Dalla grammatica cartesiana alla pragmatica del linguaggio

Il corso si propone di affrontare uno dei temi classici della filosofia del linguaggio: il dibattito tra i modelli che si ispirano alla tradizione cartesiana-razionalista e le prospettive teoriche che, facendo riferimento ai reali contesti d'uso del linguaggio, promuovono una visione fondata sugli aspetti pragmatici della comunicazione umana. L'obiettivo del corso è mostrare come tale dibattito abbia ripercussioni importanti sul tema della natura umana.

- Berwick, R. ,Chomsky N. (2016) Perché solo noi: Linguaggio ed evoluzione. Torino: Bollati Boringhieri.
- Tomasello M. (2014) Unicamente Umano: storia naturale del pensiero. Bologna: Il Mulino

Vedere, Pasolini

a) Pier Paolo Pasolini, La Divina Mimesis, Milano, Mondadori, 2019

b) Pier Paolo Pasolini, Petrolio, a cura di Walter Siti, Milano, Garzanti, 2022

c) Marco Antonio Bazzocchi, Alfabeto Pasolini, Roma, Carocci, 2022

d) Vedere, Pasolini, a cura di Andrea Cortellessa e Silvia De Laude, Vicenza, Ronzani, 2022; oppure Andrea Cortellessa, Una ragione in più per andare all’Inferno. Vedere, Pasolini, in corso di pubblicazione; oppure Marco Belpoliti, Pasolini e il suo doppio, Milano, Guanda, 2022

e) per una contestualizzazione dei testi nella storia letteraria del Novecento:
Giulio Ferroni, Storia della letteratura italiana, quarto volume: Il Novecento e il nuovo millennio, Milano, Mondadori Università, 2012

Muovendo da un testo Isaiah Berlin sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

I. Berlin, Le radici del romanticismo, Milano, Adelphi, 2001
A. Breton, Nadja, Torino, Einaudi, 2007
V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2019

MODERNITÀ PLURALE

Il corso introduce agli sviluppi storici e alle personalità cruciali delle arti visive della modernità – dalle avanguardie moderniste fino agli anni Sessanta del XX secolo –, mettendo a fuoco temi come la relazione con la tecnica e i nuovi media (fotografia, cinema, televisione), il contesto politico e sociale, con gli spazi naturali e urbani, ecc. L’analisi di queste tematiche fornirà altresì la metodologia di base per lo studio dei diversi media e linguaggi che caratterizzano l’arte del Novecento, fornendo gli strumenti critici indispensabili alla lettura di diverse tipologie di opere d’arte.

Federica Rovati, L’arte del primo Novecento, Einaudi 2015
Stephen Kern, Il tempo e lo spazio, Il Mulino 2007: capitoli 4: Il futuro; 5: La velocità; 6: La natura dello spazio, pp. 117-226
Philippe Dubois, L'atto fotografico, Urbino 2009, pp. 25-108
Jonathan Crary, Le tecniche dell'osservatore. Visione e modernità nel XIX secolo, Einaudi 2013, capitolo 2, pp. 29-70; capitolo 4, pp. 102-142

Il corso intende ripercorrere le relazioni tra l’oggetto artistico e l’ambiente dalle avanguardie storiche alla contemporaneità, in un confronto metodologico tra storia, teoria dell’arte e visual studies.
A partire dalla messa in questione della cornice in pittura e del piedistallo in scultura, si approfondirà il passaggio dall’oggetto all’environment, la fuoriuscita dell’intervento artistico dagli spazi preposti dell’arte nella natura e nello spazio pubblico – dalla Land Arte alle diverse pratiche di partecipazione sociale – sino ad arrivare ad analizzare installazioni e ambienti immersivi che producono esperienze fisiche avvolgenti e interattive grazie all’utilizzo delle nuove tecnologie.
Saranno messe a fuoco genealogie e questioni teoriche utili a inquadrare:
- problematiche connesse alla temporalizzazione e alla dematerializzazione dell’opera nelle installazioni time e site specific;
- la mostra stessa come dispositivo immerso, con la trattazione di momenti storici cruciali quali ad esempio le esposizioni surrealiste o le mostre "Lo spazio dell’immagine" (Foligno, Palazzo Trinci, 1967) e "Ambiente Arte. Dal Futurismo alla Body Art", a cura di Germano Celant (Biennale di Venezia 1976);
- la dimensione della spettatorialità nel passaggio dalla fruizione contemplativa alla partecipazione e interazione multisensoriale.

1) D. Riout, L’arte del ventesimo secolo. Protagonisti, temi, correnti, Einaudi, Torino 2002

2) F. Poli, F. Bernardelli, Mettere in scena l’arte contemporanea. Dallo spazio dell’opera allo spazio intorno all’opera, Johan & Levi, Milano 2016

3) Dispensa di testi critici che sarà messa a disposizione a fine del corso.

4) Raccolta online delle immagini proiettate a lezione (disponibile a fine del corso per i frequentanti e non frequentanti)

I non frequentanti integreranno con

5) F. Rovati, L’arte del primo Novecento, Einaudi, Torino 2015.

Muovendo da un testo Isaiah Berlin sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

I. Berlin, Le radici del romanticismo, Milano, Adelphi, 2001
A. Breton, Nadja, Torino, Einaudi, 2007
V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2019

- Le fonti e i princípi del diritto dello spettacolo.
- I soggetti che operano nel mondo dello spettacolo.
- L’oggetto della tutela e la nozione giuridica di arte.
- Artisti e diritto del lavoro.
- L’organizzazione del mercato dello spettacolo e gli incentivi economici per il settore.
- La contrattualistica nel settore cinematografico.
- La contrattualistica per gli artisti di teatro.
- La contrattualistica del mercato discografico.
- La tutela del diritto d’autore.
- Il diritto di autore e la tutela degli artisti nel settore delle nuove tecnologie.

F. DELL'AVERSANA (a cura di), Manuale di diritto delle arti e dello spettacolo, 2a edizione, PM Edizioni, Roma, 2020 (disponibile anche in e-book), limitatamente ai seguenti Capitoli: I, II, III, IV, V, IX, X, XIII, XVI.

L'affettività tra filosofia, psicologia e scienze cognitive

Il corso prenderà in esame il tema dell’affettività attraverso l’analisi di alcuni testi classici della letteratura filosofica sulle passioni e alcune più recenti teorie scientifiche sulle emozioni. Si cercherà di indagare i nodi problematici riguardo alla determinazione della dimensione affettiva da una prospettiva interdisciplinare che intreccia filosofia, psicologia e scienze cognitive.

Modulo A (6 CFU)
Il programma del Modulo A verterà sui seguenti argomenti:
- Introduzione ai significati storico-teoretici delle nozioni di passione ed emozione
- Esposizione della teoria cartesiana delle passioni
- Esposizione della trattazione humeana delle passioni
- Analisi del tema dell’affettività nel pensiero filosofico

TESTI ADOTTATI

Modulo A

R. Cartesio, Le passioni dell’anima, Bompiani 2003
D. Hume, Trattato sulla natura umana, Laterza 2008, pp. 289-476
G. Baggio, G. Quinzi (a cura di), Pensare l’affettività, Rosenberg & Sellier 2021 [Introduzione, capitoli 1-3]
Materiale del docente

Testi consigliati

G. Mori, Cartesio, Carocci 2010
A. Santucci, Introduzione a Hume, Laterza 2005

Introduzione generale. Gli elementi fondamentali. Metodi e tecniche. Il lavoro di campo.
Attualità dell’antropologia: chi sono gli altri; migrazioni; le società tradizionali; le società e le culture nel mondo globalizzato.
Un corso di formazione primaria utile a insegnanti, docenti, operatori sociali.

Lo studente sarà messo a confronto con dei casi studio da approfondire e analizzare.

Ugo Fabietti, Vincenzo Matera, Etnografie. Scritture e rappresentazioni dell’antropologia, Carocci.

Il corso intende fornire un panorama delle principali questioni di cultura visuale nella prospettiva dell’estetica del cinema e dei media. In particolare, si prenderanno in considerazione sia autori e tendenze storicamente rilevanti, sia metodologie e problemi più recenti.
Il programma del corso sarà articolato in due tappe ideali. Nella prima si prenderanno in considerazione i principali temi della cultura visuale dal Novecento a oggi. Nella seconda parte si affronterà il lavoro di Stanley Kubrick, soprattutto per ciò che riguarda l’estetica del visivo.

1) Barbara Grespi, Luca Malavasi, *Dalla parte delle immagini. Temi di cultura visuale*, McGraw Hill, Milano 2022
2) Enrico Carocci (a cura di), *Stanley Kubrick*, Marsilio, Venezia 2019
3) Antologia di saggi a cura del docente (dispensa cartacea disponibile presso la copisteria CLP di Via Giulio Rocco, 9, Roma)

Il corso affronta i processi e le principali problematiche dell’età contemporanea e alcuni aspetti di metodo della ricerca storica, con particolare riferimento alla funzione e all’uso delle nuove fonti. La parte conclusiva è dedicata alla Storia dell'Italia repubblicana.
La prima parte del corso (6 ore) introduce gli studenti al significato della conoscenza storica, all’uso pubblico della storia, al valore della memoria sociale e alle periodizzazioni. La seconda parte del corso (6 ore) delinea i cambiamenti storici che conducono all’età contemporanea: la creazione dello Stato-nazione, le rivoluzioni industriali, la struttura sociale, la “globalizzazione”. La terza parte del corso (22 ore) si concentra sui quattro periodi affrontati: il laboratorio dell’età contemporanea (1870-1914), l’età della catastrofe (1914-1945), l’età d’oro del capitalismo (1945-1968) e l’età della transizione (1968-1991). La parte conclusiva (6 ore) è dedicata alla Storia dei diritti umani.

- Manuale di storia contemporanea, uno a scelta:

per gli studenti con scarse basi scolastiche:
G. Monina, F. Motta, S. Pavone, E. Taviani, "Processo Storico", vol. 3, "Dal Novecento a oggi", Torino, Loescher Editore, 2017, p. 740, € 32,90

per gli studenti con basi scolastiche più solide:
L. Caracciolo, A. Roccucci, "Storia contemporanea. Dal mondo europeo al mondo senza centro (1848-2016)", Milano, Mondadori education, 2017, pp. 800, € 38,00

Testo monografico:
G. Monina, "Diritti umani e diritti dei popoli. Il Tribunale Russel II e i regimi militari latinomamericani (1971-1976)", Roma, Carocci, 2020, € 26,00

Vedere, Pasolini

a) Pier Paolo Pasolini, La Divina Mimesis, Milano, Mondadori, 2019

b) Pier Paolo Pasolini, Petrolio, a cura di Walter Siti, Milano, Garzanti, 2022

c) Marco Antonio Bazzocchi, Alfabeto Pasolini, Roma, Carocci, 2022

d) Vedere, Pasolini, a cura di Andrea Cortellessa e Silvia De Laude, Vicenza, Ronzani, 2022; oppure Andrea Cortellessa, Una ragione in più per andare all’Inferno. Vedere, Pasolini, in corso di pubblicazione; oppure Marco Belpoliti, Pasolini e il suo doppio, Milano, Guanda, 2022

e) per una contestualizzazione dei testi nella storia letteraria del Novecento:
Giulio Ferroni, Storia della letteratura italiana, quarto volume: Il Novecento e il nuovo millennio, Milano, Mondadori Università, 2012

l laboratorio intende sviluppare capacità imprenditoriali per la costituzione di nuove attività culturali e di spettacolo. Durante il laboratorio verranno illustrati i sistemi di funzionamento di una impresa culturale, dal punto di visto giuridico, delle norme del lavoro e degli obblighi contrattuali, relativamente allo spettacolo dal vivo, anche in relazione con altri ambiti della produzione culturale. Durante le lezioni viene inoltre disaminata la tecnica di redazione del progetto, con particolare attenzione allo sviluppo di capacità di reperimento delle risorse pubbliche e private. E’ prevista la stesura di un progetto, organizzando gruppi di lavoro, che saranno seguiti dal docente con l’obiettivo che gli studenti esplorino la fattibilità e sostenibilità di una propria idea imprenditoriale nella sua dimensione di mercato, organizzativa, economica, riguardo progetti di nuove imprese teatrali o culturali o di spettacolo, oppure di azioni di rilancio di realtà esistenti.

Testo a supporto.
Lucio Argano, Alessandro Bollo, Paolo Dalla Sega “Organizzare eventi culturali. Ideazione, progettazione e gestione strategica del pubblico” Franco Angeli 2017
Dispense: saranno fornite dal docente durante il corso

Il corso affronta i processi e le principali problematiche dell’età contemporanea e alcuni aspetti di metodo della ricerca storica, con particolare riferimento alla funzione e all’uso delle nuove fonti. La parte conclusiva è dedicata alla Storia dell'Italia repubblicana.
La prima parte del corso (6 ore) introduce gli studenti al significato della conoscenza storica, all’uso pubblico della storia, al valore della memoria sociale e alle periodizzazioni. La seconda parte del corso (6 ore) delinea i cambiamenti storici che conducono all’età contemporanea: la creazione dello Stato-nazione, le rivoluzioni industriali, la struttura sociale, la “globalizzazione”. La terza parte del corso (22 ore) si concentra sui quattro periodi affrontati: il laboratorio dell’età contemporanea (1870-1914), l’età della catastrofe (1914-1945), l’età d’oro del capitalismo (1945-1968) e l’età della transizione (1968-1991). La parte conclusiva (6 ore) è dedicata alla Storia dei diritti umani.

