Dalla grammatica cartesiana alla pragmatica del linguaggio

Il corso si propone di affrontare uno dei temi classici della filosofia del linguaggio: il dibattito tra i modelli che si ispirano alla tradizione cartesiana-razionalista e le prospettive teoriche che, facendo riferimento ai reali contesti d'uso del linguaggio, promuovono una visione fondata sugli aspetti pragmatici della comunicazione umana. L'obiettivo del corso è mostrare come tale dibattito abbia ripercussioni importanti sul tema della natura umana.

- Berwick, R. ,Chomsky N. (2016) Perché solo noi: Linguaggio ed evoluzione. Torino: Bollati Boringhieri.
- Tomasello M. (2014) Unicamente Umano: storia naturale del pensiero. Bologna: Il Mulino

Muovendo da un testo Isaiah Berlin sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

1) I. Berlin, Le radici del romanticismo, Milano, Adelphi, 2001

2) A. Breton, Nadja, Torino, Einaudi, 2007

3) V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2006 o 2019 (solo seconda metà)

MODERNITÀ E MODERNISMO: UN'INTRODUZIONE

Il corso introduce gli studenti agli sviluppi storici e alle personalità cruciali delle arti visive del modernismo – dal 1850 al 1940 circa –, mettendo a fuoco temi come le relazioni con la tecnica e i nuovi media (fotografia, cinema), il contesto politico e sociale, gli ambienti urbani e naturali, la vita psichica. Queste esperienze artistiche hanno non solo contribuito a trasformare la natura dell’esperienza estetica e al contempo aperto nuove forme di sensibilità ma hanno radicalmente ridefinito la comprensione della realtà individuale e collettiva.

L’analisi delle diverse tendenze e poetiche fornirà altresì la metodologia di base per lo studio dei media e linguaggi che caratterizzano l’arte tra metà Ottocento e primo Novecento, fornendo gli strumenti critici indispensabili alla lettura di diverse tipologie di opere.

Testi di riferimento:
Per l'Ottocento (1850-1900): Federica Rovati, L'arte dell'Ottocento, Einaudi 2017
Per il Novecento (1900-1940): Federica Rovati, L’arte del primo Novecento, Einaudi 2015. O in alternativa Hal Foster, Rosalind Krauss, Yve-Alain Bois, Benjamin Buchloh, Art since 1900, Thames & Hudson (o traduzione italiana in commercio).

Saggi:
Stephen Kern, Il tempo e lo spazio, Il Mulino 2007: capitoli 4: Il futuro; 5: La velocità; 6: La natura dello spazio, pp. 117-226
Philippe Dubois, L'atto fotografico, Urbino 2009, pp. 25-108
Walter Benjamin, Piccola storia della fotografia, Einaudi
Nel canale Teams sono presenti i PDF di questi tre testi.

Environment, site-specific e forme del museo contemporaneo

Il corso intende analizzare la relazione tra l’arte e l’ambiente, a partire dalla fuoriuscita dell’intervento artistico dalla dimensione del quadro e della scultura nelle avanguardie storiche per arrivare allo scenario operativo del secondo Novecento in cui l’intervento artistico deflagra in installazioni ambientali, spesso realizzate in situ o site-specific, nello spazio espositivo, nella natura o nello spazio pubblico. Dalla relazione tra l’arte e l’ambiente, il corso si soffermerà inoltre ad analizzare il dispositivo della mostra come spazio installativo e immersivo e le forme del museo d’arte contemporanea, nelle relazioni tra contenitore e contenuto, nelle dinamiche relative alla spettatorialità, alla dimensione multimediale e multisensoriale.
Nello specifico saranno analizzati i seguenti argomenti:
- Oltre il quadro e la scultura. La relazione arte-ambiente, tra Futurismo, Costruttivismo e Dada;
- le mostre e la pratica curatoriale di Marcel Duchamp;
- Environment ed Happening;
- Dall’Arte Povera alla Land Art;
- Una nuova ideologia dello spazio espositivo: mostre e gallerie tra anni Sessanta e Settanta;
- Site-specific e time-specific: le installazioni ambientali come spazi immersivi;
- Forme del museo d’arte contemporanea: dalla svolta postmoderna alla contemporaneità.

Testi adottati e bibliografia di riferimento

1) D. Riout, L’arte del ventesimo secolo. Protagonisti, temi, correnti, Einaudi, Torino 2002

2) F. Poli. F. Bernardelli, Mettere in scena l’arte contemporanea. Dallo spazio dell’opera allo spazio intorno all’opera, Johan & Levi, Milano 2016

3). Raccolta online delle immagini proiettate a lezione (disponibile a fine del corso)


I non frequentanti integreranno con

4) G. Celant, Ambiente/Arte. Dal Futurismo alla Body Art. Biennale Arte 1976 (1977), La Biennale di Venezia, Venezia 2020

Pittura e scultura in Italia dal 1401 al 1519 ca (6 CFU).

Il corso è rivolto agli studenti della Laurea Triennale ed intende offrire i lineamenti dello sviluppo della storia dell'arte italiana dal principio del Quattrocento alla morte di Leonardo da Vinci, attraverso l'analisi dell'opera dei principali artisti attivi in questi secoli in Italia, e dei linguaggi pittorici cui diedero vita. Prima di frequentare il corso può essere utile avere sostenuto l'esame di Storia dell'Arte Medioevale.
Il metodo di studio privilegerà la lettura storica e stilistica dell’oggetto d’arte, è dunque essenziale una conoscenza visiva delle opere dei singoli artisti.
Il corso prevede alcune lezioni introduttive sulla metodologia dello studio della storia dell'arte e su alcune tematiche di carattere generale (per esempio la periodizzazione della storia dell'arte, l'uso di categorie storico critiche quali il concetto di Rinascimento e di Barocco legate allo stile, e così via).
Il corso prevede inoltre approfondimenti sul percorso dei singoli artisti e sugli snodi stilistici fondamentali della storia dell'arte nel periodo preso in esame. Ogni anno tali approfondimenti possono variare.
Per seguire il corso e per la preparazione dell'esame, ci si potrà servire della lettura e dello studio del manuale consigliato. Esso è però da considerarsi soltanto un primo approccio agli argomenti trattati nel corso, durante il quale verrà offerta una bibliografia specifica sui singoli temi affrontati. Il manuale andrà integrato con la conoscenza delle opere dei singoli artisti per le quali durante le lezioni sarà fornita una bibliografia, esse sono visibili inoltre sui siti web che saranno indicati (in particolare www.wga.hu). Le lezioni videoregistrate saranno presenti soltanto una settimana sulla piattaforma Teams (Team Storia dell’Arte Moderna 2021-2022) dove saranno caricate anche le slides. Ancora più importante è il contatto diretto con l’opera e il monumento: al corso saranno indicati i monumenti romani la cui visita è obbligatoria prima di sostenere l’esame. A metà e alla fine del corso i frequentanti avranno la possibilità di sostenere un esonero scritto che verrà considerato parte integrante dell’esame finale. Per i non frequentanti non è previsto lo studio di testi aggiuntivi, ma è obbligatoria la conoscenza degli argomenti svolti durante il corso ed è dunque indispensabile procurarsi le slides che saranno disponibili sulla piattaforma Microsoft Teams, Team Storia dell’Arte Moderna 2021-2022.
Chi porta l'esame da 6 CFU (studenti del DAMS, ad esempio) potrà portare il programma dell'esame dal 1400 al 1519 ca. e leggere uno dei testi consigliati inclusi in bibliografia.

BIBLIOGRAFIA
1) Manuale consigliato:

S. Settis – T. Montanari, Arte. Una storia naturale e civile. Dal Quattrocento alla Controriforma (vol. 3), Mondadori Editore
https://www.libreriauniversitaria.it/arte-storia-naturale-civile-licei/libro/9788828616450

Testi a scelta (almeno uno, da integrare al manuale):


1. M. Baxandall, Pittura ed esperienze sociali nell’Italia del Quattrocento, Torino, Einaudi 1978.

2. A. De Marchi, La pala d’altare. Dal polittico alla pala quadra, Firenze, Art & libri, 2012.

3. A. Pinelli, La bella maniera. Artisti del Cinquecento tra regola e licenza, Torino, Einaudi 2003.

4. E. Panofsky, Studi di iconologia. I temi umanistici nell’arte del Rinascimento, ed. italiana Torino, Einaudi 2009.

5. F. Zeri, Pittura e controriforma. L’arte senza tempo di Scipione da Gaeta, ed. originale, Torino, Einaudi 1957 (ristampa Neri Pozza 1997).

6. F. Haskell, Mecenati e pittori. Studio sui rapporti tra arte e società italiana nell’età barocca, Torino, Einaudi 2020 (ed. originale Firenze, Sansoni, 1966).

7. T. Montanari, Il Barocco, Torino, Einaudi 2012.

8. F. Haskell – N. Penny, L’antico nella storia del gusto: La seduzione della scultura classica 1500-1900, Torino 1984.

1) Suggested manual:

S. Settis – T. Montanari, Arte. Una storia naturale e civile. Dal Quattrocento alla Controriforma (vol. 3), Mondadori Editore
https://www.libreriauniversitaria.it/arte-storia-naturale-civile-licei/libro/9788828616450

e S. Settis – T. Montanari, Arte. Una storia naturale e civile. Dal Barocco all’Impressionismo (vol. 4), Mondadori Editore (solo fino al Settecento, capitolo 14 incluso)
https://www.libreriauniversitaria.it/arte-storia-naturale-civile-licei/libro/9788828616467


2) One of the following tests is also requested:
1. M. Baxandall, Pittura ed esperienze sociali nell’Italia del Quattrocento, Torino, Einaudi 1978.

2. A. De Marchi, La pala d’altare. Dal polittico alla pala quadra, Firenze, Art & libri, 2012.

3. A. Pinelli, La bella maniera. Artisti del Cinquecento tra regola e licenza, Torino, Einaudi 2003.

4. E. Panofsky, Studi di iconologia. I temi umanistici nell’arte del Rinascimento, ed. italiana Torino, Einaudi 2009.

5. F. Zeri, Pittura e controriforma. L’arte senza tempo di Scipione da Gaeta, ed. originale, Torino, Einaudi 1957 (ristampa Neri Pozza 1997).

6. F. Haskell, Mecenati e pittori. Studio sui rapporti tra arte e società italiana nell’età barocca, Torino, Einaudi 2020 (ed. originale Firenze, Sansoni, 1966).

7. T. Montanari, Il Barocco, Torino, Einaudi 2012.

8. F. Haskell – N. Penny, L’antico nella storia del gusto: La seduzione della scultura classica 1500-1900, Torino 1984.

- Le fonti e i princípi del diritto dello spettacolo.
- I soggetti che operano nel mondo dello spettacolo.
- L’oggetto della tutela e la nozione giuridica di arte.
- Artisti e diritto del lavoro.
- L’organizzazione del mercato dello spettacolo e gli incentivi economici per il settore.
- La contrattualistica nel settore cinematografico.
- La contrattualistica per gli artisti di teatro.
- La contrattualistica del mercato discografico.
- La tutela del diritto d’autore.
- Il diritto di autore e la tutela degli artisti nel settore delle nuove tecnologie.

F. DELL'AVERSANA (a cura di), Manuale di diritto delle arti e dello spettacolo, 2a edizione, PM Edizioni, Roma, 2020 (disponibile anche in e-book), limitatamente ai seguenti Capitoli: I, II, III, IV, V, IX, X, XIII, XVI.

Agli studenti frequentanti sarà distribuito materiale e dispense.

Laboratorio di Arti Digitali: Programma

Obiettivo del Corso: Il corso mira a guidare gli studenti nella creazione del lavoro "Scenari Futuri", un video che esplora il rapporto tra corpo e spazio urbano utilizzando tecniche di grafica digitale in movimento. Gli studenti acquisiranno competenze avanzate nell'utilizzo di Adobe After Effects e altri strumenti correlati per realizzare il progetto.

Struttura del Corso:

Modulo 1: Introduzione ai concetti di base

Presentazione del corso e degli obiettivi.
Panoramica sul lavoro "Scenari Futuri" e sul rapporto corpo-spazio urbano.
Introduzione alle tecniche di animazione e motion graphics.
Conoscenza delle basi di Adobe After Effects.

Modulo 2: Ricerca e ispirazione

Ricerca visuale: raccolta di immagini e fotografie che ispirino il progetto.
Discussione sulle strade da percorrere e le idee creative.
Creazione di un moodboard visivo.

Modulo 3: Progettazione e storyboard

Progettazione di una sequenza di immagini chiave.
Creazione di un storyboard per i layout del video.
Presentazione dei layout in un documento PDF.

Modulo 4: Animazione in Adobe After Effects

Importazione e organizzazione dei documenti in After Effects.
Trasformazione dei singoli livelli: punto di ancoraggio, posizione, scala, rotazione, opacità.
Animazione dei livelli mediante la trasformazione ed interpolazione dei fotogrammi chiave.
Utilizzo delle curve Bézier nel Graph Editor per animazioni complesse.
Progettazione grafica con shape layers.
Introduzione al "Puppet tools" e effetto marionetta.
Utilizzo di maschere vettoriali e livelli di regolazione.
Nidificazione di progetti e precomposizione.
Concetti base di camera e livelli 3D.
Coda di rendering in After Effects.

Modulo 5: Introduzione a Blender

Breve introduzione a Blender per l'animazione 3D.

Modulo 6: Video Compositing

Sovrapposizione e metodi di fusione dei livelli video in After Effects.
Lavorare con il chiave colore e il green screen.
Uso di Alpha e luma matte.
Modulo effetti avanzati: Lumetri color, KeyLight.
Tracking 3D e stabilizzazione camera.
Introduzione al modulo di plug-in Mocha Shape.
Modulo di rendering esterno Adobe Media Encoder.

Modulo 7: Revisione e Presentazione Finale

Revisione dei lavori degli studenti.
Perfezionamento e rifinitura dei progetti.
Presentazione finale dei lavori "Scenari Futuri".

Valutazione:
Gli studenti verranno valutati sulla base della loro partecipazione attiva alle lezioni, del progresso nei progetti e della presentazione finale di "Scenari Futuri".

Questo programma si propone di offrire delle conoscenze tecniche di motion graphics e progettazione, con un focus particolare su Adobe After Effects e strumenti correlati. Gli studenti avranno l'opportunità di sviluppare le proprie competenze creative e tecniche mentre lavorano al progetto finale.

Introduzione generale. Gli elementi fondamentali. Metodi e tecniche. Il lavoro di campo.
Attualità dell’antropologia: chi sono gli altri; migrazioni; le società tradizionali; le società e le culture nel mondo globalizzato.
Un corso di formazione primaria utile a insegnanti, docenti, operatori sociali.

Lo studente sarà messo a confronto con dei casi studio da approfondire e analizzare.

Ugo Fabietti, Vincenzo Matera, Etnografie. Scritture e rappresentazioni dell’antropologia, Carocci.

Dopo l’esposizione di elementi teorici sulle fasi di realizzazione di un’opera audiovisiva (dalla pre-produzione alla post-produzione), suffragata dall’analisi di alcune sequenze tratte dalla storia del Cinema, gli studenti lavoreranno ad alcuni esercizi di laboratorio, misurandosi con le difficoltà proposte dalle varie fasi di produzione.

Non è previsto un testo di riferimento.

● 8 gennaio 2024
Scelta del punto di vista da adottare per raccontare il personaggio.
Come procedere nella stesura di una sceneggiatura-trattamento per il cinema
documentario ed esercitazioni con visione di estratti da una selezione di film documentari.
Le diverse metodologie da adottare per realizzare un film documentario rispetto ai soggetti
e alle loro storie: l’approccio più analitico di studio e conoscenza approfondita del
personaggio prima dell’inizio delle riprese e l’approccio più in presa diretta alla scoperta del
personaggio e della storia insieme alla telecamera. Esercitazioni a partire dalle storie
individuate dai partecipanti.
● 9 gennaio 2024
Sulla base del punto di vista adottato e del linguaggio utilizzato, scelta
dell'equipaggiamento tecnico di ripresa, del suono e della troupe necessaria per la
realizzazione del film documentario.
Tecniche di ripresa: formati, obiettivi, e accessori. Sono previste esercitazioni pratiche a
partire dalle logline inviate dagli studenti.
● 10 gennaio 2024
Riprese: macchina a mano, cavalletto e steadycam. Come, perché e quando usarli. Sono
previste esercitazioni pratiche.
Le scene, come impostare le riprese e perché. Tagli e inquadrature.
Le sequenze cinematografiche, come approcciarle e quale grammatica utilizzare. Scelte
espressive e scelte estetiche.
● 11 gennaio 2024
Il suono, tra riprese, montaggio e mix audio.
Il montaggio: cos'è e come affrontarlo. Dalla scelta e la messa in fila dei materiali, alla vera
e propria riscrittura e ricerca drammaturgia attraverso le immagini.
Post-produzione, musica, titoli ed effetti. L’importanza invisibile di un’accurata
finalizzazione. 

● 12 gennaio 2024
Riflessioni finali sui soggetti proposti dagli studenti e sulla scheda del progetto sviluppata
da ciascuno nel corso del laboratorio, in preparazione delle esercitazioni da realizzare in
vista dell’idoneità.

