Il corso ruota attorno ai seguenti temi:
digitalizzazione dei media audiovisivi, convergenza multimediale, crossmedialità, culture videoludiche, moltiplicazione delle piattaforme distributive, multimedia storytelling, con un focus particolare sull'intrattenimento come metagenere dei media, dei social e dell’esperienza condivisa.

A. Arvidsson, A. Delfanti, Introduzione ai media digitali, seconda edizione aggiornata, Bologna, Il Mulino, 2016;
T. Bonini, M. Perrotta, Che cos'è un podcast, Roma, Carocci, 2023;

più 3 tra questi 4 saggi:

- T. Bonini, A. Caliandro, G. Anselmi, "La diffusione della musica pop nel sistema ibrido dei media: tra piattaforme digitali e broadcaster tradizionali", Studi Culturali, XVI, 2, pp. 225-56, 2019

- T. Bonini, E. Treré, F. Murtula, “Resistenza e solidarietà algoritmica nelle piattaforme digitali Un’indagine etnografica dei gruppi di engagement su Instagram”, Studi Culturali, XIX, 2, pp. 177-206, 2022

- M. Perrotta, From Niche to Mainstream. The emergence of a podcasting culture and market in the Italian radio context. In "The Routledge Companion to Radio and Podcast Studies", edited by Mia Lindberg and Jason Loviglio, London, Routledge, pp.418-428.

- N. Bilchi, Cinema e videogame. Narrazioni, estetiche, ibridazioni, Milano, Unicopli, 2019 (ESTRATTO)
Tutti i materiali saranno distribuiti durante le lezioni.

-

Il corso affronta i fenomeni organizzativi del teatro e dello spettacolo dal vivo all’interno dell’evoluzione della dimensione urbana e territoriale nelle sue componenti morfologiche, sociali, percettive e culturali. Accanto alle strutture e alle pratiche tradizionali dello spettacolo vengono evidenziate le nuove forme di organizzazione della produzione culturale urbana e la relazione con le trasformazioni della città sul piano della rigenerazione, dell’innovazione sociale, della sostenibilità, delle questioni urbane attuali. Utilizzando case-studies, anche internazionali, con particolare riguardo alle ECoC (Capitale Europea della Cultura), alle Capitali italiane della Cultura, alle città creative Unesco, viene altresì illustrato il ruolo delle organizzazioni teatrali e culturali nella pianificazione strategica della città.

• Economia della cultura, politiche culturali e politiche urbane
• L’evoluzione della città e del territorio
• La lettura della città nelle sue diverse dimensioni
• L’impresa culturale e dello spettacolo
• La geografia organizzativa dello spettacolo dal vivo
• Gli spazi teatrali tradizionali
• I festival
• La politica dei grandi eventi e l’Estate Roma
• Le iniziative culturali bottom up e l’innovazione sociale
• Le residenze teatrali
• I nuovi spazi culturali e la rigenerazione urbana
• Le Capitali della Cultura e le città creative
• La pianificazione strategica culturale e il cultural planning

Per gli studenti frequentanti:
Lucio Argano "Guida alla progettazione della città culturale" editore FrancoAngeli, Milano, 2021 (pp. 514).

Per gli studenti non frequentanti:
Lucio Argano "Guida alla progettazione della città culturale" editore FrancoAngeli, Milano, 2021 (pp. 514).
Oliviero Ponte di Pino “Un teatro per il XXI secolo. Lo spettacolo dal vivo ai tempi del digitale” editore Franco Angeli, Milano, 2021 (pp. 150).

L'animazione contemporanea come nuova logica dominante delle immagini in movimento.

Tra la fine del XX e l’inizio del XXI secolo l’animazione si è andata configurando come l’orizzonte audiovisivo ideale per mettere in atto alcune delle sfide più stimolanti dal punto di vista tecnologico, estetico, narrativo, politico e culturale. E' in particolare attraverso la tecnologia digitale che l’animazione, per lungo tempo campo ancillare rispetto al "cinema-cinema", ha potuto riprendersi la scena riaffermando la sua identità non già di genere specifico, separato e secondario, quanto di insieme di forme espressive e di tecniche attraverso le quali è possibile configurare qualsiasi tipo di narrazione, praticare qualunque genere e colonizzare qualsivoglia medium e formato. Partendo da tali premesse, il corso propone una serie di riflessioni che prendono in esame le dinamiche e i meccanismi sottostanti alla realizzazione di alcuni dei principali successi dell’animazione mainstream per il cinema e la televisione. Ponendo particolare attenzione alla congiunzione tra le teorie e le pratiche, verranno indagati gli stili dei nuovi prodotti d’animazione guardando in primo luogo alla dialettica tra innovazione e tradizione, ma anche tra forme estetiche e narrative provenienti da paradigmi culturali differenti. Senza dimenticare il modo in cui i software per l'animazione vengono impiegati anche nel cinema in live action, si evidenzierà come il concetto di ri-animazione che dà il titolo al corso debba essere inteso anche nella direzione di una rivitalizzazione e problematizzazione, operate dall’animazione stessa, di questioni di natura storica, politica e culturale che coinvolgono le nuove immagini in movimento.

C. Uva (a cura di), Il cinema d'animazione. Gli scenari contemporanei dal cartoon al videogame, Carocci, Roma 2023.

C. Uva, Il sistema Pixar, Il Mulino, Bologna 2017.

OBIETTIVI: L’insegnamento di “Movimenti e autori del cinema” rientra nell’ambito delle attività formative caratterizzanti del corso di laurea magistrale in “Cinema, televisione e produzione multimediale”. Il suo intento è quello di affrontare periodi, temi, stili, opere e autori particolarmente significativi nella storia del cinema nazionale e internazionale. L’insegnamento si propone di fornire strumenti metodologici e approfondite conoscenze nell’ambito storico ed estetico, di stimolare la capacità di confrontarsi in maniera critica con le fonti documentali, di acquisire un' abilità nell'analisi dei testi filmici.

PROGRAMMA: Il corso è dedicato al cinema di Federico Fellini. Confrontandosi con la vasta bibliografia esistente e con le più diverse metodologie di studio, si analizzano i temi dominanti dell’immaginario felliniano e lo stile dei film. Un’attenzione particolare viene dedicata alla riflessione di Fellini sul cinema (da 8 ½ a Intervista), sullo spettacolo e sui media (la stampa umoristica, il fotoromanzo, il varietà, il circo, la televisione, la pubblicità).

TESTI PER L'ESAME: Federico Fellini, Fare un film, Einaudi, Torino 2015 (I ed. 1980); Jean-Paul Manganaro, Federico Fellini. Romance, Il Saggiatore, Milano 2014.

FILMOGRAFIA: Lo sceicco bianco (1952), La strada (1954), Le notti di Cabiria (1957), La dolce vita (1960), Le tentazioni del dottor Antonio (1962, ep. di Boccaccio '70), 8 1/2 (1963), Toby Dammit (1968, ep. di Tre passi nel delirio), I clowns (1970), Roma (1972), Amarcord (1973), Il Casanova di Federico Fellini (1976), Ginger e Fred (1985), Intervista (1987). I film verranno mostrati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca "Lino Miccichè", Via Ostiense 139.

Il corso ruota attorno ai seguenti temi:
digitalizzazione dei media audiovisivi, convergenza multimediale, crossmedialità, culture videoludiche, moltiplicazione delle piattaforme distributive, multimedia storytelling, con un focus particolare sull'intrattenimento come metagenere dei media, dei social e dell’esperienza condivisa.

A. Arvidsson, A. Delfanti, Introduzione ai media digitali, seconda edizione aggiornata, Bologna, Il Mulino, 2016;
T. Bonini, M. Perrotta, Che cos'è un podcast, Roma, Carocci, 2023;

più 3 tra questi 4 saggi:

- T. Bonini, A. Caliandro, G. Anselmi, "La diffusione della musica pop nel sistema ibrido dei media: tra piattaforme digitali e broadcaster tradizionali", Studi Culturali, XVI, 2, pp. 225-56, 2019

- T. Bonini, E. Treré, F. Murtula, “Resistenza e solidarietà algoritmica nelle piattaforme digitali Un’indagine etnografica dei gruppi di engagement su Instagram”, Studi Culturali, XIX, 2, pp. 177-206, 2022

- M. Perrotta, From Niche to Mainstream. The emergence of a podcasting culture and market in the Italian radio context. In "The Routledge Companion to Radio and Podcast Studies", edited by Mia Lindberg and Jason Loviglio, London, Routledge, pp.418-428.

- N. Bilchi, Cinema e videogame. Narrazioni, estetiche, ibridazioni, Milano, Unicopli, 2019 (ESTRATTO)
Tutti i materiali saranno distribuiti durante le lezioni.

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Il corso affronta i fenomeni organizzativi del teatro e dello spettacolo dal vivo all’interno dell’evoluzione della dimensione urbana e territoriale nelle sue componenti morfologiche, sociali, percettive e culturali. Accanto alle strutture e alle pratiche tradizionali dello spettacolo vengono evidenziate le nuove forme di organizzazione della produzione culturale urbana e la relazione con le trasformazioni della città sul piano della rigenerazione, dell’innovazione sociale, della sostenibilità, delle questioni urbane attuali. Utilizzando case-studies, anche internazionali, con particolare riguardo alle ECoC (Capitale Europea della Cultura), alle Capitali italiane della Cultura, alle città creative Unesco, viene altresì illustrato il ruolo delle organizzazioni teatrali e culturali nella pianificazione strategica della città.

• Economia della cultura, politiche culturali e politiche urbane
• L’evoluzione della città e del territorio
• La lettura della città nelle sue diverse dimensioni
• L’impresa culturale e dello spettacolo
• La geografia organizzativa dello spettacolo dal vivo
• Gli spazi teatrali tradizionali
• I festival
• La politica dei grandi eventi e l’Estate Roma
• Le iniziative culturali bottom up e l’innovazione sociale
• Le residenze teatrali
• I nuovi spazi culturali e la rigenerazione urbana
• Le Capitali della Cultura e le città creative
• La pianificazione strategica culturale e il cultural planning

Per gli studenti frequentanti:
Lucio Argano "Guida alla progettazione della città culturale" editore FrancoAngeli, Milano, 2021 (pp. 514).

Per gli studenti non frequentanti:
Lucio Argano "Guida alla progettazione della città culturale" editore FrancoAngeli, Milano, 2021 (pp. 514).
Oliviero Ponte di Pino “Un teatro per il XXI secolo. Lo spettacolo dal vivo ai tempi del digitale” editore Franco Angeli, Milano, 2021 (pp. 150).

Pensare come un antropologo.