- Manuale di storia contemporanea, uno a scelta:

per gli studenti con scarse basi scolastiche:
G. Monina, F. Motta, S. Pavone, E. Taviani, "Processo Storico", vol. 3, "Dal Novecento a oggi", Torino, Loescher Editore, 2017, p. 740, € 32,90

per gli studenti con basi scolastiche più solide:
L. Caracciolo, A. Roccucci, "Storia contemporanea. Dal mondo europeo al mondo senza centro (1848-2016)", Milano, Mondadori education, 2017, pp. 800, € 38,00

Testo monografico:
G. Monina, "Diritti umani e diritti dei popoli. Il Tribunale Russel II e i regimi militari latinomamericani (1971-1976)", Roma, Carocci, 2020, € 26,00

Verranno presi in esame e analizzati criticamente i principali fenomeni e snodi della storia europea tra la fine del XV e la prima metà del XIX secolo, anche nella fondamentale dimensione dei rapporti con le altre culture e civiltà.

Manuale di riferimento: Carlo Capra, Storia moderna 1492-1848, Firenze, Le Monnier Università, 2021.
Testo di introduzione alla disciplina: Paolo Prodi, La storia moderna, Bologna, Il Mulino, 2005.

Il corso mira a:
- fornire le nozioni fondamentali di fisica del suono e della luce;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura della luce, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura del suono, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde sonore, con particolare riferimento alla voce e agli strumenti musicali;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde luminose, con particolare riferimento alla luce artificiale;
- far comprendere i processi percettivi del suono e della luce in rapporto agli aspetti fisici e alla natura dell’orecchio e dell’occhio umano;
- illustrare i meccanismi alla base delle applicazioni tecniche del suono e della luce nel campo dello spettacolo.

Materiale fornito dal docente.

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Ilaria Bonomi, Edoardo Buroni (2017), "La lingua dell'opera lirica", Bologna, il Mulino.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

Pittura e scultura in Italia dal 1401 al 1519 ca (6 CFU).

Il corso è rivolto agli studenti della Laurea Triennale ed intende offrire i lineamenti dello sviluppo della storia dell'arte italiana dal principio del Quattrocento alla morte di Leonardo da Vinci, attraverso l'analisi dell'opera dei principali artisti attivi in questi secoli in Italia, e dei linguaggi pittorici cui diedero vita. Prima di frequentare il corso può essere utile avere sostenuto l'esame di Storia dell'Arte Medioevale.
Il metodo di studio privilegerà la lettura storica e stilistica dell’oggetto d’arte, è dunque essenziale una conoscenza visiva delle opere dei singoli artisti.
Il corso prevede alcune lezioni introduttive sulla metodologia dello studio della storia dell'arte e su alcune tematiche di carattere generale (per esempio la periodizzazione della storia dell'arte, l'uso di categorie storico critiche quali il concetto di Rinascimento e di Barocco legate allo stile, e così via).
Il corso prevede inoltre approfondimenti sul percorso dei singoli artisti e sugli snodi stilistici fondamentali della storia dell'arte nel periodo preso in esame. Ogni anno tali approfondimenti possono variare.
Per seguire il corso e per la preparazione dell'esame, ci si potrà servire della lettura e dello studio del manuale consigliato. Esso è però da considerarsi soltanto un primo approccio agli argomenti trattati nel corso, durante il quale verrà offerta una bibliografia specifica sui singoli temi affrontati. Il manuale andrà integrato con la conoscenza delle opere dei singoli artisti per le quali durante le lezioni sarà fornita una bibliografia, esse sono visibili inoltre sui siti web che saranno indicati (in particolare www.wga.hu). Le lezioni videoregistrate saranno presenti soltanto una settimana sulla piattaforma Teams (Team Storia dell’Arte Moderna 2021-2022) dove saranno caricate anche le slides. Ancora più importante è il contatto diretto con l’opera e il monumento: al corso saranno indicati i monumenti romani la cui visita è obbligatoria prima di sostenere l’esame. A metà e alla fine del corso i frequentanti avranno la possibilità di sostenere un esonero scritto che verrà considerato parte integrante dell’esame finale. Per i non frequentanti non è previsto lo studio di testi aggiuntivi, ma è obbligatoria la conoscenza degli argomenti svolti durante il corso ed è dunque indispensabile procurarsi le slides che saranno disponibili sulla piattaforma Microsoft Teams, Team Storia dell’Arte Moderna 2021-2022.
Chi porta l'esame da 6 CFU (studenti di storia, ad esempio) potrà portare il programma dell'esame dal 1400 al 1519 ca. e leggere uno dei testi consigliati inclusi in bibliografia.

1) Manuale consigliato:

S. Settis – T. Montanari, Arte. Una storia naturale e civile. Dal Quattrocento alla Controriforma (vol. 3), Mondadori Editore
https://www.libreriauniversitaria.it/arte-storia-naturale-civile-licei/libro/9788828616450


2) Almeno uno dei seguenti testi:
1. M. Baxandall, Pittura ed esperienze sociali nell’Italia del Quattrocento, Torino, Einaudi 1978.

2. A. De Marchi, La pala d’altare. Dal polittico alla pala quadra, Firenze, Art & libri, 2012.

3. A. Pinelli, La bella maniera. Artisti del Cinquecento tra regola e licenza, Torino, Einaudi 2003.

4. E. Panofsky, Studi di iconologia. I temi umanistici nell’arte del Rinascimento, ed. italiana Torino, Einaudi 2009.

5. F. Zeri, Pittura e controriforma. L’arte senza tempo di Scipione da Gaeta, ed. originale, Torino, Einaudi 1957 (ristampa Neri Pozza 1997).

6. F. Haskell, Mecenati e pittori. Studio sui rapporti tra arte e società italiana nell’età barocca, Torino, Einaudi 2020 (ed. originale Firenze, Sansoni, 1966).

7. T. Montanari, Il Barocco, Torino, Einaudi 2012.

8. F. Haskell – N. Penny, L’antico nella storia del gusto: La seduzione della scultura classica 1500-1900, Torino 1984.

LE LEZIONI ILLUSTRERANNO L'EVOLUZIONE DEI PRINCIPALI GENERI E FORME DI MUSICA ORCHESTRALE NELLA TRADIZIONE CLASSICO-ROMANTICA, CON ATTENZIONE AI PRINCIPI ESTETICI E FORMALI CHE SONO A FONDAMENTO DELLE CATEGORIE DI MUSICA ASSOLUTA E DI MUSICA A PROGRAMMA. IN PARTICOLARE SARÀ APPROFONDITA LA SINFONIA FANTASTICA DI H. BERLIOZ.

- SELEZIONE DI SAGGI INDICATI DAL DOCENTE ALL’INIZIO DELLE LEZIONI (DISPENSA REPERIBILE IN COPISTERIA IN VIA GIULIO ROCCO);
- PAOLO RUSSO, SINFONIA FANTASTICA, ROMA, CAROCCI, 2008;
- LISTA DI BRANI DA ASCOLTARE, DI CUI SARA' VERIFICATA LA CONOSCENZA IN SEDE D'ESAME ;
SOLO PER I NON FREQUENTANTI:
Maynard Solomon, L’ultimo Beethoven, Roma, Carocci, 2010, pp. 43- 88, 111-121, 157-203, 241-271

LISTA ASCOLTI
Quasi tutte le composizioni sono articolate in più movimenti (allegro, adagio ecc.): vanno dunque ascoltate integralmente (non soltanto i primi movimenti).

Arcangelo Corelli Concerto grosso fatto per la Notte di Natale
Antonio Vivaldi Le quattro stagioni
Johann Sebastian Bach Concerti brandeburghesi nn. 3 e 4
Joseph Haydn Sinfonia n. 103
Wolfgang A. Mozart Sinfonia n. 40, Concerto per violino e orchestra K 216, concerto per pianoforte e orchestra K 488
Ludwig van Beethoven Sinfonie nn. 3, 5, 6, 7 e 9, Ouverture Coriolano, Concerto per pianoforte orchestra n. 5 "Imperatore"
Franz Schubert Sinfonia n. 8
Felix Mendelssohn Concerto per violino e orchestra. in mi minore
Nicolò Paganini Concerto per violino e orchestra n. 1 in re maggiore
Hector Berlioz Sinfonia Fantastica
Johannes Brahms Sinfonia n. 4
Franz Liszt Ce qu'on entend sur la montagne - poema sinfonico
Bedrich Smetana Poema sinfonico “La Moldava”
Piotr Ilic Cajkovsky Ouverture Romeo e Giulietta, Sinfonia n. 6
Piotr Ilic Cajkovsky Concerto per pianoforte e orchestra n. 1 in sib minore
Piotr Ilic Cajkovsky Concerto per violino e orchestra op. 35 in re maggiore
Jean Sibelius Concerto per violino e orchestra in re minore op. 47
Gustav Mahler Sinfonie nn. 1 e 5
Richard Strauss Also Sprach Zarathustra - poema sinfonico

Il corso mira a:
- fornire le nozioni fondamentali di fisica del suono e della luce;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura della luce, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura del suono, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde sonore, con particolare riferimento alla voce e agli strumenti musicali;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde luminose, con particolare riferimento alla luce artificiale;
- far comprendere i processi percettivi del suono e della luce in rapporto agli aspetti fisici e alla natura dell’orecchio e dell’occhio umano;
- illustrare i meccanismi alla base delle applicazioni tecniche del suono e della luce nel campo dello spettacolo.

Materiale fornito dal docente.

Il corso si rivolge al rapporto tra musica e immagine trattando dapprima alcuni aspetti dell’iconografia musicale, quindi concentrandosi soprattutto sulle caratteristiche che tale rapporto assume nell’audiovisione, attraverso un rapido sguardo d’insieme, storico e analitico, sul ruolo della musica in ambito cinematografico. Assumendo la relazione tra teatro d’opera e immagine come tema principale del corso, inizialmente sarà dedicata attenzione al ruolo che le immagini possono avere nel teatro d’opera sui livelli della scenografia e della regia contemporanea, poi sarà sviluppato un approfondimento sul rapporto tra opera e cinema nel XX e nel XXI secolo.

1. Mercedes Viale Ferrero, Vedere Tosca, in La Tosca di Puccini e Casa Ricordi, a cura di Ilaria Narici, Milano, Ricordi, 2004

2. Gerardo Guccini, La regia lirica, livello contemporaneo della regia teatrale, «Il castello di Elsinore», 62, (2010), pp. 83-104

3. A colloquio con Luca Ronconi, a cura di Giuseppe di Leva, in Giacomo Puccini, Tosca, programma di sala, Milano, Teatro alla Scala, 1997, pp. 207-211

4. Sergio Miceli, Musica per film. Storia, estetica – analisi, tipologie, Milano-Lucca, Ricordi-LIM, 2009, pp. 631-699 e 833-911

5. Matteo Giuggioli, Le forme dell’opera nel cinema. Sull’impiego del cinematografico del “Trovatore” tra Gallone e Visconti, in La musica fra testo, performance e media. Forme e concetti dell’esperienza musicale, a cura di Alessandro Cecchi, Roma, NeoClassica, 2019, pp. 339-355

6. Gaia Varon, L’eroismo e la sconfitta. La musica di Verdi in “Noi credevamo” di Mario Martone, in Impariamo ad ascoltare la musica classica. Percorsi interdisciplinari nella storia della musica d’arte, a cura di Chiara Sintoni, Roma, Aracne, 2013, pp. 143-162

Il corso seguirà un percorso cronologico attraverso la storia del cinema documentario attraverso alcune parole chiave. Il percorso storiografico strutturato in maniera cronologica si articolerà attraverso alcuni snodi tematici riguardanti soprattutto le questioni etiche (rappresentabilità o irrapresentabilità di alcuni aspetti del reale) in rapporto alla realtà di partenza e all’attore sociale, la questione performativa e autoriale del cinema documentario e la questione della recezione spettatoriale. La filmografia scelta segue un percorso esemplificativo sia dal punto di vista storico che tematico.
Il corso prevede inoltre alcuni incontri con professionisti del settore documentario in modo tale da mettere gli studenti direttamente in contatto con le professioni del cinema.

Bibliografia:
Maria Cristina Lasagni, Nanook cammina ancora-Il cinema documentario, storia e teoria, Bruno Mondadori Editore, Milano, 2014

Dispense a cura della docente caricate su Moodle all’inizio del corso.

FILMOGRAFIA OBBLIGATORIA:

Robert Flaherty, Nanook of the North (1922)
Dziga Vertov, L’uomo con la macchina da presa (1929)
Joris Ivens, Regen (1929)
Vittorio De Seta, Lu tempu de li pisci spata (1954)- Isole di fuoco (1954)
Autori Vari, Amore in città (episodio Storia di Caterina) (1952)
Jean Rouch-Edgar Morin, Chronique d’un été (1960).
Cecilia Mangini, Stendalì (1960)
Gianfranco Mingozzi, La taranta (1962)
Chris Marker, Sans Soleil (1982)
Alina Marazzi, Un'ora sola ti vorrei (2002)
Werner Herzog, Grizzly Man (2005)
A.Ferrente-G.Piperno, Le cose belle (2012)
Nanni Moretti, Santiago, Italia (2018)
Sara Dosa, Fire of Love (2022)

Dall’avvento del sonoro al neorealismo. Il cinema italiano durante il fascismo: immaginari, generi, autori, figure, apparati e film. Origini e sviluppo del neorealismo nel clima politico, morale, culturale e artistico del secondo dopoguerra. I modi di produzione e ricezione. La pluralità delle ideologie, delle poetiche e degli stili. La contaminazione dei generi. L’iconografia neorealista. Le forme del rinnovamento estetico. Il dibattito d'epoca. Le rivisitazioni storiografiche, le riletture critiche e le riflessioni teoriche elaborate dagli anni '60 a oggi.

