e la tutela degli artisti nel settore delle nuove tecnologie.

INTEGRAZIONE PER I SOLI STUDENTI ISCRITTI AL Cdl in "ECONOMIA DELLA CULTURA" - DIPARTIMENTO DI ECONOMIA (3 CFU):

- La disciplina giuridica delle c.d. "imprese creative": premesse.
- Tecniche di regolazione giuridica delle attività culturali e creative.
- Le forme giuridiche delle imprese creative.
- I contratti rilevanti per l’impresa creativa.
- Il caso dei c.dd. "influencers" e la regolamentazione normativa del fenomeno.

F. LONGOBUCCO, Lezioni di Diritto della musica e dello spettacolo. Focus sulla c.d. "impresa creativa" - 2024 (in corso di preparazione).

Agli studenti frequentanti saranno distribuiti materiali e dispense.

Il corso intende fornire un panorama di importanti questioni filmologiche e mediologiche in una prospettiva estetica, teorico-metodologica e culturale. In particolare, si prenderanno in considerazione sia autori e tendenze storicamente rilevanti, sia problemi più recenti. Il tema del corso riguarda il racconto, e le lezioni si concentreranno su questioni narratologiche, sulla narratività diffusa in prodotti e pratiche mediali contemporanee, e sulle più recenti strategie di storytelling.

1) Byung-Chul Han, "La crisi della narrazione. Informazione, politica e vita quotidiana", Einaudi, Torino 2024;
2) Stefano Calabrese, "Manuale di comunicazione narrativa", Pearson, Milano-Torino 2019 (capitoli 1-6, con l’eccezione delle pp. 23-30, 169-197 e 259-263),
oppure nuova versione: "La narrazione. Letteratura, storie di vita, visual storytelling", Pearson, Milano-Torino 2024 (capitoli 1-5);
3) un testo a scelta tra i seguenti:
Andrea Fontana, "Regimi di verità. Convivere con leggende e fatti alternativi", Codice, Torino 2019;
Andrea Fontana, "Brand storiverso. Universi narrativi per marchi che sono persone e persone che diventano brand", Roi, Macerata-Milano 2023.

Titolo del corso: Musica ed emozioni

Il corso indagherà le seguenti questioni:
Qual è il rapporto tra la musica e le emozioni?
Come possiamo giustificare l’attribuzione di qualità emotive alla musica? Cosa intendiamo quando diciamo, per esempio, che una certa musica è triste, gioiosa, malinconica?
Come può la musica suscitare emozioni (ad esempio, emozione, tristezza, euforia) nell’ascoltatore?
Come spiegare le nostre risposte emotive alla musica?
Infine, che tipo di emozioni sono quelle generate dall'ascolto musicale?

- Kivy, P., Filosofia della musica. Un’introduzione, Einaudi, Torino, 2007 (capp. 1-7).
- Hanslick, E., Il bello musicale, Aesthetica, Palermo 2007 (capp. 1-3).
- Langer, S., Filosofia in una nuova chiave, Ramando editore, Roma, 1972 (cap. 8: Sul significato in musica).
- Lentini, D., La musica e le emozioni. Percorsi nell’estetica analitica, Mimesis, Milano, 2014 (capp. 1, 2, 4, 5).
- Mado Proverbio, A., Neuroscienze cognitive della musica, Zanichelli, Roma, 2019 (capp. 11, 12, 13).

Come si fa ricerca.

Un manuale di etnografia a scelta.

Muovendo da due testi di Chateaubriand sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

F.-R. Chateaubriand, Atala-René (traduzione Bruno Nacci), Garzanti 2006

A. Breton, Nadja (traduzione Giordano Falzoni), Torino, Einaudi, 2007

V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2006

Vedere, Pasolini

a) Pier Paolo Pasolini, La Divina Mimesis, Milano, Mondadori, 2019

b) Pier Paolo Pasolini, Petrolio, a cura di Walter Siti, Milano, Garzanti, 2022

c) Marco Antonio Bazzocchi, Alfabeto Pasolini, Roma, Carocci, 2022

d) Vedere, Pasolini, a cura di Andrea Cortellessa e Silvia De Laude, Vicenza, Ronzani, 2022 + Andrea Cortellessa, Una ragione in più per andare all’Inferno. Vedere, Pasolini, Roma, Treccani, 2025

e) per una contestualizzazione dei testi nella storia letteraria del Novecento:
Giulio Ferroni, Storia della letteratura italiana, quarto volume: Il Novecento e il nuovo millennio, Milano, Mondadori Università, 2012

l laboratorio intende sviluppare capacità imprenditoriali per la costituzione di nuove attività culturali e di spettacolo. Durante il laboratorio verranno illustrati i sistemi di funzionamento di una impresa culturale, dal punto di visto giuridico, delle norme del lavoro e degli obblighi contrattuali, relativamente allo spettacolo dal vivo, anche in relazione con altri ambiti della produzione culturale. Durante le lezioni viene inoltre disaminata la tecnica di redazione del progetto, con particolare attenzione allo sviluppo di capacità di reperimento delle risorse pubbliche e private. E’ prevista la stesura di un progetto, organizzando gruppi di lavoro, che saranno seguiti dal docente con l’obiettivo che gli studenti esplorino la fattibilità e sostenibilità di una propria idea imprenditoriale nella sua dimensione di mercato, organizzativa, economica, riguardo progetti di nuove imprese teatrali o culturali o di spettacolo, oppure di azioni di rilancio di realtà esistenti.

Testo a supporto.
Lucio Argano, Alessandro Bollo, Paolo Dalla Sega “Organizzare eventi culturali. Ideazione, progettazione e gestione strategica del pubblico” Franco Angeli 2017
Dispense: saranno fornite dal docente durante il Corso

Modulo 1. Musica nella società dell’informazione, della comunicazione e della tecnologia
1.1 Rivoluzione digitale e musica
1.2 Musica e tecnologia lungo le fasi della vita

Modulo 2: Tecnologie Musicali nella Formazione
2.1 Strumenti digitali per l'apprendimento della teoria musicale
2.2 Creazione di contenuti didattici multimediali

Modulo 3: Sound Design, Performance e Composizione Elettronica
3.1 Introduzione ai software di notazione musicale
3.2 DAW (Digital Audio Workstations)

Modulo 4: Ricerca e tecnologie in ambito musicale
4.1 Biblioteche musicali digitali
4.2 IA e musica

Selezione di saggi fornita dal docente durante il corso.

WIT

Wit è un workshop di ricerca aperto a performer e studenti in discipline coreutiche e teoriche. Il progetto nasce dall’esigenza di estendere il linguaggio scenico emerso nella creazione di JUMP! in una serie di pratiche fisiche che affinino la sensibilità e la capacità compositiva in scena.

La parola WIT indica in generale lo spirito, l’intelligenza, l’abilità a pensare e reagire velocemente e con humor a uno stimolo. Sintetizza la postura del performer capace di saltare e rispondere istantaneamente a un ostacolo integrandolo nel proprio sistema e allo stesso tempo di “far saltare” il pensiero/azione un po’ più in là e condurlo in un luogo inaspettato.

Questo laboratorio si propone di avanzare nell’invenzione di una metodologia coreografica e scenica centrata sul WIT, la capacità e la velocità con cui si risponde con humor a una sfida.
 I temi guida saranno la caduta, il salto e la sospensione, indagati attraverso l’allenamento a un corpo “in disordine” e in continuo disequilibrio.

Il workshop è in parte destinato alla trasmissione di partiture scritte con linguaggi differenti: coreografie di danza minimale/astratta e partiture concrete legate alla leggerezza e alla comicità. 
Si chiederà ai partecipanti di contribuire alla creazione di ulteriori partiture attraverso il proprio patrimonio gestuale.

Si giungerà infine all’elaborazione di regole sistemiche collettive, che permettano a linguaggi diversi di convivere nello stesso spazio e rafforzarsi ritmicamente in cui ogni performer sarà responsabile del sistema collettivo.

Ogni giorno si aprirà con un training fisico approfondito da esercizi rapiti da alcune tecniche somatiche legate alla respirazione (Alexander e Danza Sensibile in particolare) per allenare i corpi all'attenzione sensoriale e percettiva. Il lavoro poi si estenderà a semplici pratiche coreografiche che mettano l'accento sulla dimensione sistemica del movimento scenico; per poi approfondire, attraverso lo studio e la citazione di opere di artisti visivi, elementi di composizione che potranno essere sviluppati in uno spazio individuale riservato alla fine di ogni giornata.

Organizzato come una situazione pedagogica mista che alterna la pratica scenica alla riflessione storica, il laboratorio ha l’obiettivo di fornire alcuni degli strumenti e dei principi che conducono a raggiungere una particolare qualità di presenza scenica. Presenza di un corpo che è corpo-voce, corpo-mente/cuore. Seguendo dei percorsi di analisi teorica e una prassi che convergono nel terreno in cui si radicano i principi dell’Antropologia Teatrale individuati da Eugenio Barba nel corso delle sessioni dell’ISTA (International School of Theatre Anthropology), ci si soffermerà su una ricerca che porta alla scoperta dei tre livelli di drammaturgia: organico, narrativo, ed evocativo. Si percorrerà la linea del training, allenamento psicofisico (il lavoro su di sé basato su esercizi provenienti da tecniche sceniche orientali e occidentali e dove avranno particolare importanza il ritmo e le azioni ritmiche, ovvero, quelle generate in reazione a un impulso esterno, per esempio, la musica; o ancora le intenzioni, la comunicazione corporea, le differenze tra voce corale e voce individuale). La seconda linea volgerà l’attenzione al lavoro di costruzione del personaggio (percorreremo brevemente la visione di Stanislavskij). Il tutto confluirà nella terza linea basata sul testo e rivolta alla costruzione di materiali individuali e/o di gruppo. Esploreremo infine il momento in cui le tre diverse drammaturgie si uniscono nella dimensione del dialogo scenico.
Secondo Italo Calvino «… nessun libro che parla di un libro dice di più del libro in questione» (Italo Calvino, Perché leggere i classici, Mondadori, ISBN 9788804772866) e per questo la domanda pratico-teorica alla base del laboratorio sarà: qual è il valore di un testo classico oggi per noi? Cercheremo di rispondere insieme a questa domanda dal nostro specifico punto di vista: biografico, politico, socio-economico, geografico. L’interrogativo sarà la nostra motivazione e il DNA di questo incontro.
Durante il laboratorio si cercherà, attraverso un percorso di letture e approfondimenti, di radicare le pratiche sempre nel campo degli studi storici teatrali. La trasmissione e l’apprendimento di una qualunque tecnica ha a che vedere con un modo di stare in piedi nella vita. Un cammino. Una maniera di respirare e una di resistere. Una di misurarsi con i propri limiti e una per cercare come superarli.
Per le sue lezioni Francesca Romana Rietti, storica del teatro, si avvarrà della collaborazione di Ana Woolf, attrice, pedagoga e regista argentina, membro dell’equipe dell’ISTA (https://ista-online.org/ – https://anawoolf.wixsite.com/anawoolf).

Sofocle, Antigone (Einaudi editore, traduzione di Massimo Cacciari, ISBN 9788806188764)

Il corso mira a:
- fornire le nozioni fondamentali di fisica del suono e della luce;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura della luce, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura del suono, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde sonore, con particolare riferimento alla voce e agli strumenti musicali;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde luminose, con particolare riferimento alla luce artificiale;
- far comprendere i processi percettivi del suono e della luce in rapporto agli aspetti fisici e alla natura dell’orecchio e dell’occhio umano;
- illustrare i meccanismi alla base delle applicazioni tecniche del suono e della luce nel campo dello spettacolo.

Materiale fornito dal docente.