Un manuale di antropologia.
Stefano De Matteis, Il dilemma dell'aragosta. La forza della vulnerabilità, Milano, Meltemi, 2017.
Stefano De Matteis, Gli sciamani non ci salveranno, Milano, Elèuthera, 2023.

Come si fa ricerca.

Concordati durante il corso.

Concentrandosi in maniera particolare sul periodo compreso tra gli anni Cinquanta e Sessanta, il corso analizza il cinema documentario etnografico italiano e i suoi principali autori. La seconda parte del corso si concentra sulla produzione cinematografica di Cecilia Mangini, indagandone anche relazioni e influenze con il cinema documentario e di finzione del periodo e, più in generale, con la produzione culturale e il contesto socio-politico dell’epoca.

Bibliografia obbligatoria:
– Mattia Cinquegrani, Il cinema di Cecilia Mangini, Venezia, Marsilio, 2024.
– Antologia di saggi a cura del docente

Filmografia obbligatoria:
Cortometraggi
– Sioux Ghost Dance (William K.L. Dickson, 1894)
– Frammenti dalla spedizione nello Stretto di Torres (Alfred C. Haddon, 1988-89)
– Matrimonio abissino (Roberto Omegna, 1908)
– Matera (Romolo Marcellini, 1951)
– Trance and Dance in Bali (Margaret Mead, Gregory Bateson, 1952)
– La terra nuova (Francesco De Feo, 1952)
– Lamento funebre (Michele Gandin, 1953)
– Magia lucana (Luigi Di Gianni, 1958)
– Nascita e morte nel Meridione (Luigi Di Gianni, 1958)
– Ignoti alla città (Cecilia Mangini, 1958)
– La passione del grano (Lino Del Fra, 1960)
– L'inceppata (Lino Del Fra, 1960)
– Stendalì (Suonano ancora) (Cecilia Mangini, 1960)
– Maria e i giorni (Cecilia Mangini, 1960)
– La canta della marane (Cecilia Mangini, 1960)
– Divino Amore (Cecilia Mangini, 1960)
– La taranta (Gianfranco Mingozzi, 1961)
– Il male di San Donato (Luigi Di Gianni, 1965)
– La briglia sul collo (Cecilia Mangini, 1971)

Lungometraggi:
– Siliva Zulu (Attilio Gatti, 1927)
– Man of Aran (L'uomo di Aran, Robert J. Flaherty, 1934)
– Domani vincerò (Cecilia Mangini, 1969)

Il corso si propone di indagare le modalità con cui il cinema, e le narrazioni audiovisive più in generale, mediano l’esperienza del paesaggio (urbano, rurale, naturale). Per farlo, verrà adottato un approccio diacronico, tracciando un percorso transnazionale dall’epoca del muto alla contemporaneità. Alla riflessione sulle metamorfosi tecnologiche interne alla storia del cinema (ad esempio l’adozione del colore o del formato panoramico) si accompagnerà una prospettiva intermediale, che metta in relazione il discorso filmico con quello pittorico, fotografico e cartografico. Coinvolgendo anche altre categorie fondamentali del dibattito sulla spazialità (il territorio, l’ambiente, l’atmosfera), il corso si interrogherà sul rapporto tra percezione e soggettività, e sulla stratificazione dell’esperienza spettatoriale. Le considerazioni di ordine estetico verranno altresì integrate da quelle di stampo culturale, storico e politico, investigando il paesaggio in relazione a fenomeni quali la migrazione e il cambiamento climatico.

Il syllabus con il programma definitivo del corso sarà pubblicato in prossimità dell'inizio del corso stesso.

Raccolta di saggi a cura del docente.

Pensare come un antropologo.

Un manuale di antropologia.
Stefano De Matteis, Il dilemma dell'aragosta. La forza della vulnerabilità, Milano, Meltemi, 2017.
Stefano De Matteis, Gli sciamani non ci salveranno, Milano, Elèuthera, 2023.

Il corso mira a problematizzare l’insegnamento del cinema e delle discipline audiovisive nel più ampio contesto della media education, sia dal punto di vista teorico-metodologico che dal punto di vista operativo.
A partire dalla ridefinizione delle strategie didattiche conseguente all’uso sempre più frequente delle tecnologie digitali in ambito educativo, la prima parte del corso si concentrerà sulla presenza e la funzione dei media nella prassi pedagogica, tanto come oggetto di studio (educazione ai media e al linguaggio cinematografico) quanto come supporto alla didattica in numerose discipline differenti (educazione attraverso i media), con particolare attenzione ai media audiovisivi.
Nella seconda parte del corso la media education sarà posta in dialogo con alcune tra le più recenti acquisizioni negli ambiti della teoria dei media e della teoria delle immagini. A partire da tale confronto saranno analizzate possibili strategie di utilizzo dei media e delle immagini in ambienti di apprendimento.
Focus specifici saranno dedicati ai seguenti argomenti: l'utilizzo del web documentary, del desktop cinema e dei social media in contesti d'apprendimento; la funzione dei musei virtuali per l'insegnamento della storia dell'arte; il digital storytelling come strumento per la didattica; la stesura di un progetto di alfabetizzazione al cinema e ai media audiovisivi nella scuola.

BIBLIOGRAFIA D'ESAME:

- Pier Cesare Rivoltella, "Media Education. Idea, metodo, ricerca", ELS La Scuola, Brescia 2017
- Giancarlo Grossi, Rosy Nardone, Giuseppe Previtali, "Postmedia Education. Visual Literacy e media digitali", McGraw Hill, Milano 2025
- Dispense a cura del docente

TESTI CONSIGLIATI:

- Pier Cesare Rivoltella, "Che cos'è un EAS. L'idea, il metodo, la didattica", Scholé, Brescia 2021
- Cristina Maurelli, "Video partecipativo. Fare cinema come strumento educativo: il metodo PVCODE", Dino Audino, Roma 2019
- Nicoletta Di Blas, "Storytelling digitale a scuola", Milano 2019

Il corso si concentra sulle forme della Media Literacy nella cultura digitale contemporanea. La prima parte è di ordine teorico e si confronta con le trasformazioni delle forme pedagogiche e di apprendimento scolastico interpretate in sinergia con le nuove forme di spettatorialità basate sulle logiche delle culture partecipative. La seconda parte è invece incentrata sulle forme del crito-film e del video-saggio. Lette in continuità con le analisi teoriche sul motivo della cornice, del paratesto e dello schermo, tali pratiche critico-espressive reinterpretano motivi e stili peculiari della storia del cinema e dell’arte promuovendo un’inedita elaborazione educativa e creativa di confronto con le immagini contemporanee.

Pier Cesare Rivoltella, Nuovi alfabeti. Educazione e culture nella società post-mediale, Scholé, Brescia, 2020.
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria “4 Appunti” di Via G. Chiabrera, 174.

Per i non frequentanti:
Henry Jenkins, Culture partecipative e competenze digitali. Media education per il XXI secolo, Guerini, Milano 2010.

FILM E VIDEOGRAFIA:
lungometraggi: Be Kind Rewind (2007) Michel Gondry; Rembrandt’s J’accuse (2008) Peter Greenaway; Shirley: Visions of Reality (2013) Gustav Deutsch; Final Cut: Hölgyeim és uraim (Final Cut: Ladies and Gentlemen, 2012) György Pálfi.

cortometraggi, videosperimentali, videomusicali: I bambini al cinema (1957) Francesco Maselli; Zorns Lemma (1970) Hollis Frampton; Live-taped Video Corridor (1970) Bruce Nauman; Present Continuous Past (1974) Dan Graham; Monitor (1974) Stephen Partridge; Mein Fenster (La mia finestra, 1979) Zbigniew Rybczynski; Media (1980) Zbigniew Rybczynski; Tele-racconto (1991) Giacomo Verde; Evidence (1995) Godfrey Reggio; Blinkenlights (2001) Chaos Computer Club; Star Guitar (music video The Chemical Brothers, 2002) Michel Gondry; Arcade (2002) Chaos Computer Club; La pozzanghera (2006) Studio Azzurro; Stereoscope (2008) Chaos Computer Club;

antologia di found footage film: Trade Tattoo (1937) Len Lye, Rainbow Dance (1936) Len Lye, Rose Hobart (1939) Joseph Cornell, Le film est déjà commencé? (1951) Maurice Lemaitre, A movie (1958) Bruce Conner, Very Nice, Very Nice (1961) Arthur Lipsett, La rabbia (1963) Pier Paolo Pasolini, La verifica incerta (1965) Gianfranco Baruchello, Alberto Grifi, Movie Drome (1965-1968) Stan Vanderbeek, The Cut-Ups (1966) William S. Burroughs, Antony Balch, Exploding Plastic Inevitable (1966) Andy Warhol, Le stelle di Mario Schifano (1967), L’inizio (Načalo, 1967) Artavazd Pelešian, Tom Tom the Piper’s Son (1969-1971) Ken Jacobs, La société du spectacle (1973) Guy Debord, Technology Transformation: Wonder Woman (1978) Dara Birnbaum, Mongoloid (music video Devo, 1978) Bruce Conner, Koyaanisqatsi (1983) Godfrey Reggio, A TV Dante. The Inferno (1985-1989) Peter Greeneway e Tom Phillips, Dal polo all’equatore (1986) Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi, Art of Memory (1987) Woody Vasulka, Steps (1987) Zbigniew Rybczynski, Histoire(s) du cinéma. 1a Toutes les histoires (1988) Jean Luc Godard, Dab (1988-2016) John Oswald, Alchemie (1992) Jürgen Reble, Filmarilyn (1992) Paolo Gioli, Passage à l’acte (1993) Martin Arnold, 24 Hour Psycho (1993) Douglas Gordon, Telephones (1995) Christian Marclay, The Georgetown Loop (1996) Ken Jacobs, Yours (1997) Jeff Scher, Film Ist 1. Movement and time (1998) Gustav Deutsch, L’arrivée (1998) Peter Tscherkassky, Outer Space (1999) Peter Tscherkassky, Essere morti o essere vivi è la stessa cosa (2000) Gianluigi Toccafondo, The Pentagon Tv Commercials (2003) Cane CapoVolto, Fast Film (2003) Virgil Widrich, Celestial Subway Lines/ Salvaging Noise (2004) Ken Jacobs, Sync(Watch) (2005) Marco Brambilla, 24 seconds Psycho (2005) Chris Bors, Installazione Film Ist (1-12) (2006) Gustav Deutsch, Crumax Rins (2006, visual Plaid) Bob Jaroc, Blob. THI$ I$ NOTH&ND (2008), Domine Jesus (2008) Leonardo Carrano, Alessandro Pierattini, Pasolini Requiem (2009) Mario Verger, The Clock (2010) Christian Marclay, Delia Derbyshire, Loop Composer (2011) AK_Alias, Blue Matter, Change Your Mind (2011) AK_Alias, Distorted Times (2012) Gideon van der Stelt, Creation (2012) Marco Brambilla, Cinema rianimato n. 3 (2012) Daniele Puppi, Cirrus (music video Bonobo, 2013) Cyriak, The Emoshjining (2014) Donato Sansone, Sigla Mostra Internazionale del Cinema di Pesaro (2016) Virgilio Villoresi, Purge The Odd Couple (2017) Pogo, RedruM (2018) Pogo;