TESTI PER L'ESAME: Gian Piero Brunetta, Guida alla storia del cinema italiano 1905-2003, Einaudi, Torino 2003 (in particolare le pp. 73-204); David Bruni, Commedia degli anni anni trenta, Il Castoro, Milano 2013; Stefania Parigi, Neorealismo. Il nuovo cinema del dopoguerra, Marsilio, Venezia 2014 e 2016; scelta di testi a cura della docente (reperibile, all’inizio del corso, nella piattaforma Moodle). Gli studenti non frequentanti devono leggere anche David Bruni, Roberto Rossellini. Roma città aperta, Lindau, Torino 2006.
FILMOGRAFIA: Gli uomini, che mascalzoni… (1932) di M. Camerini; 1860 (1934) di A. Blasetti; Vecchia guardia (1935) di A. Blasetti; Dora Nelson (1939) di M. Soldati; I grandi magazzini (1939) di Mario Camerini; Ossessione (1943) di L.Visconti; Roma città aperta (1945) di Roberto Rossellini; Paisà (1946) di R. Rossellini; Germania anno zero (1948) di R. Rossellini; Ladri di biciclette (1948) di V. De Sica; La terra trema (1948) di L.Visconti; Riso amaro (1949) di G. De Santis; Miracolo a Milano (1950) di V. De Sica; Il cammino della speranza (1950) di P. Germi; Bellissima (1951) di L. Visconti; Due soldi di speranza (1951) di R. Castellani; Lo sceicco bianco (1952) di F. Fellini; Pane, amore e fantasia (1953) di L. Comencini; Il grido (1957) di M. Antonioni. I film verranno mostrati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca "Lino Miccichè", Via Ostiense 139.

Il corso prende in esame il periodo che va dal dopoguerra a oggi soffermandosi sulle principali tappe che hanno scandito la storia del cinema italiano in termini di film, autori e generi, tenendo in particolare considerazione un particolare topos: quello della spiaggia, da sempre centrale nell’immaginario nazionale e naturalmente anche nella nostra tradizione cinematografica. Si prenderanno dunque in esame le peculiarità estetiche, narrative, produttive e culturali di alcune opere cinematografiche nelle quali la “condizione balneare” si è fatta occasione privilegiata per indagare i principali mutamenti storici, sociali e antropologici vissuti dal nostro paese in più di mezzo secolo.

TESTI

G.P. Brunetta, Guida alla storia del cinema italiano 1905-2003, Einaudi, Torino 2003 (dal cap. III in poi);

C. Uva, L'ultima spiaggia. Rive e derive del cinema italiano, Marsilio, Venezia 2021 (in corso di pubblicazione);

E. Giacovelli, C’era una volta la commedia all’italiana, Gremese, Roma 2015;

C. Uva (a cura di), Matteo Garrone, Marsilio, Venezia 2020.

FILMOGRAFIA

Ladri di biciclette (1948) di V. De Sica; Domenica d’agosto (1950) di L. Emmer; La spiaggia (1954) di A. Lattuada; Vacanze a Ischia (1957) di M. Camerini; La dolce vita (1960) di F. Fellini; L’avventura (1960) di M. Antonioni; Accattone (1961) di P. P. Pasolini; Il sorpasso (1962) di D. Risi; La voglia matta (1962) di L. Salce; Prima della rivoluzione (1964) di B. Bertolucci; Per un pugno di dollari (1964) di S. Leone; L’ombrellone (1965) di D. Risi; Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto (1970) di E. Petri; Ferie d’agosto (1996) di P. Virzì; Ospiti (1998) di M. Garrone, Estate romana (2000) di M. Garrone, L'imbalsamatore (2002) di M. Garrone, Reality (2012) di M. Garrone, Il racconto dei racconti - Tale of Tales (2015) di M. Garrone.

Il corso è diviso in due parti. La prima è dedicata al calendario degli incontri sugli obiettivi dell'Agenda 2030 e ai relativi materiali didattici. La seconda parte è specifica e affronta riflessioni, documenti e incontri su esperienze locali e sintesi operative attuate in analisi e interventi sul campo da artisti, curatori e operatori delle culture performative.

Per la parte comune del programma:
Relazione su una lezione a scelta del ciclo di conferenze.

Per la parte specifica del CdS:

Teatri Luoghi Città, a c. di R. Guarino, Edizioni Officina, 2008.
oppure
Teatri e sfera pubblica nella società globalizzata e digitalizzata, a c. di Ilaria Riccioni, Guerini scientifica, 2022.


Un testo a scelta fra: M. de Certeau, L'invenzione del quotidiano, Edizioni del lavoro; R. Nicolini, Estate Romana, Ed. Città del Sole.

Incontri di studio e incontri laboratoriali dedicati a specifici ambiti del teatro di figura inquadrati da studiosi, artisti e maestri sia dal punto di vista storiografico sia da quello dell’attuale pratica scenica. L’obiettivo è quello di esaminare, anche dal punto di vista pratico, la realtà “viva” del teatro di figura.

STUDENTI FREQUENTANTI
(per essere considerato frequentante lo studente non potrà fare più di 2 assenze):
1) Alfonso Cipolla, Giovanni Moretti, "Storia dei burattini e delle marionette in Italia", Corazzano, Titivillus, 2011

2) Mariano Dolci, Vito Minoia, "Il burattino sulla scena educativa", Urbino, Edizioni Nuove Catarsi, 2020 (per informazioni sulla distribuzione del volume si rimanda al sito www.edizioninuovecatarsi.org)

3) Bruno Leone, "Le guarattelle. Vita di un burattinaio", Napoli, Monitor, 2022 (per informazioni sulla distribuzione del volume si rimanda al sito https://napolimonitor.it/le-guarattelle/)

4) materiali da CONCORDARE CON LA DOCENTE nel corso delle lezioni (sarà possibile diversificare i temi di studio scegliendo tra gli argomenti affrontati a lezione). I materiali verranno caricati nella sezione “file” del TEAM – cartella “Dispense FREQUENTANTI Tradizioni, mestieri, teatro vivo 22/23”

STUDENTI NON FREQUENTANTI:
1) Alfonso Cipolla, "Giovanni Moretti, Storia dei burattini e delle marionette in Italia", Corazzano, Titivillus, 2011

2) Mariano Dolci, Vito Minoia," Il burattino sulla scena educativa", Urbino, Edizioni Nuove Catarsi, 2020 (per informazioni sulla distribuzione del volume si rimanda al sito www.edizioninuovecatarsi.org)

3) Bruno Leone, Le guarattelle. Vita di un burattinaio, Napoli, Monitor, 2022 (per informazioni sulla distribuzione del volume si rimanda al sito https://napolimonitor.it/le-guarattelle/)

3a) video: BRUNO LEONE e GIORGIO AGAMBEN, Sulla filosofia di Pulcinella [https://youtu.be/ySrmOxieVVQ]

4) Giorgio Agamben, "Pulcinella ovvero Divertimento per li regazzi", Roma, ed. nottetempo, edizione aggiornata del 2016

Elementi di teoria musicale: ritmo e metro, notazione, elementi di armonia tonale (scale, accordi) con esempi pratici e ascolti;
Acustica e psicoacustica musicale; rappresentazione digitale del suono; elaborazioni e sperimentazioni su oggetti sonori attraverso l’utilizzo di software di editing;
Composizione musicale attraverso le specifiche tecniche acquisite;
Fondamenti dei sistemi di sintesi sonora e delle tecniche di campionamento; elementi di musica elettroacustica, elettronica e informatico-digitale

Testi e dispense saranno resi disponibili, insieme al relativo elenco, durante il corso

A partire da un quadro indicativo degli aspetti teorici e metodologici della storia delle culture alimentari, il corso intende orientare gli studenti sui fattori economici, culturali e sociali che hanno segnato l’immaginario e l’uso del cibo nell’età contemporanea.
La prima parte del corso (6 ore) introduce gli studenti agli aspetti teorici e metodologici della storia culturale e della storia delle culture materiali. La seconda parte del corso (6 ore) affronta i cambiamenti storici di lungo periodo dell’agricoltura in età contemporanea. La terza parte del corso (18 ore) si concentra sulla storia della cultura alimentare italiana con particolare riferimento alle culture alimentari mediterranee. La quarta parte del corso (6 ore) propone tre approfondimenti sulle relazioni culturali tra cibo e società: cibo e ambiente, cibo e diseguaglianze, cibo e religioni

Principale testo di riferimento:

Alberto Capatti e Massimo Montanari, La cucina italiana. Storia di una cultura, Roma-Bari, Laterza 2017, 424 p., € 14,00.

Un libro a scelta tra:

Piero Bevilacqua, Il cibo e la terra. Agricoltura, ambiente e salute negli scenari del nuovo millennio, Roma, Donzelli, 2018, 215 pp., € 11,00.

Alberto De Bernardi, Il paese dei maccheroni. Storia sociale della pasta, Roma, Donzelli, 2019, 262 pp., € 30,00.

Gli studenti potranno conoscere i temi più importanti del rapporto fra Etica ed Estetica attraverso l'analisi di alcuni passi delle opere di Platone, Aristotele, Bruno, Shakespeare, Kant, Hegel, Nietzsche, Heidegger, Blumenberg.
Approfondiranno il concetto di "pena" e "reinserimento sociale" del deviante, secondo l'art 27 della Costituzione della Repubblica Italiana.
Attraverso la visione di film e doc comprenderanno l'impatto dell'arte nel contesto penitenziario.
Parteciperanno alle prove teatrali presso il Teatro del Carcere di Rebibbia.

I passi dei testi saranno forniti in sede di Laboratorio

La luce e il luogo
Il laboratorio introduce i partecipanti ai criteri e ai metodi del “teatro dei luoghi”, progetto relativo alla creazione di lavori teatrali e installativi a partire dai caratteri specifici dei siti, e alle modalità d’uso della luce nel suo ambito. In questo progetto i caratteri del sito divengono generativi rispetto alla creazione della performance. I testi, le azioni, il movimento prendono corpo nel corso del lavoro preparatorio svolto sul posto, sulla scorta delle suggestioni in esso raccolte e della lettura degli elementi e delle relazioni preesistenti. Il laboratorio sarà introdotto, nella prima giornata, da un incontro di tipo teorico sul progetto, con supporti audiovisivi, e relative discussioni. Nei due giorni successivi esso metterà i partecipanti, divisi in gruppi, nella condizione di esperire le possibili relazioni con lo spazio, con elaborazione di brevi azioni ed interventi, assumendo il luogo come principio ordinatore: gli ultimi due giorni verranno dedicati alla messa in relazione delle azioni tra loro, e alle questioni del montaggio. Particolare rilievo verrà dato al ruolo svolto dalla luce nel processo.

Facoltativi:
Fabrizio Crisafulli, Il teatro dei luoghi. Lo spettacolo generato dalla realtà, Artdigiland, Dublino, 2015
Fabrizio Crisafulli, Luce attiva, questioni della luce nel teatro contemporaneo, Titivillus, Corazzano, 2007

Organizzato come una situazione pedagogica mista che alterna la pratica scenica alla riflessione storica, il laboratorio ha l’obiettivo di fornire alcuni degli strumenti e dei principi che conducono a raggiungere una particolare qualità di presenza scenica. Presenza dei piedi, della voce e di un corpo che è corpo-mente. Seguendo dei percorsi di analisi teorica e una prassi che convergono nel terreno in cui si radicano i principi dell’Antropologia Teatrale individuati da Eugenio Barba nel corso delle sessioni dell’ISTA (International School of Theatre Anthropology), ci si soffermerà su una ricerca che porta alla scoperta dei tre livelli di drammaturgia: organico, narrativo, ed evocativo. Si percorrerà la linea del training, allenamento psicofisico (il lavoro su di sé fondato su esercizi provenienti da tecniche sceniche orientali e occidentali e dove avrà particolare importanza il lavoro sul ritmo e sulle azioni ritmiche, ovvero, quelle generate in reazione a un impulso esterno, per esempio, la musica; o ancora quello sulle intenzioni, sulla comunicazione corporea, sulle differenze tra voce corale e voce individuale). La seconda linea sarà quella dell’improvvisazione (nell’accezione datane da Stanislavskij di costruzione del personaggio). Il tutto confluirà nella terza linea di ricerca, quella sulla partitura intesa tanto come costruzione di materiali individuali e o di gruppo basati sul testo Nozze di sangue, quanto come processo di avvicinamento al concetto di dialogo scenico fisico e vocale, al principio di azione-reazione e a una certa qualità di ascolto, anche psicofisico.
Durante il laboratorio si cercherà, attraverso un percorso di letture e approfondimenti, di radicare le pratiche sempre nel campo degli studi storici teatrali.
La trasmissione e l’apprendimento di una qualunque tecnica significa imparare un modo di stare in piedi nella vita. Un cammino. Una maniera di respirare e una di resistere. Una di misurarsi con i propri limiti e una per cercare come superarli.

Federico García Lorca, Nozze di sangue (Einaudi editore, traduzione di Vittorio Bodini, ISBN 9788806069650)

Come si costruisce un format televisivo? Come si analizza un programma realizzato a partire da un format? Che rapporto c’è fra format e generi tv? I format funzionano anche per la serialità? Perché in tutto il mondo si guardano gli stessi programmi, da La ruota della fortuna a Masterchef, da Stranamore a LOL? Nel laboratorio si affronteranno questi quesiti, con costante riferimento alla produzione televisiva internazionale. Il laboratorio prevede esercitazioni nella scrittura di paper format e scalette di programmi.

Fiacco, Axel, Unscripted Formats. Teoria e pratica dei programmi televisivi globali. Castelvecchi, 2021

Il laboratorio intende introdurre gli studenti e le studentesse alla concettualizzazione e alla pratica delle arti digitali. Dopo un’introduzione storica e teorica sulla cultura digitale, con un focus sul rapporto fra cinema, media e arti performative, gli studenti faranno esperienza di alcune tecniche e linguaggi artistici da impiegare nell'ideazione, sviluppo e presentazione di un progetto di arte digitale concordato e assistito dal docente.