Muovendo da un testo Isaiah Berlin sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

1) I. Berlin, Le radici del romanticismo, Milano, Adelphi, 2001

2) A. Breton, Nadja, Torino, Einaudi, 2007

3) V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2006 o 2019 (solo seconda metà)

Viaggiare, vedere, Novecento e oltre

a-b) due a scelta fra i seguenti testi o insiemi di testi:

Carlo Emilio Gadda, Verso la Certosa, Milano, Adelphi, 2013 + I viaggi la morte, Milano, Adelphi, 2023; oppure

Guido Piovene, Viaggio in Italia, Milano, Bompiani, 2017; oppure

Pier Paolo Pasolini, La lunga strada di sabbia, Roma, Contrasto, 2014 + Id., L’odore dell’India, Milano, Garzanti, 2015; oppure

Giorgio Manganelli, Esperimento con l’India, Milano, Adelphi, 1992 + Id., La favola pitagorica, Milano, Adelphi, 2005 + Id., L’isola pianeta, Milano, Adelphi, 2006; oppure

Goffredo Parise, Guerre politiche, Milano, Adelphi, 2007 + Id., L’eleganza è frigida, Milano, Adelphi, 2008 + Id., Lontano, Milano, Adelphi, 2015; oppure

Alberto Arbasino, America amore, Milano, Adelphi, 2011; oppure

Gianni Celati, Narratori delle pianure, Milano, Feltrinelli, 2018 + Id., Verso la foce, Milano, Feltrinelli, 2018 + Id., Avventure in Africa, Milano, Feltrinelli, 2011; oppure

Vitaliano Trevisan, Tristissimi giardini, Bari-Roma, Laterza, 2010 [oppure Id., Black Tulips, Torino, Einaudi Stile Libero 2022] + Antonella Anedda, Geografie, Milano, Garzanti, 2020 + Con gli occhi aperti, a cura di Andrea Cortellessa, Roma, Exòrma, 2016

c) Luigi Marfè, Oltre la «fine dei viaggi». I resoconti dell’altrove nella letteratura contemporanea, Firenze, Olschki 2009

d) per una contestualizzazione dei testi nella storia letteraria del Novecento: Giulio Ferroni, Storia della letteratura italiana, quarto volume: Il Novecento e il nuovo millennio, Milano, Mondadori Università, 2012

La luce e lo spazio scenico
Il laboratorio si propone di introdurre gli studenti alle nuove concezioni e alle nuove tecniche della luce nel teatro contemporaneo, facendo in particolare riferimento al ruolo che essa svolge, oltre che sul piano della visione, anche su quelli del senso, della drammaturgia, dell'azione, della strutturazione dello spazio e del tempo.

Testo facoltativo, reperibile nella biblioteca del DAMS:
Fabrizio Crisafulli, Luce attiva, questioni della luce nel teatro contemporaneo, Titivillus, Corazzano, 2007

l laboratorio intende sviluppare capacità imprenditoriali per la costituzione di nuove attività culturali e di spettacolo. Durante il laboratorio verranno illustrati i sistemi di funzionamento di una impresa culturale, dal punto di visto giuridico, delle norme del lavoro e degli obblighi contrattuali, relativamente allo spettacolo dal vivo, anche in relazione con altri ambiti della produzione culturale. Durante le lezioni viene inoltre disaminata la tecnica di redazione del progetto, con particolare attenzione allo sviluppo di capacità di reperimento delle risorse pubbliche e private. E’ prevista la stesura di un progetto, organizzando gruppi di lavoro, che saranno seguiti dal docente con l’obiettivo che gli studenti esplorino la fattibilità e sostenibilità di una propria idea imprenditoriale nella sua dimensione di mercato, organizzativa, economica, riguardo progetti di nuove imprese teatrali o culturali o di spettacolo, oppure di azioni di rilancio di realtà esistenti.

Testo a supporto.
Lucio Argano, Alessandro Bollo, Paolo Dalla Sega “Organizzare eventi culturali. Ideazione, progettazione e gestione strategica del pubblico” Franco Angeli 2017
Dispense: saranno fornite dal docente durante il Corso

Linee principali dell’età contemporanea dalla metà dell’800 all’inizio degli anni Novanta del ’900.
Il modulo intende affrontare, con una lettura di lungo periodo, i processi e le principali questioni della storia contemporanea dalla metà dell’800 all’inizio degli anni Novanta del ’900.
Sarà dedicata attenzione anche ai caratteri dei principali sistemi politici con un focus sul primo Novecento in Italia.

Un manuale universitario di storia contemporanea, si suggerisce:

F. Cammarano, G. Guazzaloca, M.S. Piretti, Storia contemporanea. Dal XIX al XXI secolo, Mondadori-Le Monnier, 2015, € 30,50, 466 pp.

libro monografico:

E. Gentile, Le origini dell’età contemporanea. L’età giolittiana, Roma-Bari, Laterza, 2003, € 20,00, 300 pp.

Gli studenti potranno conoscere i temi più importanti del rapporto fra Etica ed Estetica attraverso l'analisi di alcuni passi delle opere di Platone, Aristotele, Bruno, Shakespeare, Kant, Hegel, Nietzsche, Heidegger, Blumenberg.
Approfondiranno il concetto di "pena" e "reinserimento sociale" del deviante, secondo l'art 27 della Costituzione della Repubblica Italiana.
Attraverso la visione di film e doc comprenderanno l'impatto dell'arte nel contesto penitenziario.
Parteciperanno alle prove teatrali presso il Teatro del Carcere di Rebibbia.

I passi dei testi saranno forniti in sede di Laboratorio

Organizzato come una situazione pedagogica mista che alterna la pratica scenica alla riflessione storica, il laboratorio ha l’obiettivo di fornire alcuni strumenti che conducono a raggiungere l’interezza della presenza attorale, fatta di corpo e voce. Particolare attenzione sarà rivolta all’ascolto e alla collaborazione di gruppo, che stanno alla base di ogni creazione teatrale.
Ma che cosa fanno un’attrice e un attore per prepararsi al loro lavoro? Se rivolgiamo la stessa domanda pensando a chi danza, immaginiamo ore di esercizi fisici, o a chi suona subito ci vengono in mente le scale e gli arpeggi. Nell’immaginario comune invece non è molto chiaro come si prepari chi recita, visto che solo apparentemente gli attori e le attrici agiscono in scena come nella vita quotidiana e di conseguenza sembrerebbero non aver bisogno di allenarsi per farlo. Il laboratorio si occuperà di sfatare questo tipo di cliché concentrandosi sull’allenamento necessario al compito attorale, attraversando ed esplorando territori legati a pratiche e a principi che trasversalmente appartengono a diverse discipline, e a differenti metodi e tradizioni, performative e non.
Immaginiamo la giornata composta da vari momenti che si susseguiranno pur mescolandosi: una prima parte di allenamento corporeo e vocale improntata a generare la presenza individuale e di gruppo necessaria al lavoro teatrale; un secondo momento di composizione e creazione sceniche partendo dai temi e dalle suggestioni testuali; una terza parte di lavoro sul testo in cui tutto il lavoro preparatorio andrà a confluire. Per ogni fase di questo percorso lo strumento di lavoro sarà il nostro corpo, fatto di articolazioni, muscoli e respiro. La composizione sarà quindi una somma di corpi e di voci, armoniche e/o dissonanti, che faranno da base corale all’emergere delle individualità.
Tramite un percorso di letture e di approfondimenti, durante il laboratorio si cercherà di radicare le pratiche e le tecniche dell’artigianato attorale nel campo degli studi storici teatrali.
Ogni giornata proporrà un percorso diverso per arrivare alle parole del testo, mescolando tecniche e modalità compositive, con l’intento di testare differenti approcci alla parola e alla creazione scenica.

Traduzione italiana del dramma di William Shakespeare, Macbeth nella versione curata da Alessandro Serpieri ed edita da Giunti nel 2004 (ISBN: 9788809033597) non più in commercio ma reperibile nelle biblioteche italiane consultando il sito dell’OPAC SBN (https://opac.sbn.it/). In alternativa si potrà leggere l’edizione successiva, sempre di Giunti, acquistabile ma priva dell’apparato introduttivo e di note (ISBN 9788809831391).

Esercitazioni al computer per la creazione di brani musicali e l'elaborazione di suoni; esercitazioni sui fondamenti della teoria musicale

Selezione di saggi fornita dal docente durante il corso

Titolo: Musica ed emozioni
Il programma riguarderà le seguenti questioni:
Come possiamo giustificare l’attribuzione di qualità emotive alla musica? Cosa intendiamo quando diciamo, per esempio, che una certa musica è triste, gioiosa, malinconica?
Come può la musica suscitare emozioni (ad esempio, emozione, tristezza, euforia) nell’ascoltatore?
Come spiegare le nostre risposte emotive alla musica?
Infine, che tipo di emozioni sono quelle generate dall'ascolto musicale?

Testi obbligatori:
Hanslick, E., Il bello musicale, Aesthetica, Palermo 2007 (capp. 1-3).
Langer, S., Filosofia in una nuova chiave, Ramando editore, Roma, 1972 (cap. 8: Sul significato in musica).
Lentini, D., La musica e le emozioni. Percorsi nell’estetica analitica, Mimesis, Milano, 2014 (Tutta la Parte Prima).
Kivy, P., Filosofia della musica. Un’introduzione, Einaudi, Torino, 2007 (capp. 1-7).

Consigliati:
Bertinetto, A., Il pensiero dei suoni. Temi di filosofia della musica, Bruno Mondadori, Milano, 2012 (cap. 3: Una scienza emozionale, pp. 99-154)

Il corso mira a:
- fornire le nozioni fondamentali di fisica del suono e della luce;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura della luce, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura del suono, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde sonore, con particolare riferimento alla voce e agli strumenti musicali;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde luminose, con particolare riferimento alla luce artificiale;
- far comprendere i processi percettivi del suono e della luce in rapporto agli aspetti fisici e alla natura dell’orecchio e dell’occhio umano;
- illustrare i meccanismi alla base delle applicazioni tecniche del suono e della luce nel campo dello spettacolo.

Materiale fornito dal docente.

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Ilaria Bonomi, Edoardo Buroni (2017), "La lingua dell'opera lirica", Bologna, il Mulino.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

Viaggiare, vedere, Novecento e oltre

a-b) due a scelta fra i seguenti testi o insiemi di testi:

Carlo Emilio Gadda, Verso la Certosa, Milano, Adelphi, 2013 + I viaggi la morte, Milano, Adelphi, 2023; oppure

Guido Piovene, Viaggio in Italia, Milano, Bompiani, 2017; oppure

Pier Paolo Pasolini, La lunga strada di sabbia, Roma, Contrasto, 2014 + Id., L’odore dell’India, Milano, Garzanti, 2015; oppure

Giorgio Manganelli, Esperimento con l’India, Milano, Adelphi, 1992 + Id., La favola pitagorica, Milano, Adelphi, 2005 + Id., L’isola pianeta, Milano, Adelphi, 2006; oppure

Goffredo Parise, Guerre politiche, Milano, Adelphi, 2007 + Id., L’eleganza è frigida, Milano, Adelphi, 2008 + Id., Lontano, Milano, Adelphi, 2015; oppure

Alberto Arbasino, America amore, Milano, Adelphi, 2011; oppure

Gianni Celati, Narratori delle pianure, Milano, Feltrinelli, 2018 + Id., Verso la foce, Milano, Feltrinelli, 2018 + Id., Avventure in Africa, Milano, Feltrinelli, 2011; oppure

Vitaliano Trevisan, Tristissimi giardini, Bari-Roma, Laterza, 2010 [oppure Id., Black Tulips, Torino, Einaudi Stile Libero 2022] + Antonella Anedda, Geografie, Milano, Garzanti, 2020 + Con gli occhi aperti, a cura di Andrea Cortellessa, Roma, Exòrma, 2016

c) Luigi Marfè, Oltre la «fine dei viaggi». I resoconti dell’altrove nella letteratura contemporanea, Firenze, Olschki 2009

d) per una contestualizzazione dei testi nella storia letteraria del Novecento: Giulio Ferroni, Storia della letteratura italiana, quarto volume: Il Novecento e il nuovo millennio, Milano, Mondadori Università, 2012

Il corso prende in esame due tra i periodi più significativi nella storia del cinema italiano: il dopoguerra e gli anni '60. La prima parte è dedicata alle teorie, ai film, agli autori, alle figure e agli stili più emblematici del neorealismo. Nella seconda parte si analizza il cinema d'autore delle vecchie e nuove generazioni (Antonioni, Fellini, Pietrangeli, Ferreri, Olmi, Pasolini, Bertolucci, Bellocchio).

TESTI PER L'ESAME: Gian Piero Brunetta, Guida alla storia del cinema italiano 1905-2003, Einaudi, Torino 2003 (in particolare il III e IV cap.); Stefania Parigi, Neorealismo. Il nuovo cinema del dopoguerra, Marsilio, Venezia 2014; Emiliano Morreale, I film della dolce vita. Cinema d'autore degli anni Sessanta, Dino Audino, Roma 2021; scelta di testi sul neorealismo a cura della docente (reperibile sulla piattaforma Moodle). Gli studenti non frequentanti devono leggere anche Stefania Parigi, Pier Paolo Pasolini. Accattone, Lindau, Torino 2008, II ed. 2021.
FILMOGRAFIA: Ossessione (1943) di L. Visconti; Roma città aperta (1945) di R. Rossellini; Paisà (1946) di R. Rossellini; Germania anno zero (1948) di R. Rossellini; Ladri di biciclette (1948) di V. De Sica; La terra trema (1948) di L. Visconti; Riso amaro (1949) di G. De Santis; Miracolo a Milano (1950) di Vittorio De Sica; Il cammino della speranza (1950) di P. Germi; Due soldi di speranza (1951) di R. Castellani; Pane, amore e fantasia (1953) di L. Comencini; La strada (1954) di F. Fellini, Il grido (1957) di M. Antonioni; L’avventura (1960) di Michelangelo Antonioni; La dolce vita (1960) di F. Fellini; Accattone (1961) di P. P. Pasolini; I fidanzati (1963) di E. Olmi; Prima della rivoluzione (1964) di B. Bertolucci; La donna scimmia (1964) di M. Ferreri; I pugni in tasca (1965) di M. Bellocchio; Io la conoscevo bene (1965) di A. Pietrangeli; Blow-up (1967) di M. Antonioni; Dillinger è morto (1969) di M. Ferreri. I film verranno mostrati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca "Lino Miccichè", Via Ostiense 139.

Il corso prende in esame il periodo che va dal dopoguerra a oggi soffermandosi sulle principali tappe che hanno scandito la storia del cinema italiano in termini di film, autori e generi, tenendo in particolare considerazione un particolare topos: quello della spiaggia, da sempre centrale nell’immaginario nazionale e naturalmente anche nella nostra tradizione cinematografica. Si prenderanno dunque in esame le peculiarità estetiche, narrative, produttive e culturali di alcune opere cinematografiche nelle quali la “condizione balneare” si è fatta occasione privilegiata per indagare i principali mutamenti storici, sociali e antropologici vissuti dal nostro paese in più di mezzo secolo.

TESTI

G.P. Brunetta, Guida alla storia del cinema italiano 1905-2003, Einaudi, Torino 2003 (dal cap. III in poi);

C. Uva, L'ultima spiaggia. Rive e derive del cinema italiano, Marsilio, Venezia 2021 (in corso di pubblicazione);

E. Giacovelli, C’era una volta la commedia all’italiana, Gremese, Roma 2015;

C. Uva (a cura di), Matteo Garrone, Marsilio, Venezia 2020.

FILMOGRAFIA

Ladri di biciclette (1948) di V. De Sica; Domenica d’agosto (1950) di L. Emmer; La spiaggia (1954) di A. Lattuada; La dolce vita (1960) di F. Fellini; L’avventura (1960) di M. Antonioni; Accattone (1961) di P. P. Pasolini; Il sorpasso (1962) di D. Risi; Prima della rivoluzione (1964) di B. Bertolucci; Per un pugno di dollari (1964) di S. Leone; L’ombrellone (1965) di D. Risi; Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto (1970) di E. Petri; Ferie d’agosto (1996) di P. Virzì; L'imbalsamatore (2002) di M. Garrone, Reality (2012) di M. Garrone.

Il corso prende in esame il rapporto tra l’arte del movimento e il movimento delle immagini, esplorando il dialogo tra il linguaggio della danza e quello del video nella gamma di relazioni che vanno dalla documentazione alla creazione artistica, dalla danza nel film alle immagini come elemento drammaturgico. Nell’arco cronologico che va dalla seconda metà del Novecento fino alle esperienze contemporanee, il modulo si basa sulla visione, l’analisi, il commento e lo studio dei principali casi di danza in video.

Nel corso delle lezioni video e materiali d’archivio saranno proiettati e, laddove possibile, messi a disposizione degli studenti. Verrà fornita la videografia completa durante il corso.

Testi per l’esame:
- Alessandro Amaducci, Screendance. Sperimentazioni visive intorno al corpo tra film, video e computer grafica, Kaplan, Torino 2020
- Dispense a cura della docente

Il corso intende fornire un panorama delle principali questioni di cultura visuale nella prospettiva dell’estetica del cinema e dei media. In particolare, si prenderanno in considerazione sia autori e tendenze storicamente rilevanti, sia metodologie e problemi più recenti.
Il programma del corso sarà articolato in due tappe ideali. Nella prima si prenderanno in considerazione i principali dibattiti sul cinema e la cultura visuale dall'inizio del Novecento a oggi. Nella seconda parte si affronterà il lavoro di Stanley Kubrick, soprattutto per ciò che riguarda l’estetica del visivo.

1) Francesco Casetti, L'occhio del Novecento. Cinema, esperienza, modernità, Bompiani, Milano 2005 (e successive edizioni);
2) Enrico Carocci (a cura di), Stanley Kubrick, Marsilio, Venezia 2019;
3) Antologia di saggi a cura del docente (dispensa cartacea disponibile presso la copisteria Graffetta, Viale Leonardo da Vinci 168, Roma).

Titolo: Musica ed emozioni
Il programma riguarderà le seguenti questioni:
Come possiamo giustificare l’attribuzione di qualità emotive alla musica? Cosa intendiamo quando diciamo, per esempio, che una certa musica è triste, gioiosa, malinconica?
Come può la musica suscitare emozioni (ad esempio, emozione, tristezza, euforia) nell’ascoltatore?
Come spiegare le nostre risposte emotive alla musica?
Infine, che tipo di emozioni sono quelle generate dall'ascolto musicale?