antologia di crito-film: Stile di Piero della Francesca (1954) Carlo Ludovico Ragghianti, Carpaccio (1947) Roberto Longhi e Umberto Barbaro, Il dramma di Cristo (1948) Luciano Emmer ed Enrico Gras, Pittori di provincia (1953) Lucio Fulci, Cinéastes de notre temps (1964-1972) e Cinéma, de notre temps (1989-2018);

antologia di video-essay: Le combat avec l’ange (2004) Alain Bergala, The Doors of Perspection (2011) People Like Us (Vicki Bennett), Double Lives, Second Chances (2011) Cristina Álvarez López, Kubrick // One Point Perspective (2012) kogonada, Tarantino // From Below (2012) kogonada, Wes Anderson // From Above (2012) kogonada, The Career of Paul Thomas Anderson in Five Shots (2012) Kevin B. Lee, Rear Window Timelapse (2012) Jeff Desom, Zero De Doom (2012) Matthew Cheney, The Essay Film: Some Thoughts of Discontent (2013) Kevin B. Lee, Screen and Surface, Soft and Hard: the Cinema of Leos Carax (2013)Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, [De Palma’s] Vision (2014) Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, Wes Anderson // Centered (2014) kogonada, Peter Greenaway // Centered (2014) LaurentG, Evolution of the Dolly Zoom (2014) Vashi Nedomansky, Eyes of Hitchcock (2014) kogonada, Alphaville - A Crystal Maze (2014) Henrike Lindenberger, Cross-cut (2014) Drew Morton, Last Year At The Overlook (2015) Drew Morton, The Dutch Angle (2015) Jacob T. Swinney, First and Final Frames (2015) Jacob T.Swinney, The Definition of Film (2015) Richard Misek, Auteur in Space (2015) kogonada, Volumetric Cinema (2015) Kevin L. Ferguson, Manderley Motel (2015) Corey Creekmur, Blue Shining (2015) Richard Vezina, Joel & Ethan Coen - Shot | Reverse Shot (2016) Tony Zhou, Taylor Ramos, Amélie - Symmetry & Camera Movement (2016) Lessa Räbiger, Godard in Fragments (2016) kogonada, The Spielberg Touchscreen (2016) Ken Provencher, Graphic Spaces: Film Transitions in Steven Spielberg’s Filmmaking (2018) Andrea Minuz.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

Il corso insegnerà le competenze linguistiche, scritte e orali, ritenute necessarie per acquisire la conoscenza della lingua inglese di livello B2, con particolare attenzione a quelle inerenti all'ambito artistico e multimediale. Ci si soffermerà soprattutto sugli aspetti grammaticali, sintattici e lessicali relativi al contesto comunicativo del mondo artistico e che consentano la comprensione approfondita di testi delle discipline di cinema, teatro e televisione.

Peter May, "Compact First. Student's Book with Answers. Second Edition", Cambridge University Press.

Raymond Murphy, "English Grammar in Use. Fifth Edition," Cambridge University Press.

L’insegnamento offrirà alle studentesse e agli studenti gli strumenti necessari per progettare attività musicali inclusive anche a carattere interdisciplinare.
Nella prospettiva dell’inclusione scolastica, così come promossa dagli organismi internazionali e dalla normativa italiana, il corso tratterà dell’organizzazione della didattica inclusiva quale variabile fondamentale per garantire la qualità dei processi e l’equità nella scuola.
Nello specifico, saranno proposti i principi teorico-applicativi che sono alla base dei modelli organizzativo-didattici più efficaci, con riferimento al ruolo dell’insegnante come fattore principale di una didattica efficace.
A partire da una riflessione sugli scopi della disciplina, infatti, si analizzeranno i modelli più noti e significativi di organizzazione della didattica inclusiva nei contesti di istruzione formale con attenzione ai modelli di individualizzazione e di personalizzazione dell’insegnamento anche in relazione al recente contributo fornito dall'evidence-based-education.
In questo quadro, nonché alla luce dei risultati delle neuroscienze, si analizzeranno le potenzialità della musica quale facilitatore metodologico per la promozione dell’apprendimento e della partecipazione di tutti gli allievi, in particolare degli allievi con disabilità e con Disturbi Specifici di Apprendimento (DSA).

In contenuti essenziali dell'insegnamento sono i seguenti:
- i valori, i principi teorico-applicativi e i concetti che sono alla base della didattica inclusiva;
- le caratteristiche degli allievi con bisogni educativi speciali;
- principi teorici della musica per l'inclusione;
- le modalità di progettazione e di realizzazione di una lezione inclusiva basata sull’esperienza musicale: metodologie, strumenti, modalità di verifica e di valutazione;
- il ruolo dell’insegnante musicista come facilitatore per l’inclusione.

- Rizzo A. L. (2021). Giochi musicali e disturbi dell'apprendimento. Roma: Carocci.
- Rizzo A.L., Spadolini, A. (2024).Musica per la compensazione dei DSA. Proposte didattiche inclusive tra neuroscienze e ricerca educativa. Milano: Volontè.
-Miur (2012). Nuove indicazioni nazionali per il curricolo della scuola dell'infanzia e del I ciclo di istruzione.

Il corso si articolerà in due fasi:

- Inizialmente si analizzeranno i principi di composizione scenica attraverso le nuove prospettive aperte dalle scienze cognitive e dalle teorie sulla cognizione incarnata.
- In un secondo momento si affronteranno le opere e le teorie sulla composizione scenica del regista russo Vsevolod Mejerchol'd.

- Gabriele Sofia, “Le acrobazie dello spettatore. Dal teatro alle neuroscienze e ritorno”, Roma, Bulzoni, 2013.

- Vsevolod Mejerchol'd, “Sul teatro. Scritti 1907-1912”, Roma, Dino Audino Editore, 2015.

- Angelo Maria Ripellino, “Il trucco e l'anima. I maestri della regia nel teatro russo del Novecento”, Torino, Einaudi Editore, 2002.


I NON FREQUENTANTI DEVONO AGGIUNGERE:

- Vsevolod Mejerchol'd, "L'Ottobre Teatrale. 1918-1939", Imola, Cue Press, 2020.

Il corso ruota attorno ai seguenti temi:
digitalizzazione dei media audiovisivi, convergenza multimediale, crossmedialità, culture videoludiche, moltiplicazione delle piattaforme distributive, multimedia storytelling, con un focus particolare sull'intrattenimento come metagenere dei media, dei social e dell’esperienza condivisa.

A. Arvidsson, A. Delfanti, Introduzione ai media digitali, seconda edizione aggiornata, Bologna, Il Mulino, 2016;
T. Bonini, M. Perrotta, Che cos'è un podcast, Roma, Carocci, 2023;

più 3 tra questi 4 saggi:

- T. Bonini, A. Caliandro, G. Anselmi, "La diffusione della musica pop nel sistema ibrido dei media: tra piattaforme digitali e broadcaster tradizionali", Studi Culturali, XVI, 2, pp. 225-56, 2019

- T. Bonini, E. Treré, F. Murtula, “Resistenza e solidarietà algoritmica nelle piattaforme digitali Un’indagine etnografica dei gruppi di engagement su Instagram”, Studi Culturali, XIX, 2, pp. 177-206, 2022

- M. Perrotta, From Niche to Mainstream. The emergence of a podcasting culture and market in the Italian radio context. In "The Routledge Companion to Radio and Podcast Studies", edited by Mia Lindberg and Jason Loviglio, London, Routledge, pp.418-428.

- N. Bilchi, Cinema e videogame. Narrazioni, estetiche, ibridazioni, Milano, Unicopli, 2019 (ESTRATTO)
Tutti i materiali saranno distribuiti durante le lezioni.

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CORPI/MEDIA : FIGURE, ENERGIA, MOVIMENTO
Il corso, partendo da analisi e ipotesi su biomeccanica e movimento espressivo, indaga principi e dinamiche dell'azione simbolica sui versanti del teatro, della fotografia, del cinema, dell'antropologia visuale e culturale.

W. Benjamin, L'opera d'arte nell'epoca della sua riproducibilità tecnica, Feltrinelli
S. Ejzenstejn, Sulla biomeccanica, Armando.
S. Ejzenstejn, Il movimento espressivo. Scritti sul teatro, Marsilio (esaurito, file con i saggi richiesti per l'esame fornito a richiesta dal docente).
A. Warburg, Il rituale del serpente, Adelphi.
Uno a scelta tra
M. Mauss, Le tecniche del corpo, a c. di M. Fusaschi, ETS.
P. Apolito, R. Guarino e altri, Ritmo, Grenelle.
B. Balazs, L' uomo visibile, Lindau.

Il corso osserverà sviluppi e trasformazioni della danza moderna e contemporanea occidentale, a partire dalle ricerche di una nuova espressività che animarono la scena tedesca della prima metà del Novecento fino alle innovative creazioni, dagli anni Settanta, del teatro-danza.

1) Eugenia Casini Ropa, "La danza e l'agitprop: i teatri-non-teatrali nella cultura tedesca del primo Novecento", Bologna, il Mulino, 1988 – fino a p. 122 (Premessa e capitoli 1. Tre casi e 2. Körperseele: il corpo anima). È disponibile anche una nuova edizione del volume, Cue Press 2015, in cartaceo o e-book.
2) Elena Cervellati, "Storia della danza", Seconda edizione, Milano-Torino, Pearson, 2020.
3) Dispense e video.

I non frequentanti aggiungeranno un testo a scelta tra:
4) Susanne Franco, "Martha Graham", Palermo, L'Epos, 2003.
Marta Graham, La memoria del sangue. Un'autobiografia, Roma, Audino, 2022.

