Titolo: Il problema dell'espressività musicale
Il programma riguarderà le seguenti questioni:
In che modo la musica può essere espressiva di emozioni?
Come spiegare le nostre risposte emotive alla musica?
Che tipo di emozioni sono quelle generate dall'ascolto musicale?
Come possiamo giustificare l’attribuzione di qualità espressive alla musica?
Cosa intendiamo quando diciamo, per esempio, che una certa musica è triste, gioiosa, malinconica?
Le descrizioni della musica in termini emotivi sono descrizioni letterali o metaforiche?

Hanslick, E., Il bello musicale, Aesthetica, Palermo 2007.
Langer, S., Filosofia in una nuova chiave, Ramando editore, Roma, 1972 (cap. 8: Sul significato in musica).
Lentini, D., La musica e le emozioni. Percorsi nell’estetica analitica, Mimesis, Milano, 2014.
Kivy, P., Filosofia della musica. Un’introduzione, Einaudi, Torino, 2007.

Muovendo da un testo Isaiah Berlin sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

I. Berlin, Le radici del romanticismo, Milano, Adelphi, 2001
A. Breton, Nadja, Torino, Einaudi, 2007
V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2019

LO SGUARDO DELLA MODERNITÀ

Il corso analizza sviluppi storici e personalità cruciali delle arti visive della modernità – dalle avanguardie storiche e fino agli anni Sessanta del XX Secolo –, mettendo a fuoco temi come la relazione con la tecnica e i nuovi media (fotografia, cinema, televisione), con l’inconscio e il corpo, la dialettica tra visibile e invisibile, il rapporto con gli spazi naturali e urbani, ecc. L’analisi di queste tematiche fornirà altresì la metodologia di base per lo studio della storia dei diversi linguaggi che caratterizzano l’arte del Novecento, fornendo gli strumenti critici indispensabili alla lettura di diverse tipologie di opere d’arte.

• Federica Rovati, L’arte del primo Novecento, Einaudi 2015

Altri testi e letture consigliate verranno qui indicati al termine delle lezioni.

Poetiche e politiche dello sguardo

Il corso analizza poetiche e snodi cruciali delle arti visive della modernità – dall’impressionismo alle avanguardie storiche, fino agli anni Sessanta del XX Secolo –, mettendo a fuoco temi come l’atto del vedere, il dispositivo dello sguardo, il soggetto osservatore, la dialettica tra il visibile e l’invisibile.
L’analisi di queste tematiche fornirà il necessario approccio metodologico allo studio dei linguaggi che caratterizzano l’arte contemporanea e gli strumenti indispensabili alla lettura delle diverse tipologie di opere d’arte.

Testi di carattere generale

1) F. Rovati, L’arte del primo Novecento, Einaudi, Torino 2015
2) D. Riout, L’arte del ventesimo secolo. Protagonisti, temi, correnti, Einaudi, Torino 2002


3) Letture di approfondimento


• J. Crary, Le tecniche dell’osservatore, Einaudi 2013, IV capitolo, pp. 102-140 / - J. Crary, Techniques of the Observer. On Vision and Modernity in the Nineteenth, The MIT Press, Massachusetts 1990, IV, pp. 97-137
• V.I. Stoichita, Dello sguardo ostacolato. Per una storia dell’Impressionismo, in “Annali della Fondazione Europea del Disegno”, Il Melangolo, Genova 2009, pp. 65-87 [PDF fornito dalla docente]
• V.I. Stoichita, La pittura impressionista vista da e con Schapiro: Caillebotte e l’intreccio visivo, in Meyer Schapiro e i metodi della storia dell’arte, a cura di L. Bortolotti, C. Cieri Via, M.G. Di Monte, M. Di Monte, Mimesis Edizioni, Milano – Udine 2010, pp. 105-113 [PDF fornito dalla docente]


4). Raccolta online delle immagini proiettate a lezione (disponibile a fine del corso)

Le prime lezioni vedranno una interazione fra docente e student* per la presentazione e l'analisi di immagini fotografiche. Si procederà poi parallelamente con una serie di lezioni tematiche, durante le quali saranno affrontati alcuni tipi di fotografia (ad esempio: fotografia di moda, street photography, ritratto, remix, fotografia politica ecc.). La seconda parte di ciascuna lezione sarà dedicata alla creazione di progetti fotografici di gruppo, che saranno presentati negli ultimi incontri.

Walter Benjamin, L’opera d’arte nell’epoca della sua riproducibilità tecnica e Piccola storia della fotografia, in L’opera d’arte nell’epoca della sua riproducibilità tecnica: arte e società di massa, Einaudi, Torino 2000, pp. 17-56 e 57-78.
Saggi scelti dalla docente tratti da Fotografia e culture visuali del XXI secolo, a cura di Enrico Menduni e Lorenzo Marmo in collaborazione con Giacomo Ravesi, Roma TrE-Press, Roma 2018. Il volume è disponibile online al link http://romatrepress.uniroma3.it/libro/fotografia-e-culture-visuali-del-xxi-secolo/.

Titolo: Il problema dell'espressività musicale
Il programma riguarderà le seguenti questioni:
In che modo la musica può essere espressiva di emozioni?
Come spiegare le nostre risposte emotive alla musica?
Che tipo di emozioni sono quelle generate dall'ascolto musicale?
Come possiamo giustificare l’attribuzione di qualità espressive alla musica?
Cosa intendiamo quando diciamo, per esempio, che una certa musica è triste, gioiosa, malinconica?
Le descrizioni della musica in termini emotivi sono descrizioni letterali o metaforiche?

Hanslick, E., Il bello musicale, Aesthetica, Palermo 2007.
Langer, S., Filosofia in una nuova chiave, Ramando editore, Roma, 1972 (cap. 8: Sul significato in musica).
Lentini, D., La musica e le emozioni. Percorsi nell’estetica analitica, Mimesis, Milano, 2014.
Kivy, P., Filosofia della musica. Un’introduzione, Einaudi, Torino, 2007.

Muovendo da un testo Isaiah Berlin sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

I. Berlin, Le radici del romanticismo, Milano, Adelphi, 2001
A. Breton, Nadja, Torino, Einaudi, 2007
V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2019

- Le fonti e i princípi del diritto dello spettacolo.
- I soggetti che operano nel mondo dello spettacolo.
- L’oggetto della tutela e la nozione giuridica di arte.
- Artisti e diritto del lavoro.
- L’organizzazione del mercato dello spettacolo e gli incentivi economici per il settore.
- La contrattualistica nel settore cinematografico.
- La contrattualistica per gli artisti di teatro.
- La contrattualistica del mercato discografico.
- La tutela del diritto d’autore.
- Il diritto di autore e la tutela degli artisti nel settore delle nuove tecnologie.

F. DELL'AVERSANA (a cura di), Manuale di diritto delle arti e dello spettacolo, 2a edizione, PM Edizioni, Roma, 2020 (disponibile anche in e-book), limitatamente ai seguenti Capitoli: I, II, III, IV, V, IX, X, XIII, XVI.

In alternativa e/o per un approfondimento dei temi trattati a lezione:

E. BATTELLI (a cura di), Diritto privato dello spettacolo. Opere, contratti, tutele, Giappichelli, Torino, 2020 (intero).

Pensare l’affettività: passioni ed emozioni tra filosofia e scienza

Il corso prenderà in esame il tema dell’affettività attraverso l’analisi di alcuni testi classici della letteratura filosofica sulle passioni e alcune più recenti teorie scientifiche sulle emozioni. Si cercherà di indagare i nodi problematici riguardo alla determinazione della dimensione affettiva da una prospettiva interdisciplinare che intreccia filosofia, psicologia e scienze cognitive.

Modulo A (6 CFU)
Il programma del Modulo A verterà sui seguenti argomenti:
- Introduzione ai significati storico-teoretici delle nozioni di passione ed emozione
- Esposizione della teoria cartesiana delle passioni
- Esposizione della trattazione humeana delle passioni
- Analisi del tema dell’affettività nel pensiero filosofico

Modulo A

R. Cartesio, Le passioni dell’anima, Bompiani 2003
D. Hume, Trattato sulla natura umana, Laterza 2008, pp. 289-476
G. Baggio, G. Quinzi (a cura di), Pensare l’affettività, Rosenberg & Sellier 2021 [Introduzione, capitoli 1-3]

Testi consigliati

G. Mori, Cartesio, Carocci 2010
A. Santucci, Introduzione a Hume, Laterza 2005

Incontri di studio e incontri laboratoriali dedicati a specifici ambiti del teatro di figura inquadrati da studiosi, artisti e maestri sia dal punto di vista storiografico sia da quello dell’attuale pratica scenica. “Marionette, burattini, ombre e fantocci tra Oriente e Occidente”: questi gli argomenti degli incontri di questo corso, incontri con studiosi e, sopratutto con i maestri di queste tradizioni teatrali.
L’obiettivo è quello di esaminare la realtà “viva” del teatro di figura, le sue possibilità espressive e, insieme, le grandi tradizioni che in esso sono contenute e che oggi vivono rinnovandosi. Tradizioni e mestieri, dunque, ma anche storia e attualità di un teatro vivo. Teatro materiale e insieme teatro della storia e della memoria.