Testi obbligatori:
Hanslick, E., Il bello musicale, Aesthetica, Palermo 2007 (capp. 1-3).
Langer, S., Filosofia in una nuova chiave, Ramando editore, Roma, 1972 (cap. 8: Sul significato in musica).
Lentini, D., La musica e le emozioni. Percorsi nell’estetica analitica, Mimesis, Milano, 2014 (Tutta la Parte Prima).
Kivy, P., Filosofia della musica. Un’introduzione, Einaudi, Torino, 2007 (capp. 1-7).

Consigliati:
Bertinetto, A., Il pensiero dei suoni. Temi di filosofia della musica, Bruno Mondadori, Milano, 2012 (cap. 3: Una scienza emozionale, pp. 99-154)

Il corso mira a:
- fornire le nozioni fondamentali di fisica del suono e della luce;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura della luce, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura del suono, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde sonore, con particolare riferimento alla voce e agli strumenti musicali;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde luminose, con particolare riferimento alla luce artificiale;
- far comprendere i processi percettivi del suono e della luce in rapporto agli aspetti fisici e alla natura dell’orecchio e dell’occhio umano;
- illustrare i meccanismi alla base delle applicazioni tecniche del suono e della luce nel campo dello spettacolo.

Materiale fornito dal docente.

Il laboratorio sarà incentrato sull'elaborazione di prodotti audiovisivi realizzati con lo smartphone.

Nessuno. Il workshop è di natura essenzialmente pratica.

IL corso è strutturato in 3 momenti:
a) la parte teorica sulle scelte linguistiche, visive e l'idea di cinema - (dall'idea al soggetto fino alla stesura delle prime scene della sceneggiatura);
b) la visione di modelli narrativi cinematografici classici, innovativi e irregolari (regia, scelte visive, campi e piani, grammatica filmica);
c) la prova pratica nella realizzazione di un incipit di una storia cinematografica (cortometraggio, trailer, teaser da realizzare con dispositivi digitali macchina fotografica, camcorder e smartphone).
Il principio primario del memento creativo sarà la libertà dell'autore nelle scelte narrative, nella struttura del racconto e nelle scelte visive.

Testi vivamente consigliati:
A.Bazin - Cos'è il cinema. Garzanti

Esercitazioni al computer per la creazione di brani musicali e l'elaborazione di suoni; esercitazioni sui fondamenti della teoria musicale

Selezione di saggi fornita dal docente durante il corso

Il corso affronta riflessioni, documenti e incontri su esperienze locali e sintesi operative attuate in analisi e interventi sul campo da artisti, curatori e operatori delle culture performative. Speciale attenzione è ddicata a progetti e lavori in corso su Roma.

Teatri Luoghi Città, a c. di R. Guarino, Edizioni Officina, 2008.
oppure
Teatri e sfera pubblica nella società globalizzata e digitalizzata, a c. di Ilaria Riccioni, Guerini scientifica, 2022.


Un testo a scelta fra: M. de Certeau, L'invenzione del quotidiano, Edizioni del lavoro; R. Nicolini, Estate Romana, Ed. Città del Sole.
(testi adottati in via di definizione, aprile 2023)

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Ilaria Bonomi, Edoardo Buroni (2017), "La lingua dell'opera lirica", Bologna, il Mulino.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

LE LEZIONI ILLUSTRERANNO L'EVOLUZIONE DEI PRINCIPALI GENERI E FORME DI MUSICA ORCHESTRALE NELLA TRADIZIONE CLASSICO-ROMANTICA, CON ATTENZIONE AI PRINCIPI ESTETICI E FORMALI CHE SONO A FONDAMENTO DELLE CATEGORIE DI MUSICA ASSOLUTA E DI MUSICA A PROGRAMMA. IN PARTICOLARE SARÀ APPROFONDITA LA SINFONIA FANTASTICA DI H. BERLIOZ.

- SELEZIONE DI SAGGI INDICATI DAL DOCENTE ALL’INIZIO DELLE LEZIONI (DISPENSA REPERIBILE IN COPISTERIA IN VIA GIULIO ROCCO);
- PAOLO RUSSO, SINFONIA FANTASTICA, ROMA, CAROCCI, 2008;
- LISTA DI BRANI DA ASCOLTARE, DI CUI SARA' VERIFICATA LA CONOSCENZA IN SEDE D'ESAME ;
SOLO PER I NON FREQUENTANTI:
Maynard Solomon, L’ultimo Beethoven, Roma, Carocci, 2010, pp. 43- 88, 111-121, 157-203, 241-271

LISTA ASCOLTI
Quasi tutte le composizioni sono articolate in più movimenti (allegro, adagio ecc.): vanno dunque ascoltate integralmente (non soltanto i primi movimenti).

Arcangelo Corelli Concerto grosso fatto per la Notte di Natale
Antonio Vivaldi Le quattro stagioni
Johann Sebastian Bach Concerti brandeburghesi nn. 3 e 4
Joseph Haydn Sinfonia n. 103
Wolfgang A. Mozart Sinfonia n. 40, Concerto per violino e orchestra K 216, concerto per pianoforte e orchestra K 488
Ludwig van Beethoven Sinfonie nn. 3, 5, 6, 7 e 9, Ouverture Coriolano, Concerto per pianoforte orchestra n. 5 "Imperatore"
Franz Schubert Sinfonia n. 8
Felix Mendelssohn Concerto per violino e orchestra. in mi minore
Nicolò Paganini Concerto per violino e orchestra n. 1 in re maggiore
Hector Berlioz Sinfonia Fantastica
Johannes Brahms Sinfonia n. 4
Franz Liszt Ce qu'on entend sur la montagne - poema sinfonico
Bedrich Smetana Poema sinfonico “La Moldava”
Piotr Ilic Cajkovsky Ouverture Romeo e Giulietta, Sinfonia n. 6
Piotr Ilic Cajkovsky Concerto per pianoforte e orchestra n. 1 in sib minore
Piotr Ilic Cajkovsky Concerto per violino e orchestra op. 35 in re maggiore
Jean Sibelius Concerto per violino e orchestra in re minore op. 47
Gustav Mahler Sinfonie nn. 1 e 5
Richard Strauss Also Sprach Zarathustra - poema sinfonico

A partire da un quadro indicativo degli aspetti teorici e metodologici della storia delle culture alimentari, il corso intende orientare gli studenti sui fattori economici, culturali e sociali che hanno segnato l’immaginario e l’uso del cibo nell’età contemporanea.
La prima parte del corso (6 ore) introduce gli studenti agli aspetti teorici e metodologici della storia culturale e della storia delle culture materiali. La seconda parte del corso (6 ore) affronta i cambiamenti storici di lungo periodo dell’agricoltura in età contemporanea. La terza parte del corso (18 ore) si concentra sulla storia della cultura alimentare italiana con particolare riferimento alle culture alimentari mediterranee. La quarta parte del corso (18 ore) propone approfondimenti sulle relazioni culturali tra cibo e società: cibo e ambiente, cibo e diseguaglianze, cibo e diritto, cibo e religioni.

Principale testo di riferimento:

Alberto Capatti e Massimo Montanari, La cucina italiana. Storia di una cultura, Roma-Bari, Laterza 2017, 424 p., € 14,00.

Un libro a scelta tra:

Piero Bevilacqua, Il cibo e la terra. Agricoltura, ambiente e salute negli scenari del nuovo millennio, Roma, Donzelli, 2018, 215 pp., € 11,00.

Alberto De Bernardi, Il paese dei maccheroni. Storia sociale della pasta, Roma, Donzelli, 2019, 262 pp., € 30,00.

Massimo Montanari (a cura di), Cucina politica. Il linguaggio del cibo fra pratiche sociali e rappresentazioni ideologiche, Bari-Roma, Laterza, 2021, 328 pp., € 19,00

Il corso ripercorre la storia della fotografia dalla sua invenzione alla contemporaneità, affrontando il medium fotografico sia nella sua declinazione artistica, sia in quanto pratica sociale. Si analizzeranno le origini ottocentesche del medium, la sua diffusione sempre più pervasiva in tutti gli ambiti della vita quotidiana, e le principali metamorfosi tecnologiche che ne hanno plasmato le sorti, fino alla transizione al digitale e l’utilizzo attuale nel contesto online. Tramite il riferimento ad alcune delle figure autoriali più importanti (da Talbot a Nadar, da Alfred Stieglitz a Henri Cartier-Bresson, da Saul Leiter a Letizia Battaglia) e tramite le riflessioni di alcuni studiosi fondamentali (Walter Benjamin, Roland Barthes, Susan Sontag, Allan Sekula e altri), si ragionerà sugli elementi da cui scaturisce la forza espressiva delle immagini fotografiche e sul tipo di coinvolgimento che esse possono mobilitare in noi.
In particolare, si investigherà la “street photography” quale peculiare tipo di pratica fotografica che si colloca trasversalmente rispetto ad una molteplicità di generi diversi (fotografia documentaria, architettonica, di moda e così via), e che proprio grazie alla sua natura ibrida può essere proficuamente adoperata per riflettere sul rapporto complesso tra fotografia e modernità. Lo studio dell’influenza esercitata dall’opera fotografica di Berenice Abbott sulla messa in scena di New York nel film “C’era una volta in America” di Sergio Leone ci porterà infine a riflettere sulla relazione tra l’immagine fissa e quella in movimento.

Il syllabus con il programma definitivo del corso sarà pubblicato in prossimità dell'inizio del corso stesso.

Lorenzo Marmo, "Street Photography. La modernità, New York, il cinema" (Mimesis, 2023).
Raccolta di saggi a cura del docente.

Incontri di studio e incontri laboratoriali dedicati a specifici ambiti del teatro di figura inquadrati da studiosi, artisti e maestri sia dal punto di vista storiografico sia da quello dell’attuale pratica scenica. L’obiettivo è quello di esaminare, anche dal punto di vista pratico, la realtà “viva” del teatro di figura.

STUDENTI FREQUENTANTI
(per essere considerato frequentante lo studente non potrà fare più di 2 assenze):

SCEGLIERE TRA I DUE PROGRAMMI CHE SEGUONO

A) Programma con un nucleo tematico a scelta
1) Alfonso Cipolla, Giovanni Moretti, “Storia dei burattini e delle marionette in Italia”, Corazzano, Titivillus, 2011
2) Mariano Dolci, Vito Minoia, “Il burattino sulla scena educativa”, Urbino, Edizioni Nuove Catarsi, 2020 (per informazioni sulla distribuzione del volume si rimanda al sito www.edizioninuovecatarsi.org)
3) Bruno Leone, “Le guarattelle. Vita di un burattinaio”, Napoli, Monitor, 2022 (per informazioni sulla distribuzione del volume si rimanda al sito https://napolimonitor.it/le-guarattelle/)
4) materiali da CONCORDARE CON LA DOCENTE nel corso delle lezioni (sarà possibile diversificare i temi di studio scegliendo tra gli argomenti affrontati a lezione). Scegliere uno dei nuclei tematici caricati nella sezione “file” del TEAM – cartella “Materiale del corso”

Oppure

B) “Programma PULCINELLA”
1) Alfonso Cipolla, Giovanni Moretti, “Storia dei burattini e delle marionette in Italia”, Corazzano, Titivillus, 2011
2) Bruno Leone, “Le guarattelle. Vita di un burattinaio”, Napoli, Monitor, 2022 (per informazioni sulla distribuzione del volume si rimanda al sito https://napolimonitor.it/le-guarattelle/)
3) BRUNO LEONE, La voce di Pulcinella, in «Mòin Mòin», Revista de Estudos sobre Teatro de Formas Animadas, n. 19 (2018), pp. 44-60 [da studiare pp. 46-56] [file “Leone La voce di Pulcinella.pdf”, caricato sulla piattaforma TEAMS / sezione “File” ]
4) Giorgio Agamben, “Pulcinella ovvero Divertimento per li regazzi”, Roma, ed. nottetempo, edizione aggiornata del 2016
5) video: BRUNO LEONE e GIORGIO AGAMBEN, Sulla filosofia di Pulcinella [https://youtu.be/ySrmOxieVVQ]
6) Anna Leone, Anime di legno, in Caterina Pasqualino (a c. di.), Macchine vive. Dalle marionette agli umanoidi, Palermo, Edizioni Museo Pasqualino, 2021, pp. 141-159 [file “Anna_LEONE - Anime di legno.pdf”, caricato sulla piattaforma TEAMS / sezione “File”]


STUDENTI NON FREQUENTANTI:
1) Alfonso Cipolla, “Giovanni Moretti, Storia dei burattini e delle marionette in Italia”, Corazzano, Titivillus, 2011
2) Mariano Dolci, Vito Minoia, “Il burattino sulla scena educativa”, Urbino, Edizioni Nuove Catarsi, 2020 (per informazioni sulla distribuzione del volume si rimanda al sito www.edizioninuovecatarsi.org)
3) Bruno Leone, “Le guarattelle. Vita di un burattinaio” Napoli, Monitor, 2022 (per informazioni sulla distribuzione del volume si rimanda al sito https://napolimonitor.it/le-guarattelle/)
4) Giorgio Agamben, “Pulcinella ovvero Divertimento per li regazzi”, Roma, ed. nottetempo, edizione aggiornata del 2016
5) video: BRUNO LEONE e GIORGIO AGAMBEN, Sulla filosofia di Pulcinella [https://youtu.be/ySrmOxieVVQ]
6) Anna Leone, Anime di legno, in Caterina Pasqualino (a c. di.), Macchine vive. Dalle marionette agli umanoidi, Palermo, Edizioni Museo Pasqualino, 2021, pp. 141-159 [file “Anna_LEONE - Anime di legno.pdf”, caricato sulla piattaforma TEAMS / sezione “File”]
7) BRUNO LEONE, La voce di Pulcinella, in «Mòin Mòin», Revista de Estudos sobre Teatro de Formas Animadas, n. 19 (2018), pp. 44-60 [da studiare pp. 46-56] [file “Leone La voce di Pulcinella.pdf”, caricato sulla piattaforma TEAMS / sezione “File” ]

Gli studenti potranno conoscere i temi più importanti del rapporto fra Etica ed Estetica attraverso l'analisi di alcuni passi delle opere di Platone, Aristotele, Bruno, Shakespeare, Kant, Hegel, Nietzsche, Heidegger, Blumenberg.
Approfondiranno il concetto di "pena" e "reinserimento sociale" del deviante, secondo l'art 27 della Costituzione della Repubblica Italiana.
Attraverso la visione di film e doc comprenderanno l'impatto dell'arte nel contesto penitenziario.
Parteciperanno alle prove teatrali presso il Teatro del Carcere di Rebibbia.

I passi dei testi saranno forniti in sede di Laboratorio

La luce e lo spazio scenico
Il laboratorio si propone di introdurre gli studenti alle nuove concezioni e alle nuove tecniche della luce nel teatro contemporaneo, facendo in particolare riferimento al ruolo che essa svolge, oltre che sul piano della visione, anche su quelli del senso, della drammaturgia, dell'azione, della strutturazione dello spazio e del tempo.

Testo facoltativo, reperibile nella biblioteca del DAMS:
Fabrizio Crisafulli, Luce attiva, questioni della luce nel teatro contemporaneo, Titivillus, Corazzano, 2007

Organizzato come una situazione pedagogica mista che alterna la pratica scenica alla riflessione storica, il laboratorio ha l’obiettivo di fornire alcuni strumenti che conducono a raggiungere l’interezza della presenza attorale, fatta di corpo e voce. Particolare attenzione sarà rivolta all’ascolto e alla collaborazione di gruppo, che stanno alla base di ogni creazione teatrale.
Ma che cosa fanno un’attrice e un attore per prepararsi al loro lavoro? Se rivolgiamo la stessa domanda pensando a chi danza, immaginiamo ore di esercizi fisici, o a chi suona subito ci vengono in mente le scale e gli arpeggi. Nell’immaginario comune invece non è molto chiaro come si prepari chi recita, visto che solo apparentemente gli attori e le attrici agiscono in scena come nella vita quotidiana e di conseguenza sembrerebbero non aver bisogno di allenarsi per farlo. Il laboratorio si occuperà di sfatare questo tipo di cliché concentrandosi sull’allenamento necessario al compito attorale, attraversando ed esplorando territori legati a pratiche e a principi che trasversalmente appartengono a diverse discipline, e a differenti metodi e tradizioni, performative e non.
Immaginiamo la giornata composta da vari momenti che si susseguiranno pur mescolandosi: una prima parte di allenamento corporeo e vocale improntata a generare la presenza individuale e di gruppo necessaria al lavoro teatrale; un secondo momento di composizione e creazione sceniche partendo dai temi e dalle suggestioni testuali; una terza parte di lavoro sul testo in cui tutto il lavoro preparatorio andrà a confluire. Per ogni fase di questo percorso lo strumento di lavoro sarà il nostro corpo, fatto di articolazioni, muscoli e respiro. La composizione sarà quindi una somma di corpi e di voci, armoniche e/o dissonanti, che faranno da base corale all’emergere delle individualità.
Tramite un percorso di letture e di approfondimenti, durante il laboratorio si cercherà di radicare le pratiche e le tecniche dell’artigianato attorale nel campo degli studi storici teatrali.
Ogni giornata proporrà un percorso diverso per arrivare alle parole del testo, mescolando tecniche e modalità compositive, con l’intento di testare differenti approcci alla parola e alla creazione scenica.

Traduzione italiana del dramma di William Shakespeare, Macbeth nella versione curata da Alessandro Serpieri ed edita da Giunti nel 2004 (ISBN: 9788809033597) non più in commercio ma reperibile nelle biblioteche italiane consultando il sito dell’OPAC SBN (https://opac.sbn.it/). In alternativa si potrà leggere l’edizione successiva, sempre di Giunti, acquistabile ma priva dell’apparato introduttivo e di note (ISBN 9788809831391).