L'OPERA ITALIANA DA MONTEVERDI A PUCCINI.
SONO PREVISTE UNA PARTE GENERALE E UNA PARTE MONOGRAFICA. NELLA PARTE GENERALE, DI CARATTERE STORICO, SARÀ RIPERCORSA L’EVOLUZIONE DEL MELODRAMMA DALLE ORIGINI FINO ALL’INIZIO DEL XX SECOLO, NEI SUOI FONDAMENTALI AUTORI, PRINCIPI DRAMMATURGICI E STRUTTURE DRAMMATICO-MUSICALI. LA PARTE MONOGRAFICA RIGUARDERÀ LO STUDIO E L’ANALISI DI TRE OPERE TRATTE DAL REPERTORIO CLASSICO, CHE VERRANNO INDICATE ALL'INIZIO DELLE LEZIONI E SELEZIONATE ANCHE IN BASE AL CARTELLONE DEL TEATRO DELL'OPERA DI ROMA

- GILLES DE VAN, L’OPERA ITALIANA. LA PRODUZIONE, L’ESTETICA, I CAPOLAVORI, CAROCCI, 2012 (PRIMA ED. 2002).
- SELEZIONE DI SAGGI E AUDIOVISIVI INDICATI DAL DOCENTE ALL’INIZIO DELLE LEZIONI. I SAGGI SONO DISPONIBILI IN PDF SU MOODLE E SUL GRUPPO TEAMS DEL CORSO LE TRE OPERE OGGETTO DI APPROFONDIMENTO (BARBIERE DI SIVIGLIA, TRAVIATA, TOSCA) DEVONO ESSERE VISIONATE SU YOUTUBE O SU DVD. LA LORO EFFETTIVA CONOSCENZA SARA' OGGETTO DI VERIFICA IN SEDE DI ESAME.

SOLO PER I NON FREQUENTANTI:
- MATERIALI INTEGRATIVI FORNITI DAL DOCENTE E REPERIBILI SU MOODLE E SUL GRUPPO TEAMS DEL CORSO

Il corso si articolerà in due fasi:

- Inizialmente si analizzeranno i principi di composizione scenica attraverso le nuove prospettive aperte dalle scienze cognitive e dalle teorie sulla cognizione incarnata.
- In un secondo momento si affronteranno le opere e le teorie sulla composizione scenica del regista russo Vsevolod Mejerchol'd.

- Gabriele Sofia, “Le acrobazie dello spettatore. Dal teatro alle neuroscienze e ritorno”, Roma, Bulzoni, 2013.

- Vsevolod Mejerchol'd, “Sul teatro. Scritti 1907-1912”, Roma, Dino Audino Editore, 2015.

- Angelo Maria Ripellino, “Il trucco e l'anima. I maestri della regia nel teatro russo del Novecento”, Torino, Einaudi Editore, 2002.


I NON FREQUENTANTI DEVONO AGGIUNGERE:

- Vsevolod Mejerchol'd, "L'Ottobre Teatrale. 1918-1939", Imola, Cue Press, 2020.

CORPI/MEDIA : FIGURE, ENERGIA, MOVIMENTO
Il corso, partendo da analisi e ipotesi su biomeccanica e movimento espressivo, indaga principi e dinamiche dell'azione simbolica sui versanti del teatro, della fotografia, del cinema, dell'antropologia visuale e culturale.

W. Benjamin, L'opera d'arte nell'epoca della sua riproducibilità tecnica, Feltrinelli
S. Ejzenstejn, Sulla biomeccanica, Armando.
S. Ejzenstejn, Il movimento espressivo. Scritti sul teatro, Marsilio (esaurito, file con i saggi richiesti per l'esame fornito a richiesta dal docente).
A. Warburg, Il rituale del serpente, Adelphi.
Uno a scelta tra
M. Mauss, Le tecniche del corpo, a c. di M. Fusaschi, ETS.
P. Apolito, R. Guarino e altri, Ritmo, Grenelle.
B. Balazs, L' uomo visibile, Lindau.

Partendo dall’esame dell’opera in prosa e in versi di Stéphane Mallarmé, il corso si propone un’analisi ravvicinata dei testi, collocando questi lavori all’interno del suo contesto storico-letterario.

Mallarmé, Poesie e prose, tr. A. Guerrini – V. Ramacciotti, Garzanti, 2005
Mallarmé, Poesie, tr. C. De Carolis, Marsilio, 2017
M. Luzi, Studio su Mallarmé, Solfanelli, 2018.

Il corso ruota attorno ai seguenti temi:
digitalizzazione dei media audiovisivi, convergenza multimediale, crossmedialità, culture videoludiche, moltiplicazione delle piattaforme distributive, multimedia storytelling, con un focus particolare sull'intrattenimento come metagenere dei media, dei social e dell’esperienza condivisa.

A. Arvidsson, A. Delfanti, Introduzione ai media digitali, seconda edizione aggiornata, Bologna, Il Mulino, 2016;
T. Bonini, M. Perrotta, Che cos'è un podcast, Roma, Carocci, 2023;

più 3 tra questi 4 saggi:

- T. Bonini, A. Caliandro, G. Anselmi, "La diffusione della musica pop nel sistema ibrido dei media: tra piattaforme digitali e broadcaster tradizionali", Studi Culturali, XVI, 2, pp. 225-56, 2019

- T. Bonini, E. Treré, F. Murtula, “Resistenza e solidarietà algoritmica nelle piattaforme digitali Un’indagine etnografica dei gruppi di engagement su Instagram”, Studi Culturali, XIX, 2, pp. 177-206, 2022

- M. Perrotta, From Niche to Mainstream. The emergence of a podcasting culture and market in the Italian radio context. In "The Routledge Companion to Radio and Podcast Studies", edited by Mia Lindberg and Jason Loviglio, London, Routledge, pp.418-428.

- N. Bilchi, Cinema e videogame. Narrazioni, estetiche, ibridazioni, Milano, Unicopli, 2019 (ESTRATTO)
Tutti i materiali saranno distribuiti durante le lezioni.

-

l corso intende fornire conoscenze di acustica e di illuminotecnica con particolare riguardo alle applicazioni nel campo della progettazione architettonica e dei componenti per l’edilizia. Il corso fornirà, da una parte, gli strumenti necessari per affrontare la problematica della sonorizzazione e protezione acustica degli ambienti interni ed esterni, dall’altra, si occuperà della progettazione della qualità acustica e illuminotecnica delle sale (teatri, sale da concerto, sale conferenze ecc.). Inoltre, il corso si propone di fornire agli allievi le basi concettuali necessarie per affrontare i problemi dell’acustica e dell’illuminotecnica applicata, quali la valutazione e il controllo del rumore ed il corretto illuminamento degli ambienti interni, considerando aspetti tecnici e normativi.

Materiale fornito dal docente.

Il corso intende indagare alcune esperienze della danza del secondo Novecento che hanno proposto una inedita concezione del corpo e del movimento e che propongono un rinnovamento dei linguaggi coreutici sulla scena contemporanea. Una parte del corso sarà dedicata all’esperienza di danzatori butō di seconda generazione che hanno personalizzato la lezione dei fondatori e formato performer a cavallo tra Oriente e Occidente. La seconda parte, che si svolgerà in concomitanza con il festival Teatri di vetro, sarà dedicata alla scena contemporanea e all’osservazione diretta attraverso la visione guidata di spettacoli e incontri con performer e operatori culturali.

- Dossier Il corpo solitario. Masaki Iwana e La Maison du Butoh Blanc, a cura di Samantha Marenzi, «Teatro e Storia», n. 44, 2023
- Trasform’azioni – rassegna internazionale di danza butō. Fotografia di un'esperienza, a cura di Samantha Marenzi, Editoria & Spettacolo, Roma 2010
- I corpi del Butō. Fotografie di danza tra Oriente e Occidente, Postcart, Roma 2018.
- Dispense a cura della docente

Titolo: Etnomusicologia e didattica interculturale

- Panoramica degli studi etnomusicologici in Italia e all’estero e loro possibili ricadute per l’attivazione di una didattica interculturale.
- Introduzione alle motivazioni e alle finalità di una didattica musicale interculturale all’interno dei processi complessi della società postmoderna (teorie, metodologie del XX secolo e nuove tendenze).
- I repertori di tradizione orale a tutte le latitudini: ascolto e analisi di brani dei repertori di tradizione orale (scelti anche utilizzando le registrazioni raccolte sul campo dagli etnomusicologi), che saranno poi confrontati con brani dei repertori di musica colta e popular.
- Applicazioni pedagogiche per l’attivazione di percorsi di didattica interculturale con i repertori di tradizione orale ascoltati, analizzati e studiati anche attraverso l’approfondimento delle riflessioni critiche degli studi etnomusicologici.

Etnomusicologia e didattica interculturale (obbligatori):

- Disoteo Maurizio, "Musica e intercultura. Le diversità culturali in educazione musicale", Milano, Franco Angeli, 2013.
- Facci Serena, "Multiculturalismo nell’Educazione Musicale" in J.J. Nattiez (a cura di), Enciclopedia Einaudi della musica, vol 2- Il sapere musicale. Torino, Einaudi, 2002.
- Dispensa con selezione di articoli, che sarà fornita durante la prima lezione del corso:

PARTE 1. Definizione, storia e metodologia dell’ Etnomusicologia
1. Timothy Rice, da "Etnomusicology. A very short Introduction" (Oxford-New York, Oxford University Press 2014), cap. 1 e 2, trad. di Alberto Annarilli, Francesca Cireddu, Serena Facci. 

2. Francesco Giannattasio, da “Il concetto di musica” (Roma, La Nuova Italia, 1992), paragrafo introduttivo al cap. 4, "Etnomusicologia in Italia". 

3. Serena Facci, "Suoni", in C. Pennacini (a cura di) “La ricerca sul campo in antropologia. Oggetti e metodi”, Roma, Carocci, 2010. 


PARTE 2. Percorsi di didattica musicale interculturale: esempi di buone pratiche
1. Santini Gabriella, "A scuola dai cantastorie: un’esperienza interculturale", in “Musica Domani”, trimestrale di cultura e pedagogia musicale – organo della Società Italiana per l’Educazione Musicale (S.I.E.M.), anno XXXIV – n. 133, 2004, pp.12-19.
2. Santini Gabriella, "Costruire la propria identità sperimentando diverse appartenenze", in “Musica Domani”, trimestrale di cultura e pedagogia musicale – organo della Società Italiana per l’Educazione Musicale (S.I.E.M.), anno XXXV – n.134, 2005, pp.35-37.
3. Santini Gabriella, "Ascoltare a scuola le musiche di tradizione orale per rispondere alla sfida della complessità", in Silvana Chiesa (a cura di ), “Scuola d’Ascolto, Scuola in Ascolto. Atti delle Giornate di studio sulla didattica dell’ascolto per la scuola primaria (Alessandria 12 e 13 aprile 2011)”, Alessandria, Edizioni dell’Orso, 2011, pp. 73-87.
4. Facci Serena e Santini Gabriella, "I canti popolari italiani: problemi didattici sull’insegnamento di un genere musicale non familiare", in Mario Baroni (a cura di), “L’ascolto a scuola. Strategie didattiche per la comprensione di musiche non familiari”, Quaderni della S.I.E.M., n°27, Roma, Universitalia, 2013, pp. 87-114.
5. Santini Gabriella, "Musica per l’italiano come L2", in Franca Ferrari e Gabriella Santini (a cura di), “Musiche inclusive. Modelli musicali d'insieme per il sostegno alla partecipazione e all'apprendimento nella secondaria di primo grado”, Roma, Universitalia, 2014, pp. 83-108.
6. Facci Serena e Santini Gabriella, "Cantar le storie: una pratica di ieri e di oggi", in “Musica Domani”, semestrale di cultura e pedagogia musicale – organo della Società Italiana per l’Educazione Musicale (S.I.E.M.), anno XLIX – n°182, 2020, pp.15-25.