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Ilaria Bonomi, Edoardo Buroni (2017), "La lingua dell'opera lirica", Bologna, il Mulino.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

Vedere, Pasolini

a) Pier Paolo Pasolini, La Divina Mimesis, Milano, Mondadori, 2019

b) Pier Paolo Pasolini, Petrolio, a cura di Walter Siti, Milano, Garzanti, 2022

c) Marco Antonio Bazzocchi, Alfabeto Pasolini, Roma, Carocci, 2022

d) Vedere, Pasolini, a cura di Andrea Cortellessa e Silvia De Laude, Vicenza, Ronzani, 2022 + Andrea Cortellessa, Una ragione in più per andare all’Inferno. Vedere, Pasolini, Roma, Treccani, 2025

e) per una contestualizzazione dei testi nella storia letteraria del Novecento:
Giulio Ferroni, Storia della letteratura italiana, quarto volume: Il Novecento e il nuovo millennio, Milano, Mondadori Università, 2012

Il corso seguirà un percorso cronologico attraverso la storia del cinema documentario attraverso alcune parole chiave. Il percorso storiografico strutturato in maniera cronologica si articolerà attraverso alcuni snodi tematici riguardanti soprattutto le questioni etiche (rappresentabilità o irrapresentabilità di alcuni aspetti del reale) in rapporto alla realtà di partenza e all’attore sociale, la questione performativa e autoriale del cinema documentario e la questione della recezione spettatoriale. La filmografia scelta segue un percorso esemplificativo sia dal punto di vista storico che tematico. La seconda parte del corso sarà di carattere monografico e sarà dedicata alla rappresentazione della natura selvaggia nel cinema del reale italiano e internaizonale.
Il corso prevede inoltre alcuni incontri con professionisti del settore documentario in modo tale da mettere gli studenti direttamente in contatto con le professioni del cinema.

Carlo Alberto Pinelli, Professione documentarista: storia e pratiche di una passione, Edizioni Sabinae, Roma, 2017.
Dispense a cura della docente.

Dispense a cura della docente caricate su Moodle all’inizio del corso.

FILMOGRAFIA OBBLIGATORIA: La filmografia è suscettibile di variazioni.

Robert Flaherty, Nanook of the North (1922)
Joris Ivens, Regen (1929)
Dziga Vertov, Tre canti su Lenin (1934)
Henry Watt-Basil Wright, Night Mail (1936)
Luciano Emmer, Racconto da un affresco (1938)
L.Visconti, M.Serandrei, M.Pagliero, G. De Santis, Giorni di gloria (1945)
Vittorio De Seta, Lu tempu de li pisci spata (1954)
Lorenza Mazzetti, Together (1956)
Lindsay Anderson, O, Dreamland (1953)
Linsday Anderson, Every Day Except Christmas (1957)
Jean Rouch-Edgar Morin, Chronique d'une été (1962)
Chris Marker, Sans Soleil (1982)
Jay Rosenblatt, The smell of the burning ants (1994)
Alina Marazzi, Un'ora sola ti vorrei (2012)
Firouzeh Kosrovani, Radiograph of a Family (2020)
Giovanni Veronesi, La valanga azzurra, (2024)

Il corso intende fornire un panorama di importanti questioni filmologiche e mediologiche in una prospettiva estetica, teorico-metodologica e culturale. In particolare, si prenderanno in considerazione sia autori e tendenze storicamente rilevanti, sia problemi più recenti. Il tema del corso riguarda il racconto, e le lezioni si concentreranno su questioni narratologiche, sulla narratività diffusa in prodotti e pratiche mediali contemporanee, e sulle più recenti strategie di storytelling.

1) Byung-Chul Han, "La crisi della narrazione. Informazione, politica e vita quotidiana", Einaudi, Torino 2024;
2) Stefano Calabrese, "Manuale di comunicazione narrativa", Pearson, Milano-Torino 2019 (capitoli 1-6, con l’eccezione delle pp. 23-30, 169-197 e 259-263),
oppure nuova versione: "La narrazione. Letteratura, storie di vita, visual storytelling", Pearson, Milano-Torino 2024 (capitoli 1-5);
3) un testo a scelta tra i seguenti:
Andrea Fontana, "Regimi di verità. Convivere con leggende e fatti alternativi", Codice, Torino 2019;
Andrea Fontana, "Brand storiverso. Universi narrativi per marchi che sono persone e persone che diventano brand", Roi, Macerata-Milano 2023.

Il corso mira a:
- fornire le nozioni fondamentali di fisica del suono e della luce;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura della luce, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura del suono, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde sonore, con particolare riferimento alla voce e agli strumenti musicali;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde luminose, con particolare riferimento alla luce artificiale;
- far comprendere i processi percettivi del suono e della luce in rapporto agli aspetti fisici e alla natura dell’orecchio e dell’occhio umano;
- illustrare i meccanismi alla base delle applicazioni tecniche del suono e della luce nel campo dello spettacolo.

Materiale fornito dal docente.

Il corso si rivolge al rapporto tra musica e immagine offrendo una panoramica su alcuni aspetti fondamentali dell’iconografia musicale e sulle caratteristiche che tale rapporto assume nell’audiovisione, attraverso un rapido sguardo d’insieme, storico e analitico, sul ruolo della musica in ambito cinematografico. Sarà delineato un percorso di indagine che va dall’uno all’altro versante, seguendo la traccia tematica dell’immagine del musicista, così come essa viene riflessa, costruita, messa in scena attraverso le risorse delle arti grafiche e pittoriche, quindi attraverso quelle della narrazione audiovisiva, dal ritratto del musicista dei secoli XVII-XVIII al film biografico musicale.

1. Federico Maria Sardelli, Il volto di Vivaldi, Palermo, Sellerio, 2021, pp. 13-176, 242-266

2. Sergio Miceli, Musica per film. Storia, estetica – analisi, tipologie, Milano-Lucca, Ricordi-LIM, 2009, pp. 631-682 e 819-832

3. Gianmario Borio, Funzioni del ‘suono organizzato’ in due testi audiovisivi: “Barry Lyndon” e “Koyaanisqatsi”, «La Valle dell’Eden», 12-13/25-26 (2011), pp. 73-90

4. Alessandro Bratus, Popular music al cinema: la rappresentazione dell’artista rock sul grande schermo, in Worlds of Audio Vision (2010)
http://www-5.unipv.it/wav/index.php?option=com_content&view=article&id=69&lang=it

I non frequentanti leggeranno inoltre:
Kathryn Kalinak, Musica da film. Una breve introduzione, Torino, EDT, 2010

Il corso affronta riflessioni, documenti e incontri su esperienze locali e sintesi operative attuate in analisi e interventi sul campo da artisti, curatori e operatori delle culture performative. Speciale attenzione è ddicata a progetti e lavori in corso su Roma.

H. Lefebvre, La produzione dello spazio, Edizioni PGreco.
Teatri Luoghi Città, a c. di R. Guarino, Edizioni Officina, 2008.
Un testo a scelta fra: M. de Certeau, L'invenzione del quotidiano, Edizioni del lavoro; R. Nicolini, Estate Romana, Ed. Città del Sole.


Selezione di video documentari

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Ilaria Bonomi, Edoardo Buroni (2017), "La lingua dell'opera lirica", Bologna, il Mulino.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

LE LEZIONI ILLUSTRERANNO L'EVOLUZIONE DEI PRINCIPALI GENERI E FORME DI MUSICA ORCHESTRALE NELLA TRADIZIONE CLASSICO-ROMANTICA, CON ATTENZIONE AI PRINCIPI ESTETICI E FORMALI CHE SONO A FONDAMENTO DELLE CATEGORIE DI MUSICA ASSOLUTA E DI MUSICA A PROGRAMMA. IN PARTICOLARE SARÀ APPROFONDITA LA SINFONIA FANTASTICA DI H. BERLIOZ.

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Il corso ripercorre la storia della fotografia dalla sua invenzione alla contemporaneità, affrontando il medium fotografico sia nella sua declinazione artistica, sia in quanto pratica sociale. Si analizzeranno le origini ottocentesche del medium, la sua diffusione sempre più pervasiva in tutti gli ambiti della vita quotidiana, e le principali metamorfosi tecnologiche che ne hanno plasmato le sorti, fino alla transizione al digitale e l’utilizzo attuale nel contesto online. Tramite le riflessioni di alcuni studiosi fondamentali (in primis Roland Barthes e Susan Sontag, ma anche Walter Benjamin, Georges Didi-Huberman e altri), si ragionerà di alcuni dei più importanti artisti della storia del medium (da Talbot a Nadar, da Alfred Stieglitz a Henri Cartier-Bresson, da Berenice Abbott a Saul Leiter, da Bruce Davidson a Luigi Ghirri), degli elementi da cui scaturisce la forza espressiva delle immagini fotografiche, e del tipo di coinvolgimento che esse possono mobilitare in noi.

Il syllabus con il programma definitivo del corso sarà pubblicato in prossimità dell'inizio del corso stesso.

Susan Sontag, Sulla fotografia, Einaudi, Torino, 2004;
Roland Barthes, La camera chiara, Einaudi, Torino, 2003;
Raccolta di saggi a cura del docente.

Incontri di studio e incontri laboratoriali dedicati a specifici ambiti del teatro di figura inquadrati da studiosi, artisti e maestri sia dal punto di vista storiografico sia da quello dell’attuale pratica scenica. L’obiettivo è quello di esaminare, anche dal punto di vista pratico, la realtà “viva” del teatro di figura.

STUDENTI FREQUENTANTI
(per essere considerato frequentante lo studente non potrà fare più di 2 assenze):

1) Alfonso Cipolla, Giovanni Moretti, “Storia dei burattini e delle marionette in Italia”, Corazzano, Titivillus, 2011
2) Mariano Dolci, Vito Minoia, “Il burattino sulla scena educativa”, Urbino, Edizioni Nuove Catarsi, 2020 (per informazioni sulla distribuzione del volume si rimanda al sito www.edizioninuovecatarsi.org)
3) Bruno Leone, “Le guarattelle. Vita di un burattinaio”, Napoli, Monitor, 2022 (per informazioni sulla distribuzione del volume si rimanda al sito https://napolimonitor.it/le-guarattelle/)
4) materiali da CONCORDARE CON LA DOCENTE nel corso delle lezioni (sarà possibile diversificare i temi di studio scegliendo tra gli argomenti affrontati a lezione). Scegliere uno dei nuclei tematici caricati nella sezione “file” del TEAM – cartella “Materiale del corso”

STUDENTI NON FREQUENTANTI:
1) Alfonso Cipolla, “Giovanni Moretti, Storia dei burattini e delle marionette in Italia”, Corazzano, Titivillus, 2011
2) Mariano Dolci, Vito Minoia, “Il burattino sulla scena educativa”, Urbino, Edizioni Nuove Catarsi, 2020 (per informazioni sulla distribuzione del volume si rimanda al sito www.edizioninuovecatarsi.org)
3) Bruno Leone, “Le guarattelle. Vita di un burattinaio” Napoli, Monitor, 2022 (per informazioni sulla distribuzione del volume si rimanda al sito https://napolimonitor.it/le-guarattelle/)
4) Giorgio Agamben, “Pulcinella ovvero Divertimento per li regazzi”, Roma, ed. nottetempo, edizione aggiornata del 2016
5) video: BRUNO LEONE e GIORGIO AGAMBEN, Sulla filosofia di Pulcinella [https://youtu.be/ySrmOxieVVQ]
6) Anna Leone, Anime di legno, in Caterina Pasqualino (a c. di.), Macchine vive. Dalle marionette agli umanoidi, Palermo, Edizioni Museo Pasqualino, 2021, pp. 141-159 [file “Anna_LEONE - Anime di legno.pdf”, caricato sulla piattaforma TEAMS / sezione “File”]
7) BRUNO LEONE, La voce di Pulcinella, in «Mòin Mòin», Revista de Estudos sobre Teatro de Formas Animadas, n. 19 (2018), pp. 44-60 [da studiare pp. 46-56] [file “Leone La voce di Pulcinella.pdf”, caricato sulla piattaforma TEAMS / sezione “File” ]

WIT

Wit è un workshop di ricerca aperto a performer e studenti in discipline coreutiche e teoriche. Il progetto nasce dall’esigenza di estendere il linguaggio scenico emerso nella creazione di JUMP! in una serie di pratiche fisiche che affinino la sensibilità e la capacità compositiva in scena.

La parola WIT indica in generale lo spirito, l’intelligenza, l’abilità a pensare e reagire velocemente e con humor a uno stimolo. Sintetizza la postura del performer capace di saltare e rispondere istantaneamente a un ostacolo integrandolo nel proprio sistema e allo stesso tempo di “far saltare” il pensiero/azione un po’ più in là e condurlo in un luogo inaspettato.