- Catricalà Valentino, «Prospettive delle arti nel XXI secolo. Storie, teorie, preservazione», Mimesis, 2016
- Bolter Jay D., Plenitudine Digitale, MininumFax, 2020.
- Parikka Jussi, «What is Media Archeology?», Polity Press, 2012.
- Legacy Russell, Glitch Feminism. A Manifesto, New York, Verso, 2020.

Il corso si propone di affrontare alcuni momenti della scrittura cinematografica in modo critico e costruttivo procedendo per step teorici e pratici:
focalizzazione di un’idea tematica (high / low concept);
stesura di una sinossi di max 5 righe;
punti essenziali di un soggetto;
carattere e personaggio;
spunti teorici e partica;
idea tematica e stesura di un soggetto;
costruzione dei personaggi (protagonista, antagonista, personaggi vicini);
personaggio (arco del personaggio, ostacoli, scelte, obiettivo, oggetto del desiderio, insight) ;
step outline per una struttura drammaturgica in tre atti;
individuazione turning points;
mid-point;
subplot / subplots ;
prima e seconda stesura del trattamento;
format sceneggiatura e sistemi di riferimento sceneggiatura;
analisi copioni ( character driven plot / action plot)
Spunti teorici e Pratica drammaturgica

Titolo: Story – Contenuti, struttura, stile, principi per la sceneggiatura e per l’arte di scrivere storie
ISBN-10: 8896450039
ISBN-13: 9788896450031
Autore: Robert McKee
Collana: Scrittura creativa
Editore: Omero

Titolo: Manuale di sceneggiatura cinematografica
Sottotitolo: Teoria e pratica
ISBN-10: 8860081416
ISBN-13: 9788860081414
Autore: Luca Aimeri
Collana: Collana di cinema
Editore: UTET
Titolo: La sceneggiatura
Sottotitolo: Il film sulla carta
ISBN-10: 8885838634
ISBN-13: 9788885838635
Autore: Syd Field
Collana: Istruzioni per l’uso
Editore: Lupetti
Titolo: Save the cat! Manuale di sceneggiatura
ISBN-10: 8896450195
ISBN-13: 9788896450192
Autore: Blake Snyder
Collana: Scrittura creativa
Editore: Omero
Titolo: Scriviamo un film – Manuale di sceneggiatura
ISBN-10: 884282058X
ISBN-13: 9788842820581
Autore: Age
Collana: La piccola cultura
Editore: Il Saggiatore
Titolo: Come scrivere una grande sceneggiatura
ISBN-10: 8875271518
ISBN-13: 9788875271510
Autore: Linda Seger
Collana: Manuali di Script
Editore: Audino
Titolo: L’arco di trasformazione del personaggio
ISBN-10: 887527018X
ISBN-13: 9788875270186
Autore: Dara Marks
Editore: Audino


I tre usi del coltello. Saggi e lezioni sul cinema
di David Mamet (Autore), F. Abbinante (Traduttore)
Consigli a un giovane scrittore
di Vincenzo Cerami
La sceneggiatura. Un testo dall'esistenza incerta
di Daniela Ceselli ( Le Lettere)

Altri testi David Howard, Dara Marks, Snider presenti in Biblioteca

AA.VV., L’analisi del racconto, Bompiani, Milano, 1984
AA.VV., L’Enejeu Scénario, “Cahiers du cinema “, numéro spécial 371/372, maggio 1985
Calvino Italo, Lezioni americane, Mondadori, Milano, 1993

Non c'è un programma predefinito. le lezioni saranno in funzione degli studenti e in base alle loro capacità

Non sono necessari testi.
è consigliato l'ascolto del podcast:
https://www.raiplaysound.it/programmi/ioeroilmilanese

Il laboratorio persegue diversi obiettivi formativi che costituiranno dunque il cuore del programma didattico:
- Fornire conoscenze di base sulla storia e il ruolo sociale e culturale della fotografia, definendo in particolare come questa abbia cambiato il mondo dell’arte, la percezione della storia e la sua stessa narrazione; come abbia cambiato turismo, viaggi, socialità, narrazione di eventi privati o storici e molto altro
- Conoscere alcuni grandi autori della storia della fotografia con il duplice scopo di esplorare l’estetica e lo stile, nonché di comprendere alcune regole di composizione e come al contempo l’errore fotografico o il tradimento delle regole abbia generato delle opere eccezionali.
- Definire alcune sfaccettature sul mestiere di fotografo con cenni alla professione ad esso legata nel mondo del cinema: l’autore (o direttore) della fotografia. Anche qui il duplice scopo è indagare l’estetica dei singoli direttori della fotografia (nella loro collaborazione con gli altri autori di quell’opera corale che è il film) e comprendere come dalla visione di un film si possa imparare molo anche sulla fotografia tout court.
- Stimolare lo sguardo e la creatività fotografica
- Apprendere le principali regole di composizione
- Imparare ad utilizzare in modalità manuale una macchina fotografica professionale nelle sue funzioni di base. Si specifica che si potrà scattare con qualunque tipo di apparecchio fotografico, dal dispositivo mobile (smartphone o tablet) alla reflex o mirroless digitale, nonché con dispositivi analogici (per i quali provvederemo a digitalizzare).
- Introduzione all’editing digitale. Analizzeremo gli strumenti di base dei principali programmi di editing (Photoshop, Lightroom e altri).

Calendario delle attività:

Lezione 1
Presentazione
La nascita e i principali usi della fotografia
Alcuni grandi fotografi

Lezione 2
Le ottiche
La messa a fuoco
Introduzione al concetto di profondità di campo
Revisione immagini proposte dagli studenti

Lezione 3
Focus su Direzione della fotografia
Alcuni grandi direttori della fotografia
La conoscenza delle ottiche, delle pellicole, delle macchine, ma soprattutto l’immaginazione e la creatività

Lezione 4
Revisione scatti degli studenti su ottiche
L’esposizione: iso, tempi, diaframmi
Gli esposimetri

Lezione 5
Revisione esercitazioni degli studenti su esposizione
Giocare con la fotografia
Allenare la creatività
Allenare lo sguardo

Lezione 6
La profondità di campo
Le principali regole di composizione
Revisione proposte degli studenti su Fotografi (e Cinematographer)

Lezione 7
Revisione scatti degli studenti su profondità di campo
Introduzione all’editing digitale
Revisione proposte degli studenti su Fotografi (e Cinematographer)

Lezione 8
Realizzare un progetto fotografico
Introduzione all’editing digitale

Lezione 9
Revisione progetti fotografici degli studenti
Assistenza all’editing fotografico

Lezione 10
Revisione progetti fotografici degli studenti
Assistenza all’editing fotografico

Lezione 11
Revisione e commento progetti fotografici degli studenti

Lezione 12
Presentazione dei progetti fotografici
Come coltivare la passione per la fotografia a Roma e altrove

Non ci sono testi obbligatori

Programma delle lezioni

lezioni ORGANIZZAZIONE E GESTIONE DELL’IMPRESA CINEMATOGRAFICA E AUDIOVISIVA
1 Elementi di economia del cinema e dell’audiovisivo/ Elements of cinema and audiovisual economics

2 Il Valore del Tempo/ The Value of Time

3 Gli Impatti Macroeconomici/ The Macroeconomic Impacts

4 La Produzione e le sue quattro fasi/ Production and its four phases

5 La filiera Cinematografica/ The Cinematographic supply chain

6 La Produzione e le sue fasi/ Production and its phases

7 La Distribuzione/ The distribution

8 L’esercizio cinematografico/ The theatrical

9 La catena del valore/ The value chain

10 Il rischio e i fattori di successo/ The risk and success factors

11 Il Marketing del film/ The Marketing of the film

12 Cinema e Big Data/ Cinema and Big Data

https://www.ibs.it/economia-management-finanza-dell-impresa-ebook-giandomenico-celata-rossella-gaudio/e/9788828316428
le copie a stampa sono disponibili presso la libreria Odradek via dei banchi vecchi 57

uniroma3.itper gli studenti erasmus: per informazioni relative al corso e le modalità dell’esame contattare direttamente il prof. Celata
gianni.celata@uniroma3.it

Tema del corso di quest'anno: vite da abitare in mobilità.

Modi e forme di come le persone "costruiscono" le proprie vite.
Percorsi biografici, tracciati individuali e scambi collettivi.
Strategie individuali e organizzazione sociale.
I sistemi performativi: dalla soggettività alla collettività.

Manuale
1. Manuale o parte generale:
Ugo Fabietti, Elementi di antropologia culturale, Milano, Mondadori, 2015.

2. Approfondimenti o parte monografica:
Stefano De Matteis, Il dilemma dell'aragosta. La forza della vulnerabilità, Milano, Meltemi.
Giuseppe Grimaldi. Fuorigioco. Figli di migranti e italianità. Un’etnografia tra Milano, Addis Abeba e Londra. Ombre corte, 2022
Andrea Staid, Essere natura. Uno sguardo antropologico per cambiare il nostro rapporto con l'ambiente, UTET, 2022.

L'affettività tra filosofia, psicologia e scienze cognitive

Il corso prenderà in esame il tema dell’affettività attraverso l’analisi di alcuni testi classici della letteratura filosofica sulle passioni e alcune più recenti teorie scientifiche sulle emozioni. Si cercherà di indagare i nodi problematici riguardo alla determinazione della dimensione affettiva da una prospettiva interdisciplinare che intreccia filosofia, psicologia e scienze cognitive.

Modulo A (6 CFU)
Il programma del Modulo A verterà sui seguenti argomenti:
- Introduzione ai significati storico-teoretici delle nozioni di passione ed emozione
- Esposizione della teoria cartesiana delle passioni
- Esposizione della trattazione humeana delle passioni
- Analisi del tema dell’affettività nel pensiero filosofico

TESTI ADOTTATI

Modulo A

R. Cartesio, Le passioni dell’anima, Bompiani 2003
D. Hume, Trattato sulla natura umana, Laterza 2008, pp. 289-476
G. Baggio, G. Quinzi (a cura di), Pensare l’affettività, Rosenberg & Sellier 2021 [Introduzione, capitoli 1-3]
Materiale del docente

Testi consigliati

G. Mori, Cartesio, Carocci 2010
A. Santucci, Introduzione a Hume, Laterza 2005

Il corso è finalizzato a sviluppare competenze metodologiche nell’ambito delle scienze della comunicazione e socaili. La prima parte del corso prenderà in esame il framework metodologico per lo studio della cultura e della comunicazione.
Le principali tappe e strategie della ricerca sul campo, con particolare riguardo al metodo etnografico, saranno approfondite durante la seconda parte.

Wendy Griswold (2009), Un framework metodologico per lo studio della cultura, in M. Santoro, R. Sassatellin(a cura di), Studiare la cultura. Nuove prospettive sociologiche, Il Mulino, Bologna, pp. 253-285
Giampietro Gobo (2001), Descrivere il mondo. Teoria e pratica del metodo etnografico in sociologia, Carocci, Roma

Percorso storico:
• Tra Rinascimento e Barocco: musica vocale sacra e profana; esordi della musica strumentale
• Il Seicento: la nuova musica vocale; luoghi e organici della musica strumentale; sviluppo degli strumenti musicali
• Tra Seicento e Settecento: lo sviluppo dell’orchestra, organici e prassi esecutiva; musica da chiesa e musica da camera
• Il pieno Settecento: evoluzione degli organici e delle tecniche strumentali; principali centri musicali europei (Parigi, Londra, Vienna) e istituzioni concertistiche; le professioni musicali
• L’Ottocento: attività concertistiche; i virtuosi e la nuova concezione di performance; dal compositore-esecutore all’esecutore-interprete; la Salonmusik e la performance dilettantistica
• Il Novecento: il repertorio dei “classici” e la vita concertistica; nuova musica e nuove modalità di performance; tecnologie del suono e performance
Approfondimento:
• Dal clavicembalo al pianoforte: evoluzione tecnologica e tecnico esecutiva; i compositori e gli interpreti

Musica e società, 2: Dal 1640 al 1830, a cura di Paolo Fabbri, Alessandro Roccatagliati e Paolo Russo, Lucca, LIM, 2019 (parti selezionate)
Musica e società, 3: dal 1830 al 2000, a cura di Virgilio Bernardoni e Paolo Fabbri, Lucca, LIM, 2016 (parti selezionate)
Musiche nella storia. Dall’età di Dante alla Grande Guerra, a cura di Andrea Chegai, Franco Piperno, Antonio Rostagno, Emanuele Senici, Roma, Carocci, 2017 (parti selezionate)
ANTHONY BAINES, Storia degli strumenti musicali, Milano, Rizzoli, Milano, Rizzoli, 1995 (parti selezionate)

Oggetto centrale e privilegiato della storia dell’arte tradizionale, la figura umana ha subito, in particolar modo negli ultimi quarant’anni, una modificazione iconica e culturale riconfigurandosi attraverso la relazione corpo-schermo, che ne ridefinisce teorie e pratiche espressive acquisite dal sistema dei media e delle arti contemporanee. Il corso si propone di analizzare le relazioni prevalenti fra figura umana e statuaria, tracciando una mappatura iconografica delle più recenti e significative raffigurazioni del corpo nell’ambito della sperimentazione artistica: dal cinema underground e d’artista alla fotografia, dalla scultura alla performance, alla videoarte. Utilizzando una metodologia versatile che coniuga gli studi visuali e culturali con le teorie dei media e delle arti plastiche, si vuole riflettere su alcune figurazioni caratteristiche dei corpi contemporanei e sui loro processi e modelli rappresentativi. Il centro d’interesse è legato al ruolo capillare e pervasivo che i dispositivi mediali e le loro estensioni e applicazioni tecnologiche hanno assunto nei confronti dei nostri regimi percettivi, iconografici e identitari.