STUDENTI FREQUENTANTI (per essere considerato frequentante lo studente non potrà fare più di 2 assenze):
1) Alfonso Cipolla, Giovanni Moretti, Storia dei burattini e delle marionette in Italia, Corazzano, Titivillus, 2011
2) Mariano Dolci, Vito Minoia, Il burattino sulla scena educativa, Urbino, Edizioni Nuove Catarsi, 2020 (per informazioni sulla distribuzione del volume si rimanda al sito www.edizioninuovecatarsi.org)
3) altri testi e/o materiali da CONCORDARE CON LA DOCENTE nel corso delle lezioni (sarà possibile diversificare i temi di studio scegliendo tra gli argomenti affrontati a lezione). I materiali sono nella sezione file del TEAM - cartella “Dispense FREQUENTANTI Tradizioni, mestieri, teatro vivo 21.22”


STUDENTI NON FREQUENTANTI:
1) Alfonso Cipolla, Giovanni Moretti, Storia dei burattini e delle marionette in Italia, Corazzano, Titivillus, 2011
2) Mariano Dolci, Vito Minoia, Il burattino sulla scena educativa, Urbino, Edizioni Nuove Catarsi, 2020 (per informazioni sulla distribuzione del volume si rimanda al sito www.edizioninuovecatarsi.org)
3) Giorgio Agamben, Pulcinella ovvero Divertimento per li regazzi, Roma, ed. nottetempo, edizione aggiornata del 2016
3a) video: BRUNO LEONE e GIORGIO AGAMBEN, Sulla filosofia di Pulcinella [https://youtu.be/ySrmOxieVVQ]

Introduzione generale. Gli elementi fondamentali. Metodi e tecniche. Il lavoro di campo.
Attualità dell’antropologia: chi sono gli altri; migrazioni; le società tradizionali; le società e le culture nel mondo globalizzato.
Un corso di formazione primaria utile a insegnanti, docenti, operatori sociali.

Lo studente sarà messo a confronto con dei casi studio da approfondire e analizzare.

Ugo Fabietti, Vincenzo Matera, Etnografie. Scritture e rappresentazioni dell’antropologia, Carocci.

Il corso intende fornire un panorama delle principali questioni di estetica del cinema e dei media. In particolare, si prenderanno in considerazione sia autori e tendenze storicamente rilevanti, sia metodologie e problemi più recenti.
Il programma del corso sarà articolato in due tappe ideali. Nella prima si prenderanno in considerazione i principali approcci all’estetica del cinema e dei media emersi nel corso del Novecento fino al postmoderno; nella seconda parte si affronterà la condizione contemporanea "postmediale". Una particolare attenzione sarà portata sulle nozioni di “schermo” e di “dispositivo”.

1) Andrea Pinotti, Antonio Somaini, *Cultura visuale. Immagini sguardi media dispositivi*, Einaudi, Torino 2016
2) Luca Malavasi, *Postmoderno e cinema. Nuove prospettive di analisi*, Carocci, Roma 2017
3) Ruggero Eugeni, *Capitale algoritmico. Cinque dispositivi postmediali (più uno)*, Morcelliana, Brescia 2021

10 gennaio 2022

Scelta del punto di vista da adottare per raccontare il personaggio.
Come procedere nella stesura di una sceneggiatura-trattamento per il cinema documentario ed esercitazioni con visione di estratti da una selezione di film documentari.
Le diverse metodologie da adottare per realizzare un film documentario rispetto ai soggetti e alle loro storie: l’approccio più analitico di studio e conoscenza approfondita del personaggio prima dell’inizio delle riprese e l’approccio più in presa diretta alla scoperta del personaggio e della storia insieme alla telecamera. Esercitazioni a partire dalle storie individuate dai partecipanti.

11 gennaio 2022

Sulla base del punto di vista adottato e del linguaggio utilizzato, scelta dell'equipaggiamento tecnico di ripresa, del suono e della troupe necessaria per la realizzazione del film documentario.
Tecniche di ripresa: formati, obiettivi, e accessori. Sono previste esercitazioni pratiche a partire dalle logline inviate dagli studenti.

12 gennaio 2022

Riprese: macchina a mano, cavalletto e steadycam. Come, perché e quando usarli. Sono previste esercitazioni pratiche.
Le scene, come impostare le riprese e perché. Tagli e inquadrature.
Le sequenze cinematografiche, come approcciarle e quale grammatica utilizzare. Scelte espressive e scelte estetiche.

13 gennaio 2022

Il suono, tra riprese, montaggio e mix audio.
Il montaggio: cos'è e come affrontarlo. Dalla scelta e la messa in fila dei materiali, alla vera e propria riscrittura e ricerca drammaturgia attraverso le immagini.
Post-produzione, musica, titoli ed effetti. L’importanza invisibile di un’accurata finalizzazione.

14 gennaio 2022

Riflessioni finali sui soggetti proposti dagli studenti e sulla scheda del progetto sviluppata da ciascuno nel corso del laboratorio, in preparazione delle esercitazioni da realizzare in vista dell’idoneità.

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Il corso affronta i processi e le principali problematiche dell’età contemporanea e alcuni aspetti di metodo della ricerca storica, con particolare riferimento alla funzione e all’uso delle nuove fonti. La parte conclusiva è dedicata alla Storia dell'Italia repubblicana.
La prima parte del corso (6 ore) introduce gli studenti al significato della conoscenza storica, all’uso pubblico della storia, al valore della memoria sociale e alle periodizzazioni. La seconda parte del corso (6 ore) delinea i cambiamenti storici che conducono all’età contemporanea: la creazione dello Stato-nazione, le rivoluzioni industriali, la struttura sociale, la “globalizzazione”. La terza parte del corso (18 ore) si concentra sui quattro periodi affrontati: il laboratorio dell’età contemporanea (1870-1914), l’età della catastrofe (1914-1945), l’età d’oro del capitalismo (1945-1968) e l’età della transizione (1968-1991). La parte conclusiva (6 ore) è dedicata alla Storia dell'Italia repubblicana.

- Manuale di storia contemporanea, uno a scelta:

per gli studenti con scarse basi scolastiche:
G. Monina, F. Motta, S. Pavone, E. Taviani, "Processo Storico", vol. 3, "Dal Novecento a oggi", Torino, Loescher Editore, 2017, p. 740, € 32,90

per gli studenti con basi scolastiche più solide:
L. Caracciolo, A. Roccucci, "Storia contemporanea. Dal mondo europeo al mondo senza centro (1848-2016)", Milano, Mondadori education, 2017, pp. 800, € 38,00

Testo monografico, uno a scelta fra:
A. Giovagnoli, "La Repubblica degli italiani (1946-2016)", Roma-Bari, Laterza, 2016, € 24,00
G. Crainz, "Storia della Repubblica", Roma, Donzelli, 2016, € 27,00

FILMOGRAFIA: uno a scelta tra - Der Triumph des Willens (Il trionfo della volontà, Germania 1935) di Leni Riefenstahl - Senso (Italia 1954) di Luchino Visconti - Paths of Glory (Orizzonti di gloria, USA 1957) di Stanley Kubrick - Una vita difficile (Italia 1961) di Dino Risi - Uomini contro (Italia 1971) di Francesco Rosi.

Il corso intende approfondire le tematiche principali della storia moderna, con un’attenzione particolare alle categorie storiografiche, all'utilizzo e alla critica delle fonti e agli orientamenti interpretativi. I diversi aspetti politici, culturali, sociali, economici e religiosi dei secoli dell'età moderna (dal XV al XIX) verranno declinati in una dimensione locale e globale insieme, con uno sguardo attento alle relazioni tra penisola italiana, continente europeo e realtà extraeuropee.

Gli studenti si prepareranno all'esame sui seguenti testi:

A) G. Dall'Olio, Storia moderna. I temi e le fonti, Roma, Carocci
(studiare le introduzioni di ogni sezione e leggere i documenti)

B) Un manuale universitario a scelta tra:
C. Capra, Storia moderna (1492-1848), Firenze, Le Monnier
R. Ago - V. Vidotto, Storia moderna, Roma - Bari, Laterza
L. Mascilli Migliorini. L’età moderna. Una storia globale, Roma - Bari, Laterza

Il corso affronta i processi e le principali problematiche dell’età contemporanea e alcuni aspetti di metodo della ricerca storica, con particolare riferimento alla funzione e all’uso delle nuove fonti. La parte conclusiva è dedicata alla Storia dell'Italia repubblicana.
La prima parte del corso (6 ore) introduce gli studenti al significato della conoscenza storica, all’uso pubblico della storia, al valore della memoria sociale e alle periodizzazioni. La seconda parte del corso (6 ore) delinea i cambiamenti storici che conducono all’età contemporanea: la creazione dello Stato-nazione, le rivoluzioni industriali, la struttura sociale, la “globalizzazione”. La terza parte del corso (18 ore) si concentra sui quattro periodi affrontati: il laboratorio dell’età contemporanea (1870-1914), l’età della catastrofe (1914-1945), l’età d’oro del capitalismo (1945-1968) e l’età della transizione (1968-1991). La parte conclusiva (6 ore) è dedicata alla Storia dell'Italia repubblicana.