Questo laboratorio si propone di avanzare nell’invenzione di una metodologia coreografica e scenica centrata sul WIT, la capacità e la velocità con cui si risponde con humor a una sfida.
 I temi guida saranno la caduta, il salto e la sospensione, indagati attraverso l’allenamento a un corpo “in disordine” e in continuo disequilibrio.

Il workshop è in parte destinato alla trasmissione di partiture scritte con linguaggi differenti: coreografie di danza minimale/astratta e partiture concrete legate alla leggerezza e alla comicità. 
Si chiederà ai partecipanti di contribuire alla creazione di ulteriori partiture attraverso il proprio patrimonio gestuale.

Si giungerà infine all’elaborazione di regole sistemiche collettive, che permettano a linguaggi diversi di convivere nello stesso spazio e rafforzarsi ritmicamente in cui ogni performer sarà responsabile del sistema collettivo.

Ogni giorno si aprirà con un training fisico approfondito da esercizi rapiti da alcune tecniche somatiche legate alla respirazione (Alexander e Danza Sensibile in particolare) per allenare i corpi all'attenzione sensoriale e percettiva. Il lavoro poi si estenderà a semplici pratiche coreografiche che mettano l'accento sulla dimensione sistemica del movimento scenico; per poi approfondire, attraverso lo studio e la citazione di opere di artisti visivi, elementi di composizione che potranno essere sviluppati in uno spazio individuale riservato alla fine di ogni giornata.

Organizzato come una situazione pedagogica mista che alterna la pratica scenica alla riflessione storica, il laboratorio ha l’obiettivo di fornire alcuni degli strumenti e dei principi che conducono a raggiungere una particolare qualità di presenza scenica. Presenza di un corpo che è corpo-voce, corpo-mente/cuore. Seguendo dei percorsi di analisi teorica e una prassi che convergono nel terreno in cui si radicano i principi dell’Antropologia Teatrale individuati da Eugenio Barba nel corso delle sessioni dell’ISTA (International School of Theatre Anthropology), ci si soffermerà su una ricerca che porta alla scoperta dei tre livelli di drammaturgia: organico, narrativo, ed evocativo. Si percorrerà la linea del training, allenamento psicofisico (il lavoro su di sé basato su esercizi provenienti da tecniche sceniche orientali e occidentali e dove avranno particolare importanza il ritmo e le azioni ritmiche, ovvero, quelle generate in reazione a un impulso esterno, per esempio, la musica; o ancora le intenzioni, la comunicazione corporea, le differenze tra voce corale e voce individuale). La seconda linea volgerà l’attenzione al lavoro di costruzione del personaggio (percorreremo brevemente la visione di Stanislavskij). Il tutto confluirà nella terza linea basata sul testo e rivolta alla costruzione di materiali individuali e/o di gruppo. Esploreremo infine il momento in cui le tre diverse drammaturgie si uniscono nella dimensione del dialogo scenico.
Secondo Italo Calvino «… nessun libro che parla di un libro dice di più del libro in questione» (Italo Calvino, Perché leggere i classici, Mondadori, ISBN 9788804772866) e per questo la domanda pratico-teorica alla base del laboratorio sarà: qual è il valore di un testo classico oggi per noi? Cercheremo di rispondere insieme a questa domanda dal nostro specifico punto di vista: biografico, politico, socio-economico, geografico. L’interrogativo sarà la nostra motivazione e il DNA di questo incontro.
Durante il laboratorio si cercherà, attraverso un percorso di letture e approfondimenti, di radicare le pratiche sempre nel campo degli studi storici teatrali. La trasmissione e l’apprendimento di una qualunque tecnica ha a che vedere con un modo di stare in piedi nella vita. Un cammino. Una maniera di respirare e una di resistere. Una di misurarsi con i propri limiti e una per cercare come superarli.
Per le sue lezioni Francesca Romana Rietti, storica del teatro, si avvarrà della collaborazione di Ana Woolf, attrice, pedagoga e regista argentina, membro dell’equipe dell’ISTA (https://ista-online.org/ – https://anawoolf.wixsite.com/anawoolf).

Sofocle, Antigone (Einaudi editore, traduzione di Massimo Cacciari, ISBN 9788806188764)

Come si costruisce un format televisivo? Come si analizza un programma realizzato a partire da un format? Che rapporto c’è fra format e generi tv? I format funzionano anche per la serialità? Perché in tutto il mondo si guardano gli stessi programmi, da La ruota della fortuna a Masterchef, da Stranamore a LOL? Nel laboratorio si affronteranno questi quesiti, con costante riferimento alla produzione televisiva internazionale. Il laboratorio prevede esercitazioni nella scrittura di paper format e scalette di programmi.

Fiacco, Axel, Unscripted Formats. Teoria e pratica dei programmi televisivi globali. Castelvecchi, 2021

Programma prof.ssa Daniela Ceselli
Il corso si propone di affrontare alcuni momenti della scrittura cinematografica in modo critico e costruttivo procedendo per step teorici e pratici:
focalizzazione di un’idea tematica (high / low concept);
stesura di una sinossi di max 5 righe;
punti essenziali di un soggetto;
carattere e personaggio;
stesura di un soggetto;
costruzione dei personaggi (protagonista, antagonista, personaggi vicini);
personaggio (arco del personaggio, ostacoli, scelte, obiettivo, oggetto del desiderio, insight) ;
step outline per una struttura drammaturgica in tre atti;
individuazione turning points;
mid-point;
subplot / subplots ;
prima e seconda stesura del trattamento;
format sceneggiatura e sistemi di riferimento sceneggiatura;
analisi copioni ( character driven plot / action plot)
visione film exempla
Scopo del corso: familiarizzare con la scrittura cinematografica dal punto di vista teorico e pratico, prendendo confidenza con le diverse fasi (step) del processo di elaborazione di un copione/ progetto filmico e comprendendo le specificità della scrittura per immagini/suoni nella sua diversità da quella letteraria e teatrale.

Bibliografia
Francis Vanoye, Sceneggiatura. Forme, dispositivi, modelli, Lindau, 1999
Daniela Ceselli, L’esistenza incerta del testo-sceneggiatura, Le Mani, 2012 ( in stampa)
Aspetti Pratici
Robert McKee, Story, Contenuti, struttura, stile, principi della sceneggiatura
per il cinema e per la fiction Tv, International Forum Edizioni, 2008
Syd Field, La sceneggiatura, Lupetti, 1991
Luca Aimeri, Manuale di sceneggiatura cinematografica, UTET , 2007
Italo Calvino, Lezioni americane, Mondadori, 1998
David Mamet, I tre usi del coltello, Minimum Fax, 2010
Raymond Carver, Il mestiere di scrivere, Einaudi, 1997
David Howard, Edward Mabley, Gli strumenti dello sceneggiatore, Dino Audino Editore, 1999

il corso si propone di rispondere alle seguenti domande:
come si trova una storia?
come si racconta una storia?
il ruolo del narratore
il punto di vista
cosa rende una storia universale?

Io ero il Milanese di Mauro pescio e Lorenzo S ed. Mondadori
si consiglia anche l'ascolto dell'omonimo podcast su raiplaysound

Il laboratorio intende fornire le competenze tecniche di base relative alla pratica fotografica sia nella sua dimensione analogica che in quella digitale, illustrandone le varie articolazioni e facendone comprendere la funzione storica, culturale e artistica.

Il laboratorio persegue diversi obiettivi formativi che costituiranno dunque il cuore del programma didattico:
- Fornire conoscenze di base sulla storia e il ruolo sociale e culturale della fotografia, definendo in particolare come questa abbia cambiato il mondo dell’arte, la percezione della storia e la sua stessa narrazione; come abbia cambiato turismo, viaggi, socialità, narrazione di eventi privati o storici e molto altro
- Conoscere alcuni grandi autori della storia della fotografia con il duplice scopo di esplorare l’estetica e lo stile, nonché di comprendere alcune regole di composizione e come al contempo l’errore fotografico o il tradimento delle regole abbia generato delle opere eccezionali.
- Definire alcune sfaccettature sul mestiere di fotografo con cenni alla professione ad esso legata nel mondo del cinema: l’autore (o direttore) della fotografia. Anche qui il duplice scopo è indagare l’estetica dei singoli direttori della fotografia (nella loro collaborazione con gli altri autori di quell’opera corale che è il film) e comprendere come dalla visione di un film si possa imparare molo anche sulla fotografia tout court.
- Stimolare lo sguardo e la creatività fotografica
- Apprendere le principali regole di composizione
- Imparare ad utilizzare in modalità manuale una macchina fotografica professionale nelle sue funzioni di base. Si specifica che si potrà scattare con qualunque tipo di apparecchio fotografico, dal dispositivo mobile (smartphone o tablet) alla reflex o mirroless digitale, nonché con dispositivi analogici (per i quali provvederemo a digitalizzare).
- Introduzione all’editing digitale. Analizzeremo gli strumenti di base dei principali programmi di editing (Photoshop, Lightroom e altri).

Calendario delle attività:

Lezione 1
Presentazione
La nascita e i principali usi della fotografia
Alcuni grandi fotografi

Lezione 2
Le ottiche
La messa a fuoco
Introduzione al concetto di profondità di campo
Revisione immagini proposte dagli studenti

Lezione 3
Focus su Direzione della fotografia
Alcuni grandi direttori della fotografia
La conoscenza delle ottiche, delle pellicole, delle macchine, ma soprattutto l’immaginazione e la creatività

Lezione 4
Revisione scatti degli studenti su ottiche
L’esposizione: iso, tempi, diaframmi
Gli esposimetri

Lezione 5
Revisione esercitazioni degli studenti su esposizione
Giocare con la fotografia
Allenare la creatività
Allenare lo sguardo

Lezione 6
La profondità di campo
Le principali regole di composizione
Revisione proposte degli studenti su Fotografi (e Cinematographer)

Lezione 7
Revisione scatti degli studenti su profondità di campo
Introduzione all’editing digitale
Revisione proposte degli studenti su Fotografi (e Cinematographer)

Lezione 8
Realizzare un progetto fotografico
Introduzione all’editing digitale

Lezione 9
Revisione progetti fotografici degli studenti
Assistenza all’editing fotografico

Lezione 10
Revisione progetti fotografici degli studenti
Assistenza all’editing fotografico

Lezione 11
Revisione e commento progetti fotografici degli studenti

Lezione 12
Presentazione dei progetti fotografici
Come coltivare la passione per la fotografia a Roma e altrove

NON CI SONO TESTI OBBLIGATORI

LABORATORIO DI ARTI DIGITALI

Sono aperte le iscrizioni al Laboratorio di Arti Digitali presso questo Ateneo.
Il laboratorio è dedicato all'arte digitale e alla creazione collettiva, con un focus speciale sull'animazione digitale e il video compositing.

Gli studenti esploreranno diverse tecniche, lavorando insieme alla realizzazione di un'opera dal nome "Scenari Futuri" che si interroga sulla relazione tra corpo e spazio attraverso l'arte digitale e l'animazione. Il lavoro sarà esposto su un sito dedicato, fornendo agli studenti uno strumento di riflessione sul lavoro svolto. Il laboratorio è focalizzato sull’approfondimento delle vostre competenze nell'ambito delle arti digitali e dell'animazione, con particolare attenzione alla post-produzione video e l'utilizzo dei software del pacchetto Adobe.