Giacomo Ravesi, Le maschere di Dioniso. Figure del corpo tra arti visive, media e tecnologia, Armando, Roma 2021.
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria di Via G. Rocco, n. 11.

Per i non frequentanti:
Roy Menarini, Il corpo nel cinema. Storie, simboli e immaginari, Pearson Italia/Bruno Mondadori, Milano, 2015.

FILM E VIDEOGRAFIA:
Lungometraggi: David Cronenberg, Videodrome (1983); Jan Švankmajer, Spiklenci slasti (Cospiratori del piacere, 1996); Matthew Barney, The Cremaster Cycle (1994-2002).
Antologia di film d’avanguardia e underground: Jean Cocteau, Fernand Léger, Luis Buñuel, Jean Genet, Maya Deren, Andy Warhol, Kenneth Anger, Jack Smith, Barbara Hammer, Jan Švankmajer, Alberto Grifi.
Antologia di opere di videoarte: Nam June Paik, Gianni Toti, Tony Oursler, Gary Hill, Orlan, Zbigniew Rybczynski, Mariko Mori, Studio Azzurro, Stephen e Timothy Quay, Chris Landreth, Bériou, Char Davies, Leonardo Carrano, Egbert Mittelstädt, Kouhei Nakama, Andrew Thomas Huang, Francesca Fini, Alessandro Amaducci, Igor Imhoff, Alessandro Bavari, Beatrice Pucci, Rita Casdia, Donato Sansone.
Antologia di videomusicali: Lady Gaga, Bjӧrk, Madonna, Marilyn Manson, Tool.
I film e i video saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

Tema del corso di quest'anno: vite da abitare in mobilità.

Modi e forme di come le persone "costruiscono" le proprie vite.
Percorsi biografici, tracciati individuali e scambi collettivi.
Strategie individuali e organizzazione sociale.
I sistemi performativi: dalla soggettività alla collettività.

Manuale
1. Manuale o parte generale:
Ugo Fabietti, Elementi di antropologia culturale, Milano, Mondadori, 2015.

2. Approfondimenti o parte monografica:
Stefano De Matteis, Il dilemma dell'aragosta. La forza della vulnerabilità, Milano, Meltemi.
Giuseppe Grimaldi. Fuorigioco. Figli di migranti e italianità. Un’etnografia tra Milano, Addis Abeba e Londra. Ombre corte, 2022
Andrea Staid, Essere natura. Uno sguardo antropologico per cambiare il nostro rapporto con l'ambiente, UTET, 2022.

Muovendo da un testo Isaiah Berlin sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

I. Berlin, Le radici del romanticismo, Milano, Adelphi, 2001
A. Breton, Nadja, Torino, Einaudi, 2007
V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2019

Dalla grammatica cartesiana alla pragmatica del linguaggio

Il corso si propone di affrontare uno dei temi classici della filosofia del linguaggio: il dibattito tra i modelli che si ispirano alla tradizione cartesiana-razionalista e le prospettive teoriche che, facendo riferimento ai reali contesti d'uso del linguaggio, promuovono una visione fondata sugli aspetti pragmatici della comunicazione umana. L'obiettivo del corso è mostrare come tale dibattito abbia ripercussioni importanti sul tema della natura umana.

- Berwick, R. ,Chomsky N. (2016) Perché solo noi: Linguaggio ed evoluzione. Torino: Bollati Boringhieri.
- Tomasello M. (2014) Unicamente Umano: storia naturale del pensiero. Bologna: Il Mulino

L'affettività tra filosofia, psicologia e scienze cognitive

Il corso prenderà in esame il tema dell’affettività attraverso l’analisi di alcuni testi classici della letteratura filosofica sulle passioni e alcune più recenti teorie scientifiche sulle emozioni. Si cercherà di indagare i nodi problematici riguardo alla determinazione della dimensione affettiva da una prospettiva interdisciplinare che intreccia filosofia, psicologia e scienze cognitive.

Modulo A (6 CFU)
Il programma del Modulo A verterà sui seguenti argomenti:
- Introduzione ai significati storico-teoretici delle nozioni di passione ed emozione
- Esposizione della teoria cartesiana delle passioni
- Esposizione della trattazione humeana delle passioni
- Analisi del tema dell’affettività nel pensiero filosofico

TESTI ADOTTATI

Modulo A

R. Cartesio, Le passioni dell’anima, Bompiani 2003
D. Hume, Trattato sulla natura umana, Laterza 2008, pp. 289-476
G. Baggio, G. Quinzi (a cura di), Pensare l’affettività, Rosenberg & Sellier 2021 [Introduzione, capitoli 1-3]
Materiale del docente

Testi consigliati

G. Mori, Cartesio, Carocci 2010
A. Santucci, Introduzione a Hume, Laterza 2005

Elementi di teoria musicale: ritmo e metro, notazione, elementi di armonia tonale (scale, accordi) con esempi pratici e ascolti;
Acustica e psicoacustica musicale; rappresentazione digitale del suono; elaborazioni e sperimentazioni su oggetti sonori attraverso l’utilizzo di software di editing;
Composizione musicale attraverso le specifiche tecniche acquisite;
Fondamenti dei sistemi di sintesi sonora e delle tecniche di campionamento; elementi di musica elettroacustica, elettronica e informatico-digitale

Testi e dispense saranno resi disponibili, insieme al relativo elenco, durante il corso

Programma delle lezioni

lezioni ORGANIZZAZIONE E GESTIONE DELL’IMPRESA CINEMATOGRAFICA E AUDIOVISIVA
1 Elementi di economia del cinema e dell’audiovisivo/ Elements of cinema and audiovisual economics

2 Il Valore del Tempo/ The Value of Time

3 Gli Impatti Macroeconomici/ The Macroeconomic Impacts

4 La Produzione e le sue quattro fasi/ Production and its four phases

5 La filiera Cinematografica/ The Cinematographic supply chain

6 La Produzione e le sue fasi/ Production and its phases

7 La Distribuzione/ The distribution

8 L’esercizio cinematografico/ The theatrical

9 La catena del valore/ The value chain

10 Il rischio e i fattori di successo/ The risk and success factors

11 Il Marketing del film/ The Marketing of the film

12 Cinema e Big Data/ Cinema and Big Data

https://www.ibs.it/economia-management-finanza-dell-impresa-ebook-giandomenico-celata-rossella-gaudio/e/9788828316428
le copie a stampa sono disponibili presso la libreria Odradek via dei banchi vecchi 57

uniroma3.itper gli studenti erasmus: per informazioni relative al corso e le modalità dell’esame contattare direttamente il prof. Celata
gianni.celata@uniroma3.it

Il corso è finalizzato a sviluppare competenze metodologiche nell’ambito delle scienze della comunicazione e socaili. La prima parte del corso prenderà in esame il framework metodologico per lo studio della cultura e della comunicazione.
Le principali tappe e strategie della ricerca sul campo, con particolare riguardo al metodo etnografico, saranno approfondite durante la seconda parte.

Wendy Griswold (2009), Un framework metodologico per lo studio della cultura, in M. Santoro, R. Sassatellin(a cura di), Studiare la cultura. Nuove prospettive sociologiche, Il Mulino, Bologna, pp. 253-285
Giampietro Gobo (2001), Descrivere il mondo. Teoria e pratica del metodo etnografico in sociologia, Carocci, Roma

Il corso si propone di individuare ed analizzare le principali tendenze del racconto audiovisivo contemporaneo, affrontando gli immaginari egemonici tanto quanto i percorsi sovversivi proposti dal cinema e dalla serialità televisiva in Europa e negli Stati Uniti. Verranno affrontati soprattutto: i modelli cinematografici legati all’approccio transnazionale e a scenari postcoloniali/globalizzazione; il rapporto fra estetica, soggettività e identità di gender; la serialità televisiva complessa, il transmedia storytelling e la narrazione convergente.
Il syllabus del corso sarà disponibile al link https://ilariaadepascalis.wordpress.com/informazioni-generali/

Ilaria A. De Pascalis, "Il cinema europeo contemporaneo: scenari transnazionali, immaginari globali", Bulzoni, Roma 2015.

Antologia di saggi a cura della docente.

Il programma definitivo, completo di bibliografia e filmografia e di tutte le informazioni sul corso, sarà pubblicato sul sito personale della docente https://ilariaadepascalis.wordpress.com/

9 gennaio 2023
Scelta del punto di vista da adottare per raccontare il personaggio.
Come procedere nella stesura di una sceneggiatura-trattamento per il cinema documentario ed esercitazioni con visione di estratti da una selezione di film documentari.
Le diverse metodologie da adottare per realizzare un film documentario rispetto ai soggetti e alle loro storie: l’approccio più analitico di studio e conoscenza approfondita del
personaggio prima dell’inizio delle riprese e l’approccio più in presa diretta alla scoperta del personaggio e della storia insieme alla telecamera. Esercitazioni a partire dalle storie
individuate dai partecipanti.

10 gennaio 2023
Sulla base del punto di vista adottato e del linguaggio utilizzato, scelta dell'equipaggiamento tecnico di ripresa, del suono e della troupe necessaria per la realizzazione del film documentario.
Tecniche di ripresa: formati, obiettivi, e accessori. Sono previste esercitazioni pratiche a partire dalle logline inviate dagli studenti.

11 gennaio 2023
Riprese: macchina a mano, cavalletto e steadycam. Come, perché e quando usarli. Sono previste esercitazioni pratiche.
Le scene, come impostare le riprese e perché. Tagli e inquadrature.
Le sequenze cinematografiche, come approcciarle e quale grammatica utilizzare. Scelte espressive e scelte estetiche.

12 gennaio 2023
Il suono, tra riprese, montaggio e mix audio.
Il montaggio: cos'è e come affrontarlo. Dalla scelta e la messa in fila dei materiali, alla vera e propria riscrittura e ricerca drammaturgia attraverso le immagini.
Post-produzione, musica, titoli ed effetti. L’importanza invisibile di un’accurata finalizzazione.

13 gennaio 2023
Riflessioni finali sui soggetti proposti dagli studenti e sulla scheda del progetto sviluppata da ciascuno nel corso del laboratorio, in preparazione delle esercitazioni da realizzare in
vista dell’idoneità.

1) Italo Calvino, Lezioni americane.
2) Walter Murch, In un batter d'occhi. Una prospettiva sul montaggio cinematografico nell'era digitale.
3) Ivelise Perniola, L'era postdocumentaria.

Dopo l’esposizione di elementi teorici sulle fasi di realizzazione di un’opera audiovisiva (dalla pre-produzione alla post-produzione), suffragata dall’analisi di alcune sequenze tratte dalla storia del Cinema, gli studenti lavoreranno ad alcuni esercizi di laboratorio, misurandosi con le difficoltà proposte dalle varie fasi di produzione.

Non è previsto un testo di riferimento.

Il percorso prevede un breve excursus storico di film documentari per il cinema.
Si procederà poi a selezionare alcuni soggetti proposti dagli studenti su un tema dibattuto in aula. I soggetti selezionati saranno realizzati in lavoro di gruppo o individuale.
Nessun limite di durata e di ambientazione.

Limite massimo iscritti 30 persone.

Frequenza obbligatoria. Sono ammesse, escluse cause di forza maggiore, non più di due assenze.

Testi consigliati:

- Gianfranco Pannone. "È reale? Guida empatica del cinedocumentarista". Artdigiland, 2021.

- Lorenzo Hendel. "Il documentario narrativo. Come inventare una storia vera". Dino Audino. 2021.

- Simone Aleandri, Roberto Moliterni. "Fare un documentario. Scrivere, girare e produrre cinema del reale". Dino Audino. 2020.

Testi consigliati:

- Gianfranco Pannone. È reale?: Guida empatica del cinedocumentarista. Artdigiland, 2021.

- Lorenzo Hendel. "Il documentario narrativo. Come inventare una storia vera". Dino Audino. 2021.

Il laboratorio si articolerà su due piani;

a) uno teorico, con i 2 modelli drammaturgici e cinematografici del corso:

- LA STRUTTURA IN TRE ATTI (che affonda nella psicologia freudiana)

- IL VIAGGIO DELL’EROE DI C. VOGLER (che affonda nella psicologia junghiana)

b) uno pratico, come si passa dall’IDEAZIONE, dallo SPUNTO che ha acceso l’IDEA iniziale, al SOGGETTO (che è L’IDEA STRUTTURATA, LA MESSA IN STORIA DELLO SPUNTO), alla SCALETTA (l’articolazione dei principali movimenti della drammaturgia, la definizione dei principali BLOCCHI NARRATIVI), al TRATTAMENTO (l’ESPLORAZIONE a tutto testo dell’universo narrativo, più vicino al romanzo: dove accadono le scene? Cosa pensa il protagonista? Si indaga in profondità; i personaggi si oggettivano altro da noi: sono vivi e autonomi. Capiamo l’ORIZZONTE MENTALE DEI PERSONAGGI), alla SCENEGGIATURA (tutte le scene, scena per scena: ciò che vi accade, i personaggi, il suo senso. È il “LUOGO” dove si lavora propriamente alla definizione del film. Dialoghi, immagini, ritmo, psicologie dei personaggi, archi narrativi qui trovano il loro compimento prima delle riprese).

Testi del corso: "Il viaggio dell'eroe", Chris Vogler, Dino Audino Editore, Roma 2005 / "Story. L'arte di scrivere storie", Robert McKee, Omero editore, Roma 2018.
Testo consigliato: "Consigli a un giovane scrittore", Vincenzo cerami, Garzanti, Milano 2002.