Esercitazioni al computer per la creazione di brani musicali e l'elaborazione di suoni; esercitazioni sui fondamenti della teoria musicale

Selezione di saggi fornita dal docente durante il corso

Come si costruisce un format televisivo? Come si analizza un programma realizzato a partire da un format? Che rapporto c’è fra format e generi tv? I format funzionano anche per la serialità? Perché in tutto il mondo si guardano gli stessi programmi, da La ruota della fortuna a Masterchef, da Stranamore a LOL? Nel laboratorio si affronteranno questi quesiti, con costante riferimento alla produzione televisiva internazionale. Il laboratorio prevede esercitazioni nella scrittura di paper format e scalette di programmi.

Fiacco, Axel, Unscripted Formats. Teoria e pratica dei programmi televisivi globali. Castelvecchi, 2021

Laboratorio di Arti Digitali: Programma

Obiettivo del Corso: Il corso mira a guidare gli studenti nella creazione del lavoro "Scenari Futuri", un video che esplora il rapporto tra corpo e spazio urbano utilizzando tecniche di grafica digitale in movimento. Gli studenti acquisiranno competenze avanzate nell'utilizzo di Adobe After Effects e altri strumenti correlati per realizzare il progetto.

Struttura del Corso:

Modulo 1: Introduzione ai concetti di base

Presentazione del corso e degli obiettivi.
Panoramica sul lavoro "Scenari Futuri" e sul rapporto corpo-spazio urbano.
Introduzione alle tecniche di animazione e motion graphics.
Conoscenza delle basi di Adobe After Effects.

Modulo 2: Ricerca e ispirazione

Ricerca visuale: raccolta di immagini e fotografie che ispirino il progetto.
Discussione sulle strade da percorrere e le idee creative.
Creazione di un moodboard visivo.

Modulo 3: Progettazione e storyboard

Progettazione di una sequenza di immagini chiave.
Creazione di un storyboard per i layout del video.
Presentazione dei layout in un documento PDF.

Modulo 4: Animazione in Adobe After Effects

Importazione e organizzazione dei documenti in After Effects.
Trasformazione dei singoli livelli: punto di ancoraggio, posizione, scala, rotazione, opacità.
Animazione dei livelli mediante la trasformazione ed interpolazione dei fotogrammi chiave.
Utilizzo delle curve Bézier nel Graph Editor per animazioni complesse.
Progettazione grafica con shape layers.
Introduzione al "Puppet tools" e effetto marionetta.
Utilizzo di maschere vettoriali e livelli di regolazione.
Nidificazione di progetti e precomposizione.
Concetti base di camera e livelli 3D.
Coda di rendering in After Effects.

Modulo 5: Introduzione a Blender

Breve introduzione a Blender per l'animazione 3D.

Modulo 6: Video Compositing

Sovrapposizione e metodi di fusione dei livelli video in After Effects.
Lavorare con il chiave colore e il green screen.
Uso di Alpha e luma matte.
Modulo effetti avanzati: Lumetri color, KeyLight.
Tracking 3D e stabilizzazione camera.
Introduzione al modulo di plug-in Mocha Shape.
Modulo di rendering esterno Adobe Media Encoder.

Modulo 7: Revisione e Presentazione Finale

Revisione dei lavori degli studenti.
Perfezionamento e rifinitura dei progetti.
Presentazione finale dei lavori "Scenari Futuri".

Valutazione:
Gli studenti verranno valutati sulla base della loro partecipazione attiva alle lezioni, del progresso nei progetti e della presentazione finale di "Scenari Futuri".

Questo programma si propone di offrire delle conoscenze tecniche di motion graphics e progettazione, con un focus particolare su Adobe After Effects e strumenti correlati. Gli studenti avranno l'opportunità di sviluppare le proprie competenze creative e tecniche mentre lavorano al progetto finale.

Il corso si propone di affrontare alcuni momenti della scrittura cinematografica in modo critico e costruttivo procedendo per step teorici e pratici:
focalizzazione di un’idea tematica (high / low concept);
stesura di una sinossi di max 5 righe;
punti essenziali di un soggetto;
carattere e personaggio;
stesura di un soggetto;
costruzione dei personaggi (protagonista, antagonista, personaggi vicini);
personaggio (arco del personaggio, ostacoli, scelte, obiettivo, oggetto del desiderio, insight) ;
step outline per una struttura drammaturgica in tre atti;
individuazione turning points;
mid-point;
subplot / subplots ;
prima e seconda stesura del trattamento;
format sceneggiatura e sistemi di riferimento sceneggiatura;
analisi copioni ( character driven plot / action plot);
rollercoster;
finale aperto/chiuso

Titolo: Story – Contenuti, struttura, stile, principi per la sceneggiatura e per l’arte di scrivere storie
ISBN-10: 8896450039
ISBN-13: 9788896450031
Autore: Robert McKee
Collana: Scrittura creativa
Editore: Omero
Titolo: Manuale di sceneggiatura cinematografica
Sottotitolo: Teoria e pratica
ISBN-10: 8860081416
ISBN-13: 9788860081414
Autore: Luca Aimeri
Collana: Collana di cinema
Editore: UTET
Titolo: La sceneggiatura
Sottotitolo: Il film sulla carta
ISBN-10: 8885838634
ISBN-13: 9788885838635
Autore: Syd Field
Collana: Istruzioni per l’uso
Editore: Lupetti
Titolo: Save the cat! Manuale di sceneggiatura
ISBN-10: 8896450195
ISBN-13: 9788896450192
Autore: Blake Snyder
Collana: Scrittura creativa
Editore: Omero
Titolo: Scriviamo un film – Manuale di sceneggiatura
ISBN-10: 884282058X
ISBN-13: 9788842820581
Autore: Age
Collana: La piccola cultura
Editore: Il Saggiatore
Titolo: Come scrivere una grande sceneggiatura
ISBN-10: 8875271518
ISBN-13: 9788875271510
Autore: Linda Seger
Collana: Manuali di Script
Editore: Audino
Titolo: L’arco di trasformazione del personaggio
ISBN-10: 887527018X
ISBN-13: 9788875270186
Autore: Dara Marks
Editore: Audino
Un testo a scelta tra i seguenti per approfondire argomento
I tre usi del coltello. Saggi e lezioni sul cinema
di David Mamet (Autore), F. Abbinante (Traduttore)
Consigli a un giovane scrittore
di Vincenzo Cerami
La sceneggiatura. Un testo dall'esistenza incerta
di Daniela Ceselli ( Le Lettere)

Altri testi David Howard, Dara Marks, Snider presenti in Biblioteca

il corso si propone di rispondere alle seguenti domande:
come si trova una storia?
come si racconta una storia?
il ruolo del narratore
il punto di vista
cosa rende una storia universale?

Io ero il Milanese di Mauro pescio e Lorenzo S ed. Mondadori
si consiglia anche l'ascolto dell'omonimo podcast su raiplaysound

Diari di viaggio - Valerio Daniel De Simoni

Diari - Valerio Daniel De Simoni

i diari di De Simoni saranno disponibili anche in pdf

Il laboratorio persegue diversi obiettivi formativi che costituiranno dunque il cuore del programma didattico:
- Fornire conoscenze di base sulla storia e il ruolo sociale e culturale della fotografia, definendo in particolare come questa abbia cambiato il mondo dell’arte, la percezione della storia e la sua stessa narrazione; come abbia cambiato turismo, viaggi, socialità, narrazione di eventi privati o storici e molto altro
- Conoscere alcuni grandi autori della storia della fotografia con il duplice scopo di esplorare l’estetica e lo stile, nonché di comprendere alcune regole di composizione e come al contempo l’errore fotografico o il tradimento delle regole abbia generato delle opere eccezionali.
- Definire alcune sfaccettature sul mestiere di fotografo con cenni alla professione ad esso legata nel mondo del cinema: l’autore (o direttore) della fotografia. Anche qui il duplice scopo è indagare l’estetica dei singoli direttori della fotografia (nella loro collaborazione con gli altri autori di quell’opera corale che è il film) e comprendere come dalla visione di un film si possa imparare molo anche sulla fotografia tout court.
- Stimolare lo sguardo e la creatività fotografica
- Apprendere le principali regole di composizione
- Imparare ad utilizzare in modalità manuale una macchina fotografica professionale nelle sue funzioni di base. Si specifica che si potrà scattare con qualunque tipo di apparecchio fotografico, dal dispositivo mobile (smartphone o tablet) alla reflex o mirroless digitale, nonché con dispositivi analogici (per i quali provvederemo a digitalizzare).
- Introduzione all’editing digitale. Analizzeremo gli strumenti di base dei principali programmi di editing (Photoshop, Lightroom e altri).

Calendario delle attività:

Lezione 1
Presentazione
La nascita e i principali usi della fotografia
Alcuni grandi fotografi

Lezione 2
Le ottiche
La messa a fuoco
Introduzione al concetto di profondità di campo
Revisione immagini proposte dagli studenti

Lezione 3
Focus su Direzione della fotografia
Alcuni grandi direttori della fotografia
La conoscenza delle ottiche, delle pellicole, delle macchine, ma soprattutto l’immaginazione e la creatività

Lezione 4
Revisione scatti degli studenti su ottiche
L’esposizione: iso, tempi, diaframmi
Gli esposimetri

Lezione 5
Revisione esercitazioni degli studenti su esposizione
Giocare con la fotografia
Allenare la creatività
Allenare lo sguardo

Lezione 6
La profondità di campo
Le principali regole di composizione
Revisione proposte degli studenti su Fotografi (e Cinematographer)

Lezione 7
Revisione scatti degli studenti su profondità di campo
Introduzione all’editing digitale
Revisione proposte degli studenti su Fotografi (e Cinematographer)

Lezione 8
Realizzare un progetto fotografico
Introduzione all’editing digitale

Lezione 9
Revisione progetti fotografici degli studenti
Assistenza all’editing fotografico

Lezione 10
Revisione progetti fotografici degli studenti
Assistenza all’editing fotografico

Lezione 11
Revisione e commento progetti fotografici degli studenti

Lezione 12
Presentazione dei progetti fotografici
Come coltivare la passione per la fotografia a Roma e altrove

Non ci sono testi obbligatori

Il programma si svolgerà attraverso lezioni frontali e incontri con professionisti del settore. Gli argomenti del corso toccano principalmente le seguenti aree tematiche:
- Il mercato audiovisivo europeo ed internazionale
- Elementi di economia del cinema e dell'audiovisivo
- La filiera cinematografica e audiovisiva: le varie fasi dallo sviluppo alla post-produzione
- Fonti di finanziamento pubbliche e private
- Modelli finanziari nella produzione audiovisiva
- Il settore della distribuzione e le strategie di marketing
- Il settore dell'esercizio

Economia, Management e Finanza dell'Impresa Cinematografica ed Audiovisiva
CELATA GIANDOMENICO
https://www.hoepli.it/autore/celata_giandomenico.html?autore=%5b%5bcelata+giandomenico%5d%5d&
Sul canale Teams saranno caricate dispense e materiali didattici a corredo del testo di esame

Oggetto centrale e privilegiato della storia dell’arte tradizionale, la figura umana ha subito, in particolar modo negli ultimi quarant’anni, una modificazione iconica e culturale riconfigurandosi attraverso la relazione corpo-schermo, che ne ridefinisce teorie e pratiche espressive acquisite dal sistema dei media e delle arti contemporanee. Il corso si propone di analizzare le relazioni prevalenti fra figura umana e statuaria, tracciando una mappatura iconografica delle più recenti e significative raffigurazioni del corpo nell’ambito della sperimentazione artistica: dal cinema underground e d’artista alla fotografia, dalla scultura alla performance, alla videoarte. Utilizzando una metodologia versatile che coniuga gli studi visuali e culturali con le teorie dei media e delle arti plastiche, si vuole riflettere su alcune figurazioni caratteristiche dei corpi contemporanei e sui loro processi e modelli rappresentativi. Il centro d’interesse è legato al ruolo capillare e pervasivo che i dispositivi mediali e le loro estensioni e applicazioni tecnologiche hanno assunto nei confronti dei nostri regimi percettivi, iconografici e identitari.

Giacomo Ravesi, Le maschere di Dioniso. Figure del corpo tra arti visive, media e tecnologia, Armando, Roma 2021.
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria di Viale Leonardo Da Vinci, n. 168.

Per i non frequentanti:
Roy Menarini, Il corpo nel cinema. Storie, simboli e immaginari, Pearson Italia/Bruno Mondadori, Milano, 2015.

FILM E VIDEOGRAFIA:
Lungometraggi: David Cronenberg, Videodrome (1983); Jan Švankmajer, Spiklenci slasti (Cospiratori del piacere, 1996); Matthew Barney, The Cremaster Cycle (1994-2002).
Antologia di film d’avanguardia e underground: Jean Cocteau, Fernand Léger, Luis Buñuel, Jean Genet, Maya Deren, Andy Warhol, Kenneth Anger, Jack Smith, Barbara Hammer, Jan Švankmajer, Alberto Grifi.
Antologia di opere di videoarte: Nam June Paik, Gianni Toti, Tony Oursler, Gary Hill, Orlan, Zbigniew Rybczynski, Mariko Mori, Studio Azzurro, Stephen e Timothy Quay, Chris Landreth, Bériou, Char Davies, Leonardo Carrano, Egbert Mittelstädt, Kouhei Nakama, Andrew Thomas Huang, Francesca Fini, Alessandro Amaducci, Igor Imhoff, Alessandro Bavari, Beatrice Pucci, Rita Casdia, Donato Sansone.
Antologia di videomusicali: Lady Gaga, Bjӧrk, Madonna, Marilyn Manson, Tool.
I film e i video saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

Muovendo da un testo Isaiah Berlin sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

1) I. Berlin, Le radici del romanticismo, Milano, Adelphi, 2001

2) A. Breton, Nadja, Torino, Einaudi, 2007

3) V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2006 o 2019 (solo seconda metà)

Tema del corso di quest'anno: vite da abitare.

Modi e forme di come le persone "costruiscono" le proprie vite.
Percorsi biografici, tracciati individuali e scambi collettivi.
Strategie individuali e organizzazione sociale.
I sistemi performativi: dalla soggettività alla collettività.

Manuale
1. Manuale o parte generale:
Ugo Fabietti, Elementi di antropologia culturale, Milano, Mondadori, 2015.
Stefano De Matteis, Il dilemma dell'aragosta. La forza della vulnerabilità, Milano, Meltemi.

2. Approfondimenti o parte monografica:
Stefano De Matteis, Gli sciamani non ci salveranno, in corso di pubblicazione
Andrea Staid, Essere natura. Uno sguardo antropologico per cambiare il nostro rapporto con l'ambiente, UTET, 2022.

Filosofia, letteratura, patologia in David Foster Wallace

Il corso di Filosofia della letteratura si propone di sondare il terreno di confine e di ibridazione transdisciplinare tra filosofia e letteratura da una prospettiva teoretica, ponendo in luce concetti e tematiche che testimoniano delle differenti modalità con cui il pensiero filosofico si rapporta alla letteratura, non tanto nei termini di un oggetto di analisi, quanto piuttosto della loro interazione e prossimità.
Il corso prenderà in esame il legame tra indagine filosofica e sua declinazione patologica nella narrativa e nella saggistica dello scrittore americano David Foster Wallace, evidenziando alcuni nodi concettuali – solipsismo, dipendenza, noia, autoinganno – che palesano l’intreccio tanto affascinante quanto problematico tra il filosofare e lo scrivere.
Il programma verterà sui seguenti argomenti:
- Introduzione al rapporto tra filosofia e letteratura
- Introduzione alla vita e all’opera di D.F. Wallace
- Analisi critica dei concetti di solipsismo, alienazione, noia nel loro intreccio problematico tra filosofia, letteratura e patologia
- Esposizione del rapporto tra dipendenza, autoinganno, e paradossi logici

Testi oggetto d’esame

D.F. Wallace, Il plenum vuoto: Wittgenstein’s Mistress di David Markson, in Di carne e di nulla, Einaudi 2012.
D.F. Wallace, Caro Vecchio Neon, in Oblio, Einaudi 2004.
D.F. Wallace, Il pianeta Trillafon in rapporto alla cosa brutta, in Questa è l’acqua, Einaudi 2009.
D.F. Wallace, La persona depressa, in Brevi interviste con uomini schifosi, Einaudi 2000.
D.F. Wallace, Il suicidio come una specie di presente, in Brevi interviste con uomini schifosi, Einaudi 2000.
G. Baggio, Filosofia e patologia in D.F. Wallace. Solipsismo, noia, alienazione… e altre cose (poco) divertenti, Rosenberg & Sellier 2022.
D. Laing, L’io diviso, Einaudi 2010 (prima parte).
C. Scarlato, Attraverso il corpo. Filosofia e letteratura in David Foster Wallace, Mimesis 2020 (primo capitolo)
M. Piazza, La scrittura dei filosofi e la filosofia degli scrittori, in «Bollettino Filosofico», n. 210, 2013.

Tema del corso di quest'anno: vite da abitare.

Modi e forme di come le persone "costruiscono" le proprie vite.
Percorsi biografici, tracciati individuali e scambi collettivi.
Strategie individuali e organizzazione sociale.
I sistemi performativi: dalla soggettività alla collettività.

Manuale
1. Manuale o parte generale:
Ugo Fabietti, Elementi di antropologia culturale, Milano, Mondadori, 2015.
Stefano De Matteis, Il dilemma dell'aragosta. La forza della vulnerabilità, Milano, Meltemi.

2. Approfondimenti o parte monografica:
Stefano De Matteis, Gli sciamani non ci salveranno, in corso di pubblicazione
Andrea Staid, Essere natura. Uno sguardo antropologico per cambiare il nostro rapporto con l'ambiente, UTET, 2022.