E’ indispensabile disporre di un computer portatile, in quanto gran parte delle attività del corso richiederanno l'uso di software di editing video e animazione. Assicuratevi di essere forniti di computer prima dell'inizio delle lezioni, o avere accesso da casa di un computer su cui lavorare per poi discutere i lavori in classe
Di seguito, vi scrivo tutte le informazioni necessarie per partecipare alla selezione per questo laboratorio:

1. Modalità d'iscrizione
Per iscrivervi al Laboratorio di Arti Digitali, vi prego di inviare una mail all'indirizzo fornito dal docente, indicando i seguenti dettagli:
Nome
Cognome
Numero di matricola
Anno di corso
Crediti conseguiti

2. Criteri di Selezione
Il criterio principale per la selezione dei partecipanti al Laboratorio sarà il numero di crediti universitari maturati dagli studenti. Saranno favoriti gli studenti più prossimi all'esame di laurea, poiché questo laboratorio è pensato per integrare e consolidare le conoscenze acquisite nel corso degli anni di studio.
Nella vostra mail di iscrizione, vi chiedo di includere anche una breve descrizione delle vostre esperienze pregresse nella post-produzione video e nell'uso di software dedicati per l'editing e la creazione di contenuti visivi. E’ ben accetto un portofolio lavori per chi lo avesse. Queste informazioni mi aiuteranno a valutare il vostro interesse in questo specifico campo.

3. Date di Apertura e Chiusura delle Iscrizioni
Le iscrizioni al Laboratorio di Arti Digitali si chiuderanno circa 10 giorni prima dell’inizio delle lezioni.


4. Numero Massimo di Studenti Ammessi
Saranno accettate le candidature dei primi 25 studenti che soddisfano i criteri di selezione descritti al punto 2.
In attesa di vedere il vostro interesse e la vostra partecipazione a questo corso, vi invito a preparare le vostre candidature e a inviarle puntualmente all'indirizzo email fornito.

Buon lavoro a tutti gli studenti che parteciperanno al processo di selezione
Cordiali saluti,

Gianluca Abbate
Docente Laboratorio di Arti Digitali
DAMS ROMA3

indirizzo email
gianluca.abbate@uniroma3.it

Sito personale www.gianlucaabbate.com





DIGITAL ARTS WORKSHOP
Enrollment is now open for the Digital Arts Workshop at this University.
The workshop is dedicated to digital art and collective creation, with a special focus on digital animation and video compositing.
Students will explore various techniques, working together to create a project titled "Future Scenarios," which questions the relationship between body and space through digital art and animation. The project will be showcased on a dedicated website, providing students with a platform to reflect on their work. The workshop focuses on enhancing your skills in digital arts and animation, with particular attention to video post-production and the use of Adobe software.
A passion for moving arts and video art is a key element for participating in this course, which aims to stimulate the creativity and artistic sensitivity of the participants. It is essential to have a laptop, as most of the course activities will require the use of video editing and animation software. Please ensure you have access to a laptop before the lessons begin, or have access to one from home to work on projects and discuss them in class.
Below, you will find all the necessary information to participate in the selection process for this workshop:
1. Enrollment Procedure
To enroll in the Digital Arts Workshop, please send an email to the address provided by the instructor, including the following details:
First name
Last name
Student ID number
Year of study
Credits earned
2. Selection Criteria
The main criterion for selecting participants for the workshop will be the number of university credits earned by the students. Preference will be given to students closer to graduation, as this workshop is designed to integrate and consolidate the knowledge acquired over the years of study.
In your enrollment email, please also include a brief description of your previous experience in video post-production and the use of software for editing and creating visual content. A portfolio is welcome for those who have one. This information will help me evaluate your interest in this specific field.
3. Enrollment Opening and Closing Dates
Enrollment for the Digital Arts Workshop will close approximately 10 days before the start of classes.
4. Maximum Number of Admitted Students
Applications from the first 25 students who meet the selection criteria described in point 2 will be accepted.
Looking forward to seeing your interest and participation in this course, I invite you to prepare your applications and submit them promptly to the provided email address.
Good luck to all the students participating in the selection process.
Best regards,
Gianluca Abbate
Instructor of Digital Arts Workshop
DAMS ROMA3
Email address: gianluca.abbate@uniroma3.it
Personal website: www.gianlucaabbate.com

Il corso non prevede testi specifici; esploreremo le tecniche di compositing e videografica attraverso un approccio pratico, utilizzando vari software.

Muovendo da due testi di Chateaubriand sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

F.-R. Chateaubriand, Atala-René (traduzione Bruno Nacci), Garzanti 2006

A. Breton, Nadja (traduzione Giordano Falzoni), Torino, Einaudi, 2007

V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2006

Filosofia, letteratura, patologia in David Foster Wallace

Il corso di Filosofia della letteratura si propone di sondare il terreno di confine e di ibridazione transdisciplinare tra filosofia e letteratura da una prospettiva teoretica, ponendo in luce concetti e tematiche che testimoniano delle differenti modalità con cui il pensiero filosofico si rapporta alla letteratura, non tanto nei termini di un oggetto di analisi, quanto piuttosto della loro interazione e prossimità.
Il corso prenderà in esame il legame tra indagine filosofica e sua declinazione patologica nella narrativa e nella saggistica dello scrittore americano David Foster Wallace, evidenziando alcuni nodi concettuali – solipsismo, dipendenza, noia, autoinganno – che palesano l’intreccio tanto affascinante quanto problematico tra il filosofare e lo scrivere.
Il programma verterà sui seguenti argomenti:
- Introduzione al rapporto tra filosofia e letteratura
- Introduzione alla vita e all’opera di D.F. Wallace
- Analisi critica dei concetti di solipsismo, alienazione, noia nel loro intreccio problematico tra filosofia, letteratura e patologia
- Esposizione del rapporto tra dipendenza, autoinganno, e paradossi logici

D.F. Wallace, Il plenum vuoto: Wittgenstein’s Mistress di David Markson, in Di carne e di nulla, Einaudi 2012.
D.F. Wallace, Caro Vecchio Neon, in Oblio, Einaudi 2004.
D.F. Wallace, Il pianeta Trillafon in rapporto alla cosa brutta, in Questa è l’acqua, Einaudi 2009.
D.F. Wallace, La persona depressa, in Brevi interviste con uomini schifosi, Einaudi 2000.
D.F. Wallace, Il suicidio come una specie di presente, in Brevi interviste con uomini schifosi, Einaudi 2000.
G. Baggio, Filosofia e patologia in D.F. Wallace. Solipsismo, noia, alienazione… e altre cose (poco) divertenti, Rosenberg & Sellier 2022.
A. Ardovino, P. Masiero, La persona depressa di David Foster Wallace. Sul ruolo della non-empatia nel lavoro della finzione, in G. Baggio e G. Quinzi (a cura di), L'empatia tra teoria e clinica, Rosenberg & Sellier, Torino 2023, pp. 75-100.
D. Laing, L’io diviso, Einaudi 2010 (prima parte).
C. Scarlato, Attraverso il corpo. Filosofia e letteratura in David Foster Wallace, Mimesis 2020 (primo capitolo)
M. Piazza, La scrittura dei filosofi e la filosofia degli scrittori, in «Bollettino Filosofico», n. 210, 2013.

Impiegando le metodologie dei visual studies contemporanei, il corso ricompone teorie e orientamenti estetici tardo-ottocenteschi e novecenteschi con riflessioni attuali, concentrando l’attenzione sulle forme urbane della sperimentazione artistica: dal cinema delle avanguardie all’underground, dalle arti elettroniche e digitali al web, dallo spot pubblicitario al music video al Vj’ing. Il corso vuole porre in rapporto i cambiamenti dell’habitat urbano con quelli del panorama mediale contemporaneo, indagando i territori d’ibridazione tra cinema, video, architettura e arti visive, alla luce delle nuove forme percettive e cognitive, estetiche e tecnologiche emerse nel sistema degli audiovisivi attuali.

G. Ravesi, La città delle immagini, Rubbettino, Soveria Mannelli 2011.
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria “4 Appunti” di Via G. Chiabrera, 174.

FILMOGRAFIA:
FILM E VIDEO MONOCANALE
The Corridor (Norman McLaren, anni '50); Blinkity Blank (Norman McLaren, 1955); N.Y., N.Y. – A Day in New York (Francis Thompson, 1957); Bridges-Go-Round (Shirley Clarke, 1958); Broadway by Light (William Klein, 1958); New York Lightboard (Norman McLaren, 1961); Sulle scale mobili (Bruno Munari e Marcello Piccardo, 1964); Empire (Andy Warhol, 1964); Lights (Marie Menken, 1964-1966);Tre e basta (Luca Maria Patella, 1965); (Back and Forth, 1968) di Michael Snow (1968); Necrology (Roll Call Of The Dead) di Standish D. Lawder (1969); Serene Velocity (Ernie Gehr, 1970); Broadwalk (William Raban, 1971); Synchromy (Norman McLaren, 1971); Shift (Ernie Gehr, 1972-1974); Park Film (Chris Welsby, 1973); Eureka (Ernie Gehr,1974); Nuovo libro (Nowa ksiazka, Zbigniew Rybczynski, 1975); Analogies: Studies in the Movement of Time (Peter Rose, 1977); Mein Fenster (La mia finestra, Zbigniew Rybczynski, 1979); Media (Zbigniew Rybczynski, 1980); Tango (Zbigniew Rybczynski, 1980); Mistaken Memories of Mediaeval Manhattan (Brian Eno, 1981-1982); Koyaanisqatsi (Godfrey Reggio, 1983); Two Times in One Space (Ivan Ladislav Galeta, 1976-1984); Signal – Germany on the Air (Ernie Gehr, 1985); Steel Cathedrals (Yasuyuki Yamaguchi, David Sylvian, 1985); Le deuxième jour (Robert Cahen, 1988); Hong Kong Song (Robert Cahen, 1989); Appunti di viaggio su moda e città (Wim Wenders, 1989); Surveillance (Jem Cohen, 1995); X-Rays (Jem Cohen, 1995); Lost Book Found (Jem Cohen, 1996); Lucy et le fantôme de Marcushelmons (Valérie Pavia, 1996); Monocodes (Alexander Rutterford, 2000); Naqoyqatsi (Godfrey Reggio, 2002); Crossings (H.C. Gilje, 2002); Panorama_Roma (ZimmerFrei, 2004); Crossings (Marina Chernikova, 2004); Exchangeable Cities (Kentaro Taki, 2004); Site specific_Roma 04 (Olivo Barbieri, 2004); Site specific_Las Vegas 05 (Olivo Barbieri, 2005); Tournis (François Vogel, 2006); Reflect (spot Motorola, François Vogel, 2007); Fell It (spot ATP, Luis Nieto, 2007); Empire II (Amos Poe, 2007).
INSTALLAZIONI, VIDEOINSTALLAZIONI, ARTE INTERATTIVA
Intervento per lo Scalone, IX Triennale di Milano (Lucio Fontana, 1951); Italia 61 (Soffitto Padiglione, Torino, Lucio Fontana, 1961); Ambienti stroboscopici (Davide Boriani, 1965-1967); Live-taped Video Corridor (Bruce Nauman, 1970); Present Continuous Past (Dan Graham, 1974);
Video Piece for Showcase Windows In Shopping Arcade (Dan Graham, 1976);Video Piece for Two Glass Office Buildings (Dan Graham, 1976); Alteration to a Suburban House (Dan Graham, 1978);
Video Projection Outside Home (Dan Graham, 1978); Titled Arc (Federal Plaza, New York, Richard Serra, 1981);Vedute – quel tale non sta mai fermo (Studio Azzurro, 1985); The Legible City (Jeffrey Shaw, 1988-1991); The Stairs I – Geneva (Peter Greenaway, 1994); The Georgetown Loop (Ken Jacobs, 1996); Périphérie (Miguel Chevalier, 1998);On View (Antoni Muntadas, 1999);
Megalopoli (Studio Azzurro, 2000); Naples (piazza Plebiscito, Napoli, Richard Serra, 2000); Exercising Nowheres (1), (2) e (3) (Hans op de Beeck, 2000); CECUT Projection (Omnimax Theater, Centro Cultural Tijuana, Mexico, Krzysztof Wodiczko, 2000); Macchina dell’arcobaleno (Alberto Biasi, 2000); Location (2) (Hans op de Beeck, 2001); WalkAround (Patrick Tuttofuoco , 2002); Metapolis (Miguel Chevalier, 2002); Y (Patrick Tuttofuoco, 2004); T-Mart (Hans op de Beeck, 2004); Location (5) (Hans op de Beeck, 2004); Celestial Subway Lines/ Salvaging Noise (Ken Jacobs, 2004); Revolving Landscape (Patrick Tuttofuoco, 2006); Sleepwalkers (Doug Aitken, 2007); Crossborders (Miguel Chevalier, 2007); Location (6) (Hans op de Beeck, 2008).
MUSIC VIDEO, VISUAL, VJ’ING
Se telefonando (spot Barilla, Piero Gherardi, 1966); Under pressure (music video Queen feat. David Bowie) di David Mallet e Andy Morahan (1982); Imagine (music video John Lennon) di Zbig Rybczynski (1987); La tour de Pisa (music video Jean François Cohen) di Michel Gondry (1992); Big Time Sensuality (music video Björk) di Stéphane Sednaoui (1992); Love is Strong (music video Rolling Stones) di David Fincher (1995); Children (music video Robert Miles) di Elizabeth Bailey (1996); Ray of Light (music video Madonna) di Jonas Âkerlund (1997); Non è mai stato subito (music video Biagio Antonacci) di Stefano Salvati (1998); Brown Paper Bag (music video Roni Size/Reprazent, 1998); The Child (music video dj Alex Gopher) di Antoine Bardou-Jacquet (1999); Strong Enough (music video Cher) di Nigel Dick (1999); Freestyler (music video Bomfunk MC’S, 2000); This strange effect (music video Hooverphonic, 2000); Analyse (music video Cranberries) di Keir McFarlane (2001); Star Guitar (music video The Chemical Brothers) di Michel Gondry (2002); Come Into My World (music video Kylie Minogue) di Michel Gondry (2002); Growing Up (music video Peter Gabriel) di François Vogel (2002); Sit Down. Stand Up (music video Radiohead) di Ed Holdsworth (2003); Woodsroads (Saul Saguatti , 2003-2004); Tension (visual Orbital) di Giles Thacker (2004); I Citizen The Loathsome (visual Plaid) di Bob Jaroc (2006); Colombo (music video Baustelle) di Stefano Poletti (2007); Presunti Accenni (music video IG) di Fabio Massimo Iaquone, Luca Attilii (2007); Se vuoi (music video IG) di Fabio Massimo Iaquone, Luca Attilii (2007); Transit City #2 RomAstratta (Saul Saguatti, 2008)
NET E SOFTWARE ART
Blinkenlights (2001) Chaos Computer Club; Arcade (2002) Chaos Computer Club; Avatar's Portraits (2006) Eva e Franco Mattes; Stereoscope (2008) Chaos Computer Club.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139 insieme a una dispensa con i materiali audiovisivi delle lezioni per sola consultazione interna.