I temi principali trattati all’interno de corso riguarderanno:
• esame del mercato nazionale theatrical e delle dinamiche che lo muovono
• legislazione di finanziamenti per la distribuzione e l’esercizio
• l’esercizio cinematografico
• le OTT (Netflix, Amazon, Disney, ecc)
• organizzazione e strutturazione di un palinsesto televisivo
• l’identità e la funzione dei Festival di cinema
• il circuito alternativo dei circoli di cultura cinematografica
• nozioni di marketing e comunicazione

La bibliografia verrà fornita nel corso delle lezioni

1. Tutela giuridica dell'atto creativo. 2. Requisiti di tutela del prodotto intellettuale quale opera dell'ingegno. 3. Diritti patrimoniali d'autore: analisi dei diritti e delle caratteristiche principali. 4. Diritti morali d'autore: analisi dei diritti e delle caratteristiche principali. 5. Diritti d'autore e diritti connessi. 6. Autore ed artista interprete esecutore. 7. Opera cinematografica, opera musicale e opera teatrale. 8. L'editore musicale e il produttore di fonogrammi. 9. Il produttore cinematografico e dell'opera assimilata. 10. La commercializzazione dell'opera cinematografica e dell'opera assimilata. 11. L'impresario teatrale. 12. Analisi dei principali contratti del settore. 13. Gli enti mediatori del diritto d'autore e del diritto connesso.

Legislazione dello Spettacolo di A. Miccichè - Edizioni Artemide, limitatamente ai soli capitoli come di seguito indicato:

Capitoli e/o parti del libro da omettere:
cap. 5: omettere tutto; cap. 6: omettere tutto; cap. 7: studiare solo dal 7.1 al 7.10 omettere tutto il resto; cap. 8 omettere tutto; cap. 9: omettere tutto; cap. 10: omettere solo il 10.10 studiare tutto il resto; cap. 11: omettere solo l'11.6 studiare tutto il resto; cap. 13: omettere solo il 13.33 studiare tutto il resto; cap. 14: omettere solo il 14.25 e il 14.27 studiare tutto il resto; cap. 15: studiare solo il 15.1 e il 15.2 omettere tutto il resto; cap. 16: omettere solo il 16.19 e il 16.20 studiare tutto il resto.

Si intende che i capitoli non elencati vanno studiati per intero.

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Ilaria Bonomi, Edoardo Buroni (2017), "La lingua dell'opera lirica", Bologna, il Mulino.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

Il corso seguirà un percorso cronologico attraverso la storia del cinema documentario attraverso alcune parole chiave. Il percorso storiografico strutturato in maniera cronologica si articolerà attraverso alcuni snodi tematici riguardanti soprattutto le questioni etiche (rappresentabilità o irrapresentabilità di alcuni aspetti del reale) in rapporto alla realtà di partenza e all’attore sociale, la questione performativa e autoriale del cinema documentario e la questione della recezione spettatoriale. La filmografia scelta segue un percorso esemplificativo sia dal punto di vista storico che tematico.
Il corso prevede inoltre alcuni incontri con professionisti del settore documentario in modo tale da mettere gli studenti direttamente in contatto con le professioni del cinema.

Bibliografia:
Maria Cristina Lasagni, Nanook cammina ancora-Il cinema documentario, storia e teoria, Bruno Mondadori Editore, Milano, 2014

Dispense a cura della docente caricate su Moodle all’inizio del corso.

FILMOGRAFIA OBBLIGATORIA:

Robert Flaherty, Nanook of the North (1922)
Dziga Vertov, L’uomo con la macchina da presa (1929)
Joris Ivens, Regen (1929)
Vittorio De Seta, Lu tempu de li pisci spata (1954)- Isole di fuoco (1954)
Autori Vari, Amore in città (episodio Storia di Caterina) (1952)
Jean Rouch-Edgar Morin, Chronique d’un été (1960).
Cecilia Mangini, Stendalì (1960)
Gianfranco Mingozzi, La taranta (1962)
Chris Marker, Sans Soleil (1982)
Alina Marazzi, Un'ora sola ti vorrei (2002)
Werner Herzog, Grizzly Man (2005)
A.Ferrente-G.Piperno, Le cose belle (2012)
Nanni Moretti, Santiago, Italia (2018)
Sara Dosa, Fire of Love (2022)

Il corso mira a:
- fornire le nozioni fondamentali di fisica del suono e della luce;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura della luce, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura del suono, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde sonore, con particolare riferimento alla voce e agli strumenti musicali;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde luminose, con particolare riferimento alla luce artificiale;
- far comprendere i processi percettivi del suono e della luce in rapporto agli aspetti fisici e alla natura dell’orecchio e dell’occhio umano;
- illustrare i meccanismi alla base delle applicazioni tecniche del suono e della luce nel campo dello spettacolo.

Materiale fornito dal docente.

1) Tra le due guerre mondiali e i due oceani: la "Lost Generation".
"L'amore dell'ultimo milionario", Francis Scott Fitzgerald (fino a Episodio 11 compreso)
"L'autobiografia di Alice B. Toklas", Gertrude Stein (Capitolo 7, più scene discusse a lezione)
"Midnight in Paris", Woody Allen

2) Anni 50
"Morte di un commesso viaggiatore" (tutto), Arthur Miller

3) Postmodernismo
"Rumore bianco" Don DeLillo (Parte Terza, più scene discusse in classe)
"Recitatif", Toni Morrison

4) Post-postmodernismo e contemporaneità
"E Unibus Pluram: gli scrittori americani e la televisione", in "Tennis, tv, trigonometria, tornado", David Foster Wallace
"Citizen, An American Lyric", Claudia Rankine

"L'amore dell'ultimo milionario", Francis Scott Fitzgerald, Minimum Fax, 2022
"Rumore bianco", Don DeLillo, Einaudi,
"Citizen, An American Lyric", Claudia Rankine, Graywolf, 2014 (edizione originale inglese)
I restanti testi verranno forniti dalla docente

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Ilaria Bonomi, Edoardo Buroni (2017), "La lingua dell'opera lirica", Bologna, il Mulino.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

Il corso si rivolge al rapporto tra musica e immagine trattando dapprima alcuni aspetti dell’iconografia musicale, quindi concentrandosi soprattutto sulle caratteristiche che tale rapporto assume nell’audiovisione, attraverso un rapido sguardo d’insieme, storico e analitico, sul ruolo della musica in ambito cinematografico. Assumendo la relazione tra teatro d’opera e immagine come tema principale del corso, inizialmente sarà dedicata attenzione al ruolo che le immagini possono avere nel teatro d’opera sui livelli della scenografia e della regia contemporanea, poi sarà sviluppato un approfondimento sul rapporto tra opera e cinema nel XX e nel XXI secolo.

1. Mercedes Viale Ferrero, Vedere Tosca, in La Tosca di Puccini e Casa Ricordi, a cura di Ilaria Narici, Milano, Ricordi, 2004

2. Gerardo Guccini, La regia lirica, livello contemporaneo della regia teatrale, «Il castello di Elsinore», 62, (2010), pp. 83-104

3. A colloquio con Luca Ronconi, a cura di Giuseppe di Leva, in Giacomo Puccini, Tosca, programma di sala, Milano, Teatro alla Scala, 1997, pp. 207-211

4. Sergio Miceli, Musica per film. Storia, estetica – analisi, tipologie, Milano-Lucca, Ricordi-LIM, 2009, pp. 631-699 e 833-911

5. Matteo Giuggioli, Le forme dell’opera nel cinema. Sull’impiego del cinematografico del “Trovatore” tra Gallone e Visconti, in La musica fra testo, performance e media. Forme e concetti dell’esperienza musicale, a cura di Alessandro Cecchi, Roma, NeoClassica, 2019, pp. 339-355

6. Gaia Varon, L’eroismo e la sconfitta. La musica di Verdi in “Noi credevamo” di Mario Martone, in Impariamo ad ascoltare la musica classica. Percorsi interdisciplinari nella storia della musica d’arte, a cura di Chiara Sintoni, Roma, Aracne, 2013, pp. 143-162

Il corso seguirà un percorso cronologico attraverso la storia del cinema documentario attraverso alcune parole chiave. Il percorso storiografico strutturato in maniera cronologica si articolerà attraverso alcuni snodi tematici riguardanti soprattutto le questioni etiche (rappresentabilità o irrapresentabilità di alcuni aspetti del reale) in rapporto alla realtà di partenza e all’attore sociale, la questione performativa e autoriale del cinema documentario e la questione della recezione spettatoriale. La filmografia scelta segue un percorso esemplificativo sia dal punto di vista storico che tematico.
Il corso prevede inoltre alcuni incontri con professionisti del settore documentario in modo tale da mettere gli studenti direttamente in contatto con le professioni del cinema.

Bibliografia:
Maria Cristina Lasagni, Nanook cammina ancora-Il cinema documentario, storia e teoria, Bruno Mondadori Editore, Milano, 2014

Dispense a cura della docente caricate su Moodle all’inizio del corso.

FILMOGRAFIA OBBLIGATORIA:

Robert Flaherty, Nanook of the North (1922)
Dziga Vertov, L’uomo con la macchina da presa (1929)
Joris Ivens, Regen (1929)
Vittorio De Seta, Lu tempu de li pisci spata (1954)- Isole di fuoco (1954)
Autori Vari, Amore in città (episodio Storia di Caterina) (1952)
Jean Rouch-Edgar Morin, Chronique d’un été (1960).
Cecilia Mangini, Stendalì (1960)
Gianfranco Mingozzi, La taranta (1962)
Chris Marker, Sans Soleil (1982)
Alina Marazzi, Un'ora sola ti vorrei (2002)
Werner Herzog, Grizzly Man (2005)
A.Ferrente-G.Piperno, Le cose belle (2012)
Nanni Moretti, Santiago, Italia (2018)
Sara Dosa, Fire of Love (2022)

1. Tutela giuridica dell'atto creativo. 2. Requisiti di tutela del prodotto intellettuale quale opera dell'ingegno. 3. Diritti patrimoniali d'autore: analisi dei diritti e delle caratteristiche principali. 4. Diritti morali d'autore: analisi dei diritti e delle caratteristiche principali. 5. Diritti d'autore e diritti connessi. 6. Autore ed artista interprete esecutore. 7. Opera cinematografica, opera musicale e opera teatrale. 8. L'editore musicale e il produttore di fonogrammi. 9. Il produttore cinematografico e dell'opera assimilata. 10. La commercializzazione dell'opera cinematografica e dell'opera assimilata. 11. L'impresario teatrale. 12. Analisi dei principali contratti del settore. 13. Gli enti mediatori del diritto d'autore e del diritto connesso.

Legislazione dello Spettacolo di A. Miccichè - Edizioni Artemide, limitatamente ai soli capitoli come di seguito indicato:

Capitoli e/o parti del libro da omettere:
cap. 5: omettere tutto; cap. 6: omettere tutto; cap. 7: studiare solo dal 7.1 al 7.10 omettere tutto il resto; cap. 8 omettere tutto; cap. 9: omettere tutto; cap. 10: omettere solo il 10.10 studiare tutto il resto; cap. 11: omettere solo l'11.6 studiare tutto il resto; cap. 13: omettere solo il 13.33 studiare tutto il resto; cap. 14: omettere solo il 14.25 e il 14.27 studiare tutto il resto; cap. 15: studiare solo il 15.1 e il 15.2 omettere tutto il resto; cap. 16: omettere solo il 16.19 e il 16.20 studiare tutto il resto.

Si intende che i capitoli non elencati vanno studiati per intero.

Dalla grammatica cartesiana alla pragmatica del linguaggio

Il corso si propone di affrontare uno dei temi classici della filosofia del linguaggio: il dibattito tra i modelli che si ispirano alla tradizione cartesiana-razionalista e le prospettive teoriche che, facendo riferimento ai reali contesti d'uso del linguaggio, promuovono una visione fondata sugli aspetti pragmatici della comunicazione umana. L'obiettivo del corso è mostrare come tale dibattito abbia ripercussioni importanti sul tema della natura umana.

- Berwick, R. ,Chomsky N. (2016) Perché solo noi: Linguaggio ed evoluzione. Torino: Bollati Boringhieri.
- Tomasello M. (2014) Unicamente Umano: storia naturale del pensiero. Bologna: Il Mulino

Vedere, Pasolini

a) Pier Paolo Pasolini, La Divina Mimesis, Milano, Mondadori, 2019

b) Pier Paolo Pasolini, Petrolio, a cura di Walter Siti, Milano, Garzanti, 2022

c) Marco Antonio Bazzocchi, Alfabeto Pasolini, Roma, Carocci, 2022

d) Vedere, Pasolini, a cura di Andrea Cortellessa e Silvia De Laude, Vicenza, Ronzani, 2022; oppure Andrea Cortellessa, Una ragione in più per andare all’Inferno. Vedere, Pasolini, in corso di pubblicazione; oppure Marco Belpoliti, Pasolini e il suo doppio, Milano, Guanda, 2022

e) per una contestualizzazione dei testi nella storia letteraria del Novecento:
Giulio Ferroni, Storia della letteratura italiana, quarto volume: Il Novecento e il nuovo millennio, Milano, Mondadori Università, 2012

Il corso mira a:
- fornire le nozioni fondamentali di fisica del suono e della luce;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura della luce, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura del suono, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde sonore, con particolare riferimento alla voce e agli strumenti musicali;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde luminose, con particolare riferimento alla luce artificiale;
- far comprendere i processi percettivi del suono e della luce in rapporto agli aspetti fisici e alla natura dell’orecchio e dell’occhio umano;
- illustrare i meccanismi alla base delle applicazioni tecniche del suono e della luce nel campo dello spettacolo.

Materiale fornito dal docente.