- Manuale di storia contemporanea, uno a scelta:

per gli studenti con scarse basi scolastiche:
G. Monina, F. Motta, S. Pavone, E. Taviani, "Processo Storico", vol. 3, "Dal Novecento a oggi", Torino, Loescher Editore, 2017, p. 740, € 32,90

per gli studenti con basi scolastiche più solide:
L. Caracciolo, A. Roccucci, "Storia contemporanea. Dal mondo europeo al mondo senza centro (1848-2016)", Milano, Mondadori education, 2017, pp. 800, € 38,00

Testo monografico, uno a scelta fra:
A. Giovagnoli, "La Repubblica degli italiani (1946-2016)", Roma-Bari, Laterza, 2016, € 24,00
G. Crainz, "Storia della Repubblica", Roma, Donzelli, 2016, € 27,00

FILMOGRAFIA: uno a scelta tra - Der Triumph des Willens (Il trionfo della volontà, Germania 1935) di Leni Riefenstahl - Senso (Italia 1954) di Luchino Visconti - Paths of Glory (Orizzonti di gloria, USA 1957) di Stanley Kubrick - Una vita difficile (Italia 1961) di Dino Risi - Uomini contro (Italia 1971) di Francesco Rosi.

Il corso intende approfondire le tematiche principali della storia moderna, con un’attenzione particolare alle categorie storiografiche, all'utilizzo e alla critica delle fonti e agli orientamenti interpretativi. I diversi aspetti politici, culturali, sociali, economici e religiosi dei secoli dell'età moderna (dal XV al XIX) verranno declinati in una dimensione locale e globale insieme, con uno sguardo attento alle relazioni tra penisola italiana, continente europeo e realtà extraeuropee.

Gli studenti si prepareranno all'esame sui seguenti testi:

A) G. Dall'Olio, Storia moderna. I temi e le fonti, Roma, Carocci
(studiare le introduzioni di ogni sezione e leggere i documenti)

B) Un manuale universitario a scelta tra:
C. Capra, Storia moderna (1492-1848), Firenze, Le Monnier
R. Ago - V. Vidotto, Storia moderna, Roma - Bari, Laterza
L. Mascilli Migliorini. L’età moderna. Una storia globale, Roma - Bari, Laterza

Facoltà del linguaggio e lingue storico-naturali

Testi F. de Saussure, Corso di linguistica generale, Laterza (da acquistare), limitatamente alle seguenti parti:
Introduzione, capp. II-V; Parte prima. Principi generali, capp. I-III (del capitolo III soltanto i paragrafi 1 e 4); Parte seconda. Linguistica sincronica, capp. I-VI; Parte terza. Linguistica diacronica, capp. IV-V.
L. Wittgenstein, Ricerche filosofiche, Einaudi (da acquistare), limitatamente alle seguenti parti:
Prefazione dell’autore; §§ 1-32, 65-98, 198-207, 243-265. Agli studenti non frequentanti si consiglia di consultare il libro di Marco Mazzeo, Le onde del linguaggio. Una guida alle Ricerche filosofiche di Wittgenstein, Carocci.
N. Chomsky, Linguaggio e problemi della conoscenza, il Mulino (da acquistare), limitatamente alle seguenti parti: capitoli primo, secondo (fino a p. 45), quinto e sesto.

Il corso mira a:
- fornire le nozioni fondamentali di fisica del suono e della luce;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura della luce, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura del suono, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde sonore, con particolare riferimento alla voce e agli strumenti musicali;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde luminose, con particolare riferimento alla luce artificiale;
- far comprendere i processi percettivi del suono e della luce in rapporto agli aspetti fisici e alla natura dell’orecchio e dell’occhio umano;
- illustrare i meccanismi alla base delle applicazioni tecniche del suono e della luce nel campo dello spettacolo.

Materiale fornito dal docente.

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Fabio Rossi (2018), "L'opera italiana: lingua e linguaggio", Roma, Carocci.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

Andrea Zanzotto, dietro il paesaggio

a) Andrea Zanzotto, Tutte le poesie, a cura di Stefano Dal Bianco, Milano, «Oscar» Mondadori, 2011

b) Andrea Cortellessa, Andrea Zanzotto. Il canto nella terra, Roma-Bari, Laterza, 2021

c) per una contestualizzazione dei testi nella storia letteraria del Novecento:
Giulio Ferroni, Storia della letteratura italiana, vol. IV: Il Novecento e il nuovo millennio, Milano, Mondadori Università, 2012

Pittura e scultura in Italia dal 1401 al 1519 ca (6 CFU).

Il corso è rivolto agli studenti della Laurea Triennale ed intende offrire i lineamenti dello sviluppo della storia dell'arte italiana dal principio del Quattrocento alla morte di Leonardo da Vinci, attraverso l'analisi dell'opera dei principali artisti attivi in questi secoli in Italia, e dei linguaggi pittorici cui diedero vita. Prima di frequentare il corso può essere utile avere sostenuto l'esame di Storia dell'Arte Medioevale.
Il metodo di studio privilegerà la lettura storica e stilistica dell’oggetto d’arte, è dunque essenziale una conoscenza visiva delle opere dei singoli artisti.
Il corso prevede alcune lezioni introduttive sulla metodologia dello studio della storia dell'arte e su alcune tematiche di carattere generale (per esempio la periodizzazione della storia dell'arte, l'uso di categorie storico critiche quali il concetto di Rinascimento e di Barocco legate allo stile, e così via).
Il corso prevede inoltre approfondimenti sul percorso dei singoli artisti e sugli snodi stilistici fondamentali della storia dell'arte nel periodo preso in esame. Ogni anno tali approfondimenti possono variare.
Per seguire il corso e per la preparazione dell'esame, ci si potrà servire della lettura e dello studio del manuale consigliato. Esso è però da considerarsi soltanto un primo approccio agli argomenti trattati nel corso, durante il quale verrà offerta una bibliografia specifica sui singoli temi affrontati. Il manuale andrà integrato con la conoscenza delle opere dei singoli artisti per le quali durante le lezioni sarà fornita una bibliografia, esse sono visibili inoltre sui siti web che saranno indicati (in particolare www.wga.hu). Le lezioni videoregistrate saranno presenti soltanto una settimana sulla piattaforma Teams (Team Storia dell’Arte Moderna 2021-2022) dove saranno caricate anche le slides. Ancora più importante è il contatto diretto con l’opera e il monumento: al corso saranno indicati i monumenti romani la cui visita è obbligatoria prima di sostenere l’esame. A metà e alla fine del corso i frequentanti avranno la possibilità di sostenere un esonero scritto che verrà considerato parte integrante dell’esame finale. Per i non frequentanti non è previsto lo studio di testi aggiuntivi, ma è obbligatoria la conoscenza degli argomenti svolti durante il corso ed è dunque indispensabile procurarsi le slides che saranno disponibili sulla piattaforma Microsoft Teams, Team Storia dell’Arte Moderna 2021-2022.
Chi porta l'esame da 6 CFU (studenti di storia, ad esempio) potrà portare il programma dell'esame dal 1400 al 1519 ca. e leggere uno dei testi consigliati inclusi in bibliografia.

1) Manuale consigliato:

S. Settis – T. Montanari, Arte. Una storia naturale e civile. Dal Quattrocento alla Controriforma (vol. 3), Mondadori Editore
https://www.libreriauniversitaria.it/arte-storia-naturale-civile-licei/libro/9788828616450


2) Almeno uno dei seguenti testi:
1. M. Baxandall, Pittura ed esperienze sociali nell’Italia del Quattrocento, Torino, Einaudi 1978.

2. A. De Marchi, La pala d’altare. Dal polittico alla pala quadra, Firenze, Art & libri, 2012.

3. A. Pinelli, La bella maniera. Artisti del Cinquecento tra regola e licenza, Torino, Einaudi 2003.

4. E. Panofsky, Studi di iconologia. I temi umanistici nell’arte del Rinascimento, ed. italiana Torino, Einaudi 2009.

5. F. Zeri, Pittura e controriforma. L’arte senza tempo di Scipione da Gaeta, ed. originale, Torino, Einaudi 1957 (ristampa Neri Pozza 1997).

6. F. Haskell, Mecenati e pittori. Studio sui rapporti tra arte e società italiana nell’età barocca, Torino, Einaudi 2020 (ed. originale Firenze, Sansoni, 1966).

7. T. Montanari, Il Barocco, Torino, Einaudi 2012.

8. F. Haskell – N. Penny, L’antico nella storia del gusto: La seduzione della scultura classica 1500-1900, Torino 1984.

LE LEZIONI ILLUSTRERANNO L'EVOLUZIONE DEI PRINCIPALI GENERI E FORME DI MUSICA ORCHESTRALE NELLA TRADIZIONE CLASSICO-ROMANTICA, CON ATTENZIONE AI PRINCIPI ESTETICI E FORMALI CHE SONO A FONDAMENTO DELLE CATEGORIE DI MUSICA ASSOLUTA E DI MUSICA A PROGRAMMA. IN PARTICOLARE SARÀ APPROFONDITA LA NONA SINFONIA DI L. VAN BEETHOVEN, ANCHE CON RIFERIMENTO ALLA SUA RICEZIONE NEL CINEMA DI KUBRICK.