Oggetto centrale e privilegiato della storia dell’arte tradizionale, la figura umana ha subito, in particolar modo negli ultimi quarant’anni, una modificazione iconica e culturale riconfigurandosi attraverso la relazione corpo-schermo, che ne ridefinisce teorie e pratiche espressive acquisite dal sistema dei media e delle arti contemporanee. Il corso si propone di analizzare le relazioni prevalenti fra figura umana e statuaria, tracciando una mappatura iconografica delle più recenti e significative raffigurazioni del corpo nell’ambito della sperimentazione artistica: dal cinema underground e d’artista alla fotografia, dalla scultura alla performance, alla videoarte. Utilizzando una metodologia versatile che coniuga gli studi visuali e culturali con le teorie dei media e delle arti plastiche, si vuole riflettere su alcune figurazioni caratteristiche dei corpi contemporanei e sui loro processi e modelli rappresentativi. Il centro d’interesse è legato al ruolo capillare e pervasivo che i dispositivi mediali e le loro estensioni e applicazioni tecnologiche hanno assunto nei confronti dei nostri regimi percettivi, iconografici e identitari.

Giacomo Ravesi, Le maschere di Dioniso. Figure del corpo tra arti visive, media e tecnologia, Armando, Roma 2021.
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria di Viale Leonardo Da Vinci, n. 168.

Per i non frequentanti:
Roy Menarini, Il corpo nel cinema. Storie, simboli e immaginari, Pearson Italia/Bruno Mondadori, Milano, 2015.

FILM E VIDEOGRAFIA:
Lungometraggi: David Cronenberg, Videodrome (1983); Jan Švankmajer, Spiklenci slasti (Cospiratori del piacere, 1996); Matthew Barney, The Cremaster Cycle (1994-2002).
Antologia di film d’avanguardia e underground: Jean Cocteau, Fernand Léger, Luis Buñuel, Jean Genet, Maya Deren, Andy Warhol, Kenneth Anger, Jack Smith, Barbara Hammer, Jan Švankmajer, Alberto Grifi.
Antologia di opere di videoarte: Nam June Paik, Gianni Toti, Tony Oursler, Gary Hill, Orlan, Zbigniew Rybczynski, Mariko Mori, Studio Azzurro, Stephen e Timothy Quay, Chris Landreth, Bériou, Char Davies, Leonardo Carrano, Egbert Mittelstädt, Kouhei Nakama, Andrew Thomas Huang, Francesca Fini, Alessandro Amaducci, Igor Imhoff, Alessandro Bavari, Beatrice Pucci, Rita Casdia, Donato Sansone.
Antologia di videomusicali: Lady Gaga, Bjӧrk, Madonna, Marilyn Manson, Tool.
I film e i video saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

Per ragionare sul ruolo assunto dal paesaggio nel cinema, il corso si elabora lungo una triplice traiettoria. In primo luogo, è proposta una riflessione teorica e storica attorno al tema del paesaggio, indagandone i caratteri essenziali, la sua evoluzione nel tempo, come pure la sua graduale ridefinizione o risemantizzazione. Si analizza, quindi, il modo in cui il cinema rappresenta il paesaggio, individuando le forme e i significati che esso viene ad assumere all’interno del testo filmico. Infine, si costruisce una tassonomia essenziale, analizzando in maniera particolare il cinema italiano degli anni Cinquanta e Sessanta.

STUDENTI FREQUENTANTI:
Bibliografia:
– Sandro Bernardi, Il paesaggio nel cinema italiano, Venezia, Marsilio, 2002.
– Antologia di saggi per studenti frequentanti a cura del docente disponibili presso la copisteria La graffetta in v.le Leonardo da Vinci 168

Filmografia obbligatoria:
Le ragazze di Piazza di Spagna (Luciano Emmer, 1952)
La lupa (Alberto Lattuada, 1953)
Giovani Mariti (Mauro Bologni, 1958)
Adua e le compagne (Antonio Pietrangeli, 1960)
Rocco e i suoi fratelli (Luchino Visconti, 1960)
Il posto (Ermanno Olmi, 1961)
Mamma Roma (Pier Paolo Pasolini, 1962)
Renzo e Luciana (Mario Monicelli, 1962 – episodio di Boccaccio '70)
Il deserto rosso (Michelangelo Antonioni, 1964)
I pugni in tasca (Marco Bellocchio, 1965)
Teorema (Pier Paolo Pasolini, 1968)

Filmografia secondaria:
I vitelloni (Federico Fellini, 1953)
Giorni d'amore (Giuseppe De Santis, 1954)
Proibito (Mario Monicelli, 1955)
Il grido (Michelangelo Antonioni, 1957)
La notte brava (Mauro Bolognini, 1959)
Banditi a Orgosolo (Vittorio De Seta, 1961)
Il sorpasso (Dino Risi, 1962)
I basilischi (Lina Wertmüller, 1963)
I fidanzati (Ermanno Olmi, 1963)
La visita (Antonio Pietrangeli, 1963)
Essere donne (Cecilia Mangini, 1964)

STUDENTI NON FREQUENTANTI:
Bibliografia:
– Sandro Bernardi, Il paesaggio nel cinema italiano, Venezia, Marsilio, 2002.
– Antologia di saggi per studenti non frequentanti a cura del docente disponibili presso la copisteria La graffetta in v.le Leonardo da Vinci 168

Filmografia obbligatoria:
Gente del Po (Michelangelo Antonioni, 1947)
N.U. (Michelangelo Antonioni, 1948)
Cronaca di un amore (Michelangelo Antonioni, 1950)
I vinti (Michelangelo Antonioni, 1953)
Le amiche (Michelangelo Antonioni, 1955)
Il grido (Michelangelo Antonioni, 1957)
L'avventura (Michelangelo Antonioni, 1960)
La notte (Michelangelo Antonioni, 1961)
L'eclisse (Michelangelo Antonioni, 1962)
Il deserto rosso (Michelangelo Antonioni, 1964)
Blow-up (Michelangelo Antonioni, 1966)
Zabriskie-Point (Michelangelo Antonioni, 1970)
Professione: reporter (Michelangelo Antonioni, 1975)
Identificazione di una donna (Michelangelo Antonioni, 1982)

Filosofia, letteratura, patologia in David Foster Wallace

Il corso di Filosofia della letteratura si propone di sondare il terreno di confine e di ibridazione transdisciplinare tra filosofia e letteratura da una prospettiva teoretica, ponendo in luce concetti e tematiche che testimoniano delle differenti modalità con cui il pensiero filosofico si rapporta alla letteratura, non tanto nei termini di un oggetto di analisi, quanto piuttosto della loro interazione e prossimità.
Il corso prenderà in esame il legame tra indagine filosofica e sua declinazione patologica nella narrativa e nella saggistica dello scrittore americano David Foster Wallace, evidenziando alcuni nodi concettuali – solipsismo, dipendenza, noia, autoinganno – che palesano l’intreccio tanto affascinante quanto problematico tra il filosofare e lo scrivere.
Il programma verterà sui seguenti argomenti:
- Introduzione al rapporto tra filosofia e letteratura
- Introduzione alla vita e all’opera di D.F. Wallace
- Analisi critica dei concetti di solipsismo, alienazione, noia nel loro intreccio problematico tra filosofia, letteratura e patologia
- Esposizione del rapporto tra dipendenza, autoinganno, e paradossi logici

Testi oggetto d’esame

D.F. Wallace, Il plenum vuoto: Wittgenstein’s Mistress di David Markson, in Di carne e di nulla, Einaudi 2012.
D.F. Wallace, Caro Vecchio Neon, in Oblio, Einaudi 2004.
D.F. Wallace, Il pianeta Trillafon in rapporto alla cosa brutta, in Questa è l’acqua, Einaudi 2009.
D.F. Wallace, La persona depressa, in Brevi interviste con uomini schifosi, Einaudi 2000.
D.F. Wallace, Il suicidio come una specie di presente, in Brevi interviste con uomini schifosi, Einaudi 2000.
G. Baggio, Filosofia e patologia in D.F. Wallace. Solipsismo, noia, alienazione… e altre cose (poco) divertenti, Rosenberg & Sellier 2022.
D. Laing, L’io diviso, Einaudi 2010 (prima parte).
C. Scarlato, Attraverso il corpo. Filosofia e letteratura in David Foster Wallace, Mimesis 2020 (primo capitolo)
M. Piazza, La scrittura dei filosofi e la filosofia degli scrittori, in «Bollettino Filosofico», n. 210, 2013.

La luce e lo spazio scenico
Il laboratorio si propone di introdurre gli studenti alle nuove concezioni e alle nuove tecniche della luce nel teatro contemporaneo, facendo in particolare riferimento al ruolo che essa svolge, oltre che sul piano della visione, anche su quelli del senso, della drammaturgia, dell'azione, della strutturazione dello spazio e del tempo.

Testo facoltativo, reperibile nella biblioteca del DAMS:
Fabrizio Crisafulli, Luce attiva, questioni della luce nel teatro contemporaneo, Titivillus, Corazzano, 2007

Laboratorio di Arti Digitali: Programma

Obiettivo del Corso: Il corso mira a guidare gli studenti nella creazione del lavoro "Scenari Futuri", un video che esplora il rapporto tra corpo e spazio urbano utilizzando tecniche di grafica digitale in movimento. Gli studenti acquisiranno competenze avanzate nell'utilizzo di Adobe After Effects e altri strumenti correlati per realizzare il progetto.

Struttura del Corso:

Modulo 1: Introduzione ai concetti di base

Presentazione del corso e degli obiettivi.
Panoramica sul lavoro "Scenari Futuri" e sul rapporto corpo-spazio urbano.
Introduzione alle tecniche di animazione e motion graphics.
Conoscenza delle basi di Adobe After Effects.

Modulo 2: Ricerca e ispirazione

Ricerca visuale: raccolta di immagini e fotografie che ispirino il progetto.
Discussione sulle strade da percorrere e le idee creative.
Creazione di un moodboard visivo.

Modulo 3: Progettazione e storyboard

Progettazione di una sequenza di immagini chiave.
Creazione di un storyboard per i layout del video.
Presentazione dei layout in un documento PDF.

Modulo 4: Animazione in Adobe After Effects

Importazione e organizzazione dei documenti in After Effects.
Trasformazione dei singoli livelli: punto di ancoraggio, posizione, scala, rotazione, opacità.
Animazione dei livelli mediante la trasformazione ed interpolazione dei fotogrammi chiave.
Utilizzo delle curve Bézier nel Graph Editor per animazioni complesse.
Progettazione grafica con shape layers.
Introduzione al "Puppet tools" e effetto marionetta.
Utilizzo di maschere vettoriali e livelli di regolazione.
Nidificazione di progetti e precomposizione.
Concetti base di camera e livelli 3D.
Coda di rendering in After Effects.

Modulo 5: Introduzione a Blender

Breve introduzione a Blender per l'animazione 3D.

Modulo 6: Video Compositing

Sovrapposizione e metodi di fusione dei livelli video in After Effects.
Lavorare con il chiave colore e il green screen.
Uso di Alpha e luma matte.
Modulo effetti avanzati: Lumetri color, KeyLight.
Tracking 3D e stabilizzazione camera.
Introduzione al modulo di plug-in Mocha Shape.
Modulo di rendering esterno Adobe Media Encoder.

Modulo 7: Revisione e Presentazione Finale

Revisione dei lavori degli studenti.
Perfezionamento e rifinitura dei progetti.
Presentazione finale dei lavori "Scenari Futuri".

Valutazione:
Gli studenti verranno valutati sulla base della loro partecipazione attiva alle lezioni, del progresso nei progetti e della presentazione finale di "Scenari Futuri".

Questo programma si propone di offrire delle conoscenze tecniche di motion graphics e progettazione, con un focus particolare su Adobe After Effects e strumenti correlati. Gli studenti avranno l'opportunità di sviluppare le proprie competenze creative e tecniche mentre lavorano al progetto finale.

l laboratorio intende sviluppare capacità imprenditoriali per la costituzione di nuove attività culturali e di spettacolo. Durante il laboratorio verranno illustrati i sistemi di funzionamento di una impresa culturale, dal punto di visto giuridico, delle norme del lavoro e degli obblighi contrattuali, relativamente allo spettacolo dal vivo, anche in relazione con altri ambiti della produzione culturale. Durante le lezioni viene inoltre disaminata la tecnica di redazione del progetto, con particolare attenzione allo sviluppo di capacità di reperimento delle risorse pubbliche e private. E’ prevista la stesura di un progetto, organizzando gruppi di lavoro, che saranno seguiti dal docente con l’obiettivo che gli studenti esplorino la fattibilità e sostenibilità di una propria idea imprenditoriale nella sua dimensione di mercato, organizzativa, economica, riguardo progetti di nuove imprese teatrali o culturali o di spettacolo, oppure di azioni di rilancio di realtà esistenti.

Testo a supporto.
Lucio Argano, Alessandro Bollo, Paolo Dalla Sega “Organizzare eventi culturali. Ideazione, progettazione e gestione strategica del pubblico” Franco Angeli 2017
Dispense: saranno fornite dal docente durante il Corso

Come si costruisce un format televisivo? Come si analizza un programma realizzato a partire da un format? Che rapporto c’è fra format e generi tv? I format funzionano anche per la serialità? Perché in tutto il mondo si guardano gli stessi programmi, da La ruota della fortuna a Masterchef, da Stranamore a LOL? Nel laboratorio si affronteranno questi quesiti, con costante riferimento alla produzione televisiva internazionale. Il laboratorio prevede esercitazioni nella scrittura di paper format e scalette di programmi.

Fiacco, Axel, Unscripted Formats. Teoria e pratica dei programmi televisivi globali. Castelvecchi, 2021

Il laboratorio persegue diversi obiettivi formativi che costituiranno dunque il cuore del programma didattico:
- Fornire conoscenze di base sulla storia e il ruolo sociale e culturale della fotografia, definendo in particolare come questa abbia cambiato il mondo dell’arte, la percezione della storia e la sua stessa narrazione; come abbia cambiato turismo, viaggi, socialità, narrazione di eventi privati o storici e molto altro
- Conoscere alcuni grandi autori della storia della fotografia con il duplice scopo di esplorare l’estetica e lo stile, nonché di comprendere alcune regole di composizione e come al contempo l’errore fotografico o il tradimento delle regole abbia generato delle opere eccezionali.
- Definire alcune sfaccettature sul mestiere di fotografo con cenni alla professione ad esso legata nel mondo del cinema: l’autore (o direttore) della fotografia. Anche qui il duplice scopo è indagare l’estetica dei singoli direttori della fotografia (nella loro collaborazione con gli altri autori di quell’opera corale che è il film) e comprendere come dalla visione di un film si possa imparare molo anche sulla fotografia tout court.
- Stimolare lo sguardo e la creatività fotografica
- Apprendere le principali regole di composizione
- Imparare ad utilizzare in modalità manuale una macchina fotografica professionale nelle sue funzioni di base. Si specifica che si potrà scattare con qualunque tipo di apparecchio fotografico, dal dispositivo mobile (smartphone o tablet) alla reflex o mirroless digitale, nonché con dispositivi analogici (per i quali provvederemo a digitalizzare).
- Introduzione all’editing digitale. Analizzeremo gli strumenti di base dei principali programmi di editing (Photoshop, Lightroom e altri).

Calendario delle attività:

Lezione 1
Presentazione
La nascita e i principali usi della fotografia
Alcuni grandi fotografi

Lezione 2
Le ottiche
La messa a fuoco
Introduzione al concetto di profondità di campo
Revisione immagini proposte dagli studenti

Lezione 3
Focus su Direzione della fotografia
Alcuni grandi direttori della fotografia
La conoscenza delle ottiche, delle pellicole, delle macchine, ma soprattutto l’immaginazione e la creatività

Lezione 4
Revisione scatti degli studenti su ottiche
L’esposizione: iso, tempi, diaframmi
Gli esposimetri

Lezione 5
Revisione esercitazioni degli studenti su esposizione
Giocare con la fotografia
Allenare la creatività
Allenare lo sguardo

Lezione 6
La profondità di campo
Le principali regole di composizione
Revisione proposte degli studenti su Fotografi (e Cinematographer)

Lezione 7
Revisione scatti degli studenti su profondità di campo
Introduzione all’editing digitale
Revisione proposte degli studenti su Fotografi (e Cinematographer)

Lezione 8
Realizzare un progetto fotografico
Introduzione all’editing digitale

Lezione 9
Revisione progetti fotografici degli studenti
Assistenza all’editing fotografico

Lezione 10
Revisione progetti fotografici degli studenti
Assistenza all’editing fotografico

Lezione 11
Revisione e commento progetti fotografici degli studenti

Lezione 12
Presentazione dei progetti fotografici
Come coltivare la passione per la fotografia a Roma e altrove

Non ci sono testi obbligatori

il corso si propone di rispondere alle seguenti domande:
come si trova una storia?
come si racconta una storia?
il ruolo del narratore
il punto di vista
cosa rende una storia universale?