A partire da un quadro indicativo degli aspetti teorici e metodologici della storia delle culture alimentari, il corso intende orientare gli studenti sui fattori economici, culturali e sociali che hanno segnato l’immaginario e l’uso del cibo nell’età contemporanea.
La prima parte del corso (6 ore) introduce gli studenti agli aspetti teorici e metodologici della storia culturale e della storia delle culture materiali. La seconda parte del corso (6 ore) affronta i cambiamenti storici di lungo periodo dell’agricoltura in età contemporanea. La terza parte del corso (18 ore) si concentra sulla storia della cultura alimentare italiana con particolare riferimento alle culture alimentari mediterranee. La quarta parte del corso (6 ore) propone tre approfondimenti sulle relazioni culturali tra cibo e società: cibo e ambiente, cibo e diseguaglianze, cibo e religioni

Principale testo di riferimento:

Alberto Capatti e Massimo Montanari, La cucina italiana. Storia di una cultura, Roma-Bari, Laterza 2017, 424 p., € 14,00.

Un libro a scelta tra:

Piero Bevilacqua, Il cibo e la terra. Agricoltura, ambiente e salute negli scenari del nuovo millennio, Roma, Donzelli, 2018, 215 pp., € 11,00.

Alberto De Bernardi, Il paese dei maccheroni. Storia sociale della pasta, Roma, Donzelli, 2019, 262 pp., € 30,00.

La prima parte del corso è dedicata a una rassegna delle principali prospettive teoriche attorno ai concetti di genere e sessualità, con particolare riguardo agli approcci del costruttivismo sociale, del femminismo intersezionale e dei queer studies.
La seconda parte intende rafforzare uno sguardo di genere sulle pratiche comunicative dei diversi ambienti mediali, con l’obiettivo di potenziare le capacità di analisi critica. Grazie ai laboratori didattici, gli studenti e le studentesse potranno analizzare differenti materiali e dispositivi mediatici sulla base di quanto appreso durante la prima parte del corso.

D. Richardson (2015), Conceptualising Gender, in V. Robinson & D. Richardson (eds), Gender and Women’s Studies, Palgrave, pp. 3-22
A. L. Tota (2008), Gender e media. Verso un immaginario sostenibile, Meltemi, Milano (Capitoli: 1, 2, 3, 4, 7, 8, 9, 10)
S. Capecchi (2014), Methodological problems in gender and media research, Qual Quant, 48, pp. 837–844

CONTROSTORIE DI UN’ITALIA PLURALE. NAPOLI E DINTORNI, DAI “FIGLI DELLA MADONNA” ALLE LOTTE DELLE “SECONDE GENERAZIONI”
Quando pensiamo alla Napoli raccontata dal cinema e dalle serie, pensiamo immediatamente a una napoletanità riconoscibile, una trama intessuta da alcuni luoghi dell’immaginario e da alcuni volti e autori di riferimento, da Totò ed Eduardo, passando per Massimo Troisi. Esiste però una Napoli negata, nascosta, subalterna, che porta le tracce vive di un passato di incontri, sopraffazioni, contaminazioni, che rinviano ai rapporti col Mediterraneo, con l’Africa ma anche con la blackness statunitense, dalla guerra di corsa al colonialismo, dalle migrazioni alla società multiculturale di oggi. Analizzeremo alcuni titoli che hanno in qualche modo contribuito a dare forma e visibilità a questa Napoli plurale, che si prolunga idealmente nel suo hinterland, dall’episodio napoletano di "Paisà" a "Il vizio della speranza" (Edoardo De Angelis, 2018), passando per "Il nero" (Giovanni Vento, 1967) che porta alla luce con una prospettiva antiessenzialista la condizione dei «figli neri della Madonna».

Filmografia (lista soggetta a revisione):
Roberto Rossellini, Paisà, ep. Napoli, 1946
Luigi Zampa, Campane a martello, 1949
Francesco De Robertis, Il mulatto, 1950
Giovanni Vento, Il nero, 1966
Guido Lombardi, Là-bas. Educazione criminale, 2011
Edoardo De Angelis, Il vizio della speranza, 2019

Finalità
Il corso intende offrire una conoscenza approfondita del quadro giuridico che regola il settore audiovisivo in Italia e in Europa e sui principi che ne sono alla base. Durante il corso verrà effettuata una ricognizione sugli attori istituzionali, sul sistema di sostegno alla filiera e verrà tracciata l’evoluzione legislativa nel nuovo contesto economico e tecnologico, alla luce del nuovo ecosistema digitale. Potranno essere invitati, alla presenza del docente, operatori del settore per illustrare casi studio e buone pratiche.
Agli studenti verranno forniti elementi e strumenti informativi tali da conoscere le procedure e l’assetto regolatorio di sostegno alle imprese e alle opere audiovisive.

Struttura del corso
Prima parte: il quadro comunitario che regola il cinema e dell’audiovisivo
1.1 La creazione del Mercato Unico Digitale e i dossier europei relativi all’audiovisivo
1.2 La revisione delle Direttiva Servizi Media Audiovisivi e cenni sulla revisione della Direttiva Copyright e del regolamento “Sat Cab”
1.3 Il programma comunitario Europa Creativa – Sotto programma Media
1.4 La convenzione europea delle coproduzioni e il Fondo Eurimages
1.5 La normativa in materia di aiuti di Stato
Seconda parte: la disciplina del cinema e dell’audiovisivo: la Legge n. 220/2018 e i decreti attuativi
2.1 La Governance e le autorità competenti: quadro complessivo. Struttura, compiti e attribuzioni della Direzione Generale Cinema e Audiovisivo del MIC
2.2 La legge n.220 del 2016: genesi, obiettivi, linee strategiche di intervento e risorse
2.3 La legge n.220 del 2016: nazionalità, soggetti e opere beneficiarie
2.4 La legge n. 220 del 2016: i sostegni selettivi alla produzione e i contributi automatici
2.5 La legge n. 220 del 2016: il sistema dei crediti di imposta alla filiera audiovisiva
2.6. Il sostegno alla promozione; festival, premi, rassegne, cineteche, associazioni e sviluppo della cultura cinematografica e audiovisiva. I 5 enti vigilati (Cinecittà, CSC, Cineteca Bologna, Museo di Torino, Biennale Cinema)
2.7 La legge n. 220 del 2016: i piani straordinari per la digitalizzazione del patrimonio e per il potenziamento delle sale
2.8 Il protocollo d’intesa MI – MIC e le iniziative per la media education
2.9 Il rapporto Stato – Regioni e il riconoscimento delle Film Commission
2.10. Le tre riforme previste dalla Legge: tutela dei minori nel settore cinematografico e audiovisivo e la classificazione delle opere; promozione delle opere cinematografiche e audiovisive: gli obblighi di programmazione e di investimento a carico dei fornitori di servizi media audiovisivi; riforma del mercato del lavoro in materia cinematografica e audiovisiva.

Il materiale verrà caricato dal docente sul canale Teams del corso

Il laboratorio sarà incentrato sull'elaborazione di prodotti audiovisivi realizzati con lo smartphone.

Nessuno. Il workshop è di natura essenzialmente pratica.

Il programma del laboratorio è strutturato in due fasi distinte: a)la parte teorica sulla scrittura - (dall'idea al soggetto fino alla stesura della sceneggiatura) - e regia - scelte visive, campi, piani e grammatica filmica, scelte sonore; b)la prova pratica con la realizzazione di un corto, di un trailer o di un teaser ( da realizzare con dispositivi digitali - smartphone, macchina fotografica e camcorder).

I testi indicati sono vivamente consigliati:
A.Bazin - Cos'è il cinema - Garzanti.

Gli studenti saranno messi in condizione di conoscere i passaggi fondamentali della comunicazione, attraverso una analisi pedagogica del linguaggio verbale e non verbale, e della relazione educativa.
Si acquisiranno:
conoscenze relative alla pedagogia della comunicazione per dar corpo ad una embodied education, con particolare riguardo al linguaggio non verbale corporeo in ambito pedagogico interculturale e inclusivo;
competenze educative relative all’uso del corpo, della danza e del teatro come elemento antropologico, politico, e di trasformazione sociale e interrogarsi sul senso dell’arte come esperienza educativa;
conoscenze di elementi legati al sapere pedagogico fondato sulla'"essere in relazione", elementi di una "pedagogia del confine" e della "risonanza", all'utilizzo della narrazione simbolica, corporea e scritta, e alle peculiarità proprie della comunicazione umana riferite all’ambito pedagogico;
conoscenze delle principali teorie sul rapporto mente-corpo in una prospettiva storica ed epistemologica,
conoscenze delle attuali prospettive delle neuroscienze relativamente all’unita' psico-corporea.

Si approfondirà in particolare il concetto di relazione empatica da un punto di vista teorico-pratico con attivazioni laboratoriali durante le lezioni.

Le lezioni adotteranno una modalità di didattica partecipata, con attività di pratica esperienziale e l'utilizzo di materiali video.

Testi di riferimento:
Boella L., (2006). Sentire l’altro. Conoscere e paraticare l’empatia. Milano: Raffaelo Cortina Editore
Prima parte
Battista F., (2021). Oltre le narrazioni dominanti. In Polenghi S., Cereda F., Zini P. (a cura di) La responsabilità della pedagogia nelle trasformazioni dei rapporti sociali, volume Siped Junior, Lecce: Pensa Multimedia.
Magnanini A., Battista F. (2021), Unicuique suum. Artistic and educational interweavings for a new culture of the body. In Italian Journal of Special Education for Inclusion. Lecce: Pensa MultiMedia.
Rosa H., (2020) Pedagogia della risonanza. Brescia; ed. Morceliana
Fontana S., Mignosi E., (2020). Le forme della multimodalità: Segni, gesti e parole in classe. In Voghera M., Maturi P, Rosi F. (a cura di), Orale e scritto, verbale e non verbale: la multimodalità nell’ora di lezione. Franco Cesati Editore (pagg. 305-318)

Uno tra i seguenti testi a scelta:
Demetrio D. (2012) Educare è narrare. Le teorie, le pratiche, la cura. Milano-Udine: Mimesis;
Parte seconda e parte quarta
Campisi E. (2018). Che cos'è la gestualità: Milano: Carocci
Ammanniti M., Stern D., a cura di (1991), Rappresentazioni e narrazioni. Bari: Laterza
Bourriaud N. (2014), Il radicante. Milano: Postmedia
fino a pag. 115
Mignosi E. (2008). La Formazione dei formatori e la danzamovimentoterapia. Palermo: Edizioni della fondazione nazionale «Vito Fazio-Allmayer»
Fino a pag 95

Verranno inoltre condivisi on line alcuni articoli o dispense parte dei testi di riferimento.

- Ideazione, fattibilità, realizzazione di sinossi, soggetto, trattamento e sceneggiatura.
- Sviluppo: risorse umane, team di lavoro, componenti artistiche.
- Presentazione del progetto artistico (“Pitching Skills”)
- Finanziabilità, film funding pubblico e privato, tax credit, tax shelter.
- Altre risorse finanziarie (“product placement”, sponsorizzazioni, associazione in partecipazione, crowdfunding, equities).
- Piano finanziario, piano della liquidità e budget.
- Il contratto di lavoro nel settore audiovisivo. Gli autori. Figure professionali, mansioni, responsabilità. Modelli di organizzazione del lavoro (Italia, Usa, Francia).
- L’attività di pre-organizzazione. Locations, Fornitori, Troupe, Cast.
- Internalizzazione ed esternalizzazione dei costi, con particolare riferimento alla Fotografia, alla Scenografia e ai Costumi
- I processi produttivi e la certificazione “green film”. I documenti del set.
- Il Piano di Lavorazione. Cardini, variabili, verifica dell’ottimizzazione finanziaria, considerazioni.
- Il Preventivo dei Costi. Capitoli di spesa, oneri “nascosti”, minimizzazione dei costi imprevisti.
- La post-produzione.
- La produzione a basso costo.
- Il Mercato audiovisivo in Italia, in Europa e nel mondo.

Il materiale di studio verrà fornito dal docente.
Inoltre si consigliano le seguenti letture (disponibili anche in formato digitale):
- From Reel to Deal: tutto il necessario per creare un film indipendente di successo - Dov SS. Simens - USA 2004
- Surviving Production: The Art of Production Management - DS Patz - 1997
- Location Scouting and Management Handbook: Television, Film and Still Photography - R. Maier 1994
- Riprese in esterni: la logistica delle riprese in esterni, qualunque sia il tuo budget o esperienza - Kathy M. Mc Curdy - 2011
- Cinema digitale: la rivoluzione nella cinematografia, postproduzione e distribuzione - B. McKernan - 2005
- Gestione della produzione cinematografica: come preventivare, organizzare e girare il tuo film - Bastian Cleve - 2017
- Mediasalles - Rapporto Cinema 2018
- Mediasales - DiGiTalk 2016
- Pubblicazioni presenti sul sito ANICA (CCNL Audiovisivo - Dati sul cinema italiano - Leggi e decreti)

Il laboratorio intende fornire una panoramica di quelle che sono le fasi della post-produzione audiovisiva, dall'acquisizione del materiale alla finalizzazione del prodotto, passando per la sua elaborazione, con un focus particolare sul ruolo del coordinatore della post-produzione e sulla gestione di un flusso di lavoro produttivo, che coinvolge figure professionali come quella del montatore, del colorist, del vfx artist e del sound designer.

Parallelamente il laboratorio intende fornire, principalmente attraverso l'utilizzo del software dedicato Blackmagic DaVinci Resolve, nozioni tecniche sui seguenti argomenti:
- spoglio tecnico di una sceneggiatura per i reparti di post-produzione;
- acquisizione e archiviazione del materiale;
- impostazione del progetto e creazione dei proxy;
- editing video;
- color correction e color grading;
- visual effects;
- compositing;
- motion graphics;
- sound editing;
- finalizzazione e export del prodotto.

In considerazione della natura del laboratorio non sono previsti testi di riferimento.