Inquadramento della materia:
• Cos’è l’analisi musicale; suo rapporto con le altre discipline musicologiche
• Cenni di storia dell’analisi musicale
Cenni alle metodologie principali dell’analisi musicale:
• Didattica della forma (Formenlehre) e teorie organicistiche
• Struttura fondamentale (Heinrich Schenker)
• Elaborazione tematica (Rudolph Réti)
• Analisi morfologica
• Analisi fraseologica (Hugo Riemann)
• Analisi stilistica (Jan La Rue)
• Analisi semiotica (Nicholas Ruwet)
- Analisi insiemistica (Allen Forte)
Esercitazioni di analisi morfologica:
• Esempi di macro-forma legata al testo poetico:
• Modello a segmenti (Mottetto; Madrigale del ‘500)
• Modello tripartito (Aria d’opera del ‘700)
• Esempi di macro-forma strumentale:
• Forme mono-partite:
• tipologie formali delle variazioni (variazioni su basso ostinato; variazioni su cantus firmus; variazioni su schema armonico; variazioni ornamentali nel Tema e variazioni)
• tipologie formali della fuga
• Forme bipartite (movimento di danza della Suite barocca)
• Forme tripartite:
• Forma-sonata
• Forma-rondò (forma ritornello; forma rondò)
Esercitazioni di analisi del lavoro tematico e di forme libere del Novecento

CLEMENS KÜHN, Il linguaggio delle forme nella musica occidentale, Milano, Unicopli, 1987: parte III (Musica e tempo), IV (Elementi strutturali della composizione), V (Melodia) e VI (Forma musicale e opera musicale)
IAN BENT – WILLIAM DRABKIN, Analisi musicale, Torino, EDT, 1990: capitoli I (L’analisi musicale in generale) e IV (La metodologia dell’analisi)

La relazione tra arti visive, suono e musica attraversa tutta la modernità configurando uno spazio di sperimentazione linguistica che la definizione di Sound Art restituisce solo parzialmente. A partire dalla sperimentazione e dalla rivoluzione estetica di John Cage, che ha ampliato l’orizzonte della musica al suono-rumore, il corso intende analizzare momenti della collaborazione tra artisti visivi e musicisti al di qua e al di là dell’Atlantico con esperienze che definiscono i nuovi orizzonti del performativo, tra Happening, Environment e Fluxus, in una rete di relazioni internazionali in espansione che si fa mano a mano globale. Saranno nello specifico analizzate 1) pratiche comportamentali-performative che hanno incentrato la loro poetica sulla voce e sulle sonorità corporali, anche in relazione all’utilizzo delle nuove tecnologie o come possibilità di autoaffermazione identitaria; 2) installazioni ambientali che hanno utilizzato il suono e la musica in uno scenario di ricerca che attraversa l’Arte Processuale, l’Arte Povera per arrivare alla contemporaneità in relazione alla questione ecologica e alla crisi ambientale.

1) Per una contestualizzazione delle principali ricerche dell’arte dagli anni Sessanta a oggi:

- F. Poli (a cura di), Arte contemporanea. Le ricerche internazionali dalla fine degli anni ’50 a oggi, Electa, Milano 2003, pp. 36-221 [PDF scaricabili sul moodle del corso]

2) F. De Sanctis Mangelli e G. Pedace (a cura di), When Sound Becomes form. Sperimentazioni sonore in Italia 1950-2000, Mandredi Edizioni, Imola 2019

3) Art or sound, catalogo della mostra (Venezia, Fondazione Prada Ca’ Corner della Regina, 7 giugno – 8 novembre 2014), a cura di G. Celant, Fondazione Prada, Milano 2014 [in particolare i saggi: G. Celant, Dal plurilinguismo al multisensoriale; C. Cox, Vedere non è sentire. Sinestesia, anestesia e arte audiovisiva; L. Chessa, Un’orchestra metafisica. Una ricerca sulla ricostruzione degli intonarumori; R. Young, Così brutalmente forzata. La svolta del dopoguerra dalla musica al suono; E. de Visscher, Il silenzio come scultura musicale. John Cage e gli strumenti di 4’33’’; G. Dayal, Musica sperimentale e performance. David Tudor, John Cage e Merce Cunningham; J. Applin, Rumore ottico. Il suono della scultura negli anni ’60; A. Licht, Il rumore della superficie. Rendere l’arte udibile nel XX Secolo; S. Menegoi, Sound Art? Arti visive e suono al passaggio fra anni ’70 e ’80; H. Rogers, Sinestesia distorta. Il video musicale e le arti visive]

4) P. Fameli, Il corpo risonante. Vocalità e gestualità nel Novecento, Campanotto Editore, Pasian di Prato (UD) 2013, pp. 43-84

Non frequentanti
Integreranno con un approfondimento da concordare con la docente.

Il corso mira a problematizzare l’insegnamento del cinema e delle discipline audiovisive nel più ampio contesto della media education, sia dal punto di vista teorico-metodologico che dal punto di vista operativo.
A partire dalla ridefinizione delle strategie didattiche conseguente all’uso sempre più frequente delle tecnologie digitali in ambito educativo, la prima parte del corso si concentrerà sulla presenza e la funzione dei media nella prassi pedagogica, tanto come oggetto di studio (educazione ai media e al linguaggio cinematografico) quanto come supporto alla didattica in numerose discipline differenti (educazione attraverso i media), con particolare attenzione ai media audiovisivi.
Nella seconda parte del corso la media education sarà posta in dialogo con alcune tra le più recenti acquisizioni negli ambiti della teoria dei media e della teoria delle immagini. A partire da tale confronto saranno analizzate possibili strategie di utilizzo dei media e delle immagini in ambienti di apprendimento.
Focus specifici saranno dedicati ai seguenti argomenti: l'utilizzo del web documentary, del desktop cinema e dei social media in contesti d'apprendimento; la funzione dei musei virtuali per l'insegnamento della storia dell'arte; il digital storytelling come strumento per la didattica; la stesura di un progetto di alfabetizzazione al cinema e ai media audiovisivi nella scuola.

BIBLIOGRAFIA D'ESAME:

- Pier Cesare Rivoltella, "Media Education. Idea, metodo, ricerca", ELS La Scuola, Brescia 2017
- Giancarlo Grossi, Rosy Nardone, Giuseppe Previtali, "Postmedia Education. Visual Literacy e media digitali", McGraw Hill, Milano 2025
- Dispense a cura del docente

TESTI CONSIGLIATI:

- Pier Cesare Rivoltella, "Che cos'è un EAS. L'idea, il metodo, la didattica", Scholé, Brescia 2021
- Cristina Maurelli, "Video partecipativo. Fare cinema come strumento educativo: il metodo PVCODE", Dino Audino, Roma 2019
- Nicoletta Di Blas, "Storytelling digitale a scuola", Milano 2019

Il corso si concentra sulle forme della Media Literacy nella cultura digitale contemporanea. La prima parte è di ordine teorico e si confronta con le trasformazioni delle forme pedagogiche e di apprendimento scolastico interpretate in sinergia con le nuove forme di spettatorialità basate sulle logiche delle culture partecipative. La seconda parte è invece incentrata sulle forme del crito-film e del video-saggio. Lette in continuità con le analisi teoriche sul motivo della cornice, del paratesto e dello schermo, tali pratiche critico-espressive reinterpretano motivi e stili peculiari della storia del cinema e dell’arte promuovendo un’inedita elaborazione educativa e creativa di confronto con le immagini contemporanee.

Pier Cesare Rivoltella, Nuovi alfabeti. Educazione e culture nella società post-mediale, Scholé, Brescia, 2020.
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria “4 Appunti” di Via G. Chiabrera, 174.

Per i non frequentanti:
Henry Jenkins, Culture partecipative e competenze digitali. Media education per il XXI secolo, Guerini, Milano 2010.

FILM E VIDEOGRAFIA:
lungometraggi: Be Kind Rewind (2007) Michel Gondry; Rembrandt’s J’accuse (2008) Peter Greenaway; Shirley: Visions of Reality (2013) Gustav Deutsch; Final Cut: Hölgyeim és uraim (Final Cut: Ladies and Gentlemen, 2012) György Pálfi.

cortometraggi, videosperimentali, videomusicali: I bambini al cinema (1957) Francesco Maselli; Zorns Lemma (1970) Hollis Frampton; Live-taped Video Corridor (1970) Bruce Nauman; Present Continuous Past (1974) Dan Graham; Monitor (1974) Stephen Partridge; Mein Fenster (La mia finestra, 1979) Zbigniew Rybczynski; Media (1980) Zbigniew Rybczynski; Tele-racconto (1991) Giacomo Verde; Evidence (1995) Godfrey Reggio; Blinkenlights (2001) Chaos Computer Club; Star Guitar (music video The Chemical Brothers, 2002) Michel Gondry; Arcade (2002) Chaos Computer Club; La pozzanghera (2006) Studio Azzurro; Stereoscope (2008) Chaos Computer Club;