Io ero il Milanese di Mauro pescio e Lorenzo S ed. Mondadori
si consiglia anche l'ascolto dell'omonimo podcast su raiplaysound

Diari di viaggio - Valerio Daniel De Simoni

Diari - Valerio Daniel De Simoni

i diari di De Simoni saranno disponibili anche in pdf

Il corso si propone di affrontare alcuni momenti della scrittura cinematografica in modo critico e costruttivo procedendo per step teorici e pratici:
focalizzazione di un’idea tematica (high / low concept);
stesura di una sinossi di max 5 righe;
punti essenziali di un soggetto;
carattere e personaggio;
stesura di un soggetto;
costruzione dei personaggi (protagonista, antagonista, personaggi vicini);
personaggio (arco del personaggio, ostacoli, scelte, obiettivo, oggetto del desiderio, insight) ;
step outline per una struttura drammaturgica in tre atti;
individuazione turning points;
mid-point;
subplot / subplots ;
prima e seconda stesura del trattamento;
format sceneggiatura e sistemi di riferimento sceneggiatura;
analisi copioni ( character driven plot / action plot);
rollercoster;
finale aperto/chiuso

Titolo: Story – Contenuti, struttura, stile, principi per la sceneggiatura e per l’arte di scrivere storie
ISBN-10: 8896450039
ISBN-13: 9788896450031
Autore: Robert McKee
Collana: Scrittura creativa
Editore: Omero
Titolo: Manuale di sceneggiatura cinematografica
Sottotitolo: Teoria e pratica
ISBN-10: 8860081416
ISBN-13: 9788860081414
Autore: Luca Aimeri
Collana: Collana di cinema
Editore: UTET
Titolo: La sceneggiatura
Sottotitolo: Il film sulla carta
ISBN-10: 8885838634
ISBN-13: 9788885838635
Autore: Syd Field
Collana: Istruzioni per l’uso
Editore: Lupetti
Titolo: Save the cat! Manuale di sceneggiatura
ISBN-10: 8896450195
ISBN-13: 9788896450192
Autore: Blake Snyder
Collana: Scrittura creativa
Editore: Omero
Titolo: Scriviamo un film – Manuale di sceneggiatura
ISBN-10: 884282058X
ISBN-13: 9788842820581
Autore: Age
Collana: La piccola cultura
Editore: Il Saggiatore
Titolo: Come scrivere una grande sceneggiatura
ISBN-10: 8875271518
ISBN-13: 9788875271510
Autore: Linda Seger
Collana: Manuali di Script
Editore: Audino
Titolo: L’arco di trasformazione del personaggio
ISBN-10: 887527018X
ISBN-13: 9788875270186
Autore: Dara Marks
Editore: Audino
Un testo a scelta tra i seguenti per approfondire argomento
I tre usi del coltello. Saggi e lezioni sul cinema
di David Mamet (Autore), F. Abbinante (Traduttore)
Consigli a un giovane scrittore
di Vincenzo Cerami
La sceneggiatura. Un testo dall'esistenza incerta
di Daniela Ceselli ( Le Lettere)

Altri testi David Howard, Dara Marks, Snider presenti in Biblioteca

Muovendo da un testo Isaiah Berlin sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

1) I. Berlin, Le radici del romanticismo, Milano, Adelphi, 2001

2) A. Breton, Nadja, Torino, Einaudi, 2007

3) V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2006 o 2019 (solo seconda metà)

Viaggiare, vedere, Novecento e oltre

a-b) due a scelta fra i seguenti testi o insiemi di testi:

Carlo Emilio Gadda, Verso la Certosa, Milano, Adelphi, 2013 + I viaggi la morte, Milano, Adelphi, 2023; oppure

Guido Piovene, Viaggio in Italia, Milano, Bompiani, 2017; oppure

Pier Paolo Pasolini, La lunga strada di sabbia, Roma, Contrasto, 2014 + Id., L’odore dell’India, Milano, Garzanti, 2015; oppure

Giorgio Manganelli, Esperimento con l’India, Milano, Adelphi, 1992 + Id., La favola pitagorica, Milano, Adelphi, 2005 + Id., L’isola pianeta, Milano, Adelphi, 2006; oppure

Goffredo Parise, Guerre politiche, Milano, Adelphi, 2007 + Id., L’eleganza è frigida, Milano, Adelphi, 2008 + Id., Lontano, Milano, Adelphi, 2015; oppure

Alberto Arbasino, America amore, Milano, Adelphi, 2011; oppure

Gianni Celati, Narratori delle pianure, Milano, Feltrinelli, 2018 + Id., Verso la foce, Milano, Feltrinelli, 2018 + Id., Avventure in Africa, Milano, Feltrinelli, 2011; oppure

Vitaliano Trevisan, Tristissimi giardini, Bari-Roma, Laterza, 2010 [oppure Id., Black Tulips, Torino, Einaudi Stile Libero 2022] + Antonella Anedda, Geografie, Milano, Garzanti, 2020 + Con gli occhi aperti, a cura di Andrea Cortellessa, Roma, Exòrma, 2016

c) Luigi Marfè, Oltre la «fine dei viaggi». I resoconti dell’altrove nella letteratura contemporanea, Firenze, Olschki 2009

d) per una contestualizzazione dei testi nella storia letteraria del Novecento: Giulio Ferroni, Storia della letteratura italiana, quarto volume: Il Novecento e il nuovo millennio, Milano, Mondadori Università, 2012

Nel corso verranno proposti , attraverso esempi tratti dalle maggiori esperienze dei teatri del Novecento, i processi di formazione e di creazione dei principi della vita scenica, con particolare attenzione alla costruzione del personaggio, alla composizione delle azioni fisiche e vocali, ai processi di composizione dello spettacolo teatrale.

TESTI PER L'ESAME: Materiali didattici a cura del docente (disponibili all’inizio del corso nel sito https://sites.google.com/com/site/stefanogeraci1);Vasilij Osipovič Toporkov ,Stanislavskij alle prove.Gli ultimi anni: il metodo delle azioni fisiche; Cuepress, 2022;L. Jouvet, Lezioni su Moliére, La casa Usher, 2023.
Per gli studenti non frequentanti, oltre il programma indicato, il seguente volume :V. Mejercol’d, L’attore biomeccanico, a.c. di F. Malcovati, Cuepress, 2020

Dopo l’esposizione di elementi teorici sulle fasi di realizzazione di un’opera audiovisiva (dalla pre-produzione alla post-produzione), suffragata dall’analisi di alcune sequenze tratte dalla storia del Cinema, gli studenti lavoreranno ad alcuni esercizi di laboratorio, misurandosi con le difficoltà proposte dalle varie fasi di produzione.

Non è previsto un testo di riferimento.

● 8 gennaio 2024
Scelta del punto di vista da adottare per raccontare il personaggio.
Come procedere nella stesura di una sceneggiatura-trattamento per il cinema
documentario ed esercitazioni con visione di estratti da una selezione di film documentari.
Le diverse metodologie da adottare per realizzare un film documentario rispetto ai soggetti
e alle loro storie: l’approccio più analitico di studio e conoscenza approfondita del
personaggio prima dell’inizio delle riprese e l’approccio più in presa diretta alla scoperta del
personaggio e della storia insieme alla telecamera. Esercitazioni a partire dalle storie
individuate dai partecipanti.
● 9 gennaio 2024
Sulla base del punto di vista adottato e del linguaggio utilizzato, scelta
dell'equipaggiamento tecnico di ripresa, del suono e della troupe necessaria per la
realizzazione del film documentario.
Tecniche di ripresa: formati, obiettivi, e accessori. Sono previste esercitazioni pratiche a
partire dalle logline inviate dagli studenti.
● 10 gennaio 2024
Riprese: macchina a mano, cavalletto e steadycam. Come, perché e quando usarli. Sono
previste esercitazioni pratiche.
Le scene, come impostare le riprese e perché. Tagli e inquadrature.
Le sequenze cinematografiche, come approcciarle e quale grammatica utilizzare. Scelte
espressive e scelte estetiche.
● 11 gennaio 2024
Il suono, tra riprese, montaggio e mix audio.
Il montaggio: cos'è e come affrontarlo. Dalla scelta e la messa in fila dei materiali, alla vera
e propria riscrittura e ricerca drammaturgia attraverso le immagini.
Post-produzione, musica, titoli ed effetti. L’importanza invisibile di un’accurata
finalizzazione. 

● 12 gennaio 2024
Riflessioni finali sui soggetti proposti dagli studenti e sulla scheda del progetto sviluppata
da ciascuno nel corso del laboratorio, in preparazione delle esercitazioni da realizzare in
vista dell’idoneità.

Il percorso prevede un breve excursus storico di film documentari per il cinema.

Si procederà poi a selezionare alcuni soggetti proposti dagli studenti su un tema scelto dal docente e dibattuto in aula.

I soggetti selezionati saranno realizzati in lavoro di gruppo o individuale.

Eventuali limiti di durata e ambientazione verranno comunicati dal docente ad inizio corso.

Limite massimo iscritti 30 persone.

Frequenza obbligatoria. Sono ammesse, escluse cause di forza maggiore, non più di due assenze.

Testi consigliati:

- Gianfranco Pannone. "È reale? Guida empatica del cinedocumentarista". Artdigiland, 2021.
- Lorenzo Hendel. "Il documentario narrativo. Come inventare una storia vera". Dino Audino. 2021.
- Simone Aleandri, Roberto Moliterni. "Fare un documentario. Scrivere, girare e produrre cinema del reale". Dino Audino. 2020.

Testi consigliati:

- Gianfranco Pannone. "È reale? Guida empatica del cinedocumentarista". Artdigiland, 2021.
- Lorenzo Hendel. "Il documentario narrativo. Come inventare una storia vera". Dino Audino. 2021.
- Simone Aleandri, Roberto Moliterni. "Fare un documentario. Scrivere, girare e produrre cinema del reale". Dino Audino. 2020.

Il corso si articolerà su due piani;

a) uno teorico, con i 2 modelli drammaturgici e cinematografici del corso:

- LA STRUTTURA IN TRE ATTI (che affonda nella psicologia freudiana)

- IL VIAGGIO DELL’EROE DI C. VOGLER (che affonda nella psicologia junghiana)

b) uno pratico, con esercitazioni, sul come si passa dall’IDEAZIONE, dallo SPUNTO che ha acceso l’IDEA iniziale, al SOGGETTO (che è L’IDEA STRUTTURATA, LA MESSA IN STORIA DELLO SPUNTO), alla SCALETTA (l’articolazione dei principali movimenti della drammaturgia, la definizione dei principali BLACCHI NARRATIVI), al TRATTAMENTO (l’ESPLORAZIONE a tutto testo dell’universo narrativo, più vicino al romanzo: dove accadono le scene? Cosa pensa il protagonista? Si indaga in profondità; i personaggi si oggettivano altro da noi: sono vivi e autonomi. Capiamo l’ORIZZONTE MENTALE DEI PERSONAGGI), alla SCENEGGIATURA (tutte le scene, scena per scena: ciò che vi accade, i personaggi, il suo senso. È il “LUOGO” dove si lavora propriamente alla definizione del film. Dialoghi, immagini, ritmo, psicologie dei personaggi, archi narrativi qui trovano il loro compimento prima delle riprese).

Chris Vogler, «Il viaggio dell'eroe», Dino Audino Editore, 2010.

Robert McKee, «Story», Omero Editore, 2010.

I temi principali trattati all’interno de corso riguarderanno:
• esame del mercato nazionale theatrical e delle dinamiche che lo muovono
• legislazione di finanziamenti per la distribuzione e l’esercizio
• l’esercizio cinematografico
• le OTT (Netflix, Amazon, Disney, ecc)
• organizzazione e strutturazione di un palinsesto televisivo
• l’identità e la funzione dei Festival di cinema
• il circuito alternativo dei circoli di cultura cinematografica
• nozioni di marketing e comunicazione

La bibliografia verrà fornita nel corso delle lezioni

1. Tutela giuridica dell'atto creativo. 2. Requisiti di tutela del prodotto intellettuale quale opera dell'ingegno. 3. Diritti patrimoniali d'autore: analisi dei diritti e delle caratteristiche principali. 4. Diritti morali d'autore: analisi dei diritti e delle caratteristiche principali. 5. Diritti d'autore e diritti connessi. 6. Autore ed artista interprete esecutore. 7. Opera cinematografica, opera musicale e opera teatrale. 8. L'editore musicale e il produttore di fonogrammi. 9. Il produttore cinematografico e dell'opera assimilata. 10. La commercializzazione dell'opera cinematografica e dell'opera assimilata. 11. L'impresario teatrale. 12. Analisi dei principali contratti del settore. 13. Gli enti mediatori del diritto d'autore e del diritto connesso.

Legislazione dello Spettacolo di A. Miccichè - Edizioni Artemide, limitatamente ai soli capitoli come di seguito indicato:

Capitoli e/o parti del libro da omettere:
cap. 5: omettere tutto; cap. 6: omettere tutto; cap. 7: studiare solo dal 7.1 al 7.10 omettere tutto il resto; cap. 8 omettere tutto; cap. 9: omettere tutto; cap. 10: omettere solo il 10.10 studiare tutto il resto; cap. 11: omettere solo l'11.6 studiare tutto il resto; cap. 13: omettere solo il 13.33 studiare tutto il resto; cap. 14: omettere solo il 14.25 e il 14.27 studiare tutto il resto; cap. 15: studiare solo il 15.1 e il 15.2 omettere tutto il resto; cap. 16: omettere solo il 16.19 e il 16.20 studiare tutto il resto.

Si intende che i capitoli non elencati vanno studiati per intero.

Viaggiare, vedere, Novecento e oltre

a-b) due a scelta fra i seguenti testi o insiemi di testi:

Carlo Emilio Gadda, Verso la Certosa, Milano, Adelphi, 2013 + I viaggi la morte, Milano, Adelphi, 2023; oppure

Guido Piovene, Viaggio in Italia, Milano, Bompiani, 2017; oppure

Pier Paolo Pasolini, La lunga strada di sabbia, Roma, Contrasto, 2014 + Id., L’odore dell’India, Milano, Garzanti, 2015; oppure

Giorgio Manganelli, Esperimento con l’India, Milano, Adelphi, 1992 + Id., La favola pitagorica, Milano, Adelphi, 2005 + Id., L’isola pianeta, Milano, Adelphi, 2006; oppure

Goffredo Parise, Guerre politiche, Milano, Adelphi, 2007 + Id., L’eleganza è frigida, Milano, Adelphi, 2008 + Id., Lontano, Milano, Adelphi, 2015; oppure

Alberto Arbasino, America amore, Milano, Adelphi, 2011; oppure

Gianni Celati, Narratori delle pianure, Milano, Feltrinelli, 2018 + Id., Verso la foce, Milano, Feltrinelli, 2018 + Id., Avventure in Africa, Milano, Feltrinelli, 2011; oppure

Vitaliano Trevisan, Tristissimi giardini, Bari-Roma, Laterza, 2010 [oppure Id., Black Tulips, Torino, Einaudi Stile Libero 2022] + Antonella Anedda, Geografie, Milano, Garzanti, 2020 + Con gli occhi aperti, a cura di Andrea Cortellessa, Roma, Exòrma, 2016

c) Luigi Marfè, Oltre la «fine dei viaggi». I resoconti dell’altrove nella letteratura contemporanea, Firenze, Olschki 2009

d) per una contestualizzazione dei testi nella storia letteraria del Novecento: Giulio Ferroni, Storia della letteratura italiana, quarto volume: Il Novecento e il nuovo millennio, Milano, Mondadori Università, 2012

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Ilaria Bonomi, Edoardo Buroni (2017), "La lingua dell'opera lirica", Bologna, il Mulino.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

Il corso seguirà un percorso cronologico attraverso la storia del cinema documentario attraverso alcune parole chiave. Il percorso storiografico strutturato in maniera cronologica si articolerà attraverso alcuni snodi tematici riguardanti soprattutto le questioni etiche (rappresentabilità o irrapresentabilità di alcuni aspetti del reale) in rapporto alla realtà di partenza e all’attore sociale, la questione performativa e autoriale del cinema documentario e la questione della recezione spettatoriale. La filmografia scelta segue un percorso esemplificativo sia dal punto di vista storico che tematico. La seconda parte del corso sarà di carattere monografico e sarà dedicata alla questione della voce nel cinema documentario.
Il corso prevede inoltre alcuni incontri con professionisti del settore documentario in modo tale da mettere gli studenti direttamente in contatto con le professioni del cinema.

Bibliografia:
Alma Mileto, La voce del reale. Il rapporto voce-immagine nel cinema documentario, Meltemi editore, collana "Cinema, arti e culture visive", 2023.

Dispense a cura della docente caricate su Moodle all’inizio del corso.

FILMOGRAFIA OBBLIGATORIA:

Robert Flaherty, Nanook of the North (1922)
Joris Ivens, Regen (1929)
Luis Bunûel, Las Hurdes (1936)
Joris Ivens, Terra di Spagna (1937)
Luciano Emmer, Racconto da un affresco (1938)
McAllister-Jannings, Listen to Britain (1942)
Vittorio De Seta, Lu tempu de li pisci spata (1954)
id. Parabola d'oro (1955)
id. Un giorno in Barbagia (1958)
Cecilia Mangini, Stendalì (1959)
id. Essere donne (1965)
Gian Franco Mingozzi, La Taranta (1962)
id. Li mali mestieri (1963)
Pier Paolo Pasolini, Appunti per un'Orestiade Africana (1970)
Chris Marker, Sans Soleil (1982)
Pietro Marcello, La bocca del lupo (2009)
Alina Marazzi, Un'ora sola ti vorrei (2012)

"California Dreamin'" -

Autobiografia di tutti, Gertrude Stein, 1937 (Edizione Nottetempo, 2017)

L’amore dell’ultimo milionario, Francis Scott Fitzgerald, 1941 (Edizione Minimum Fax, 2022)

"A Journey into the Mind of Watts", Thomas Pynchon, 1966

Verso Betlemme, Joan Didion, 1969 (Edizione Il Saggiatore, 2008)

Legami di sangue, Octavia Butler, 1979 (Edizione SUR, 2020)

The Beautiful Struggle, Ta-Nehisi Coates, 2008

"Autobiografia di tutti", Gertrude Stein, 1937 (Edizione Nottetempo, 2017)

"L’amore dell’ultimo milionario", Francis Scott Fitzgerald, 1941 (Edizione Minimum Fax, 2022)

"Verso Betlemme", Joan Didion, 1969 (Edizione Il Saggiatore, 2008)

"Legami di sangue", Octavia Butler, 1979 (Edizione SUR, 2020)

"The Beautiful Struggle", Ta-Nehisi Coates, 2008

Il corso è finalizzato a sviluppare competenze metodologiche nell’ambito delle scienze della comunicazione e socaili. La prima parte del corso prenderà in esame il framework metodologico per lo studio della cultura e della comunicazione.
Le principali tappe e strategie della ricerca sul campo, con particolare riguardo al metodo etnografico, saranno approfondite durante la seconda parte.

Wendy Griswold (2009), Un framework metodologico per lo studio della cultura, in M. Santoro, R. Sassatellin(a cura di), Studiare la cultura. Nuove prospettive sociologiche, Il Mulino, Bologna, pp. 253-285
Giampietro Gobo (2001), Descrivere il mondo. Teoria e pratica del metodo etnografico in sociologia, Carocci, Roma

Il corso mira a:
- fornire le nozioni fondamentali di fisica del suono e della luce;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura della luce, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura del suono, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde sonore, con particolare riferimento alla voce e agli strumenti musicali;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde luminose, con particolare riferimento alla luce artificiale;
- far comprendere i processi percettivi del suono e della luce in rapporto agli aspetti fisici e alla natura dell’orecchio e dell’occhio umano;
- illustrare i meccanismi alla base delle applicazioni tecniche del suono e della luce nel campo dello spettacolo.