Per ragionare sul ruolo assunto dal paesaggio nel cinema, il corso si elabora lungo una triplice traiettoria. In primo luogo, è proposta una riflessione teorica e storica attorno al tema del paesaggio, indagandone i caratteri essenziali, la sua evoluzione nel tempo, come pure la sua graduale ridefinizione o risemantizzazione. Si analizza, quindi, il modo in cui il cinema rappresenta il paesaggio, individuando le forme e i significati che esso viene ad assumere all’interno del testo filmico. Infine, si costruisce una tassonomia essenziale, analizzando in maniera particolare il cinema italiano degli anni Cinquanta e Sessanta.

STUDENTI FREQUENTANTI:
Bibliografia:
– Sandro Bernardi, Il paesaggio nel cinema italiano, Venezia, Marsilio, 2002.
– Antologia di saggi per studenti frequentanti disponibile sulla piattaforma Moodle del corso

Filmografia obbligatoria:
Le ragazze di Piazza di Spagna (Luciano Emmer, 1952)
La lupa (Alberto Lattuada, 1953)
Giovani Mariti (Mauro Bologni, 1958)
Adua e le compagne (Antonio Pietrangeli, 1960)
Rocco e i suoi fratelli (Luchino Visconti, 1960)
Il posto (Ermanno Olmi, 1961)
Mamma Roma (Pier Paolo Pasolini, 1962)
Il deserto rosso (Michelangelo Antonioni, 1964)
Teorema (Pier Paolo Pasolini, 1968)

Filmografia secondaria:
I vitelloni (Federico Fellini, 1953)
La notte brava (Mauro Bolognini, 1959)
Banditi a Orgosolo (Vittorio De Seta, 1961)
Il sorpasso (Dino Risi, 1962)
I basilischi (Lina Wertmüller, 1963)
I fidanzati (Ermanno Olmi, 1963)

STUDENTI NON FREQUENTANTI:
Bibliografia:
– Sandro Bernardi, Il paesaggio nel cinema italiano, Venezia, Marsilio, 2002.
– Antologia di saggi per studenti non frequentanti disponibile sulla piattaforma Moodle del corso

Filmografia obbligatoria:
Gente del Po (Michelangelo Antonioni, 1947)
Cronaca di un amore (Michelangelo Antonioni, 1950)
Il grido (Michelangelo Antonioni, 1957)
L'avventura (Michelangelo Antonioni, 1960)
La notte (Michelangelo Antonioni, 1961)
L'eclisse (Michelangelo Antonioni, 1962)
Il deserto rosso (Michelangelo Antonioni, 1964)
Blow-up (Michelangelo Antonioni, 1966)
Zabriskie-Point (Michelangelo Antonioni, 1970)
Professione: reporter (Michelangelo Antonioni, 1975)
Identificazione di una donna (Michelangelo Antonioni, 1982)

l laboratorio intende sviluppare capacità imprenditoriali per la costituzione di nuove attività culturali e di spettacolo. Durante il laboratorio verranno illustrati i sistemi di funzionamento di una impresa culturale, dal punto di visto giuridico, delle norme del lavoro e degli obblighi contrattuali, relativamente allo spettacolo dal vivo, anche in relazione con altri ambiti della produzione culturale. Durante le lezioni viene inoltre disaminata la tecnica di redazione del progetto, con particolare attenzione allo sviluppo di capacità di reperimento delle risorse pubbliche e private. E’ prevista la stesura di un progetto, organizzando gruppi di lavoro, che saranno seguiti dal docente con l’obiettivo che gli studenti esplorino la fattibilità e sostenibilità di una propria idea imprenditoriale nella sua dimensione di mercato, organizzativa, economica, riguardo progetti di nuove imprese teatrali o culturali o di spettacolo, oppure di azioni di rilancio di realtà esistenti.

Testo a supporto.
Lucio Argano, Alessandro Bollo, Paolo Dalla Sega “Organizzare eventi culturali. Ideazione, progettazione e gestione strategica del pubblico” Franco Angeli 2017
Dispense: saranno fornite dal docente durante il Corso

Il laboratorio intende fornire le competenze tecniche di base relative alla pratica fotografica sia nella sua dimensione analogica che in quella digitale, illustrandone le varie articolazioni e facendone comprendere la funzione storica, culturale e artistica.

Il laboratorio persegue diversi obiettivi formativi che costituiranno dunque il cuore del programma didattico:
- Fornire conoscenze di base sulla storia e il ruolo sociale e culturale della fotografia, definendo in particolare come questa abbia cambiato il mondo dell’arte, la percezione della storia e la sua stessa narrazione; come abbia cambiato turismo, viaggi, socialità, narrazione di eventi privati o storici e molto altro
- Conoscere alcuni grandi autori della storia della fotografia con il duplice scopo di esplorare l’estetica e lo stile, nonché di comprendere alcune regole di composizione e come al contempo l’errore fotografico o il tradimento delle regole abbia generato delle opere eccezionali.
- Definire alcune sfaccettature sul mestiere di fotografo con cenni alla professione ad esso legata nel mondo del cinema: l’autore (o direttore) della fotografia. Anche qui il duplice scopo è indagare l’estetica dei singoli direttori della fotografia (nella loro collaborazione con gli altri autori di quell’opera corale che è il film) e comprendere come dalla visione di un film si possa imparare molo anche sulla fotografia tout court.
- Stimolare lo sguardo e la creatività fotografica
- Apprendere le principali regole di composizione
- Imparare ad utilizzare in modalità manuale una macchina fotografica professionale nelle sue funzioni di base. Si specifica che si potrà scattare con qualunque tipo di apparecchio fotografico, dal dispositivo mobile (smartphone o tablet) alla reflex o mirroless digitale, nonché con dispositivi analogici (per i quali provvederemo a digitalizzare).
- Introduzione all’editing digitale. Analizzeremo gli strumenti di base dei principali programmi di editing (Photoshop, Lightroom e altri).

Calendario delle attività:

Lezione 1
Presentazione
La nascita e i principali usi della fotografia
Alcuni grandi fotografi

Lezione 2
Le ottiche
La messa a fuoco
Introduzione al concetto di profondità di campo
Revisione immagini proposte dagli studenti

Lezione 3
Focus su Direzione della fotografia
Alcuni grandi direttori della fotografia
La conoscenza delle ottiche, delle pellicole, delle macchine, ma soprattutto l’immaginazione e la creatività

Lezione 4
Revisione scatti degli studenti su ottiche
L’esposizione: iso, tempi, diaframmi
Gli esposimetri

Lezione 5
Revisione esercitazioni degli studenti su esposizione
Giocare con la fotografia
Allenare la creatività
Allenare lo sguardo

Lezione 6
La profondità di campo
Le principali regole di composizione
Revisione proposte degli studenti su Fotografi (e Cinematographer)

Lezione 7
Revisione scatti degli studenti su profondità di campo
Introduzione all’editing digitale
Revisione proposte degli studenti su Fotografi (e Cinematographer)

Lezione 8
Realizzare un progetto fotografico
Introduzione all’editing digitale

Lezione 9
Revisione progetti fotografici degli studenti
Assistenza all’editing fotografico

Lezione 10
Revisione progetti fotografici degli studenti
Assistenza all’editing fotografico

Lezione 11
Revisione e commento progetti fotografici degli studenti

Lezione 12
Presentazione dei progetti fotografici
Come coltivare la passione per la fotografia a Roma e altrove

NON CI SONO TESTI OBBLIGATORI

il corso si propone di rispondere alle seguenti domande:
come si trova una storia?
come si racconta una storia?
il ruolo del narratore
il punto di vista
cosa rende una storia universale?

Io ero il Milanese di Mauro pescio e Lorenzo S ed. Mondadori
si consiglia anche l'ascolto dell'omonimo podcast su raiplaysound

Modulo 1. Musica nella società dell’informazione, della comunicazione e della tecnologia
1.1 Rivoluzione digitale e musica
1.2 Musica e tecnologia lungo le fasi della vita

Modulo 2: Tecnologie Musicali nella Formazione
2.1 Strumenti digitali per l'apprendimento della teoria musicale
2.2 Creazione di contenuti didattici multimediali

Modulo 3: Sound Design, Performance e Composizione Elettronica
3.1 Introduzione ai software di notazione musicale
3.2 DAW (Digital Audio Workstations)

Modulo 4: Ricerca e tecnologie in ambito musicale
4.1 Biblioteche musicali digitali
4.2 IA e musica

Selezione di saggi fornita dal docente durante il corso.

Il corso è finalizzato a sviluppare competenze metodologiche nell’ambito delle scienze della comunicazione e sociali. La prima parte del corso prenderà in esame il disegno della ricerca nelle scienze sociali, differenziando tra metodi qualitativi e quantitativi.
Nella seconda parte del corso saranno indicate le principali tappe e strategie della ricerca nel campo delle scienze della comunicazione, con particolare riguardo ai metodi qualitativi e creativi per la ricerca sociale.