La definizione della propria identità artistica in rapporto al settore di riferimento
Analisi di marketing
Analisi delle competenze di autopromozione
Materiale promozionale e strategie di comunicazione
PR
Strategie di ufficio stampa
Project management
Business plan
Social media management
Crowdfunding
Time management
La definizione della propria identità artistica in rapporto al settore di riferimento
Analisi di marketing
Analisi delle competenze di autopromozione
Materiale promozionale e strategie di comunicazione
PR
Rapporti con giornalisti, critici, direttori artistici
Strategie di ufficio stampa
Project management
Business plan
Social media management
Crowdfunding
Time management

A. Osterwalder, Yves Pigneur, Greg Bernarda, Alan Smith "Value Proposition Design", Edizioni LSWR
E. De Bono "Buona Idea. Esercizi per il pensiero creativo", Erickson
P. Kotler "Marketing 5.0", HOEPLI

- Ideazione, fattibilità, realizzazione di sinossi, soggetto, trattamento e sceneggiatura.
- Sviluppo: risorse umane, team di lavoro, componenti artistiche.
- Presentazione del progetto artistico (“Pitching Skills”)
- Finanziabilità, film funding pubblico e privato, tax credit, tax shelter.
- Altre risorse finanziarie (“product placement”, sponsorizzazioni, associazione in partecipazione, crowdfunding, equities).
- Piano finanziario, piano della liquidità e budget.
- Il contratto di lavoro nel settore audiovisivo. Gli autori. Figure professionali, mansioni, responsabilità. Modelli di organizzazione del lavoro (Italia, Usa, Francia).
- L’attività di pre-organizzazione. Locations, Fornitori, Troupe, Cast.
- Internalizzazione ed esternalizzazione dei costi, con particolare riferimento alla Fotografia, alla Scenografia e ai Costumi
- I processi produttivi e la certificazione “green film”. I documenti del set.
- Il Piano di Lavorazione. Cardini, variabili, verifica dell’ottimizzazione finanziaria, considerazioni.
- Il Preventivo dei Costi. Capitoli di spesa, oneri “nascosti”, minimizzazione dei costi imprevisti.
- La post-produzione.
- La produzione a basso costo.
- Il Mercato audiovisivo in Italia, in Europa e nel mondo.

Il materiale di studio verrà fornito dal docente.
Inoltre si consigliano le seguenti letture (disponibili anche in formato digitale):
- From Reel to Deal: tutto il necessario per creare un film indipendente di successo - Dov SS. Simens - USA 2004
- Surviving Production: The Art of Production Management - DS Patz - 1997
- Location Scouting and Management Handbook: Television, Film and Still Photography - R. Maier 1994
- Riprese in esterni: la logistica delle riprese in esterni, qualunque sia il tuo budget o esperienza - Kathy M. Mc Curdy - 2011
- Cinema digitale: la rivoluzione nella cinematografia, postproduzione e distribuzione - B. McKernan - 2005
- Gestione della produzione cinematografica: come preventivare, organizzare e girare il tuo film - Bastian Cleve - 2017
- Mediasalles - Rapporto Cinema 2018
- Mediasales - DiGiTalk 2016
- Pubblicazioni presenti sul sito ANICA (CCNL Audiovisivo - Dati sul cinema italiano - Leggi e decreti)

Il laboratorio intende fornire una panoramica di quelle che sono le fasi della post-produzione audiovisiva, dall'acquisizione del materiale alla finalizzazione del prodotto, passando per la sua elaborazione, con un focus particolare sul ruolo del coordinatore della post-produzione e sulla gestione di un flusso di lavoro produttivo, che coinvolge figure professionali come quella del montatore, del colorist, del vfx artist e del sound designer.

Parallelamente il laboratorio intende fornire, principalmente attraverso l'utilizzo del software dedicato Blackmagic DaVinci Resolve, nozioni tecniche sui seguenti argomenti:
- spoglio tecnico di una sceneggiatura per i reparti di post-produzione;
- acquisizione e archiviazione del materiale;
- impostazione del progetto e creazione dei proxy;
- editing video;
- color correction e color grading;
- visual effects;
- compositing;
- motion graphics;
- sound editing;
- finalizzazione e export del prodotto.

In considerazione della natura del laboratorio non sono previsti testi di riferimento.

La definizione della propria identità artistica in rapporto al settore di riferimento
Analisi di marketing
Analisi delle competenze di autopromozione
Materiale promozionale e strategie di comunicazione
PR
Strategie di ufficio stampa
Project management
Business plan
Social media management
Crowdfunding
Time management
La definizione della propria identità artistica in rapporto al settore di riferimento
Analisi di marketing
Analisi delle competenze di autopromozione
Materiale promozionale e strategie di comunicazione
PR
Rapporti con giornalisti, critici, direttori artistici
Strategie di ufficio stampa
Project management
Business plan
Social media management
Crowdfunding
Time management

A. Osterwalder, Yves Pigneur, Greg Bernarda, Alan Smith "Value Proposition Design", Edizioni LSWR
E. De Bono "Buona Idea. Esercizi per il pensiero creativo", Erickson
P. Kotler "Marketing 5.0", HOEPLI

Muovendo da un testo Isaiah Berlin sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

I. Berlin, Le radici del romanticismo, Milano, Adelphi, 2001
A. Breton, Nadja, Torino, Einaudi, 2007
V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2019

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Ilaria Bonomi, Edoardo Buroni (2017), "La lingua dell'opera lirica", Bologna, il Mulino.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

Il corso indaga i nessi concettuali che collegano l’arte alla morale. Non è immediatamente chiaro perché si possa parlare di morale in riferimento all’arte. Perché l’arte ha a che fare la morale? Verranno esaminati gli aspetti teorici principali della relazione tra arte e morale: 1. Agire morale dell’artista in un dominio professionale: etica professionale degli artisti; 2. Il valore etico e socio-culturale del fare arte e dell’arte; le ripercussioni educative di chi si approccia professionalmente a una carriera artistica.
Verranno analizzati in particolare gli aspetti morali dell’agire artistico, soprattutto nell’arte della musica classica occidentale con spartito, attraverso il punto di vista di alcuni grandi interpreti e direttori d’orchestra e il contributo teorico di autorevoli pensatori della filosofia della musica che faranno da guida nella riflessione sul nesso tra arte interpretativa e morale in musica.
Alla fine del corso lo studente sarà in grado di:
(1) conoscere e distinguere le principali questioni etiche legate al fare arte;
(2) analizzare e comprendere testi di argomento etico ed estetico legati all’arte visiva e performativa;
(3) esporre con proprietà di linguaggio e capacità argomentativa le diverse posizioni teoriche e critiche trattate nel corso.

Kivy, P. (2007), Filosofia della musica. Un’introduzione. A cura di Alessandro Bertinetto, Einaudi (cap. XII).
Barenboim, D. (2018), La musica è un tutto. Etica ed estetica, trad. it. E. Girardi, Feltrinelli (26 pagine).
Giombini, L. Etica per gli artisti. Una brevissima introduzione ( Dispensa, 12 pagine).


I testi saranno caricati sul sistema Moodle a disposizione degli studenti.

Il corso prende in esame il rapporto tra l’arte del movimento e il movimento delle immagini, esplorando il dialogo tra il linguaggio della danza e quello del video nella gamma di relazioni che vanno dalla documentazione alla creazione artistica, dalla danza nel film alle immagini come elemento drammaturgico. Nell’arco cronologico che va dalla seconda metà del Novecento fino alle esperienze contemporanee, il modulo si basa sulla visione, l’analisi, il commento e lo studio dei principali casi di danza in video.

Videografia:

Maya Deren, Dance Films
Maurice Bejart, Bolero – Le sacre du Printemps
Pina Bausch, Café Muller
Wim Wenders, Pina
Pier Francesco Aiello, Dancing Dreams. Sui passi di Pina Bausch
Bartabas/Ko Murobushi - Le centaure et l'animal
Masaki Iwana, Vermilion Souls
La La La Human Steps - Amelia
Tomer Heymann, Mr. Gaga. Anima e corpo di un genio della danza
Teatro Akropolis, La parte maledetta. Viaggio ai confini del teatro. Paola Bianchi

Nel corso delle lezioni altri video e materiali d’archivio saranno proiettati e, laddove possibile, messi a disposizione degli studenti non frequentanti.

Testi per l’esame:
- Alessandro Amaducci, Screendance. Sperimentazioni visive intorno al corpo tra film, video e computer grafica, Kaplan, Torino 2020
- Dispense a cura della docente

studio di programmi di Montaggio con particolare attenzione alla suite di DaVinci Resolve

Dispense a cura del docente

Si offre un profilo sul sonoro nell'audiovisivo, trattandone questioni storiche, teoriche, analitiche, tecnologiche e produttive. Si illustra più specificamente il processo di sonorizzazione di un prodotto audiovisivo (film, TV, spot, ecc.) nelle sue varie fasi e tecniche (ideazione, produzione, postproduzione, registrazione, montaggio, missaggio). Si stimolano gli/le studenti/esse a compiere un lavoro creativo (con esercitazioni in aula) e si forniscono nozioni utili a scegliere quali suoni inserire nel filmato, ottenerli, crearli, montarli e missarli. Si pone particolare attenzione alle modalità con cui il suono può contribuire all'impianto formale complessivo dell'opera e alla veicolazione di significato, nonché alle sue interrelazioni con la sfera narrativa. Si ragiona sul tema dello stile sonoro e sulle relative pratiche, in particolare nel contesto della circolazione e della fruizione di prodotti audio e audiovisivi nel web.

DA CONFERMARE

Simone Corelli, Stefano Mainetti, Gilberto Martinelli, "Dialoghi, Musica, Effetti: il Suono nell'Audiovisivo", Lambda, Roma 2021.

Il laboratorio verterà sui seguenti nuclei tematici:
Immagine-documento e immagine-memoria, telecamera, cameraman e corpo del performer, "montaggio" del corpo e "corpo" del montaggio.
Durante il laboratorio verranno enucleati - prima teoricamente, poi attraverso esercitazioni pratiche e infine attraverso un progetto finalizzato ad elaborare un prodotto finito - i momenti chiave della progettazione, realizzazione e diffusione di un prodotto audiovisivo per lo spettacolo dal vivo.
Il laboratorio mira ad stimolare una riflessione sulle immagini fotografiche e audiovisive come documento dell'opera performativa, ma anche come strumento del pensiero critico ed espressivo.
Le varie fasi del lavoro saranno affrontate sia dal punto di vista metodologico e tecnico che attraverso l'approfondimento delle questioni teoriche fondamentali sui linguaggi di documentazione in video e fotografia di arte performativa, anche attraverso l'analisi di esempi concreti di maestri ed esperti. Durante il laboratorio gli studenti saranno guidati alla progettazione e realizzazione di un elaborato finale di carattere audiovisivo. Contenuti e modalità del progetto audiovisivo verranno stabiliti dal docente tenendo conto, previo colloquio preliminare, del livello medio di competenze/conoscenze di base dei partecipanti al gruppo di lavoro.

Elenco dei documentazione di riferimento e testi in via di preparazione.

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Ilaria Bonomi, Edoardo Buroni (2017), "La lingua dell'opera lirica", Bologna, il Mulino.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

studio di programmi di Montaggio con particolare attenzione alla suite di DaVinci Resolve

Dispense a cura del docente

Si offre un profilo sul sonoro nell'audiovisivo, trattandone questioni storiche, teoriche, analitiche, tecnologiche e produttive. Si illustra più specificamente il processo di sonorizzazione di un prodotto audiovisivo (film, TV, spot, ecc.) nelle sue varie fasi e tecniche (ideazione, produzione, postproduzione, registrazione, montaggio, missaggio). Si stimolano gli/le studenti/esse a compiere un lavoro creativo (con esercitazioni in aula) e si forniscono nozioni utili a scegliere quali suoni inserire nel filmato, ottenerli, crearli, montarli e missarli. Si pone particolare attenzione alle modalità con cui il suono può contribuire all'impianto formale complessivo dell'opera e alla veicolazione di significato, nonché alle sue interrelazioni con la sfera narrativa. Si ragiona sul tema dello stile sonoro e sulle relative pratiche, in particolare nel contesto della circolazione e della fruizione di prodotti audio e audiovisivi nel web.

DA CONFERMARE

Simone Corelli, Stefano Mainetti, Gilberto Martinelli, "Dialoghi, Musica, Effetti: il Suono nell'Audiovisivo", Lambda, Roma 2021.

Il laboratorio verterà sui seguenti nuclei tematici:
Immagine-documento e immagine-memoria, telecamera, cameraman e corpo del performer, "montaggio" del corpo e "corpo" del montaggio.
Durante il laboratorio verranno enucleati - prima teoricamente, poi attraverso esercitazioni pratiche e infine attraverso un progetto finalizzato ad elaborare un prodotto finito - i momenti chiave della progettazione, realizzazione e diffusione di un prodotto audiovisivo per lo spettacolo dal vivo.
Il laboratorio mira ad stimolare una riflessione sulle immagini fotografiche e audiovisive come documento dell'opera performativa, ma anche come strumento del pensiero critico ed espressivo.
Le varie fasi del lavoro saranno affrontate sia dal punto di vista metodologico e tecnico che attraverso l'approfondimento delle questioni teoriche fondamentali sui linguaggi di documentazione in video e fotografia di arte performativa, anche attraverso l'analisi di esempi concreti di maestri ed esperti. Durante il laboratorio gli studenti saranno guidati alla progettazione e realizzazione di un elaborato finale di carattere audiovisivo. Contenuti e modalità del progetto audiovisivo verranno stabiliti dal docente tenendo conto, previo colloquio preliminare, del livello medio di competenze/conoscenze di base dei partecipanti al gruppo di lavoro.

Elenco dei documentazione di riferimento e testi in via di preparazione.