Materiale fornito dal docente.

Il corso si propone di individuare ed analizzare le principali tendenze del racconto audiovisivo contemporaneo, affrontando gli immaginari egemonici tanto quanto i percorsi sovversivi proposti dal cinema e dalla serialità televisiva in Europa e negli Stati Uniti. Verranno affrontati soprattutto: il ruolo del postclassico e del postmoderno fra anni '80 e '90; il rapporto fra estetica, soggettività e identità di gender; gli scenari della globalizzazione e postcoloniali; la serialità televisiva complessa, il transmedia storytelling e la narrazione convergente.
Il syllabus con il programma definitivo del corso sarà pubblicato in prossimità dell'inizio del corso stesso.

Ilaria A. De Pascalis, a cura di, "Kathryn Bigelow", Marsilio, 2023
Antologia di saggi a cura della docente.
Il programma definitivo, completo di bibliografia e filmografia e di tutte le informazioni sul corso, sarà pubblicato in prossimità dell'inizio del corso.

Il corso mira a:
- fornire le nozioni fondamentali di fisica del suono e della luce;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura della luce, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura del suono, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde sonore, con particolare riferimento alla voce e agli strumenti musicali;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde luminose, con particolare riferimento alla luce artificiale;
- far comprendere i processi percettivi del suono e della luce in rapporto agli aspetti fisici e alla natura dell’orecchio e dell’occhio umano;
- illustrare i meccanismi alla base delle applicazioni tecniche del suono e della luce nel campo dello spettacolo.

Materiale fornito dal docente.

La prima parte del corso è dedicata a una rassegna delle principali prospettive teoriche attorno ai concetti di genere e sessualità, con particolare riguardo agli approcci del costruttivismo sociale, del femminismo intersezionale e dei queer studies.
La seconda parte intende rafforzare uno sguardo di genere sulle pratiche comunicative dei diversi ambienti mediali, con l’obiettivo di potenziare le capacità di analisi critica. Grazie ai laboratori didattici e a seminari con esperti accademici e non, gli studenti e le studentesse potranno analizzare differenti materiali e dispositivi mediatici sulla base di quanto appreso durante la prima parte del corso.

- D. Richardson (2015), Conceptualising Gender, in V. Robinson & D. Richardson (eds), Gender and Women’s Studies, Palgrave, pp. 3-22
- A. L. Tota (2008), Inquinamento visuale e sostenibilità dell'immaginario in A. L. Tota (a cura di), Gender e media. Verso un immaginario sostenibile, Meltemi, Milano, capitolo primo, pp. 15-38.
- A.L. Tota, A. De Feo, L. Luchetti (2023), Inquinamento visuale. Manifesto contro il razzismo e il sessismo delle immagini, Mondadori, Milano
- S. Capecchi (2014), Methodological problems in gender and media research, Qual Quant, 48, pp. 837–844.

Per gli studenti e le studentesse che hanno inserito nel piano di studi l'esame di Sociologia della pubblicità, il testo da studiare in sostituzione di A. L. Tota, A. De Feo, L. Luchetti (2023), Inquinamento visuale. Manifesto contro il razzismo e il sessismo delle immagini, Mondadori, Milano, è il seguente:
- Manolo Farci, Cosimo Marco Scarcelli (a cura di) (2022), Media digitali, genere e sessualità, Mondadori, Milano

Gli studenti potranno conoscere i temi più importanti del rapporto fra Etica ed Estetica attraverso l'analisi di alcuni passi delle opere di Platone, Aristotele, Bruno, Shakespeare, Kant, Hegel, Nietzsche, Heidegger, Blumenberg.
Approfondiranno il concetto di "pena" e "reinserimento sociale" del deviante, secondo l'art 27 della Costituzione della Repubblica Italiana.
Attraverso la visione di film e doc comprenderanno l'impatto dell'arte nel contesto penitenziario.
Parteciperanno alle prove teatrali presso il Teatro del Carcere di Rebibbia.

I passi dei testi saranno forniti in sede di Laboratorio

Organizzato come una situazione pedagogica mista che alterna la pratica scenica alla riflessione storica, il laboratorio ha l’obiettivo di fornire alcuni strumenti che conducono a raggiungere l’interezza della presenza attorale, fatta di corpo e voce. Particolare attenzione sarà rivolta all’ascolto e alla collaborazione di gruppo, che stanno alla base di ogni creazione teatrale.
Ma che cosa fanno un’attrice e un attore per prepararsi al loro lavoro? Se rivolgiamo la stessa domanda pensando a chi danza, immaginiamo ore di esercizi fisici, o a chi suona subito ci vengono in mente le scale e gli arpeggi. Nell’immaginario comune invece non è molto chiaro come si prepari chi recita, visto che solo apparentemente gli attori e le attrici agiscono in scena come nella vita quotidiana e di conseguenza sembrerebbero non aver bisogno di allenarsi per farlo. Il laboratorio si occuperà di sfatare questo tipo di cliché concentrandosi sull’allenamento necessario al compito attorale, attraversando ed esplorando territori legati a pratiche e a principi che trasversalmente appartengono a diverse discipline, e a differenti metodi e tradizioni, performative e non.
Immaginiamo la giornata composta da vari momenti che si susseguiranno pur mescolandosi: una prima parte di allenamento corporeo e vocale improntata a generare la presenza individuale e di gruppo necessaria al lavoro teatrale; un secondo momento di composizione e creazione sceniche partendo dai temi e dalle suggestioni testuali; una terza parte di lavoro sul testo in cui tutto il lavoro preparatorio andrà a confluire. Per ogni fase di questo percorso lo strumento di lavoro sarà il nostro corpo, fatto di articolazioni, muscoli e respiro. La composizione sarà quindi una somma di corpi e di voci, armoniche e/o dissonanti, che faranno da base corale all’emergere delle individualità.
Tramite un percorso di letture e di approfondimenti, durante il laboratorio si cercherà di radicare le pratiche e le tecniche dell’artigianato attorale nel campo degli studi storici teatrali.
Ogni giornata proporrà un percorso diverso per arrivare alle parole del testo, mescolando tecniche e modalità compositive, con l’intento di testare differenti approcci alla parola e alla creazione scenica.

Traduzione italiana del dramma di William Shakespeare, Macbeth nella versione curata da Alessandro Serpieri ed edita da Giunti nel 2004 (ISBN: 9788809033597) non più in commercio ma reperibile nelle biblioteche italiane consultando il sito dell’OPAC SBN (https://opac.sbn.it/). In alternativa si potrà leggere l’edizione successiva, sempre di Giunti, acquistabile ma priva dell’apparato introduttivo e di note (ISBN 9788809831391).

Il percorso prevede un breve excursus storico di film documentari per il cinema.

Si procederà poi a selezionare alcuni soggetti proposti dagli studenti su un tema scelto dal docente e dibattuto in aula.

I soggetti selezionati saranno realizzati in lavoro di gruppo o individuale.

Eventuali limiti di durata e ambientazione verranno comunicati dal docente ad inizio corso.

Limite massimo iscritti 30 persone.

Frequenza obbligatoria. Sono ammesse, escluse cause di forza maggiore, non più di due assenze.

Testi consigliati:

- Gianfranco Pannone. "È reale? Guida empatica del cinedocumentarista". Artdigiland, 2021.
- Lorenzo Hendel. "Il documentario narrativo. Come inventare una storia vera". Dino Audino. 2021.
- Simone Aleandri, Roberto Moliterni. "Fare un documentario. Scrivere, girare e produrre cinema del reale". Dino Audino. 2020.

Testi consigliati:

- Gianfranco Pannone. "È reale? Guida empatica del cinedocumentarista". Artdigiland, 2021.
- Lorenzo Hendel. "Il documentario narrativo. Come inventare una storia vera". Dino Audino. 2021.
- Simone Aleandri, Roberto Moliterni. "Fare un documentario. Scrivere, girare e produrre cinema del reale". Dino Audino. 2020.

I temi principali trattati all’interno de corso riguarderanno:
• esame del mercato nazionale theatrical e delle dinamiche che lo muovono
• legislazione di finanziamenti per la distribuzione e l’esercizio
• l’esercizio cinematografico
• le OTT (Netflix, Amazon, Disney, ecc)
• organizzazione e strutturazione di un palinsesto televisivo
• l’identità e la funzione dei Festival di cinema
• il circuito alternativo dei circoli di cultura cinematografica
• nozioni di marketing e comunicazione

La bibliografia verrà fornita nel corso delle lezioni

Il corso si articolerà su due piani;

a) uno teorico, con i 2 modelli drammaturgici e cinematografici del corso:

- LA STRUTTURA IN TRE ATTI (che affonda nella psicologia freudiana)

- IL VIAGGIO DELL’EROE DI C. VOGLER (che affonda nella psicologia junghiana)

b) uno pratico, con esercitazioni, sul come si passa dall’IDEAZIONE, dallo SPUNTO che ha acceso l’IDEA iniziale, al SOGGETTO (che è L’IDEA STRUTTURATA, LA MESSA IN STORIA DELLO SPUNTO), alla SCALETTA (l’articolazione dei principali movimenti della drammaturgia, la definizione dei principali BLACCHI NARRATIVI), al TRATTAMENTO (l’ESPLORAZIONE a tutto testo dell’universo narrativo, più vicino al romanzo: dove accadono le scene? Cosa pensa il protagonista? Si indaga in profondità; i personaggi si oggettivano altro da noi: sono vivi e autonomi. Capiamo l’ORIZZONTE MENTALE DEI PERSONAGGI), alla SCENEGGIATURA (tutte le scene, scena per scena: ciò che vi accade, i personaggi, il suo senso. È il “LUOGO” dove si lavora propriamente alla definizione del film. Dialoghi, immagini, ritmo, psicologie dei personaggi, archi narrativi qui trovano il loro compimento prima delle riprese).

Chris Vogler, «Il viaggio dell'eroe», Dino Audino Editore, 2010.

Robert McKee, «Story», Omero Editore, 2010.

Esercitazioni al computer per la creazione di brani musicali e l'elaborazione di suoni; esercitazioni sui fondamenti della teoria musicale

Selezione di saggi fornita dal docente durante il corso

Fin da quando la figura sociale del “teen-ager” si è configurata nel secondo dopoguerra, le culture giovanili si sono mostrate nella loro autonomia rispetto al mondo degli adulti e in una contrapposizione che solo di recente sembra essersi, almeno in parte, attenuata.
Con l’avvento degli studi culturali (“cultural studies”), cominciati in Gran Bretagna negli anni ’60, tali espressioni sono finite al centro dell’attenzione e della discussione di sociologi e studiosi di popular music per essere fortemente connotate in termini di costume e di musica.
Il corso intende fornire agli studenti gli strumenti teorici e metodologici per analizzare il senso e la natura delle culture giovanili a partire dalla loro genesi negli anni ’50 fino ai nostri giorni, nel loro talvolta conflittuale intreccio con lo sviluppo dei mass media che hanno contribuito a diffonderle e amplificarle.
Partendo dalla scena anglosassone, sia negli Stati Uniti che in Gran Bretagna, verranno quindi discussi i modi in cui le culture giovanili si sono imposte focalizzandosi in particolare sulle musiche a cui facevano riferimento. Particolare attenzione verrà data al contesto italiano, anch’esso profondamente e lungamente segnato dall’imporsi di scene musicali alternative che, a partire dagli anni ’60, hanno trovato nel rock, nella canzone d’autore, e successivamente nel rap, il loro veicolo privilegiato di comunicazione.

Chambers Iain, Ritmi urbani, Meltemi, Sesto San Giovanni 2018.
Alemanni Cesare, Rap, Minimum Fax, Roma 2019.

Il corso è finalizzato a sviluppare competenze metodologiche nell’ambito delle scienze della comunicazione e socaili. La prima parte del corso prenderà in esame il framework metodologico per lo studio della cultura e della comunicazione.
Le principali tappe e strategie della ricerca sul campo, con particolare riguardo al metodo etnografico, saranno approfondite durante la seconda parte.

Wendy Griswold (2009), Un framework metodologico per lo studio della cultura, in M. Santoro, R. Sassatellin(a cura di), Studiare la cultura. Nuove prospettive sociologiche, Il Mulino, Bologna, pp. 253-285
Giampietro Gobo (2001), Descrivere il mondo. Teoria e pratica del metodo etnografico in sociologia, Carocci, Roma

Il corso si rivolge al rapporto tra musica e immagine trattando dapprima alcuni aspetti dell’iconografia musicale, quindi concentrandosi sulle caratteristiche che tale rapporto assume nell’audiovisione, attraverso un rapido sguardo d’insieme, storico e analitico, sul ruolo della musica in ambito cinematografico. Assumendo la relazione tra teatro d’opera e immagine come tema principale del corso, inizialmente sarà dedicata attenzione al ruolo che le immagini possono avere nel teatro d’opera sui livelli della scenografia e della regia contemporanea, poi sarà sviluppato un approfondimento sul rapporto tra opera e cinema nel XX e nel XXI secolo.

1. Mercedes Viale Ferrero, Vedere Tosca, in La Tosca di Puccini e Casa Ricordi, a cura di Ilaria Narici, Milano, Ricordi, 2004

2. Gerardo Guccini, La regia lirica, livello contemporaneo della regia teatrale, «Il castello di Elsinore», 62, (2010), pp. 83-104

3. A colloquio con Luca Ronconi, a cura di Giuseppe di Leva, in Giacomo Puccini, Tosca, programma di sala, Milano, Teatro alla Scala, 1997, pp. 207-211

4. Sergio Miceli, Musica per film. Storia, estetica – analisi, tipologie, Milano-Lucca, Ricordi-LIM, 2009, pp. 833-911

5. Matteo Giuggioli, Le forme dell’opera nel cinema. Sull’impiego del cinematografico del “Trovatore” tra Gallone e Visconti, in La musica fra testo, performance e media. Forme e concetti dell’esperienza musicale, a cura di Alessandro Cecchi, Roma, NeoClassica, 2019, pp. 339-355

Finalità
Il corso intende offrire una conoscenza approfondita del quadro giuridico che regola il settore audiovisivo in Italia e in Europa e sui principi che ne sono alla base. Durante il corso verrà effettuata una ricognizione sugli attori istituzionali, sul sistema di sostegno alla filiera e verrà tracciata l’evoluzione legislativa nel nuovo contesto economico e tecnologico, alla luce del nuovo ecosistema digitale. Potranno essere invitati, alla presenza del docente, operatori del settore per illustrare casi studio e buone pratiche.
Agli studenti verranno forniti elementi e strumenti informativi tali da conoscere le procedure e l’assetto regolatorio di sostegno alle imprese e alle opere audiovisive.

Struttura del corso
Prima parte: il quadro comunitario che regola il cinema e dell’audiovisivo
1.1 La creazione del Mercato Unico Digitale e i principali dossier europei relativi all’audiovisivo
1.2 La Direttiva Servizi Media Audiovisivi e la Direttiva Copyright
1.3 Il programma comunitario Europa Creativa – Sotto programma Media
1.4 La convenzione europea delle coproduzioni e il Fondo di coproduzione Eurimages
1.5 La normativa in materia di aiuti di Stato. La Cinema Communications

Seconda parte: la disciplina del cinema e dell’audiovisivo: la Legge n. 220/2018 e i decreti attuativi
2.1 La Governance e le autorità competenti: quadro complessivo. Struttura, compiti e attribuzioni della Direzione Generale Cinema e Audiovisivo del MIC
2.2 La legge n.220 del 2016: genesi, obiettivi, linee strategiche di intervento e risorse
2.3 La legge n.220 del 2016: nazionalità, soggetti e opere beneficiarie
2.4 La legge n. 220 del 2016: i sostegni selettivi alla produzione e i contributi automatici
2.5 La legge n. 220 del 2016: il sistema dei crediti di imposta alla filiera audiovisiva
2.6. Il sostegno alla promozione; festival, premi, rassegne, cineteche, associazioni e sviluppo della cultura cinematografica e audiovisiva. I 5 enti vigilati (Cinecittà, CSC, Cineteca Bologna, Museo di Torino, Biennale Cinema)
2.7 La legge n. 220 del 2016: i piani straordinari per la digitalizzazione del patrimonio e per il potenziamento delle sale
2.8 Il Piano Nazionale Cinema e Immagini per la Scuola
2.9 Il rapporto Stato – Regioni e il riconoscimento delle Film Commission
2.10. Le tre riforme previste dalla Legge: tutela dei minori nel settore cinematografico e audiovisivo e la classificazione delle opere; promozione delle opere cinematografiche e audiovisive: gli obblighi di programmazione e di investimento a carico dei fornitori di servizi media audiovisivi; riforma del mercato del lavoro in materia cinematografica e audiovisiva.