antologia di found footage film: Trade Tattoo (1937) Len Lye, Rainbow Dance (1936) Len Lye, Rose Hobart (1939) Joseph Cornell, Le film est déjà commencé? (1951) Maurice Lemaitre, A movie (1958) Bruce Conner, Very Nice, Very Nice (1961) Arthur Lipsett, La rabbia (1963) Pier Paolo Pasolini, La verifica incerta (1965) Gianfranco Baruchello, Alberto Grifi, Movie Drome (1965-1968) Stan Vanderbeek, The Cut-Ups (1966) William S. Burroughs, Antony Balch, Exploding Plastic Inevitable (1966) Andy Warhol, Le stelle di Mario Schifano (1967), L’inizio (Načalo, 1967) Artavazd Pelešian, Tom Tom the Piper’s Son (1969-1971) Ken Jacobs, La société du spectacle (1973) Guy Debord, Technology Transformation: Wonder Woman (1978) Dara Birnbaum, Mongoloid (music video Devo, 1978) Bruce Conner, Koyaanisqatsi (1983) Godfrey Reggio, A TV Dante. The Inferno (1985-1989) Peter Greeneway e Tom Phillips, Dal polo all’equatore (1986) Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi, Art of Memory (1987) Woody Vasulka, Steps (1987) Zbigniew Rybczynski, Histoire(s) du cinéma. 1a Toutes les histoires (1988) Jean Luc Godard, Dab (1988-2016) John Oswald, Alchemie (1992) Jürgen Reble, Filmarilyn (1992) Paolo Gioli, Passage à l’acte (1993) Martin Arnold, 24 Hour Psycho (1993) Douglas Gordon, Telephones (1995) Christian Marclay, The Georgetown Loop (1996) Ken Jacobs, Yours (1997) Jeff Scher, Film Ist 1. Movement and time (1998) Gustav Deutsch, L’arrivée (1998) Peter Tscherkassky, Outer Space (1999) Peter Tscherkassky, Essere morti o essere vivi è la stessa cosa (2000) Gianluigi Toccafondo, The Pentagon Tv Commercials (2003) Cane CapoVolto, Fast Film (2003) Virgil Widrich, Celestial Subway Lines/ Salvaging Noise (2004) Ken Jacobs, Sync(Watch) (2005) Marco Brambilla, 24 seconds Psycho (2005) Chris Bors, Installazione Film Ist (1-12) (2006) Gustav Deutsch, Crumax Rins (2006, visual Plaid) Bob Jaroc, Blob. THI$ I$ NOTH&ND (2008), Domine Jesus (2008) Leonardo Carrano, Alessandro Pierattini, Pasolini Requiem (2009) Mario Verger, The Clock (2010) Christian Marclay, Delia Derbyshire, Loop Composer (2011) AK_Alias, Blue Matter, Change Your Mind (2011) AK_Alias, Distorted Times (2012) Gideon van der Stelt, Creation (2012) Marco Brambilla, Cinema rianimato n. 3 (2012) Daniele Puppi, Cirrus (music video Bonobo, 2013) Cyriak, The Emoshjining (2014) Donato Sansone, Sigla Mostra Internazionale del Cinema di Pesaro (2016) Virgilio Villoresi, Purge The Odd Couple (2017) Pogo, RedruM (2018) Pogo;

antologia di crito-film: Stile di Piero della Francesca (1954) Carlo Ludovico Ragghianti, Carpaccio (1947) Roberto Longhi e Umberto Barbaro, Il dramma di Cristo (1948) Luciano Emmer ed Enrico Gras, Pittori di provincia (1953) Lucio Fulci, Cinéastes de notre temps (1964-1972) e Cinéma, de notre temps (1989-2018);

antologia di video-essay: Le combat avec l’ange (2004) Alain Bergala, The Doors of Perspection (2011) People Like Us (Vicki Bennett), Double Lives, Second Chances (2011) Cristina Álvarez López, Kubrick // One Point Perspective (2012) kogonada, Tarantino // From Below (2012) kogonada, Wes Anderson // From Above (2012) kogonada, The Career of Paul Thomas Anderson in Five Shots (2012) Kevin B. Lee, Rear Window Timelapse (2012) Jeff Desom, Zero De Doom (2012) Matthew Cheney, The Essay Film: Some Thoughts of Discontent (2013) Kevin B. Lee, Screen and Surface, Soft and Hard: the Cinema of Leos Carax (2013)Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, [De Palma’s] Vision (2014) Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, Wes Anderson // Centered (2014) kogonada, Peter Greenaway // Centered (2014) LaurentG, Evolution of the Dolly Zoom (2014) Vashi Nedomansky, Eyes of Hitchcock (2014) kogonada, Alphaville - A Crystal Maze (2014) Henrike Lindenberger, Cross-cut (2014) Drew Morton, Last Year At The Overlook (2015) Drew Morton, The Dutch Angle (2015) Jacob T. Swinney, First and Final Frames (2015) Jacob T.Swinney, The Definition of Film (2015) Richard Misek, Auteur in Space (2015) kogonada, Volumetric Cinema (2015) Kevin L. Ferguson, Manderley Motel (2015) Corey Creekmur, Blue Shining (2015) Richard Vezina, Joel & Ethan Coen - Shot | Reverse Shot (2016) Tony Zhou, Taylor Ramos, Amélie - Symmetry & Camera Movement (2016) Lessa Räbiger, Godard in Fragments (2016) kogonada, The Spielberg Touchscreen (2016) Ken Provencher, Graphic Spaces: Film Transitions in Steven Spielberg’s Filmmaking (2018) Andrea Minuz.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

La relazione tra arti visive, suono e musica attraversa tutta la modernità configurando uno spazio di sperimentazione linguistica che la definizione di Sound Art restituisce solo parzialmente. A partire dalla sperimentazione e dalla rivoluzione estetica di John Cage, che ha ampliato l’orizzonte della musica al suono-rumore, il corso intende analizzare momenti della collaborazione tra artisti visivi e musicisti al di qua e al di là dell’Atlantico con esperienze che definiscono i nuovi orizzonti del performativo, tra Happening, Environment e Fluxus, in una rete di relazioni internazionali in espansione che si fa mano a mano globale. Saranno nello specifico analizzate 1) pratiche comportamentali-performative che hanno incentrato la loro poetica sulla voce e sulle sonorità corporali, anche in relazione all’utilizzo delle nuove tecnologie o come possibilità di autoaffermazione identitaria; 2) installazioni ambientali che hanno utilizzato il suono e la musica in uno scenario di ricerca che attraversa l’Arte Processuale, l’Arte Povera per arrivare alla contemporaneità in relazione alla questione ecologica e alla crisi ambientale.

1) Per una contestualizzazione delle principali ricerche dell’arte dagli anni Sessanta a oggi:

- F. Poli (a cura di), Arte contemporanea. Le ricerche internazionali dalla fine degli anni ’50 a oggi, Electa, Milano 2003, pp. 36-221 [PDF scaricabili sul moodle del corso]

2) F. De Sanctis Mangelli e G. Pedace (a cura di), When Sound Becomes form. Sperimentazioni sonore in Italia 1950-2000, Mandredi Edizioni, Imola 2019

3) Art or sound, catalogo della mostra (Venezia, Fondazione Prada Ca’ Corner della Regina, 7 giugno – 8 novembre 2014), a cura di G. Celant, Fondazione Prada, Milano 2014 [in particolare i saggi: G. Celant, Dal plurilinguismo al multisensoriale; C. Cox, Vedere non è sentire. Sinestesia, anestesia e arte audiovisiva; L. Chessa, Un’orchestra metafisica. Una ricerca sulla ricostruzione degli intonarumori; R. Young, Così brutalmente forzata. La svolta del dopoguerra dalla musica al suono; E. de Visscher, Il silenzio come scultura musicale. John Cage e gli strumenti di 4’33’’; G. Dayal, Musica sperimentale e performance. David Tudor, John Cage e Merce Cunningham; J. Applin, Rumore ottico. Il suono della scultura negli anni ’60; A. Licht, Il rumore della superficie. Rendere l’arte udibile nel XX Secolo; S. Menegoi, Sound Art? Arti visive e suono al passaggio fra anni ’70 e ’80; H. Rogers, Sinestesia distorta. Il video musicale e le arti visive]

4) P. Fameli, Il corpo risonante. Vocalità e gestualità nel Novecento, Campanotto Editore, Pasian di Prato (UD) 2013, pp. 43-84

Non frequentanti
Integreranno con un approfondimento da concordare con la docente.

Pensare come un antropologo.

Un manuale di antropologia.
Stefano De Matteis, Il dilemma dell'aragosta. La forza della vulnerabilità, Milano, Meltemi, 2017.
Stefano De Matteis, Gli sciamani non ci salveranno, Milano, Elèuthera, 2023.

Il corso mira a problematizzare l’insegnamento del cinema e delle discipline audiovisive nel più ampio contesto della media education, sia dal punto di vista teorico-metodologico che dal punto di vista operativo.
A partire dalla ridefinizione delle strategie didattiche conseguente all’uso sempre più frequente delle tecnologie digitali in ambito educativo, la prima parte del corso si concentrerà sulla presenza e la funzione dei media nella prassi pedagogica, tanto come oggetto di studio (educazione ai media e al linguaggio cinematografico) quanto come supporto alla didattica in numerose discipline differenti (educazione attraverso i media), con particolare attenzione ai media audiovisivi.
Nella seconda parte del corso la media education sarà posta in dialogo con alcune tra le più recenti acquisizioni negli ambiti della teoria dei media e della teoria delle immagini. A partire da tale confronto saranno analizzate possibili strategie di utilizzo dei media e delle immagini in ambienti di apprendimento.
Focus specifici saranno dedicati ai seguenti argomenti: l'utilizzo del web documentary, del desktop cinema e dei social media in contesti d'apprendimento; la funzione dei musei virtuali per l'insegnamento della storia dell'arte; il digital storytelling come strumento per la didattica; la stesura di un progetto di alfabetizzazione al cinema e ai media audiovisivi nella scuola.

BIBLIOGRAFIA D'ESAME:

- Pier Cesare Rivoltella, "Media Education. Idea, metodo, ricerca", ELS La Scuola, Brescia 2017
- Giancarlo Grossi, Rosy Nardone, Giuseppe Previtali, "Postmedia Education. Visual Literacy e media digitali", McGraw Hill, Milano 2025
- Dispense a cura del docente

TESTI CONSIGLIATI:

- Pier Cesare Rivoltella, "Che cos'è un EAS. L'idea, il metodo, la didattica", Scholé, Brescia 2021
- Cristina Maurelli, "Video partecipativo. Fare cinema come strumento educativo: il metodo PVCODE", Dino Audino, Roma 2019
- Nicoletta Di Blas, "Storytelling digitale a scuola", Milano 2019

Il corso si concentra sulle forme della Media Literacy nella cultura digitale contemporanea. La prima parte è di ordine teorico e si confronta con le trasformazioni delle forme pedagogiche e di apprendimento scolastico interpretate in sinergia con le nuove forme di spettatorialità basate sulle logiche delle culture partecipative. La seconda parte è invece incentrata sulle forme del crito-film e del video-saggio. Lette in continuità con le analisi teoriche sul motivo della cornice, del paratesto e dello schermo, tali pratiche critico-espressive reinterpretano motivi e stili peculiari della storia del cinema e dell’arte promuovendo un’inedita elaborazione educativa e creativa di confronto con le immagini contemporanee.

Pier Cesare Rivoltella, Nuovi alfabeti. Educazione e culture nella società post-mediale, Scholé, Brescia, 2020.
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria “4 Appunti” di Via G. Chiabrera, 174.

Per i non frequentanti:
Henry Jenkins, Culture partecipative e competenze digitali. Media education per il XXI secolo, Guerini, Milano 2010.