- SELEZIONE DI SAGGI INDICATI DAL DOCENTE ALL’INIZIO DELLE LEZIONI (DISPENSA REPERIBILE IN COPISTERIA IN VIA GIULIO ROCCO);
- HARVEY SACHS, LA NONA SINFONIA, MILANO, GARZANTI, 2011;
- LISTA DI BRANI DA ASCOLTARE, DI CUI SARA' VERIFICATA LA CONOSCENZA IN SEDE D'ESAME ;
SOLO PER I NON FREQUENTANTI:
Maynard Solomon, L’ultimo Beethoven, Roma, Carocci, 2010, pp. 43- 88, 111-121, 157-203, 241-271

LISTA ASCOLTI
Quasi tutte le composizioni sono articolate in più movimenti (allegro, adagio ecc.): vanno dunque ascoltate integralmente (non soltanto i primi movimenti).

Arcangelo Corelli Concerto grosso fatto per la Notte di Natale
Antonio Vivaldi Le quattro stagioni
Johann Sebastian Bach Concerti brandeburghesi nn. 3 e 4
Joseph Haydn Sinfonia n. 103
Wolfgang A. Mozart Sinfonia n. 40, Concerto per violino e orchestra K 216, concerto per pianoforte e orchestra K 488
Ludwig van Beethoven Sinfonie nn. 3, 5, 6, 7 e 9, Ouverture Coriolano, Concerto per pianoforte orchestra n. 5 "Imperatore"
Franz Schubert Sinfonia n. 8
Felix Mendelssohn Concerto per violino e orchestra. in mi minore
Nicolò Paganini Concerto per violino e orchestra n. 1 in re maggiore
Hector Berlioz Sinfonia Fantastica
Johannes Brahms Sinfonia n. 4
Franz Liszt Ce qu'on entend sur la montagne - poema sinfonico
Bedrich Smetana Poema sinfonico “La Moldava”
Piotr Ilic Cajkovsky Ouverture Romeo e Giulietta, Sinfonia n. 6
Piotr Ilic Cajkovsky Concerto per pianoforte e orchestra n. 1 in sib minore
Piotr Ilic Cajkovsky Concerto per violino e orchestra op. 35 in re maggiore
Jean Sibelius Concerto per violino e orchestra in re minore op. 47
Gustav Mahler Sinfonie nn. 1 e 5
Richard Strauss Also Sprach Zarathustra - poema sinfonico

Il corso mira a:
- fornire le nozioni fondamentali di fisica del suono e della luce;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura della luce, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura del suono, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde sonore, con particolare riferimento alla voce e agli strumenti musicali;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde luminose, con particolare riferimento alla luce artificiale;
- far comprendere i processi percettivi del suono e della luce in rapporto agli aspetti fisici e alla natura dell’orecchio e dell’occhio umano;
- illustrare i meccanismi alla base delle applicazioni tecniche del suono e della luce nel campo dello spettacolo.

Materiale fornito dal docente.

Il corso si rivolge al rapporto tra musica e immagine offrendo una panoramica su alcuni aspetti fondamentali dell’iconografia musicale e sulle caratteristiche che tale rapporto assume nell’audiovisione, attraverso un rapido sguardo d’insieme, storico e analitico, sul ruolo della musica in ambito cinematografico. Sarà delineato un percorso di indagine che va dall’uno all’altro versante, seguendo la traccia tematica dell’immagine del musicista, così come essa viene riflessa, costruita, messa in scena attraverso le risorse delle arti grafiche e pittoriche, quindi attraverso quelle della narrazione audiovisiva, dal ritratto del musicista dei secoli XVII-XVIII al film biografico musicale.

1. Federico Maria Sardelli, Il volto di Vivaldi, Palermo, Sellerio, 2021, pp. 13-176, 242-266

2. Nicoletta Guidobaldi, Prospettive dell’Iconografia musicale all’inizio del terzo millennio, in Prospettive di iconografia musicale, a cura di N. Guidobaldi, Milano, Mimesis, 2007, pp. 7-37

3. Kathryn Kalinak, Musica da film. Una breve introduzione, Torino, EDT, 2010

4. Gianmario Borio, Funzioni del ‘suono organizzato’ in due testi audiovisivi: “Barry Lyndon” e “Koyaanisqatsi”, «La Valle dell’Eden», 12-13/25-26 (2011), pp. 73-90

5. Paola Valentini, Un dj set d’autore. Pratiche compilative nel cinema di Paolo Sorrentino, in La compilation soundtrack nel cinema sonoro italiano, a cura di Maurizio Corbella, «Schermi», 4/7 (2020), pp. 137-153

6. Sergio Miceli, Musica per film. Storia, estetica – analisi, tipologie, Milano-Lucca, Ricordi-LIM, 2009, pp. 819-832

7. Alessandro Bratus, Popular music al cinema: la rappresentazione dell’artista rock sul grande schermo, in Worlds of Audio Vision (2010)
http://www-5.unipv.it/wav/index.php?option=com_content&view=article&id=69&lang=it

I non frequentanti leggeranno inoltre:
Sergio Miceli, Musica per film. Storia, estetica – analisi, tipologie, Milano-Lucca, Ricordi-LIM, 2009, pp. 631-699

Il corso sarà strutturato in due parti distinte: una prima parte affronterà la storia del cinema documentario dalle origini al contemporaneo, attraverso lo studio di movimenti, correnti, autori e tendenze. La seconda parte si concentrerà sul cinema documentario politico italiano dall'inizio degli anni duemila sino ad oggi, identificando correnti, forme linguistiche, realtà produttive e distributive del nuovo cinema militante.
Il corso prevede inoltre alcuni incontri con professionisti del settore documentario in modo tale da mettere gli studenti direttamente in contatto con le professioni del cinema.

Bibliografia:
Maria Cristina Lasagni, Nanook cammina ancora-Il cinema documentario, storia e teoria, Bruno Mondadori Editore, Milano, 2014

Dispense a cura della docente caricate su Moodle all’inizio del corso.


FILMOGRAFIA GENERALE:


Robert Flaherty, Nanook of the North (1922)
Dziga Vertov, L’uomo con la macchina da presa (1929)
Vittorio De Seta, Lu tempu de li pisci spata (1954)- Isole di fuoco (1954)
Autori Vari, Amore in città (episodio Storia di Caterina), (1952)
Cecilia Mangini, Stendalì (1960)
Frederick Wiseman, Titicut Follies (1967)
M.Bellocchio-S.Rulli-G.Petraglia, Matti da slegare (1975)
A.Ferrente-G.Piperno, Le cose belle (2012)

Parte monografica:

Carlo Lizzani, Togliatti è tornato (1948)

Erik Gandini, Videocracy. Basta apparire (2009)

Luca Mosso-Bruno Oliviero, Milano 55.1-Cronaca di una settimana di passioni (2011)

Lise Birk Pedersen, Tutti a casa. Inside Movimento Cinque Stelle (2016)

Monica Repetto, Le nostre ferite 1974-1979 (2020)

Valerio Jalongo, L’acqua la insegna la sete (2021)

Il corso prende in esame due tra i periodi più significativi nella storia del cinema italiano: il dopoguerra e gli anni '60. La prima parte è dedicata alle teorie, ai film, agli autori, alle figure e agli stili più emblematici del neorealismo. Nella seconda parte si analizza il cinema d'autore delle vecchie e nuove generazioni (Antonioni, Fellini, Pietrangeli, Ferreri, Olmi, Pasolini, Bertolucci, Bellocchio).

TESTI PER L'ESAME: Gian Piero Brunetta, Guida alla storia del cinema italiano 1905-2003, Einaudi, Torino 2003 (in particolare il III e IV cap.); Stefania Parigi, Neorealismo. Il nuovo cinema del dopoguerra, Marsilio, Venezia 2014; Emiliano Morreale, I film della dolce vita. Cinema d'autore degli anni Sessanta, Dino Audino, Roma 2021; scelta di testi sul neorealismo a cura della docente (reperibile sulla piattaforma Moodle). Gli studenti non frequentanti devono leggere anche Federico Vitella, Michelangelo Antonioni. L’avventura, Lindau, Torino 2010.
FILMOGRAFIA: Ossessione (1943) di L. Visconti; Roma città aperta (1945) di R. Rossellini; Paisà (1946) di R. Rossellini; Germania anno zero (1948) di R. Rossellini; Ladri di biciclette (1948) di V. De Sica; La terra trema (1948) di L. Visconti; Riso amaro (1949) di G. De Santis; Miracolo a Milano (1950) di Vittorio De Sica; Il cammino della speranza (1950) di P. Germi; Due soldi di speranza (1951) di R. Castellani; Pane, amore e fantasia (1953) di L. Comencini; La strada (1954) di F. Fellini, Il grido (1957) di M. Antonioni; L’avventura (1960) di Michelangelo Antonioni; La dolce vita (1960) di F. Fellini; Accattone (1961) di P. P. Pasolini; I fidanzati (1963) di E. Olmi; Prima della rivoluzione (1964) di B. Bertolucci; La donna scimmia (1964) di M. Ferreri; I pugni in tasca (1965) di M. Bellocchio; Io la conoscevo bene (1965) di A. Pietrangeli; Blow-up (1967) di M. Antonioni; Dillinger è morto (1969) di M. Ferreri. I film verranno mostrati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca "Lino Miccichè", Via Ostiense 139.

Il corso prende in esame il periodo che va dal dopoguerra a oggi soffermandosi sulle principali tappe che hanno scandito la storia del cinema italiano in termini di film, autori e generi, tenendo in particolare considerazione un particolare topos: quello della spiaggia, da sempre centrale nell’immaginario nazionale e naturalmente anche nella nostra tradizione cinematografica. Si prenderanno dunque in esame le peculiarità estetiche, narrative, produttive e culturali di alcune opere cinematografiche nelle quali la “condizione balneare” si è fatta occasione privilegiata per indagare i principali mutamenti storici, sociali e antropologici vissuti dal nostro paese in più di mezzo secolo.