Il materiale didattico sarà composto da dispense a cura del Professore, corredate da articoli, paper e documentazione normativa di approfondimento. Il materiale sarà caricato dal docente sul canale Teams del corso

Il programma si svolgerà attraverso lezioni frontali e incontri con professionisti del settore. Gli argomenti del corso toccano principalmente le seguenti aree tematiche:
- Il mercato audiovisivo europeo ed internazionale
- Elementi di economia del cinema e dell'audiovisivo
- La filiera cinematografica e audiovisiva: le varie fasi dallo sviluppo alla post-produzione
- Fonti di finanziamento pubbliche e private
- Modelli finanziari nella produzione audiovisiva
- Il settore della distribuzione e le strategie di marketing
- Il settore dell'esercizio

Economia, Management e Finanza dell'Impresa Cinematografica ed Audiovisiva
CELATA GIANDOMENICO
https://www.hoepli.it/autore/celata_giandomenico.html?autore=%5b%5bcelata+giandomenico%5d%5d&
Sul canale Teams saranno caricate dispense e materiali didattici a corredo del testo di esame

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Ilaria Bonomi, Edoardo Buroni (2017), "La lingua dell'opera lirica", Bologna, il Mulino.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

Percorso storico:
• Tra Rinascimento e Barocco: musica vocale sacra e profana; esordi della musica strumentale
• Il Seicento: la nuova musica vocale; luoghi e organici della musica strumentale; sviluppo degli strumenti musicali
• Tra Seicento e Settecento: lo sviluppo dell’orchestra, organici e prassi esecutiva; musica da chiesa e musica da camera
• Il pieno Settecento: evoluzione degli organici e delle tecniche strumentali; principali centri musicali europei (Parigi, Londra, Vienna) e istituzioni concertistiche; le professioni musicali
• L’Ottocento: attività concertistiche; i virtuosi e la nuova concezione di performance; dal compositore-esecutore all’esecutore-interprete; la Salonmusik e la performance dilettantistica
• Il Novecento: il repertorio dei “classici” e la vita concertistica; nuova musica e nuove modalità di performance; tecnologie del suono e performance
Approfondimento:
• Dal clavicembalo al pianoforte: evoluzione tecnologica e tecnico esecutiva; i compositori e gli interpreti

Musica e società, 2: Dal 1640 al 1830, a cura di Paolo Fabbri, Alessandro Roccatagliati e Paolo Russo, Lucca, LIM, 2019 (parti selezionate)
Musica e società, 3: dal 1830 al 2000, a cura di Virgilio Bernardoni e Paolo Fabbri, Lucca, LIM, 2016 (parti selezionate)
ANTHONY BAINES, Storia degli strumenti musicali, Milano, Rizzoli, Milano, Rizzoli, 1995 (parti selezionate)

Il corso ripercorre la storia della fotografia dalla sua invenzione alla contemporaneità, affrontando il medium fotografico sia nella sua declinazione artistica, sia in quanto pratica sociale. Si analizzeranno le origini ottocentesche del medium, la sua diffusione sempre più pervasiva in tutti gli ambiti della vita quotidiana, e le principali metamorfosi tecnologiche che ne hanno plasmato le sorti, fino alla transizione al digitale e l’utilizzo attuale nel contesto online. Tramite il riferimento ad alcune delle figure autoriali più importanti (da Talbot a Nadar, da Alfred Stieglitz a Henri Cartier-Bresson, da Saul Leiter a Letizia Battaglia) e tramite le riflessioni di alcuni studiosi fondamentali (Walter Benjamin, Roland Barthes, Susan Sontag, Allan Sekula e altri), si ragionerà sugli elementi da cui scaturisce la forza espressiva delle immagini fotografiche e sul tipo di coinvolgimento che esse possono mobilitare in noi.
In particolare, si investigherà la “street photography” quale peculiare tipo di pratica fotografica che si colloca trasversalmente rispetto ad una molteplicità di generi diversi (fotografia documentaria, architettonica, di moda e così via), e che proprio grazie alla sua natura ibrida può essere proficuamente adoperata per riflettere sul rapporto complesso tra fotografia e modernità. Lo studio dell’influenza esercitata dall’opera fotografica di Berenice Abbott sulla messa in scena di New York nel film “C’era una volta in America” di Sergio Leone ci porterà infine a riflettere sulla relazione tra l’immagine fissa e quella in movimento.

Il syllabus con il programma definitivo del corso sarà pubblicato in prossimità dell'inizio del corso stesso.

Lorenzo Marmo, "Street Photography. La modernità, New York, il cinema" (Mimesis, 2023).
Raccolta di saggi a cura del docente.

A partire da un quadro indicativo degli aspetti teorici e metodologici della storia delle culture alimentari, il corso intende orientare gli studenti sui fattori economici, culturali e sociali che hanno segnato l’immaginario e l’uso del cibo nell’età contemporanea.
La prima parte del corso (6 ore) introduce gli studenti agli aspetti teorici e metodologici della storia culturale e della storia delle culture materiali. La seconda parte del corso (6 ore) affronta i cambiamenti storici di lungo periodo dell’agricoltura in età contemporanea. La terza parte del corso (18 ore) si concentra sulla storia della cultura alimentare italiana con particolare riferimento alle culture alimentari mediterranee. La quarta parte del corso (18 ore) propone approfondimenti sulle relazioni culturali tra cibo e società: cibo e ambiente, cibo e diseguaglianze, cibo e diritto, cibo e religioni.

Principale testo di riferimento:

Alberto Capatti e Massimo Montanari, La cucina italiana. Storia di una cultura, Roma-Bari, Laterza 2017, 424 p., € 14,00.

Un libro a scelta tra:

Piero Bevilacqua, Il cibo e la terra. Agricoltura, ambiente e salute negli scenari del nuovo millennio, Roma, Donzelli, 2018, 215 pp., € 11,00.

Alberto De Bernardi, Il paese dei maccheroni. Storia sociale della pasta, Roma, Donzelli, 2019, 262 pp., € 30,00.

Massimo Montanari (a cura di), Cucina politica. Il linguaggio del cibo fra pratiche sociali e rappresentazioni ideologiche, Bari-Roma, Laterza, 2021, 328 pp., € 19,00

CONTROSTORIE DI UN’ITALIA PLURALE. NAPOLI E DINTORNI, DAI “FIGLI DELLA MADONNA” ALLE LOTTE DELLE “SECONDE GENERAZIONI”
Quando pensiamo alla Napoli raccontata dal cinema e dalle serie, pensiamo immediatamente a una napoletanità riconoscibile, una trama intessuta da alcuni luoghi dell’immaginario e da alcuni volti e autori di riferimento, da Totò ed Eduardo, passando per Massimo Troisi. Esiste però una Napoli negata, nascosta, subalterna, che porta le tracce vive di un passato di incontri, sopraffazioni, contaminazioni, che rinviano ai rapporti col Mediterraneo, con l’Africa ma anche con la blackness statunitense, dalla guerra di corsa al colonialismo, dalle migrazioni alla società multiculturale di oggi. Analizzeremo alcuni titoli che hanno in qualche modo contribuito a dare forma e visibilità a questa Napoli plurale, che si prolunga idealmente nel suo hinterland, dall’episodio napoletano di Paisà a Il vizio della speranza (Edoardo De Angelis, 2018), passando per Il nero (Giovanni Vento, 1967) che porta alla luce con una prospettiva antiessenzialista la condizione dei «figli neri della Madonna».

Filmografia indicativa (lista soggetta a revisione):
Raggio di luce, o Episodio della guerra di Tripoli (Cines, 1911)
Sulle orme dei nostri pionieri (Istituto Luce, 1936)
Scipione l’africano (Carmine Gallone, 1937)
Emigrantes (Aldo Fabrizi, 1949)
Angelo tra la folla (Leonardo De Mitri, 1950)
Akiko (Luigi Filippo D’Amico, 1961)
I due nemici (Guy Hamilton, 1961)
Il carabiniere a cavallo (Carlo Lizzani, 1961)
L’oro di Roma (Carlo Lizzani, 1961)
Faustina (Luigi Magni, 1968)
Appunti per un’Orestiade africana (Pier Paolo Pasolini, 1970)
Nell’anno del signore (Luigi Magni, 1970)
L’altra donna (Peter Del Monte, 1981)

Il corso intende fornire gli strumenti teorici e metodologici per un corretto inquadramento del fenomeno della popular music dalla sua genesi, contemporanea alla nascita della società industriale, fino ai nostri giorni. Partendo dalla stessa locuzione “popular music”, ne verrà innanzitutto chiarito il senso in rapporto all’uso italiano del termine “popolare” e delle altre parole che si utilizzano per questo tipo di musiche (“folk”, “tradizionale”, ecc.). Verrà successivamente indagato il contesto nel quale la popular music prende vita (urbanizzazione, sviluppo tecnologico, diffusione dei mass media) per poi seguirne la storia lungo tutto il ‘900 e i primi anni 2000 in rapporto alla tradizione classica, al jazz e alle musiche folkloriche. Dato il carattere multidimensionale dell’oggetto, il corso propone l’utilizzo di una prospettiva pluridisciplinare, facendo necessariamente ricorso non solo a strumenti di natura musicologica ed etnomusicologica ma anche di tipo antropologico e sociologico.
Il programma, tramite l’uso di contributi audio e video (nonché di oggetti materiali come mappe, dischi e spartiti), prevede lo studio dei diversi generi che compongono la popular music, tanto in occidente quanto nel resto del mondo, e dei luoghi in cui essi hanno preso vita (teatri, café-chantant, cabaret). Verrà poi discusso il rapporto tra oralità e scrittura, l’avvento dell’editoria musicale, della discografia, dell’uso del microfono, dell’elettrificazione degli strumenti, dell’amplificazione, dell’utilizzo creativo dello studio di registrazione, del rapporto tra musica e rumore e di tutto ciò che ha contribuito a definire la popular music nel mondo moderno e contemporaneo. Grande spazio verrà dato all’irruzione dei generi afroamericani, con le loro peculiari dinamiche (e il loro lessico: swing, groove, riff, ecc.) e all’influenza che essi hanno avuto sul rock (genere, quest’ultimo, che verrà particolarmente analizzato in dettaglio anche nella sua componente spettacolare). Verrà poi diffusamente trattato il folk revival nelle sue declinazioni nazionali e la sua evoluzione nella world music. Ampio spazio sarà poi dato alla storia della canzone italiana e alla “rottura” provocata dal fenomeno dei cantautori.

Basciano Fabrizio, Manuale di storia della popular music e del jazz, Volonté & Co. 2024.
(in alternativa, Fabbri Franco, Storia della popular music, Utet, Torino 2016).
Mignogna Dino, La musica possibile, Arcana, Roma 2022.

Il laboratorio sarà incentrato sull'elaborazione di prodotti audiovisivi realizzati con lo smartphone.

Nessuno. Il workshop è di natura essenzialmente pratica.

IL corso è strutturato in 3 momenti:
a) la parte teorica sulle scelte linguistiche, visive e l'idea di cinema - (dall'idea al soggetto fino alla stesura delle prime scene della sceneggiatura);
b) la visione di modelli narrativi cinematografici classici, innovativi e irregolari (regia, scelte visive, campi e piani, grammatica filmica);
c) la prova pratica nella realizzazione di un incipit di una storia cinematografica (cortometraggio, trailer, teaser da realizzare con dispositivi digitali macchina fotografica, camcorder e smartphone).
Il principio primario del memento creativo sarà la libertà dell'autore nelle scelte narrative, nella struttura del racconto e nelle scelte visive.

Testi vivamente consigliati:
A.Bazin - Cos'è il cinema. Garzanti

Il laboratorio intende fornire una panoramica di quelle che sono le fasi della post-produzione audiovisiva, dall'acquisizione del materiale alla finalizzazione del prodotto, passando per la sua elaborazione, con un focus particolare sul ruolo del coordinatore della post-produzione e sulla gestione di un flusso di lavoro produttivo, che coinvolge figure professionali come quella del montatore, del colorist, del vfx artist e del sound designer.

Parallelamente il laboratorio intende fornire, principalmente attraverso l'utilizzo del software dedicato Blackmagic DaVinci Resolve, nozioni tecniche sui seguenti argomenti:

- spoglio tecnico di una sceneggiatura per i reparti di post-produzione;
- acquisizione e archiviazione del materiale;
- impostazione del progetto e creazione dei proxy;
- editing video;
- color correction e color grading;
- compositing;
- motion graphics;
- sound editing;
- finalizzazione e export del prodotto.

In considerazione della natura del laboratorio non sono previsti testi di riferimento.

- L'INDUSTRIA CULTURALE
- LE PROFESSIONI DELLA MUSICA E DELL'AUDIOVISIVO
- ANALISI DELLA PROPRIA IDENTITA' ARTISTICA
- SWOT ANALYSIS
- MARKETING PLAN
- TIME MANAGEMENT
- STRATEGIE DI PROMOZIONE
- NUOVI MEDIA E GIORNALISMO
- COMMUNICATION PLAN
- SOCIAL MANAGEMENT
- CREAZIONE DEL PORTFOLIO (BIO, FOTO, CV, VIDEO, ETC.)
- CASE STUDIES
- PR
- BUSINESS PLAN

Ayroldi, A. [con il contributo di Fiorenza Gherardi de Candei, Sabrina Pecoraro] (2023). Fatti e Misfatti dell’industria musicale italiana. Roma: Arcana

Muovendo da un testo Isaiah Berlin sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

1) I. Berlin, Le radici del romanticismo, Milano, Adelphi, 2001

2) A. Breton, Nadja, Torino, Einaudi, 2007

3) V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2006 o 2019 (solo seconda metà)

Il laboratorio intende fornire una panoramica di quelle che sono le fasi della post-produzione audiovisiva, dall'acquisizione del materiale alla finalizzazione del prodotto, passando per la sua elaborazione, con un focus particolare sul ruolo del coordinatore della post-produzione e sulla gestione di un flusso di lavoro produttivo, che coinvolge figure professionali come quella del montatore, del colorist, del vfx artist e del sound designer.

Parallelamente il laboratorio intende fornire, principalmente attraverso l'utilizzo del software dedicato Blackmagic DaVinci Resolve, nozioni tecniche sui seguenti argomenti:

- spoglio tecnico di una sceneggiatura per i reparti di post-produzione;
- acquisizione e archiviazione del materiale;
- impostazione del progetto e creazione dei proxy;
- editing video;
- color correction e color grading;
- compositing;
- motion graphics;
- sound editing;
- finalizzazione e export del prodotto.

In considerazione della natura del laboratorio non sono previsti testi di riferimento.

- L'INDUSTRIA CULTURALE
- LE PROFESSIONI DELLA MUSICA E DELL'AUDIOVISIVO
- ANALISI DELLA PROPRIA IDENTITA' ARTISTICA
- SWOT ANALYSIS
- MARKETING PLAN
- TIME MANAGEMENT
- STRATEGIE DI PROMOZIONE
- NUOVI MEDIA E GIORNALISMO
- COMMUNICATION PLAN
- SOCIAL MANAGEMENT
- CREAZIONE DEL PORTFOLIO (BIO, FOTO, CV, VIDEO, ETC.)
- CASE STUDIES
- PR
- BUSINESS PLAN

Ayroldi, A. [con il contributo di Fiorenza Gherardi de Candei, Sabrina Pecoraro] (2023). Fatti e Misfatti dell’industria musicale italiana. Roma: Arcana

Muovendo da un testo Isaiah Berlin sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

1) I. Berlin, Le radici del romanticismo, Milano, Adelphi, 2001

2) A. Breton, Nadja, Torino, Einaudi, 2007

3) V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2006 o 2019 (solo seconda metà)

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Ilaria Bonomi, Edoardo Buroni (2017), "La lingua dell'opera lirica", Bologna, il Mulino.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

Il corso prende in esame il rapporto tra l’arte del movimento e il movimento delle immagini, esplorando il dialogo tra il linguaggio della danza e quello del video nella gamma di relazioni che vanno dalla documentazione alla creazione artistica, dalla danza nel film alle immagini come elemento drammaturgico. Nell’arco cronologico che va dalla seconda metà del Novecento fino alle esperienze contemporanee, il modulo si basa sulla visione, l’analisi, il commento e lo studio dei principali casi di danza in video.

Nel corso delle lezioni video e materiali d’archivio saranno proiettati e, laddove possibile, messi a disposizione degli studenti. Verrà fornita la videografia completa durante il corso.

Testi per l’esame:
- Alessandro Amaducci, Screendance. Sperimentazioni visive intorno al corpo tra film, video e computer grafica, Kaplan, Torino 2020
- Dispense a cura della docente

Il corso prende in esame il rapporto tra l’arte del movimento e il movimento delle immagini, esplorando il dialogo tra il linguaggio della danza e quello del video nella gamma di relazioni che vanno dalla documentazione alla creazione artistica, dalla danza nel film alle immagini come elemento drammaturgico. Nell’arco cronologico che va dalla seconda metà del Novecento fino alle esperienze contemporanee, il modulo si basa sulla visione, l’analisi, il commento e lo studio dei principali casi di danza in video.

Nel corso delle lezioni video e materiali d’archivio saranno proiettati e, laddove possibile, messi a disposizione degli studenti. Verrà fornita la videografia completa durante il corso.

Testi per l’esame:
- Alessandro Amaducci, Screendance. Sperimentazioni visive intorno al corpo tra film, video e computer grafica, Kaplan, Torino 2020
- Dispense a cura della docente

studio di programmi di Montaggio con particolare attenzione alla suite di DaVinci Resolve

Dispense a cura del docente

Si offre un profilo sul sonoro nell'audiovisivo, trattandone questioni storiche, teoriche, analitiche, tecnologiche e produttive. Si illustra più specificamente il processo di sonorizzazione di un prodotto audiovisivo (film, TV, spot, ecc.) nelle sue varie fasi e tecniche (ideazione, produzione, postproduzione, registrazione, montaggio, missaggio). Si stimolano gli/le studenti/esse a compiere un lavoro creativo (con esercitazioni in aula) e si forniscono nozioni utili a scegliere quali suoni inserire nel filmato, ottenerli, crearli, montarli e missarli. Si pone particolare attenzione alle modalità con cui il suono può contribuire all'impianto formale complessivo dell'opera e alla veicolazione di significato, nonché alle sue interrelazioni con la sfera narrativa. Si ragiona sul tema dello stile sonoro e sulle relative pratiche, in particolare nel contesto della circolazione e della fruizione di prodotti audio e audiovisivi nel web.

TESTI CONSIGLIATI, FACOLTATIVI

Valerio Sbravatti, "La cognizione dello spazio sonoro filmico. Un approccio neurofilmologico", Bulzoni, Roma 2019.

Simone Corelli, Stefano Mainetti, Gilberto Martinelli, "Dialoghi, Musica, Effetti: il Suono nell'Audiovisivo", Lambda, Roma 2021.