PRIMA PARTE
- Wendy Griswold (2009), Un framework metodologico per lo studio della cultura, in M. Santoro, R. Sassatelli (a cura di), Studiare la cultura. Nuove prospettive sociologiche, Il Mulino, Bologna, pp. 253-285

SECONDA PARTE
- Mario Cardano, Luigi Gariglio (2024), Metodi qualitativi. Pratiche di ricerca in presenza, a distanza e ibride, Carocci, Roma
- Alberta Giorgi, Micol Pizzolati, Elena Vacchelli (2021), Metodi creativi per la ricerca sociale. Contesto, pratiche, strumenti, il Mulino, Bologna (fino al capitolo 7 incluso)

Percorso sistematico:
• Definizioni e inquadramento generale
• La notazione musicale
• Gli strumenti musicali odierni e del passato
Approfondimento:
• Dal clavicembalo al pianoforte: evoluzione tecnologica e tecnico esecutiva; i compositori e gli interpreti
Percorso storico:
• Tra Rinascimento e Barocco: musica vocale sacra e profana; esordi della musica strumentale
• Il Seicento: la nuova musica vocale; luoghi e organici della musica strumentale; sviluppo degli strumenti musicali
• Tra Seicento e Settecento: lo sviluppo dell’orchestra, organici e prassi esecutiva; musica da chiesa e musica da camera
• Il pieno Settecento: evoluzione degli organici e delle tecniche strumentali; principali centri musicali europei (Parigi, Londra, Vienna) e istituzioni concertistiche; le professioni musicali
• L’Ottocento: attività concertistiche; i virtuosi e la nuova concezione di performance; dal compositore-esecutore all’esecutore-interprete; la Salonmusik e la performance dilettantistica
• Il Novecento: il repertorio dei “classici” e la vita concertistica; nuova musica e nuove modalità di performance; tecnologie del suono e performance

1. NICHOLAS COOK, Musica. Una breve introduzione, Torino, EDT, 2005. Capitoli 4 e 5.
2. ENRICO FUBINI, Esecuzione e interpretazione: la vita dell’opera musicale attraverso il tempo, «Revista Portuguesa de Filosofia», LXXVIII, 2018, pp. 1527-1534.
3. Musica e società, 1: Dall’Alto Medioevo al 1640, a cura di Paolo Fabbri e Maria Chiara Bertieri, Lucca, LIM, 2019. Capitolo IV, paragrafi 4.3 (Le cappelle musicali) e 4.4 (La musica a corte); capitolo V, 5.2 (La musica strumentale) e 5.5 (Il Concilio di Trento e la musica liturgica cattolica); capitolo VII, 7.5 (Nuove tecniche, tempi nuovi – Monteverdi), 7.6 (La musica liturgica cattolica) e 7.7 (La produzione per tastiera).
4. Musica e società, 2: Dal 1640 al 1830, a cura di Paolo Fabbri, Alessandro Roccatagliati e Paolo Russo, Lucca, LIM, 2019. Capitolo II, 2.3 (La musica in chiesa); capitolo III, 3.7 (Vivaldi e il concerto solistico), 3.8 (Il mercato editoriale e i dilettanti) e 3.9 (Bach e il mondo tedesco).
5. Musica e società, 3: dal 1830 al 2000, a cura di Virgilio Bernardoni e Paolo Fabbri, Lucca, LIM, 2016. Parte 1. Capitolo VI, 6.6 (L’invenzione del disco e la nascita dell’industria fonografica). Parte 2. Capitolo X, intero (Diffusione musicale, media e ascolto); capitolo XII, 12.4 (Opera aperta e aleatorietà); capitolo XIV, intero (Le nuove frontiere del suono).
6. MARCO MANGANI, Ascoltare la scrittura. L’invenzione della notazione musicale [Scoprire la musica, n. I/1], Lucca, LIM, 2023, € 12
7. DONATELLA MELINI, Vedere i suoni. Uno sguardo sugli strumenti musicali [Scoprire la musica, n. II/1], Lucca, LIM, 2024, € 12
8. MARIA TERESA ARFINI – PAOLO RUSSO, Forme in movimento. La musica strumentale tra Sette e Ottocento, [Scoprire la musica, n. IV/3], Lucca, LIM, 2024, € 15
Testi e ulteriori dispense saranno resi disponibili, insieme al relativo elenco, sulla piattaforma Moodle.

Dopo l’esposizione di elementi teorici sulle fasi di realizzazione di un’opera audiovisiva (dalla pre-produzione alla post-produzione), suffragata dall’analisi di alcune sequenze tratte dalla Storia del Cinema, gli studenti lavoreranno ad alcuni esercizi di laboratorio, misurandosi con le difficoltà proposte dalle varie fasi di produzione.

Non è previsto un testo di riferimento.

Mercoledi 27 novembre: Come si costruisce un film: dall'idea al soggetto al trattamento alla sceneggiatura. Documentario e memoria, il genere Biopic e il problema del punto di vista. Visione e analisi di estratti da “I nostri 30 anni. Generazioni a confronto” di Giovanna Taviani, “Selfie” di Agostino Ferrente, “Un’ora sola ti vorrei” di Alina Marrazzi, “Futura” di Pietro Marcello Francesco Munzi Alice Rohrwacher “Il fantasma di Corleone” di Marco Amenta

Esercitazione individuale: racconta con una inquadratura “I tuoi 20 anni” (finzione o documentario, a scelta). Max 1 minuto. Gli studenti che vorranno presentare un video a tema libero sono liberi di farlo.

Venerdì 29 novembre: Presentazione dei video e Pitch individuali . Come si costruisce e come si presenta un Pitch a un produttore: consigli, esempi, suggerimenti. Come si scrive una sceneggiatura: i dialoghi, la suddivisone in scene, la struttura.
Il linguaggio cinematografico: la regia, la fotografia, la scenografia, il suono, il montaggio. Visione del video didattico Il Linguaggio cinematografico di Giovanna Taviani.
Il documentario di verità, il viaggio e l'emigrazione: Visione e analisi di estratti da “Ritorni” di Giovanna Taviani “Come un uomo sulla terra” di Andrea Segre e Dagmawj Imer “L’orchestra di Piazza Vittorio” di Agostino Ferrente .

Esercitazione individuale: racconta con una sola inquadratura senza stacchi di montaggio (max 1 minuto) la tua idea per il video finale, in cui s evinca una idea di "regia" e di composizione dell'inquadratura. Tra i soggetti proposti, documentario o finzione, "I tuoi 20 anni", "Gli altri noi", "I tuoi cantastorie". In alternativa al video scrivi una log line (max 10 righe) sulla tua idea per il video finale.

Mercoledì 4 dicembre: Come si racconta una storia: il montaggio, musica, il ruolo del sonoro. Dalla produzione post-postproduzione: montaggio (video e suono) grafica, repertorio, musica, colore nel documentario di creazione. Visione e analisi di estratti da “Cuntami. Storie di canto magico” di Giovanna Taviani, sui cantastorie siciliani, “Kripton” di Francesco Munzi "Isole di Fuoco" di Vittorio De Seta, "Il grido" e "La paura" di Pippo Delbono, “Fughe e Approdi” di Giovanna Taviani. Gli altri noi: il viaggio il Mediterraneo e l'emigrazione. Visione e analisi di estratti da "Ritorni" di Giovanna Taviani, "Come un uomo sulla terra" di Andrea Segre e Dagmawj Imer, "L'orchestra di Piazza Vittorio" di Agostino Ferrente.

Presentazione dei video e pitch individuali da parte dei ragazzi.

Esercitazione: realizza un video di max 3 minuti dove si evinca una tua idea di montaggio e di struttura della storia del tuo video finale, utilizzando le acquisizioni apprese durante le lezioni (repertorio, musica, grafica).

Venerdì 6 Dicembre: Lezione pratica: Pitch individuali degli studenti, che a turno presenteranno alla classe ancora singolarmente il dossier del proprio progetto, con la log line e il teaser da 3 minuti. Divisione in gruppi per la realizzazione video finale oggetto di valutazione. Chi vorrà fare il progetto individualmente sarà libero di farlo.

Esercitazione: realizza un video di max 5 minuti per il pitch finale, con un dossier contenente log line soggetto e script o storyboard allegato.

7-11 Gennaio. Settimana di Pratica. Pitch collettivi e/o individuali degli studenti, che presenteranno il dossier del proprio progetto, con sinossi soggetto e sceneggiatura. E mostreranno in classe il video (max 5 minuti) motivando le scelte di regia e di montaggio. Eventuali incontri con ospiti esterni.

Il video completo finale (max 10 minuti) dovrà essere consegnato per mail alla docente entro e non oltre il 20 Gennaio. L’appello si terrà il 24 Gennaio e gli studenti devono iscriversi personalmente.

Filmografia: I nostri 30 anni Generazioni a confronto; Ritorni Cuntami - Storie di canto magico di Giovanna Taviani. L'orchestra di Piazza Vittorio Selfie di Agostino Ferrente. Come un uomo sulla terra di Andrea Segre e Damawi Imer. Il mio paese; La nave dolce di Daniele Vicari. Un'ora sola ti vorrei di Alina Marrazzi. Kripton di Francesco Munzi. Futura di Pietro Marcello Francesco Munzi Alice Rohrwacher. Comizi d'amore di P.P.Pasolini

Durante il laboratorio saranno mostrati anche alcuni video didattici sul linguaggio cinematografico realizzati dalla docente.

Bibliografia: P.P.Pasolini, La musica nel film (Confessioni tecniche e altro in Pasolini per il cinema **), S. M. Ejzenstein Lezioni di regia, P. e V. Taviani Cinema come comunità e visione (Letiones magistralis con scritti inediti).

Durante il laboratorio si analizzeranno sceneggiature originali di film e documentari della storia del cinema

Il percorso prevede un breve excursus storico di film documentari per il cinema e incontri con registi e produttori di documentario.

Si procederà poi a selezionare alcuni soggetti proposti dagli studenti su un tema scelto dal docente e dibattuto in aula.

I soggetti selezionati saranno realizzati in lavoro di gruppo o individuale.

Eventuali limiti di durata e ambientazione verranno comunicati dal docente ad inizio corso.

Limite massimo iscritti 30 persone.

Frequenza obbligatoria. Sono ammesse, escluse cause di forza maggiore, non più di due assenze.

Testi consigliati:

- Gianfranco Pannone. "È reale? Guida empatica del cinedocumentarista". Artdigiland, 2021.
- Lorenzo Hendel. "Il documentario narrativo. Come inventare una storia vera". Dino Audino. 2021.
- Simone Aleandri, Roberto Moliterni. "Fare un documentario. Scrivere, girare e produrre cinema del reale". Dino Audino. 2020.

Testi consigliati:

- Gianfranco Pannone. "È reale? Guida empatica del cinedocumentarista". Artdigiland, 2021.
- Lorenzo Hendel. "Il documentario narrativo. Come inventare una storia vera". Dino Audino. 2021.
- Simone Aleandri, Roberto Moliterni. "Fare un documentario. Scrivere, girare e produrre cinema del reale". Dino Audino. 2020.

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Ilaria Bonomi, Edoardo Buroni (2017), "La lingua dell'opera lirica", Bologna, il Mulino.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

Il corso seguirà un percorso cronologico attraverso la storia del cinema documentario attraverso alcune parole chiave. Il percorso storiografico strutturato in maniera cronologica si articolerà attraverso alcuni snodi tematici riguardanti soprattutto le questioni etiche (rappresentabilità o irrapresentabilità di alcuni aspetti del reale) in rapporto alla realtà di partenza e all’attore sociale, la questione performativa e autoriale del cinema documentario e la questione della recezione spettatoriale. La filmografia scelta segue un percorso esemplificativo sia dal punto di vista storico che tematico. La seconda parte del corso sarà di carattere monografico e sarà dedicata alla rappresentazione della natura selvaggia nel cinema del reale italiano e internaizonale.
Il corso prevede inoltre alcuni incontri con professionisti del settore documentario in modo tale da mettere gli studenti direttamente in contatto con le professioni del cinema.

Carlo Alberto Pinelli, Professione documentarista: storia e pratiche di una passione, Edizioni Sabinae, Roma, 2017.
Dispense a cura della docente.

Dispense a cura della docente caricate su Moodle all’inizio del corso.

FILMOGRAFIA OBBLIGATORIA: La filmografia è suscettibile di variazioni.