TESTI

G.P. Brunetta, Guida alla storia del cinema italiano 1905-2003, Einaudi, Torino 2003 (dal cap. III in poi);

C. Uva, L'ultima spiaggia. Rive e derive del cinema italiano, Marsilio, Venezia 2021 (in corso di pubblicazione);

E. Giacovelli, C’era una volta la commedia all’italiana, Gremese, Roma 2015;

C. Uva (a cura di), Matteo Garrone, Marsilio, Venezia 2020.

FILMOGRAFIA

Ladri di biciclette (1948) di V. De Sica; Domenica d’agosto (1950) di L. Emmer; La spiaggia (1954) di A. Lattuada; Vacanze a Ischia (1957) di M. Camerini; La dolce vita (1960) di F. Fellini; L’avventura (1960) di M. Antonioni; Accattone (1961) di P. P. Pasolini; Il sorpasso (1962) di D. Risi; La voglia matta (1962) di L. Salce; Prima della rivoluzione (1964) di B. Bertolucci; Per un pugno di dollari (1964) di S. Leone; L’ombrellone (1965) di D. Risi; Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto (1970) di E. Petri; Ferie d’agosto (1996) di P. Virzì; Ospiti (1998) di M. Garrone, Estate romana (2000) di M. Garrone, L'imbalsamatore (2002) di M. Garrone, Reality (2012) di M. Garrone, Il racconto dei racconti - Tale of Tales (2015) di M. Garrone.

Il corso è diviso in due parti. La prima è dedicata al calendario degli incontri sugli obiettivi dell'Agenda 2030 e ai relativi materiali didattici. La seconda parte è specifica e affronta riflessioni, documenti e incontri su esperienze locali e sintesi operative attuate in analisi e interventi sul campo da artisti, curatori e operatori delle culture performative.

Per la parte comune del programma:
Relazione su una lezione a scelta del ciclo di conferenze.

Per la parte specifica del CdS:

Teatri Luoghi Città, a c. di R. Guarino, Edizioni Officina.
oppure
Teatri e sfera pubblica nella società globalizzata e digitalizzata, a c. di Ilaria Riccioni, Guerini scientifica.


Un testo a scelta fra: M. de Certeau, L'invenzione del quotidiano, Edizioni del lavoro; R. Nicolini, Estate Romana, Ed. Città del Sole.

Breve introduzione incentrata su elementi essenziali di teoria musicale e di fisica sonora, sul rapporto tra musica e tecnologia nella storia e in particolare nei secoli XX e XXI, sulla notazione musicale e sulla sua relazione con l’esperienza sonora. Avviamento alla scrittura della musica attraverso la notazione su rigo occidentale tramite la conoscenza e l’utilizzo del software di scrittura musicale MuseScore. La musica elettroacustica: introduzione storica, elementi di composizione e grafizzazione, la sintesi sonora. Uso dei software: MaxMSP, Audacity, Sonic Visualizer.

Testi e materiali di supporto e approfondimento saranno segnalati dai docenti a lezione.

A partire da un quadro indicativo degli aspetti teorici e metodologici della storia delle culture alimentari, il corso intende orientare gli studenti sui fattori culturali e sociali che hanno segnato l’immaginario e l’uso del cibo nell’età contemporanea.
La prima parte del corso (6 ore) introduce gli studenti agli aspetti teorici e metodologici della storia culturale e della storia delle culture materiali. La seconda parte del corso (6 ore) affronta i cambiamenti storici di lungo periodo dell’agricoltura in età contemporanea. La terza parte del corso (18 ore) si concentra sulla storia della cultura alimentare italiana con particolare riferimento alle culture alimentari mediterranee. La quarta parte del corso (6 ore) propone tre approfondimenti sulle relazioni culturali tra cibo e società: cibo e ambiente, cibo e diseguaglianze, cibo e religioni.

Alberto Capatti e Massimo Montanari, La cucina italiana. Storia di una cultura, Roma-Bari, Laterza, 2017, 424 pp., € 14,00.
Un libro a scelta tra:
Cibo, a cura di Ester Fano, Nora McKeon e Giancarlo Monina, numero monografico di “Parolechiave”, 58, dicembre 2017, 240 p., € 22,00.
Piero Bevilacqua, Il cibo e la terra. Agricoltura, ambiente e salute negli scenari del nuovo millennio, Roma, Donzelli, 2018, 215 pp., € 11,00.
Alberto De Bernardi, Il paese dei maccheroni. Storia sociale della pasta, Roma, Donzelli, 2019, 262 pp., € 30,00.
Massimo Montanari (a cura di), Cucina politica. Il linguaggio del cibo fra pratiche sociali e rappresentazioni ideologiche, Bari-Roma, Laterza, 2021, 328 pp., € 19,00

Il laboratorio sarà incentrato sull'elaborazione di prodotti audiovisivi realizzati con lo smartphone.

Nessuno. Il workshop è di natura essenzialmente pratica.

Il laboratorio prevede l’analisi della regia cinematografica nei suoi aspetti legati all’accrescersi visivo della tensione nel racconto per immagini. Studiando la scelta dei vari piani (particolari, dettagli, primi piani, campi medi, campi lunghi, movimenti di macchina), le tecniche di montaggio e il punto di vista narrativo-visivo utilizzato della vicenda, si cercherà di raccontare come i registi riescono a tradurre in un crescendo visivo il progredire graduale della scrittura drammaturgica e a sottolineare i momenti cruciali della narrazione.
Come sottolineare visivamente i punti rilevanti di una sceneggiatura, l’evento scatenante che fa partire la vicenda, le sue svolte, i punti culminanti?
E il cosiddetto CLIMAX – che nei manuali di sceneggiatura corrisponde al punto culminante della storia – come viene tradotto in immagini dai cineasti in modo che, anche a livello visivo, rappresenti il punto emotivo culminante della storia?
A partire da esempi di classici del cinema come Ejzenstejn, Welles, Hitchcock, Bunuel, Clouzot, Polanski, Scorsese fino a Nigth Shyamalan, Demme, Spielberg e Fincher, ci confronteremo con modelli di riferimento assai diversi ma con in comune l'intento di raccontare una storia con il massimo di pathos e di coinvolgimento emotivo dello spettatore. Obbiettivo che il laboratorio, con l'alternanza di teoria e di esercitazioni pratiche, si propone di approfondire.

Nessun testo

Andrea Zanzotto, dietro il paesaggio

a) Andrea Zanzotto, Tutte le poesie, a cura di Stefano Dal Bianco, Milano, «Oscar» Mondadori, 2011

b) Andrea Cortellessa, Andrea Zanzotto. Il canto nella terra, Roma-Bari, Laterza, 2021

c) per una contestualizzazione dei testi nella storia letteraria del Novecento:
Giulio Ferroni, Storia della letteratura italiana, vol. IV: Il Novecento e il nuovo millennio, Milano, Mondadori Università, 2012

Gli studenti potranno conoscere i temi più importanti del rapporto fra Etica ed Estetica attraverso l'analisi di alcuni passi delle opere di Platone, Aristotele, Bruno, Shakespeare, Kant, Hegel, Nietsche, Haidegger, Blumenberg.
Approfondiranno il concetto di "pena" e "reinserimento sociale" del deviante, secondo l'art 27 della Costituzione della Repubblica Italiana.
Attraverso la visione di film e doc comprenderanno l'impatto dell'arte nel contesto penitenziario.
Parteciperanno alle prove teatrali presso il Teatro del Carcere di Rebibbia.

I passi dei testi saranno forniti in sede di Laboratorio

La luce e il luogo
Il laboratorio intende introdurre i partecipanti ai criteri e ai metodi del “teatro dei luoghi”, progetto relativo alla creazione di lavori teatrali e installativi a partire dai caratteri specifici dei siti, e alle modalità d’uso della luce nel suo ambito. In questo progetto i caratteri del sito divengono generativi rispetto alla creazione della performance. I testi, le azioni, il movimento prendono corpo nel corso del lavoro preparatorio svolto sul posto, sulla scorta delle suggestioni in esso raccolte e della lettura degli elementi e delle relazioni preesistenti. Il laboratorio sarà introdotto, nella prima giornata, da un incontro di tipo teorico sul progetto, con supporti audiovisivi, e relative discussioni. Nei due giorni successivi esso metterà i partecipanti, divisi in gruppi, nella condizione di esperire le possibili relazioni con lo spazio, con elaborazione di brevi azioni ed interventi, assumendo il luogo come principio ordinatore: gli ultimi due giorni verranno dedicati alla messa in relazione delle azioni tra loro, e alle questioni del montaggio. Particolare rilievo verrà dato al ruolo svolto dalla luce nel processo.