FILM E VIDEOGRAFIA:
lungometraggi: Be Kind Rewind (2007) Michel Gondry; Rembrandt’s J’accuse (2008) Peter Greenaway; Shirley: Visions of Reality (2013) Gustav Deutsch; Final Cut: Hölgyeim és uraim (Final Cut: Ladies and Gentlemen, 2012) György Pálfi.

cortometraggi, videosperimentali, videomusicali: I bambini al cinema (1957) Francesco Maselli; Zorns Lemma (1970) Hollis Frampton; Live-taped Video Corridor (1970) Bruce Nauman; Present Continuous Past (1974) Dan Graham; Monitor (1974) Stephen Partridge; Mein Fenster (La mia finestra, 1979) Zbigniew Rybczynski; Media (1980) Zbigniew Rybczynski; Tele-racconto (1991) Giacomo Verde; Evidence (1995) Godfrey Reggio; Blinkenlights (2001) Chaos Computer Club; Star Guitar (music video The Chemical Brothers, 2002) Michel Gondry; Arcade (2002) Chaos Computer Club; La pozzanghera (2006) Studio Azzurro; Stereoscope (2008) Chaos Computer Club;

antologia di found footage film: Trade Tattoo (1937) Len Lye, Rainbow Dance (1936) Len Lye, Rose Hobart (1939) Joseph Cornell, Le film est déjà commencé? (1951) Maurice Lemaitre, A movie (1958) Bruce Conner, Very Nice, Very Nice (1961) Arthur Lipsett, La rabbia (1963) Pier Paolo Pasolini, La verifica incerta (1965) Gianfranco Baruchello, Alberto Grifi, Movie Drome (1965-1968) Stan Vanderbeek, The Cut-Ups (1966) William S. Burroughs, Antony Balch, Exploding Plastic Inevitable (1966) Andy Warhol, Le stelle di Mario Schifano (1967), L’inizio (Načalo, 1967) Artavazd Pelešian, Tom Tom the Piper’s Son (1969-1971) Ken Jacobs, La société du spectacle (1973) Guy Debord, Technology Transformation: Wonder Woman (1978) Dara Birnbaum, Mongoloid (music video Devo, 1978) Bruce Conner, Koyaanisqatsi (1983) Godfrey Reggio, A TV Dante. The Inferno (1985-1989) Peter Greeneway e Tom Phillips, Dal polo all’equatore (1986) Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi, Art of Memory (1987) Woody Vasulka, Steps (1987) Zbigniew Rybczynski, Histoire(s) du cinéma. 1a Toutes les histoires (1988) Jean Luc Godard, Dab (1988-2016) John Oswald, Alchemie (1992) Jürgen Reble, Filmarilyn (1992) Paolo Gioli, Passage à l’acte (1993) Martin Arnold, 24 Hour Psycho (1993) Douglas Gordon, Telephones (1995) Christian Marclay, The Georgetown Loop (1996) Ken Jacobs, Yours (1997) Jeff Scher, Film Ist 1. Movement and time (1998) Gustav Deutsch, L’arrivée (1998) Peter Tscherkassky, Outer Space (1999) Peter Tscherkassky, Essere morti o essere vivi è la stessa cosa (2000) Gianluigi Toccafondo, The Pentagon Tv Commercials (2003) Cane CapoVolto, Fast Film (2003) Virgil Widrich, Celestial Subway Lines/ Salvaging Noise (2004) Ken Jacobs, Sync(Watch) (2005) Marco Brambilla, 24 seconds Psycho (2005) Chris Bors, Installazione Film Ist (1-12) (2006) Gustav Deutsch, Crumax Rins (2006, visual Plaid) Bob Jaroc, Blob. THI$ I$ NOTH&ND (2008), Domine Jesus (2008) Leonardo Carrano, Alessandro Pierattini, Pasolini Requiem (2009) Mario Verger, The Clock (2010) Christian Marclay, Delia Derbyshire, Loop Composer (2011) AK_Alias, Blue Matter, Change Your Mind (2011) AK_Alias, Distorted Times (2012) Gideon van der Stelt, Creation (2012) Marco Brambilla, Cinema rianimato n. 3 (2012) Daniele Puppi, Cirrus (music video Bonobo, 2013) Cyriak, The Emoshjining (2014) Donato Sansone, Sigla Mostra Internazionale del Cinema di Pesaro (2016) Virgilio Villoresi, Purge The Odd Couple (2017) Pogo, RedruM (2018) Pogo;

antologia di crito-film: Stile di Piero della Francesca (1954) Carlo Ludovico Ragghianti, Carpaccio (1947) Roberto Longhi e Umberto Barbaro, Il dramma di Cristo (1948) Luciano Emmer ed Enrico Gras, Pittori di provincia (1953) Lucio Fulci, Cinéastes de notre temps (1964-1972) e Cinéma, de notre temps (1989-2018);

antologia di video-essay: Le combat avec l’ange (2004) Alain Bergala, The Doors of Perspection (2011) People Like Us (Vicki Bennett), Double Lives, Second Chances (2011) Cristina Álvarez López, Kubrick // One Point Perspective (2012) kogonada, Tarantino // From Below (2012) kogonada, Wes Anderson // From Above (2012) kogonada, The Career of Paul Thomas Anderson in Five Shots (2012) Kevin B. Lee, Rear Window Timelapse (2012) Jeff Desom, Zero De Doom (2012) Matthew Cheney, The Essay Film: Some Thoughts of Discontent (2013) Kevin B. Lee, Screen and Surface, Soft and Hard: the Cinema of Leos Carax (2013)Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, [De Palma’s] Vision (2014) Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, Wes Anderson // Centered (2014) kogonada, Peter Greenaway // Centered (2014) LaurentG, Evolution of the Dolly Zoom (2014) Vashi Nedomansky, Eyes of Hitchcock (2014) kogonada, Alphaville - A Crystal Maze (2014) Henrike Lindenberger, Cross-cut (2014) Drew Morton, Last Year At The Overlook (2015) Drew Morton, The Dutch Angle (2015) Jacob T. Swinney, First and Final Frames (2015) Jacob T.Swinney, The Definition of Film (2015) Richard Misek, Auteur in Space (2015) kogonada, Volumetric Cinema (2015) Kevin L. Ferguson, Manderley Motel (2015) Corey Creekmur, Blue Shining (2015) Richard Vezina, Joel & Ethan Coen - Shot | Reverse Shot (2016) Tony Zhou, Taylor Ramos, Amélie - Symmetry & Camera Movement (2016) Lessa Räbiger, Godard in Fragments (2016) kogonada, The Spielberg Touchscreen (2016) Ken Provencher, Graphic Spaces: Film Transitions in Steven Spielberg’s Filmmaking (2018) Andrea Minuz.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

Corpi/Media: Tecniche e visioni.
Nel corso si analizzano testi fondamentali (Benjamin, Warburg) e casi-studio (fotografia e danza nel primo novecento) per introdurre allo studio dei rapporti tra composizione di immagini e azioni fisiche.

Walter Benjamin, L'opera d'arte nell'epoc della sua riproducibilità tecnica, a c. di F. Desideri, Feltrinelli.
Samantha Marenzi, Immagini di danza. Fotografia e arte del movimento nel primo Novecento, Editoria e Spettacolo.
Aby Warburg, Botticelli, Abscondita.
La scena dell'immagine, a c. di S. Geraci, R. Guarino, S. Marenzi, Officina edizioni (scaricabile in pdf)

LE LEZIONI ILLUSTRERANNO L'EVOLUZIONE DEI PRINCIPALI GENERI E FORME DI MUSICA ORCHESTRALE NELLA TRADIZIONE CLASSICO-ROMANTICA, CON ATTENZIONE AI PRINCIPI ESTETICI E FORMALI CHE SONO A FONDAMENTO DELLE CATEGORIE DI MUSICA ASSOLUTA E DI MUSICA A PROGRAMMA. IN PARTICOLARE SARÀ APPROFONDITA LA SINFONIA FANTASTICA DI H. BERLIOZ.

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Alessandra Cristiani

Un alfabeto performativo. Pratiche e metodologie corporee tra Oriente e Occidente: la Tecnica di Efeso, il Butō Bianco, il Movimento non ordinario.