Robert Flaherty, Nanook of the North (1922)
Joris Ivens, Regen (1929)
Dziga Vertov, Tre canti su Lenin (1934)
Henry Watt-Basil Wright, Night Mail (1936)
Luciano Emmer, Racconto da un affresco (1938)
L.Visconti, M.Serandrei, M.Pagliero, G. De Santis, Giorni di gloria (1945)
Vittorio De Seta, Lu tempu de li pisci spata (1954)
Lorenza Mazzetti, Together (1956)
Lindsay Anderson, O, Dreamland (1953)
Linsday Anderson, Every Day Except Christmas (1957)
Jean Rouch-Edgar Morin, Chronique d'une été (1962)
Chris Marker, Sans Soleil (1982)
Jay Rosenblatt, The smell of the burning ants (1994)
Alina Marazzi, Un'ora sola ti vorrei (2012)
Firouzeh Kosrovani, Radiograph of a Family (2020)
Giovanni Veronesi, La valanga azzurra, (2024)

Il corso è finalizzato a sviluppare competenze metodologiche nell’ambito delle scienze della comunicazione e sociali. La prima parte del corso prenderà in esame il disegno della ricerca nelle scienze sociali, differenziando tra metodi qualitativi e quantitativi.
Nella seconda parte del corso saranno indicate le principali tappe e strategie della ricerca nel campo delle scienze della comunicazione, con particolare riguardo ai metodi qualitativi e creativi per la ricerca sociale.

PRIMA PARTE
- Wendy Griswold (2009), Un framework metodologico per lo studio della cultura, in M. Santoro, R. Sassatelli (a cura di), Studiare la cultura. Nuove prospettive sociologiche, Il Mulino, Bologna, pp. 253-285

SECONDA PARTE
- Mario Cardano, Luigi Gariglio (2024), Metodi qualitativi. Pratiche di ricerca in presenza, a distanza e ibride, Carocci, Roma
- Alberta Giorgi, Micol Pizzolati, Elena Vacchelli (2021), Metodi creativi per la ricerca sociale. Contesto, pratiche, strumenti, il Mulino, Bologna (fino al capitolo 7 incluso)

Il corso mira a:
- fornire le nozioni fondamentali di fisica del suono e della luce;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura della luce, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura del suono, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde sonore, con particolare riferimento alla voce e agli strumenti musicali;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde luminose, con particolare riferimento alla luce artificiale;
- far comprendere i processi percettivi del suono e della luce in rapporto agli aspetti fisici e alla natura dell’orecchio e dell’occhio umano;
- illustrare i meccanismi alla base delle applicazioni tecniche del suono e della luce nel campo dello spettacolo.

Materiale fornito dal docente.

Il corso si propone di individuare ed analizzare le principali tendenze del racconto audiovisivo contemporaneo, affrontando gli immaginari egemonici tanto quanto i percorsi sovversivi proposti dal cinema e dalla serialità televisiva in Europa e negli Stati Uniti. Verranno affrontati soprattutto: il ruolo del postclassico e del postmoderno fra anni '80 e '90; il rapporto fra estetica, soggettività e identità di gender; gli scenari della globalizzazione e postcoloniali; la serialità televisiva complessa, il transmedia storytelling e la narrazione convergente.
Il syllabus con il programma definitivo del corso sarà pubblicato in prossimità dell'inizio del corso stesso.

Ilaria A. De Pascalis, a cura di, "Kathryn Bigelow", Marsilio, 2023
Antologia di saggi a cura della docente.
Il programma definitivo, completo di bibliografia e filmografia e di tutte le informazioni sul corso, sarà pubblicato in prossimità dell'inizio del corso.

Il corso seguirà un percorso cronologico attraverso la storia del cinema documentario attraverso alcune parole chiave. Il percorso storiografico strutturato in maniera cronologica si articolerà attraverso alcuni snodi tematici riguardanti soprattutto le questioni etiche (rappresentabilità o irrapresentabilità di alcuni aspetti del reale) in rapporto alla realtà di partenza e all’attore sociale, la questione performativa e autoriale del cinema documentario e la questione della recezione spettatoriale. La filmografia scelta segue un percorso esemplificativo sia dal punto di vista storico che tematico. La seconda parte del corso sarà di carattere monografico e sarà dedicata alla rappresentazione della natura selvaggia nel cinema del reale italiano e internaizonale.
Il corso prevede inoltre alcuni incontri con professionisti del settore documentario in modo tale da mettere gli studenti direttamente in contatto con le professioni del cinema.

Carlo Alberto Pinelli, Professione documentarista: storia e pratiche di una passione, Edizioni Sabinae, Roma, 2017.
Dispense a cura della docente.

Dispense a cura della docente caricate su Moodle all’inizio del corso.

FILMOGRAFIA OBBLIGATORIA: La filmografia è suscettibile di variazioni.

Robert Flaherty, Nanook of the North (1922)
Joris Ivens, Regen (1929)
Dziga Vertov, Tre canti su Lenin (1934)
Henry Watt-Basil Wright, Night Mail (1936)
Luciano Emmer, Racconto da un affresco (1938)
L.Visconti, M.Serandrei, M.Pagliero, G. De Santis, Giorni di gloria (1945)
Vittorio De Seta, Lu tempu de li pisci spata (1954)
Lorenza Mazzetti, Together (1956)
Lindsay Anderson, O, Dreamland (1953)
Linsday Anderson, Every Day Except Christmas (1957)
Jean Rouch-Edgar Morin, Chronique d'une été (1962)
Chris Marker, Sans Soleil (1982)
Jay Rosenblatt, The smell of the burning ants (1994)
Alina Marazzi, Un'ora sola ti vorrei (2012)
Firouzeh Kosrovani, Radiograph of a Family (2020)
Giovanni Veronesi, La valanga azzurra, (2024)

Il corso mira a:
- fornire le nozioni fondamentali di fisica del suono e della luce;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura della luce, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura del suono, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde sonore, con particolare riferimento alla voce e agli strumenti musicali;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde luminose, con particolare riferimento alla luce artificiale;
- far comprendere i processi percettivi del suono e della luce in rapporto agli aspetti fisici e alla natura dell’orecchio e dell’occhio umano;
- illustrare i meccanismi alla base delle applicazioni tecniche del suono e della luce nel campo dello spettacolo.

Materiale fornito dal docente.

La prima parte del corso è dedicata a una rassegna delle principali prospettive teoriche attorno ai concetti di genere e sessualità, con particolare riguardo agli approcci del costruttivismo sociale, del femminismo intersezionale e dei queer studies.
La seconda parte intende rafforzare uno sguardo di genere sulle pratiche comunicative dei diversi ambienti mediali, con l’obiettivo di potenziare le capacità di analisi critica. Grazie ai laboratori didattici e a seminari con esperti accademici e non, gli studenti e le studentesse potranno analizzare differenti materiali e dispositivi mediatici sulla base di quanto appreso durante la prima parte del corso.

- D. Richardson (2015), Conceptualising Gender, in V. Robinson & D. Richardson (eds), Gender and Women’s Studies, Palgrave, pp. 3-19.
- A.L. Tota, A. De Feo, L. Luchetti (2023), Inquinamento visuale. Manifesto contro il razzismo e il sessismo delle immagini, Mondadori, Milano.
- S. Capecchi (2014), Methodological problems in gender and media research, Qual Quant, 48, pp. 837–844.

NB: Il testo A. L. Tota, A. De Feo, L. Luchetti (2023), Inquinamento visuale. Manifesto contro il razzismo e il sessismo delle immagini è anche parte del programma di esame di Sociologia della pubblicità a partire dall'A.A. 2023/2024. Pertanto, gli studenti e le studentesse che sosterranno sia Sociologia della pubblicità che Gender & media, dovranno portare tale testo solo per uno dei due esami. Qualora scelgano di studiare A. L. Tota, A. De Feo, L. Luchetti (2023), Inquinamento visuale. Manifesto contro il razzismo e il sessismo delle immagini per l'esame di Sociologia della pubblicità, dovranno sostituire tale testo per l'esame di Gender & Media con il seguente:
- Manolo Farci, Cosimo Marco Scarcelli (a cura di) (2022), Media digitali, genere e sessualità, Mondadori, Milano

Il corso si rivolge al rapporto tra musica e immagine offrendo una panoramica su alcuni aspetti fondamentali dell’iconografia musicale e sulle caratteristiche che tale rapporto assume nell’audiovisione, attraverso un rapido sguardo d’insieme, storico e analitico, sul ruolo della musica in ambito cinematografico. Sarà delineato un percorso di indagine che va dall’uno all’altro versante, seguendo la traccia tematica dell’immagine del musicista, così come essa viene riflessa, costruita, messa in scena attraverso le risorse delle arti grafiche e pittoriche, quindi attraverso quelle della narrazione audiovisiva, dal ritratto del musicista dei secoli XVII-XVIII al film biografico musicale.

1. Federico Maria Sardelli, Il volto di Vivaldi, Palermo, Sellerio, 2021, pp. 13-176, 242-266

2. Sergio Miceli, Musica per film. Storia, estetica – analisi, tipologie, Milano-Lucca, Ricordi-LIM, 2009, pp. 631-682 e 819-832

3. Gianmario Borio, Funzioni del ‘suono organizzato’ in due testi audiovisivi: “Barry Lyndon” e “Koyaanisqatsi”, «La Valle dell’Eden», 12-13/25-26 (2011), pp. 73-90

4. Alessandro Bratus, Popular music al cinema: la rappresentazione dell’artista rock sul grande schermo, in Worlds of Audio Vision (2010)
http://www-5.unipv.it/wav/index.php?option=com_content&view=article&id=69&lang=it

I non frequentanti leggeranno inoltre:
Kathryn Kalinak, Musica da film. Una breve introduzione, Torino, EDT, 2010

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Ilaria Bonomi, Edoardo Buroni (2017), "La lingua dell'opera lirica", Bologna, il Mulino.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

Il corso ripercorre la storia della fotografia dalla sua invenzione alla contemporaneità, affrontando il medium fotografico sia nella sua declinazione artistica, sia in quanto pratica sociale. Si analizzeranno le origini ottocentesche del medium, la sua diffusione sempre più pervasiva in tutti gli ambiti della vita quotidiana, e le principali metamorfosi tecnologiche che ne hanno plasmato le sorti, fino alla transizione al digitale e l’utilizzo attuale nel contesto online. Tramite le riflessioni di alcuni studiosi fondamentali (in primis Roland Barthes e Susan Sontag, ma anche Walter Benjamin, Georges Didi-Huberman e altri), si ragionerà di alcuni dei più importanti artisti della storia del medium (da Talbot a Nadar, da Alfred Stieglitz a Henri Cartier-Bresson, da Berenice Abbott a Saul Leiter, da Bruce Davidson a Luigi Ghirri), degli elementi da cui scaturisce la forza espressiva delle immagini fotografiche, e del tipo di coinvolgimento che esse possono mobilitare in noi.

Il syllabus con il programma definitivo del corso sarà pubblicato in prossimità dell'inizio del corso stesso.

Susan Sontag, Sulla fotografia, Einaudi, Torino, 2004;
Roland Barthes, La camera chiara, Einaudi, Torino, 2003;
Raccolta di saggi a cura del docente.

Il corso si focalizzerà su tre fenomeni rilevanti della storia e delle pratiche dell’attore:

1 – Le attrici e degli attori della Commedia dell’arte
2 – Stanislavskij e le sue ricerche sulla formazione dell’attore
3 – L’Antropologia teatrale e i principi di organizzazione del comportamento scenico

- Ferdinando Taviani, Mirella Schino, Il segreto della Commedia dell’Arte. La memoria delle compagnie italiane del XVI, XVII, XVIII secolo, Firenze, La casa Usher, 2008.

- Konstantin S. Stanislavskij, Il lavoro dell’attore su se stesso, Roma-Bari, Laterza, 1982.

- Eugenio Barba, La canoa di carta. Trattato di antropologia teatrale, Bologna, Il Mulino, 2004.


I NON FREQUENTANTI DOVRANNO AGGIUNGERE:

- Claudio Meldolesi, Pensare l’attore, Roma, Bulzoni, 2010

CONTROSTORIE DI UN’ITALIA PLURALE. ROMA TRANSCULTURALE E POST/COLONIALE 1 – DAL MUTO AGLI ANNI OTTANTA
A Roma l’odonomastica e i monumenti ci parlano di una città eterna che ha coltivato a lungo pratiche o sogni di dominio imperiale, nell’epoca classica come nel ventennio fascista. Il cinema e la serialità possono aiutarci, tra narrazioni e omissioni, a ricostruire una storia profonda di convivenza transculturale che parte da lontano, incrocia i millenari traffici nel e oltre il Mediterraneo che hanno preceduto il processo di nation building, affronta la pagina buia del colonialismo liberale e fascista, ne analizza le tracce depositate nel territorio e nell’immaginario. Di chi a Roma vive, lavora e fa cinema; di chi da Roma parte, portandosi dietro un’identità culturale riconoscibile; di chi a Roma arriva, contribuendo ad arricchirla, di vissuto e di futuro. Il nostro viaggio parte dal muto e si arresta alla soglia del 1989, quando la percezione di un’Italia crocevia di migrazioni in entrata cambia l’agenda politica e delle narrazioni.