Testi introduttivi alle tematiche del laboratorio (facoltativi):
Fabrizio Crisafulli, Il teatro dei luoghi. Lo spettacolo generato dalla realtà, Artdigiland, Dublino, 2015
Fabrizio Crisafulli, Luce attiva, questioni della luce nel teatro contemporaneo, Titivillus, Corazzano, 2007

l laboratorio intende sviluppare capacità imprenditoriali per la costituzione di nuove attività culturali e di spettacolo. Durante il laboratorio verranno illustrati i sistemi di funzionamento di una impresa culturale, dal punto di visto giuridico, delle norme del lavoro e degli obblighi contrattuali, relativamente allo spettacolo dal vivo, anche in relazione con altri ambiti della produzione culturale. Durante le lezioni viene inoltre disaminata la tecnica di redazione del progetto, con particolare attenzione allo sviluppo di capacità di reperimento delle risorse pubbliche e private. E’ prevista la stesura di un progetto, organizzando gruppi di lavoro, che saranno seguiti dal docente con l’obiettivo che gli studenti esplorino la fattibilità e sostenibilità di una propria idea imprenditoriale nella sua dimensione di mercato, organizzativa, economica, riguardo progetti di nuove imprese teatrali o culturali o di spettacolo, oppure di azioni di rilancio di realtà esistenti.

Testo a supporto.
Lucio Argano, Alessandro Bollo, Paolo Dalla Sega “Organizzare eventi culturali. Ideazione, progettazione e gestione strategica del pubblico” Franco Angeli 2017
Dispense: saranno fornite dal docente durante il corso

Organizzato come una situazione pedagogica mista che alterna la pratica scenica alla riflessione storica, il laboratorio ha l’obiettivo di fornire alcuni strumenti che permettano di accedere all’uso del momento “pre-espressivo” del training come un trampolino di lancio verso la dimensione “espressiva” che presiede la creazione di uno spettacolo. I e le partecipanti dovranno aver imparato a memoria un monologo – dei protagonisti o delle protagoniste – tratto dal Don Giovanni di Molière e/o da Platonov di Anton Cechov. Attraverso la pratica di alcuni esercizi si cercherà di percorrere un cammino verso la creazione e il montaggio di brevi scene tratte dai due classici del repertorio drammaturgico. Al contempo, si cercherà di radicare le pratiche sceniche nell’ambito storico e dell’indagine teorica. Il lavoro pratico e storico metterà in relazione due opere teatrali di Molière e Checov: Don Giovanni e Platonov. Il protagonista di quella che è la prima opera teatrale di Checov è stato spesso paragonato al Don Giovanni e addirittura è stato definito un Don Giovanni di “Serie B” o dell’800. A noi interessa l’accostamento tra questi due figure perché permette un lavoro su scene e testi stilisticamente e storicamente molto distanti.
Avendo già appreso a memoria uno dei monologhi dei e delle protagoniste delle due opere, ci si potrà soffermare sulla drammaturgia dell’attore termine con il quale ci si riferisce al processo creativo attoriale, inteso come un’opera compositiva, di tessitura e di montaggio, e dunque drammaturgica in senso proprio. Oggetto di lavoro e di indagine saranno le azioni, fisiche e vocali. Stabilendo un ponte con il lavoro di training si creeranno delle partiture o sequenze di azioni in relazione al monologo e a un oggetto o a un elemento del costume, dando così vita a delle piccole scene.

Propedeutica alla partecipazione al Laboratorio è la lettura integrale di due opere teatrali:
Anton Cechov, Platonov (edizione consigliata: Torino, Einaudi, 1959, introduzione e traduzione di Ettore Lo Gatto)
Molière, Don Giovanni (edizione consigliata: Torino, Einaudi, 1974, saggi e traduzioni di Cesare Garboli)
Alla lista dei 25 partecipanti ammessi al Laboratorio a partire dal 26 marzo verrà inviata una selezione di monologhi estratti dalle due opere perché possano scegliere così quello da imparare a memoria entro il 4 aprile, data di inizio del Laboratorio.

Come si costruisce un format televisivo? Come si analizza un programma realizzato a partire da un format? Che rapporto c’è fra format e generi tv? I format funzionano anche per la serialità? Perché in tutto il mondo si guardano gli stessi programmi, da La ruota della fortuna a Masterchef, da Stranamore a LOL? Nel laboratorio si affronteranno questi quesiti, con costante riferimento alla produzione televisiva internazionale. Il laboratorio prevede esercitazioni nella scrittura di paper format e scalette di programmi.

Luca Parenti, Scrivere la scaletta di un programma Tv, Roma, Dino Audino Editore, 2021 (in corso di stampa)

Le prime lezioni vedranno una interazione fra docente e student* per la presentazione e l'analisi di immagini fotografiche. Si procederà poi parallelamente con una serie di lezioni tematiche, durante le quali saranno affrontati alcuni tipi di fotografia (ad esempio: fotografia di moda, street photography, ritratto, remix, fotografia politica ecc.). La seconda parte di ciascuna lezione sarà dedicata alla creazione di progetti fotografici di gruppo, che saranno presentati negli ultimi incontri.

Walter Benjamin, L’opera d’arte nell’epoca della sua riproducibilità tecnica e Piccola storia della fotografia, in L’opera d’arte nell’epoca della sua riproducibilità tecnica: arte e società di massa, Einaudi, Torino 2000, pp. 17-56 e 57-78.
Saggi scelti dalla docente tratti da Fotografia e culture visuali del XXI secolo, a cura di Enrico Menduni e Lorenzo Marmo in collaborazione con Giacomo Ravesi, Roma TrE-Press, Roma 2018. Il volume è disponibile online al link http://romatrepress.uniroma3.it/libro/fotografia-e-culture-visuali-del-xxi-secolo/.

CAPITOLO 1 - DALLA NARRAZIONE AL MERCATO
A. La Narrazione
B. L’Immagine in Movimento
C. Il Film
D. Il Film come Merce
E. Il Film come Matrice
F. Il Cinema
G. Gli Inizi del Cinema
H. L’Audiovisivo
I.. Il Mercato
L.. Il Consumo
CAPITOLO 2 – LA PRODUZIONE
A. Premessa
B. Indie e Majors
C. La filiera cinematografica: lo svolgimento del processo produttivo
D. Sopra e sotto la linea

2.1 LO SVILUPPO: DALLA NARRAZIONE AL PIANO DEI COSTI

A. Premessa
B. Lo Story concept
C. Il Soggetto
D. La scaletta
E. Il Trattamento
F. Lo Scalettone
G. La Sceneggiatura
H. Lo Spoglio della sceneggiatura
I. Il Piano di lavorazione
J. Il Versioning
K. Gli ordini del giorno
L. Il Moodboard
M. Le Altre attività
N. Il Piano dei costi
O. La Variabile tempo

2.2 LA PRE-PRODUZIONE

A. La Fabbrica del Film
B. Il Produttore Esecutivo
C. Le Tre Eresie Economiche Del Cinema
D. Le Difficoltà Strutturali Di Accesso Al Credito Per Il Cinema
E. L’Intervento dello Stato
F. La Finanza del Cinema Indipendente
G. La Finanza delle Major
H. L’Assetto Finanziario della Produzione Indipendente
I. La Classificazione delle Produzioni Secondo Livello Dei Costi
J. Le Fonti di Finanziamento
K. I Motivi del Softmoney
L. Il Bridge Financing
M. Il Crownfunding
N. Dossier di Presentazione/Business Plan (BP)
O. Il Pitch Cinematografico
P. Il Format
Q. Schema di Piano Finanziario

2.3 LE RIPRESE

A. L’Organizzazione
B. Il produttore esecutivo
C. La troupe
D. Il direttore della fotografia
E. La segretaria di edizione
F. Il tecnico del suono

2. 5 LA POST PRODUZIONE

A. Macro comparti
B. Le Attività


CAPITOLO 3. LA DISTRIBUZIONE CINEMATOGRAFICA

A. I Costi di Distribuzione
B. La Commercializzazione dei Diritti del Film
C. Le Attività
D. I Diversi Tipi di Release Pattern
E. Gli Accordi tra Produttore e Distributore
F. Il Ruolo dei Festival Cinematografici nella Distribuzione Cinematografica
G. Le Articolazioni della Filiera della Distribuzione Cinematografica
H. L Distribuzione Internet del Cinema e dell’Audiovisivo
I. Il Magazzino e i Costi Distributivi di Internet
L. Concorrenza e Coda Lunga
M. Coda Lunga e il Comportamento dei Consumatori
N. La Content Delivery Network (CDN)



CAPITOLO 4. L’ESERCIZIO CINEMATOGRAFICO

4.1. LA SALA CINEMATOGRAFICA

A. Premessa
B. I Contratti di Noleggio
C. I Ricavi e i Costi dell’Esercizio
D. La Gestione delle Sale
E. La Flessibilità del Prezzo del Biglietto
F. La Discrezionalità del Prezzo del Biglietto
G. Il valore Sociale della Sala

4.2. LE FINESTRE DI PROGRAMMAZIONE

A. Le Finestre di Programmazione
B. La Sala
C. L’Home Video
D. La Pay per View
E. La Pay TV
F. La Free Television

4.3. IL BOX OFFICE

A. C’era una Volta
B. Il Bed Rock


CAPITOLO 5. IL RISCHIO D’IMPRESA E I FATTORI DI SUCCESSO

5.1. IL RISCHIO DI IMPRESA
5.2. LA MALEDIZIONE DELLA PRIMA COPIA
5.3. ECONOMIC APPROCH, COMMUNICATION THEORY APPROCH
5.4. IL RICORSO AI PRECEDENTI
5.5. LE CONGLOMERATE E LE MAJOR
5.6. IL RUOLO DEI SERIAL