Il laboratorio è aperto a tutti gli studenti, professionisti e non, che abbiano il desiderio di approfondire e ampliare il loro linguaggio corporeo e sono alla ricerca di nuovi stimoli creativi. Le metodologie messe in campo derivano dalla frequentazione di materiali di lavoro appresi da alcuni esponenti dell’avanguardia storica dell’Ankoku Buto, del campo di ricerca dell’Euritmia steineriana e della disciplina del Seitai.
Verranno introdotte dal punto di vista teorico e pratico le figure artistiche dei seguenti danzatori: Masaki Iwana per il Butō Bianco, considerato una risposta in difesa alla danza delle tenebre del fondatore Tatsumi Hijikata; Akira Kasai per la Tecnica di Efeso, approfondimento dell’Euritmia di Rudolf Steiner e la figura della danzatrice Yoko Muronoi per quanto riguarda il Movimento non ordinario. Quest’ultimo proposto come una declinazione per la danza di alcuni esercizi del Seitai, pratica per la salute giapponese, interessata al movimento spontaneo e rigeneratore del corpo. Le loro pedagogie performative possono tracciare un percorso di consapevolezza per i partecipanti, che sollecita le loro facoltà percettive e attinge ai meccanismi organici della natura umana, agli aspetti primari e fondanti della materialità corporea. Una sottile alchemia fra le tecniche creative fatta di rimandi, echi, assonanze e contrasti permetterà di attraversare le varie proposte di esercizi e di danza, suggerendo e incoraggiando i partecipanti ad affidarsi sempre più alle loro risorse più ineffabili esplorando un possibile registro poetico dell’azione nutrito e rilanciato da una fonte imprescindibile: l’invisibile, il misterioso, l’ignoto.
Gli incontri giornalieri inizieranno con un profondo radicamento nel corpo attivato con precise tecniche del respiro, ad introdurre un successivo stretching dei meridiani, pratica per la salute orientale, che si pone in ascolto, risveglia e aggancia le stratificazioni energetiche più interne per farle risalire in superficie. Gradualmente il movimento da una misura minima di affioramento crescerà maggiormente, attivando una vera e propria dinamica nello spazio in maniera organica e in accordo con le disponibilità e possibilità psicofisiche di ogni partecipante. Da una prima e attenta sollecitazione della spina dorsale e delle articolazioni che si avvale principalmente della metodologia del training del Butō Bianco, si arriverà dunque alla dinamica nello spazio proposta anche dalle forme dell’euritmia. Lo spazio diventa volume, luogo e fenomeno. In una piena presenza di sé si può dunque introdurre il lavoro sulla voce, ossia sulla vocalizzazione delle vocali e di alcune consonanti. La Tecnica di Efeso apre all’esperienza di uno stato corporeo, alla sua attivazione interna e al suo sprigionarsi nello spazio circostante, come per una sorta di eco, grazie all’emissione fisica e sottile del suono. Il passo successivo sarà l’incontro con alcuni formule vocali: i mantra, e nello specifico quello della vocale A e quello della consonante L che agiscono rispettivamente sulla espansione di una vitalità da un dentro a un fuori e sull’irradiarsi della energia dal centro alla periferia del corpo e viceversa. Le Forme, i Mantra, la Tecnica di Efeso sono interessanti equivalenze degli stati corporei indagati dalla strategia creativa del Butō Bianco. Gli esercizi di danza quali il Polline, la Nebbia, Giacometti, l’Arcobaleno, l’Appassire, il Fiorire, Una foglia di loto, gli Aghi e ulteriori loro evoluzioni quali la Medusa, Con la coda dell’occhio, Animale di schiena, Corallo...traducono in un linguaggio legato ai fenomeni in Natura, alcuni atteggiamenti corporei dell’essere umano. Rapportarsi con i meccanismi organici che li mettono in atto, impone ai partecipanti, fin da subito, un dialogo profondo con la propria immaginazione personale, intesa quest’ultima come una preziosa e misteriosa antenna corporea. Si è autori fin dai primi passi. Il presupposto è nel riconoscere il proprio corpo come inesauribile fonte creativa. È nelle sue strutture scheletriche, muscolari, tendinee, di liquidi e masse che si depositano e macerano le esperienze di vita passate, presenti e future e che, a ragione di ciò, queste possono tradursi poeticamente per la scena. Si tratta di una importante metodologia delle immagini, che ha il suo apice nell’utilizzo degli Haiku, brevi componimenti poetici, che diventano strumenti essenziali per scavare nelle risorse invisibili, intuitive del performer. Da questa angolazione la stessa danzatrice Yoko Muronoi affemava che la vera fonte creativa è negli organi, nelle ossa ed è necessario non accedervi direttamente. Su tali presupposti ha elaborato nella sua breve vita, una serie di esercizi presi dal Seitai, che mappano ulteriori radici del movimento: i Focus mobili, i focus fissi, lo spazio tra le giunture. È di nuovo il respiro e le tecniche individuate per entrare in contatto con la sua natura inafferrabile, ad essere il perno percettivo intorno al quale andare alla ricerca di un corpo perduto o di un corpo assente da ritrovare per luna danza futura. Questi percorsi accennati nei loro snodi portanti non verranno offerti agli studenti in maniera schematica, ma lasciandosi guidare dalla sensibilità che si crea coralmente e dalla risposta performativa ai materiali. Nella parabola che si potrà attraversare il corpo avrà ricevuto una sorta di alfabeto da agire, avrà accumulato, impressioni, sensazioni, emozioni, avrà stimolato desideri e memorie, fatto concretamente esperienza di sé nella dimensione del corpo, del tempo e dello spazio, propri e altrui. Il laboratorio prevede una giornata di apertura e di confronto con altri docenti, studenti e chiunque fosse interessato alla ricerca.

In alternativa alla parte pratica, le questioni performative, verranno trattate teoricamente attraverso l’estrapolazione di alcuni punti nodali, prendendo a riferimento dei quaderni di lavoro, rielaborati negli anni e con l’ausilio di alcuni seguenti testi, che possano contestualizzare e orientare principalmente sulle poetiche delle tre personalità artistiche:

Dispense a cura della docente;
Akira Kasai. Un libro chiamato corpo, a cura di Maria Pia D’Orazi, Artdigiland
Itsuo Itsuda, Il dialogo del silenzio, Scuola della respirazione, Luni editrice
Itsuo Itsuda, Il non fare, Scuola della respirazione, Luni editrice

Akira Kasai.Un libro chiamato corpo, a cura di Maria Pia D'Orazi, Artdigiland
Itsuo Itsuda, Il dialogo del silenzio,Scuola della respirazione,Luni editrice
Itsuo Itsuda, Il non fare, Scuola della respirazione, Luni editrice

Lo strumento voce
-nozioni basilari di anatomia e fisiologia dell’organo vocale
-tecniche respiratorie per il canto
-fonazione, emissione e gestione del suono cantato
-classificazione delle voci e loro caratteristiche
-criteri e metodologie di base per l’educazione della voce cantata e dell’orecchio musicale
-canto corale ed espressione corporea

Il Coro
-il ruolo del direttore/insegnante
-coro di voci bianche, coro a voci pari, coro misto
-coro scolastico
-obiettivi didattici specifici e finalità formative
-strumento collettivo, individualità ed insieme
-creazione di un ambiente musicale inclusivo
-ascolto e esecuzione
-tecniche per l'apprendimento delle parti
-coro "a cappella" e coro con accompagnamento strumentale
-acustica corale
-dinamiche gestionali della musica vocale di insieme
-modelli di organizzazione del lavoro corale

Concertazione e direzione
-repertori corali
-scelta e adattamento dei brani
-elementi ritmici, melodici e armonici della partitura
-rapporto musica/testo cantato
-l'elaborazione estemporanea
-accompagnamento strumentale del coro
-elementi di organologia
-esecuzione e supporti tecnologici
-elementi di tecnica di direzione corale
-forza comunicativa del gesto direttoriale: natura tecnico/concertativa, interpretativa, poetica
-prassi esecutiva

Esercitazioni di esecuzione corale e di direzione di coro

Eventuali testi/dispense saranno segnalati o distribuiti durante il corso.

PROBLEMI DI STORIOGRAFIA DELLO SPETTACOLO
a.a. 2024-2025
Viviani tra Napoli e l’Europa. Il Varietà come palestra.
(L-ART/05) – 6 crediti – Laurea Magistrale
docente Valentina Venturini

Oggetto specifico di indagine sarà il teatro dialettale “d’eccezione” (in particolare quello di Raffaele Viviani), tassello essenziale per osservare in maniera nuova quel momento della storia del teatro italiano che la storiografia identifica con gli “anni del ritardo” rispetto al fenomeno della nascente regia teatrale. È prevista l’analisi di film tratti dai testi teatrali di Viviani ("La tavola dei poveri", regia di A. Blasetti, 1932; "I dieci comandamenti", regia di M. Martone, 2000), del film documentario "Viva Viviani" scritto e diretto da Mario e Stefano Martone e di spezzoni documentari inediti.

STUDENTI FREQUENTANTI
(per essere considerato frequentante non sono ammesse più di 2 assenze):

1) Valentina Venturini, "Raffaele Viviani. La compagnia, Napoli e l’Europa", Roma, Bulzoni, 2008 (escluso il cap. IV)
2) Raffaele Viviani, "Dalla vita alle scene (1888-1947)", a c. di Valentina Venturini, Bari, Edizioni di Pagina, 2023
3) Ettore Petrolini, "Modestia a parte", a c. di D. Orecchia e A. Petrini, Bari, Edizioni di Pagina, 2022
4) Eventuali materiali a cura del docente (caricati nella sezione “FILE” del corso sulla piattaforma TEAMS)
5) FILM: "La tavola dei poveri" di A. Blasetti
6) FILM: "I dieci comandamenti" di M. Martone [https://www.youtube.com/watch?v=C51GiSPMxrU]
7) FILM: "Viva Viviani" di M. e S. Martone [vimeo.com/nephilafilm/vivaviviani; password: VIVIANIVIVA]
- copia dei film in programma, reperibili gratuitamente su you tube, è comunque a disposizione degli studenti presso la Biblioteca del Dams, via Ostiense 139, piano -1.
- copia dei film in programma, reperibili gratuitamente su you tube, è comunque a disposizione degli studenti presso la Biblioteca del Dams, via Ostiense 139, piano -1.


STUDENTI NON FREQUENTANTI:
1) Valentina Venturini, "Raffaele Viviani. La compagnia, Napoli e l’Europa", Roma, Bulzoni, 2008 (escluso il cap. IV)
2) Raffaele Viviani, "Dalla vita alle scene (1888-1947)", a c. di Valentina Venturini, Bari, Edizioni di Pagina, 2023
3) Franca Angelini, "Teatro e spettacolo nel primo Novecento", Bari-Roma, Laterza, 2009
4) Ettore Petrolini, "Modestia a parte", a c. di D. Orecchia e A. Petrini, Bari, Edizioni di Pagina, 2022
5) FILM: "La tavola dei poveri" di A. Blasetti
6) FILM: "I dieci comandamenti" di M. Martone [https://www.youtube.com/watch?v=C51GiSPMxrU]
7) FILM: "Viva Viviani" di M. e S. Martone [vimeo.com/nephilafilm/vivaviviani; password: VIVIANIVIVA]
- copia dei film in programma, reperibili gratuitamente su you tube, è comunque a disposizione degli studenti presso la Biblioteca del Dams, via Ostiense 139, piano -1.

Il corso indagherà la pluralità dell’idea di regia in Italia tra gli anni Trenta e la seconda metà del Novecento osservando in particolare dibattiti sulla preminenza di testo drammatico o spettacolo. Si seguiranno pratiche e teorie di alcuni dei principali registi del tempo. Un approfondimento sarà dedicato all’Opera da tre soldi di Bertolt Brecht e la sua ricezione italiana.

Claudio Meldolesi, Fondamenti del teatro italiano. La generazione dei registi, Roma, Bulzoni, 2008 (1984).
N.B. Data la difficile reperibilità del volume, il testo è sostituito con:
Claudio Meldolesi, Fra Totò e Gadda : sei invenzioni sprecate dal teatro italiano, Roma, Bulzoni, 1987, di prossima ristampa presso l'editore Cue Press.
Raffaella Di Tizio, L’opera dello straccione di Vito Pandolfi e il mito di Brecht nell’Italia fascista, Roma, Aracne, 2018.

Bertolt Brecht, L’opera da tre soldi, Torino, Einaudi, 2002.

Dispense.

Il corso insegnerà le competenze linguistiche, scritte e orali, ritenute necessarie per acquisire la conoscenza della lingua inglese di livello B2, con particolare attenzione a quelle inerenti all'ambito artistico e multimediale. Ci si soffermerà soprattutto sugli aspetti grammaticali, sintattici e lessicali relativi al contesto comunicativo del mondo artistico e che consentano la comprensione approfondita di testi delle discipline di cinema, teatro e televisione.

Peter May, "Compact First. Student's Book with Answers. Second Edition", Cambridge University Press.

Raymond Murphy, "English Grammar in Use. Fifth Edition," Cambridge University Press.