Un'antologia di articoli di teoria e analisi del film postcoloniale, a cura del docente.

Il corso intende fornire gli strumenti teorici e metodologici per un corretto inquadramento del fenomeno della popular music dalla sua genesi, contemporanea alla nascita della società industriale, fino ai nostri giorni. Partendo dalla stessa locuzione “popular music”, ne verrà innanzitutto chiarito il senso in rapporto all’uso italiano del termine “popolare” e delle altre parole che si utilizzano per questo tipo di musiche (“folk”, “tradizionale”, ecc.). Verrà successivamente indagato il contesto nel quale la popular music prende vita (urbanizzazione, sviluppo tecnologico, diffusione dei mass media) per poi seguirne la storia lungo tutto il ‘900 e i primi anni 2000 in rapporto alla tradizione classica, al jazz e alle musiche folkloriche. Dato il carattere multidimensionale dell’oggetto, il corso propone l’utilizzo di una prospettiva pluridisciplinare, facendo necessariamente ricorso non solo a strumenti di natura musicologica ed etnomusicologica ma anche di tipo antropologico e sociologico.
Il programma, tramite l’uso di contributi audio e video (nonché di oggetti materiali come mappe, dischi e spartiti), prevede lo studio dei diversi generi che compongono la popular music, tanto in occidente quanto nel resto del mondo, e dei luoghi in cui essi hanno preso vita (teatri, café-chantant, cabaret). Verrà poi discusso il rapporto tra oralità e scrittura, l’avvento dell’editoria musicale, della discografia, dell’uso del microfono, dell’elettrificazione degli strumenti, dell’amplificazione, dell’utilizzo creativo dello studio di registrazione, del rapporto tra musica e rumore e di tutto ciò che ha contribuito a definire la popular music nel mondo moderno e contemporaneo. Grande spazio verrà dato all’irruzione dei generi afroamericani, con le loro peculiari dinamiche (e il loro lessico: swing, groove, riff, ecc.) e all’influenza che essi hanno avuto sul rock (genere, quest’ultimo, che verrà particolarmente analizzato in dettaglio anche nella sua componente spettacolare). Verrà poi diffusamente trattato il folk revival nelle sue declinazioni nazionali e la sua evoluzione nella world music. Ampio spazio sarà poi dato alla storia della canzone italiana e alla “rottura” provocata dal fenomeno dei cantautori.

Basciano Fabrizio, Manuale di storia della popular music e del jazz, Volonté & Co. 2024.
(in alternativa, Fabbri Franco, Storia della popular music, Utet, Torino 2016).
Mignogna Dino, La musica possibile, Arcana, Roma 2022.

SISTEMI DELL’INFORMAZIONE E DEL GIORNALISMO 2024/25
Parte monografica: Il talk show: la messa in scena del dibattito pubblico: formati, regole, protagonisti, professioni.

Il corso di Sistemi dell’Informazione del giornalismo anno 24/25 è organizzato in due parti.
La parte istituzionale affronta il mutato rapporto fra giornalismo e società e le trasformazioni che hanno coinvolto il Sistema dell’informazione all’interno del nuovo ecosistema digitale, soffermandosi sia sulle dimensioni normativa, produttiva ed organizzativa del giornalismo online, con in particolare l‘affacciarsi di nuovi attori non istituzionali, sia sull’osservazione di variabili di tipo più sociologico quali i modelli di offerta e consumo, i valori giornalistici e le caratteristiche dei nuovi formati del giornalismo digitale (siti, podcast, blog). In questa parte verrà affrontato anche il tema del complesso equilibrio tra informazione, indipendenza, pluralismo e necessità di regolamentazione per garantirne l’autorevolezza e l’affidabilità.
La parte monografica è dedicate all’analisi di un particolare genere giornalistico/televisivo: il talk-show politico. Dopo una parte dedicate a ripercorrere in chiave storica la diffusione e l’evoluzione del genere in Italia in stretta relazione all’evoluzione della scena politica e mediatica, ed all’analisi delle sue componenti strutturali e costitutive, si analizzerà la quantità, la qualità e le tendenze del talk-show nell’attuale stagione televisiva.
Nella parte monografica sono previsti:
- incontri con protagonisti e figure professionali coinvolte nelle diverse fasi realizzative di un talk show: giornalista, scenografo, autore
- visionamento di materiali d’archivio
- realizzazione di ricerche e elaborati che potranno fiscalizzare parte dell’esame.

I testi d'esame saranno comunicati a inizio corso

Introduzione al linguaggio del cinema, principi e geometrie segrete delle immagini, composizione e percezione, esercizi di scrittura, modelli e generi di cinema, edizione e montaggio, logline, sinossi e soggetto.

Che cos'è il cinema di A.Bazin
Perdersi è meraviglioso di D.Lynch
L'immagine movimento e L'immagine tempo di G. Deleuze
Eyes wide open di F. Raphael
Tennis, tv, trigonometria, tornado di David Foster Wallace

Il corso intende analizzare il rapporto tra il movimento del corpo e il movimento delle immagini, esplorando il dialogo tra il linguaggio della danza e quello del video nella gamma di relazioni che vanno dalla documentazione alla creazione artistica, dalla danza nel film alle immagini come elemento drammaturgico. Nell’arco cronologico che va dai primi decenni del Novecento fino alle esperienze contemporanee, il modulo si basa sulla visione, l’analisi, il commento e lo studio di alcuni casi di interrelazione tra linguaggio coreutico e linguaggio visivo. In particolare sarà affrontato il tema dell’azione davanti alla camera esplorando le differenze tra fotografia, cinema e video attraverso alcuni esempi di coreografi, film maker. videoartisti.

- Alessandro Amaducci, Screendance. Sperimentazioni visive intorno al corpo tra film, video e computer grafica, Kaplan, Torino 2020
- Danza, schermi, visori. Contaminazioni coreografiche nella scena italiana, a cura
di Elena Cervellati e Silvia Garzarella, Dino Audino, Roma 2024
- Dispense a cura della docente: documento pdf comprensivo della videografia completa corredata dai link per la visione dei film visti a lezioni (laddove disponibili online). Il pdf è disponibile sul canale Teams del corso

Oltre allo studio dei volumi, per sostenere l’esame è necessario visionare integralmente i film e i video indicati nelle dispense.

Muovendo da due testi di Chateaubriand sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

F.-R. Chateaubriand, Atala-René (traduzione Bruno Nacci), Garzanti 2006

A. Breton, Nadja (traduzione Giordano Falzoni), Torino, Einaudi, 2007

V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2006

Il laboratorio intende fornire una panoramica di quelle che sono le fasi della post-produzione audiovisiva, dall'acquisizione del materiale alla finalizzazione del prodotto, passando per la sua elaborazione, con un focus particolare sul ruolo del coordinatore della post-produzione e sulla gestione di un flusso di lavoro produttivo, che coinvolge figure professionali come quella del montatore, del colorist, del vfx artist e del sound designer.

Parallelamente il laboratorio intende fornire, principalmente attraverso l'utilizzo del software dedicato Blackmagic DaVinci Resolve, nozioni tecniche sui seguenti argomenti:

- spoglio tecnico di una sceneggiatura per i reparti di post-produzione;
- acquisizione e archiviazione del materiale;
- impostazione del progetto e creazione dei proxy;
- editing video;
- color correction e color grading;
- compositing;
- motion graphics;
- sound editing;
- finalizzazione e export del prodotto.

In considerazione della natura del laboratorio non sono previsti testi di riferimento.

studio di programmi di Montaggio con particolare attenzione alla suite di DaVinci Resolve

Dispense a cura del docente

Muovendo da due testi di Chateaubriand sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

F.-R. Chateaubriand, Atala-René (traduzione Bruno Nacci), Garzanti 2006

A. Breton, Nadja (traduzione Giordano Falzoni), Torino, Einaudi, 2007

V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2006

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Ilaria Bonomi, Edoardo Buroni (2017), "La lingua dell'opera lirica", Bologna, il Mulino.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

Le studentesse e gli studenti verranno coinvolti in un percorso di apprendimento co-costruito orientato alla giustizia sociale in educazione.
Partendo dal delineare i fondamenti epistemologici della Pedagogia (l’oggetto specifico di studio e di intervento e il cammino per diventare un sapere pratico e teorico che pensa e prospetta la formazione in qualità di “Scienza Pedagogica” e “Scienza di confine”), si ragionerà sul potenziale educativo e formativo delle arti performative, in particolare del teatro.
Nella prospettiva di una pedagogia critica e impegnata, verranno approfonditi i temi della pedagogia dell’oppresso e del teatro dell’oppresso, anche attraverso esperienze pratiche e laboratoriali;
si darà conto della prospettiva complessa, ecologica e decoloniale e, nello specifico, delle relazioni tra colonizzazione-decolonizzazione e nuovi fenomeni migratori; si discuterà delle dimensioni educative nei contesti di marginalità e di esclusione; si rifletterà sulla deprivazione culturale, sul trauma migratorio e le povertà educative; si co-costruiranno ipotesi metodologiche per una comunicazione efficace in ambito educativo.

Catarci M, (2016), La pedagogia della liberazione di Paulo Freire. Educazione, intercultura e cambiamento sociale, Milano: Franco Angeli.

Gigli A., Tolomelli A., Zanchettin A.,(2008), Il Teatro dell'Oppresso in educazione, Roma: Carocci

Bianchi L., (2023) La pedagogia implicita di Alexander Langer, Brescia: Morcelliana.

Bianchi L., (2024) bell hooks. Pedagogia impegnata e decoloniale, Brescia: Morcelliana.

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Ilaria Bonomi, Edoardo Buroni (2017), "La lingua dell'opera lirica", Bologna, il Mulino.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

Il percorso dei laboratorio prevede dodici incontri con partenza il 26 Febbraio.
Mercoledì’ 17-20 Sabato 10-13 Aula 6

Introduzione ai sistemi di comunicazione contemporanea.
Pianificazione, strategia e tattica
Digital
Ufficio Stampa
Media Contemporanei
PR
Flusso informativo, digital e processi di remarketing
Le figure professionali del mercato musicale e audiovisivo
Identità, qualità e network
La comunicazione visiva.
L’evento disco,
L’evento Festival
Non solo POP,
Strategie e percorsi di comunicazione
Sistemi di crescita
Budgeting
Progetti audiovisivi contemporanei

Non sono usati testi

Si offre un profilo sul sonoro nell'audiovisivo, trattandone questioni storiche, teoriche, analitiche, tecnologiche e produttive. Si illustra più specificamente il processo di sonorizzazione di un prodotto audiovisivo (film, TV, spot, ecc.) nelle sue varie fasi e tecniche (ideazione, produzione, postproduzione, registrazione, montaggio, missaggio). Si stimolano gli/le studenti/esse a compiere un lavoro creativo (con esercitazioni in aula) e si forniscono nozioni utili a scegliere quali suoni inserire nel filmato, ottenerli, crearli, montarli e missarli. Si pone particolare attenzione alle modalità con cui il suono può contribuire all'impianto formale complessivo dell'opera e alla veicolazione di significato, nonché alle sue interrelazioni con la sfera narrativa. Si ragiona sul tema dello stile sonoro e sulle relative pratiche, in particolare nel contesto della circolazione e della fruizione di prodotti audio e audiovisivi nel web.

TESTI CONSIGLIATI, FACOLTATIVI

Valerio Sbravatti, "La cognizione dello spazio sonoro filmico. Un approccio neurofilmologico", Bulzoni, Roma 2019.

Simone Corelli, Stefano Mainetti, Gilberto Martinelli, "Dialoghi, Musica, Effetti: il Suono nell'Audiovisivo", Lambda, Roma 2021.