A. Premessa
B. Oltre il One Reel Episode e i Multi Reel Films
C. L’Epoca d’Oro dei Serial
D. Serial dal Piccolo al Grande Schermo
E. The Show must Go: Saghe e Sequel


CAPITOLO 6. IL MARKETING

6.1. LA SEGMENTAZIONE E IL POSIZIONAMENTO

A. La Segmentazione
B. Il Posizionamento

6.2. LE DIFFICOLTA’ DEL MARKETING AUDIOVISIVO

A. La conquista del Tempo del Consumatore
B. La Concorrenza Multipla

6.3. IL MARKETING PRIMA DI INTERNET
6.4. IL MARKETING DOPO INTERNET

A. Le tre P
B. I Siti Internet
C. Il Marketing Virale
D. Il Buzz Marketing
E. Il Guerrilla Marketing
F. Il Ninja Marketing
G. Alcuni Casi di Mkt Virale Contaminato con Buzz, Guerriglia E Ninja Marketing
H. Gli Alternate Reality Games


CAPITOLO 7. CINEMA, OTT E BIG DATA

7.1. BIG DATA CARATTERISTICHE e IMPORTANZA
7.2. NETFLIX e i BIG DATA

A I Big Data per l’Analisi dei Dati
B. Big Dat per l’Analisi dei Contenuti

7.3. HULU e BIG DATA

A. Le Architetture
C. Big Data per l’Advertising e I costi di Subscription

7.4. LEGENDARY ENTERTAINMENT E I BIG DATA

A. Hollywood e I Big Data
B. Legendary e le modalità di sfruttamento dei Big Data
C. Release Data e Big Data
D. Trasform Marketing: dallo Spray and Pay all’Invert Audience Building
E. Streuttura dell’ Analitics Team
F. Il virtous Cycle
G. L Fase Analitics
H. L’ Insigth
I. Le Actions
L. Il Caso Warcraft l’Inizio

7.5. I BIG DATA E LE PREVISIONI DEL BOX OFFICE

A. La Quantifying Movie Magic with Google Search
B. Le altre Ricerche riguardo i modelli Predittivi del Box Office


CAPITOLO 8. LA TELEVISIONE

A. La Televisione
B. Il Cambiamento Tecnologico delle Scenario Televisivo
C. La Ritrovata Centralità dello Schermo Televisivo
D. La Concorrenza Comunque


CAPITOLO 9. IL VIDEO ON DEMAND (VOD) E GLI OVER THE TOP (OTT)

9.1. Il Video on Demand

A. Premessa
B. Tipologie di Video on Demand
C. Multiscreen Happens
D. Tre Profili di Spettatore Tipo

9.2. Gli Over The Top
9.3. NETFLIX

A. Il Tracking della Società
B. Dalla Distribuzione Fisica all’Online
C. Una Strategia Multipiattaforma
D. Il Modello di Business: tra Opportunità e Problemi

9.4. NETLIX LE CONSEGUENZE DEL SUCCESSO

A. Premessa
B. I numeri e i motivi del successo
C. Netflix e la Sala Cinematografica
D. Le conseguenze del successo
E. La Concorrenza
F. La Saturazione del Mercato
G. La Sostenibilità Finanziaria
H. Netflix ,Che fare?


9.5. HULU

A. Il Tracking della Società
B. Il Modello di Business

9.6. Amazon Video
9.7. Rai Play


CAPITOLO 10. IL CINEMA E L’AUDIOVISIVO NELLA ECONOMIA ITALIANA


Scheda 1. Il Cinema Italiano - Anno 2000
Scheda 2. La Televisione Italiana – Anno 2000
Scheda 3. Glossario
Scheda 4. Biblo-WebGrafia

ECONOMIA, MANAGEMENT, FINANZA E MARKETING DEL CINEMA E DELL'AUDIOVISIVO

dal concept al set ai Big Data
dalla sala cinematografica al web
dal pubblico ai pubblici

2021 EDITION

scaricabile da piattaforma

https://store.streetlib.com/it/celata-giandomenico/economiamanagement-e-finanza-dellimpresa-cinematografica-ed-audiovisiva

l'edizione a stampa sarà disponibile tra pochi giorni presso la
libreria ODRADEK via dei Banchi Vecchi 57 Roma

Muovendo da un testo Isaiah Berlin sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

I. Berlin, Le radici del romanticismo, Milano, Adelphi, 2001
A. Breton, Nadja, Torino, Einaudi, 2007
V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2019

Tema del corso di quest'anno: Abitare la vita.

Modi e forme di come le persone "costruiscono" le proprie vite.
Percorsi biografici, tracciati individuali e scambi collettivi.
Strategie individuali e organizzazione sociale.
I sistemi performativi: dalla soggettività alla collettività.
L'ambiente, lo spazio, la casa, gli oggetti.

1. Manuale o parte generale:
Ugo Fabietti, Elementi di antropologia culturale, Milano, Mondadori, 2015.

2. Approfondimenti o parte monografica:
Stefano De Matteis, La forza della vulnerabilità, Milano, Meltemi.
Andrea Staid,La casa vivente. Riparare gli spazi, imparare a costruire, Milano, And.
Ernesto de Martino, Oltre Eboli, Roma, e/o.

Pensare l’affettività: passioni ed emozioni tra filosofia e scienza

Il corso prenderà in esame il tema dell’affettività attraverso l’analisi di alcuni testi classici della letteratura filosofica sulle passioni e alcune più recenti teorie scientifiche sulle emozioni. Si cercherà di indagare i nodi problematici riguardo alla determinazione della dimensione affettiva da una prospettiva interdisciplinare che intreccia filosofia, psicologia e scienze cognitive.

Modulo A (6 CFU)
Il programma del Modulo A verterà sui seguenti argomenti:
- Introduzione ai significati storico-teoretici delle nozioni di passione ed emozione
- Esposizione della teoria cartesiana delle passioni
- Esposizione della trattazione humeana delle passioni
- Analisi del tema dell’affettività nel pensiero filosofico

Modulo A

R. Cartesio, Le passioni dell’anima, Bompiani 2003
D. Hume, Trattato sulla natura umana, Laterza 2008, pp. 289-476
G. Baggio, G. Quinzi (a cura di), Pensare l’affettività, Rosenberg & Sellier 2021 [Introduzione, capitoli 1-3]

Testi consigliati

G. Mori, Cartesio, Carocci 2010
A. Santucci, Introduzione a Hume, Laterza 2005

Le prime lezioni vedranno una interazione fra docente e student* per la presentazione e l'analisi di immagini fotografiche. Si procederà poi parallelamente con una serie di lezioni tematiche, durante le quali saranno affrontati alcuni tipi di fotografia (ad esempio: fotografia di moda, street photography, ritratto, remix, fotografia politica ecc.). La seconda parte di ciascuna lezione sarà dedicata alla creazione di progetti fotografici di gruppo, che saranno presentati negli ultimi incontri.

Walter Benjamin, L’opera d’arte nell’epoca della sua riproducibilità tecnica e Piccola storia della fotografia, in L’opera d’arte nell’epoca della sua riproducibilità tecnica: arte e società di massa, Einaudi, Torino 2000, pp. 17-56 e 57-78.
Saggi scelti dalla docente tratti da Fotografia e culture visuali del XXI secolo, a cura di Enrico Menduni e Lorenzo Marmo in collaborazione con Giacomo Ravesi, Roma TrE-Press, Roma 2018. Il volume è disponibile online al link http://romatrepress.uniroma3.it/libro/fotografia-e-culture-visuali-del-xxi-secolo/.

Percorso storico:
Tra Rinascimento e Barocco: musica vocale sacra e profana; esordi della musica strumentale
Il Seicento: la nuova musica vocale; luoghi e organici della musica strumentale; sviluppo degli strumenti musicali
Tra Seicento e Settecento: lo sviluppo dell’orchestra, organici e prassi esecutiva; musica da chiesa e musica da camera
Il pieno Settecento: evoluzione degli organici e delle tecniche strumentali; principali centri musicali europei (Parigi, Londra, Vienna) e istituzioni concertistiche; le professioni musicali
L’Ottocento: attività concertistiche; i virtuosi e la nuova concezione di performance; dal compositore-esecutore all’esecutore-interprete; la Salonmusik e la performance dilettantistica
Il Novecento: il repertorio dei “classici” e la vita concertistica; nuova musica e nuove modalità di performance; tecnologie del suono e performance
Approfondimento:
Dal clavicembalo al pianoforte: evoluzione tecnologica e tecnico esecutiva; i compositori e gli interpreti

Musica e società, 2: Dal 1640 al 1830, a cura di Paolo Fabbri, Alessandro Roccatagliati e Paolo Russo, Lucca, LIM, 2019 (parti selezionate)
Musica e società, 3: dal 1830 al 2000, a cura di Virgilio Bernardoni e Paolo Fabbri, Lucca, LIM, 2016 (parti selezionate)
Musiche nella storia. Dall’età di Dante alla Grande Guerra, a cura di Andrea Chegai, Franco Piperno, Antonio Rostagno, Emanuele Senici, Roma, Carocci, 2017 (parti selezionate)
ANTHONY BAINES, Storia degli strumenti musicali, Milano, Rizzoli, Milano, Rizzoli, 1995 (parti selezionate)
Testi e ulteriori dispense saranno resi disponibili, insieme al relativo elenco, sulla piattaforma Moodle

La rappresentazione del corpo nella sperimentazione audiovisiva
Oggetto centrale e privilegiato della storia dell’arte tradizionale, la figura umana ha subito, in particolar modo negli ultimi quarant’anni, una modificazione iconica e culturale riconfigurandosi attraverso la relazione corpo-schermo, che ne ridefinisce teorie e pratiche espressive acquisite dal sistema dei media e delle arti contemporanee. Il corso si propone di analizzare le relazioni prevalenti fra figura umana e statuaria, tracciando una mappatura iconografica delle più recenti e significative raffigurazioni del corpo nell’ambito della sperimentazione artistica: dal cinema underground e d’artista alla fotografia, dalla scultura alla performance, alla videoarte. Utilizzando una metodologia versatile che coniuga gli studi visuali e culturali con le teorie dei media e delle arti plastiche, si vuole riflettere su alcune figurazioni caratteristiche dei corpi contemporanei e sui loro processi e modelli rappresentativi. Il centro d’interesse è legato al ruolo capillare e pervasivo che i dispositivi mediali e le loro estensioni e applicazioni tecnologiche hanno assunto nei confronti dei nostri regimi percettivi, iconografici e identitari.

Giacomo Ravesi, Le maschere di Dioniso. Figure del corpo tra arti visive, media e tecnologia, Armando, Roma 2021.
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria di Via G. Rocco, n. 11.

Tema del corso di quest'anno: Abitare la vita.

Modi e forme di come le persone "costruiscono" le proprie vite.
Percorsi biografici, tracciati individuali e scambi collettivi.
Strategie individuali e organizzazione sociale.
I sistemi performativi: dalla soggettività alla collettività.
L'ambiente, lo spazio, la casa, gli oggetti.

1. Manuale o parte generale:
Ugo Fabietti, Elementi di antropologia culturale, Milano, Mondadori, 2015.

2. Approfondimenti o parte monografica:
Stefano De Matteis, La forza della vulnerabilità, Milano, Meltemi.
Andrea Staid,La casa vivente. Riparare gli spazi, imparare a costruire, Milano, And.
Ernesto de Martino, Oltre Eboli, Roma, e/o.

Muovendo da un testo Isaiah Berlin sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

I. Berlin, Le radici del romanticismo, Milano, Adelphi, 2001
A. Breton, Nadja, Torino, Einaudi, 2007
V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2019

Pensare l’affettività: passioni ed emozioni tra filosofia e scienza

Il corso prenderà in esame il tema dell’affettività attraverso l’analisi di alcuni testi classici della letteratura filosofica sulle passioni e alcune più recenti teorie scientifiche sulle emozioni. Si cercherà di indagare i nodi problematici riguardo alla determinazione della dimensione affettiva da una prospettiva interdisciplinare che intreccia filosofia, psicologia e scienze cognitive.

Modulo A (6 CFU)
Il programma del Modulo A verterà sui seguenti argomenti:
- Introduzione ai significati storico-teoretici delle nozioni di passione ed emozione
- Esposizione della teoria cartesiana delle passioni
- Esposizione della trattazione humeana delle passioni
- Analisi del tema dell’affettività nel pensiero filosofico

Modulo A

R. Cartesio, Le passioni dell’anima, Bompiani 2003
D. Hume, Trattato sulla natura umana, Laterza 2008, pp. 289-476
G. Baggio, G. Quinzi (a cura di), Pensare l’affettività, Rosenberg & Sellier 2021 [Introduzione, capitoli 1-3]

Testi consigliati

G. Mori, Cartesio, Carocci 2010
A. Santucci, Introduzione a Hume, Laterza 2005

Breve introduzione incentrata su elementi essenziali di teoria musicale e di fisica sonora, sul rapporto tra musica e tecnologia nella storia e in particolare nei secoli XX e XXI, sulla notazione musicale e sulla sua relazione con l’esperienza sonora. Avviamento alla scrittura della musica attraverso la notazione su rigo occidentale tramite la conoscenza e l’utilizzo del software di scrittura musicale MuseScore. La musica elettroacustica: introduzione storica, elementi di composizione e grafizzazione, la sintesi sonora. Uso dei software: MaxMSP, Audacity, Sonic Visualizer.

Testi e materiali di supporto e approfondimento saranno segnalati dai docenti a lezione.

CAPITOLO 1 - DALLA NARRAZIONE AL MERCATO
A. La Narrazione
B. L’Immagine in Movimento
C. Il Film
D. Il Film come Merce
E. Il Film come Matrice
F. Il Cinema
G. Gli Inizi del Cinema
H. L’Audiovisivo
I.. Il Mercato
L.. Il Consumo
CAPITOLO 2 – LA PRODUZIONE
A. Premessa
B. Indie e Majors
C. La filiera cinematografica: lo svolgimento del processo produttivo
D. Sopra e sotto la linea

2.1 LO SVILUPPO: DALLA NARRAZIONE AL PIANO DEI COSTI

A. Premessa
B. Lo Story concept
C. Il Soggetto
D. La scaletta
E. Il Trattamento
F. Lo Scalettone
G. La Sceneggiatura
H. Lo Spoglio della sceneggiatura
I. Il Piano di lavorazione
J. Il Versioning
K. Gli ordini del giorno
L. Il Moodboard
M. Le Altre attività
N. Il Piano dei costi
O. La Variabile tempo

2.2 LA PRE-PRODUZIONE

A. La Fabbrica del Film
B. Il Produttore Esecutivo
C. Le Tre Eresie Economiche Del Cinema
D. Le Difficoltà Strutturali Di Accesso Al Credito Per Il Cinema
E. L’Intervento dello Stato
F. La Finanza del Cinema Indipendente
G. La Finanza delle Major
H. L’Assetto Finanziario della Produzione Indipendente
I. La Classificazione delle Produzioni Secondo Livello Dei Costi
J. Le Fonti di Finanziamento
K. I Motivi del Softmoney
L. Il Bridge Financing
M. Il Crownfunding
N. Dossier di Presentazione/Business Plan (BP)
O. Il Pitch Cinematografico
P. Il Format
Q. Schema di Piano Finanziario

2.3 LE RIPRESE

A. L’Organizzazione
B. Il produttore esecutivo
C. La troupe
D. Il direttore della fotografia
E. La segretaria di edizione
F. Il tecnico del suono

2. 5 LA POST PRODUZIONE

A. Macro comparti
B. Le Attività


CAPITOLO 3. LA DISTRIBUZIONE CINEMATOGRAFICA

A. I Costi di Distribuzione
B. La Commercializzazione dei Diritti del Film
C. Le Attività
D. I Diversi Tipi di Release Pattern
E. Gli Accordi tra Produttore e Distributore
F. Il Ruolo dei Festival Cinematografici nella Distribuzione Cinematografica
G. Le Articolazioni della Filiera della Distribuzione Cinematografica
H. L Distribuzione Internet del Cinema e dell’Audiovisivo
I. Il Magazzino e i Costi Distributivi di Internet
L. Concorrenza e Coda Lunga
M. Coda Lunga e il Comportamento dei Consumatori
N. La Content Delivery Network (CDN)



CAPITOLO 4. L’ESERCIZIO CINEMATOGRAFICO

4.1. LA SALA CINEMATOGRAFICA

A. Premessa
B. I Contratti di Noleggio
C. I Ricavi e i Costi dell’Esercizio
D. La Gestione delle Sale
E. La Flessibilità del Prezzo del Biglietto
F. La Discrezionalità del Prezzo del Biglietto
G. Il valore Sociale della Sala

4.2. LE FINESTRE DI PROGRAMMAZIONE

A. Le Finestre di Programmazione
B. La Sala
C. L’Home Video
D. La Pay per View
E. La Pay TV
F. La Free Television

4.3. IL BOX OFFICE

A. C’era una Volta
B. Il Bed Rock


CAPITOLO 5. IL RISCHIO D’IMPRESA E I FATTORI DI SUCCESSO

5.1. IL RISCHIO DI IMPRESA
5.2. LA MALEDIZIONE DELLA PRIMA COPIA
5.3. ECONOMIC APPROCH, COMMUNICATION THEORY APPROCH
5.4. IL RICORSO AI PRECEDENTI
5.5. LE CONGLOMERATE E LE MAJOR
5.6. IL RUOLO DEI SERIAL

A. Premessa
B. Oltre il One Reel Episode e i Multi Reel Films
C. L’Epoca d’Oro dei Serial
D. Serial dal Piccolo al Grande Schermo
E. The Show must Go: Saghe e Sequel


CAPITOLO 6. IL MARKETING

6.1. LA SEGMENTAZIONE E IL POSIZIONAMENTO

A. La Segmentazione
B. Il Posizionamento

6.2. LE DIFFICOLTA’ DEL MARKETING AUDIOVISIVO

A. La conquista del Tempo del Consumatore
B. La Concorrenza Multipla

6.3. IL MARKETING PRIMA DI INTERNET
6.4. IL MARKETING DOPO INTERNET

A. Le tre P
B. I Siti Internet
C. Il Marketing Virale
D. Il Buzz Marketing
E. Il Guerrilla Marketing
F. Il Ninja Marketing
G. Alcuni Casi di Mkt Virale Contaminato con Buzz, Guerriglia E Ninja Marketing
H. Gli Alternate Reality Games


CAPITOLO 7. CINEMA, OTT E BIG DATA

7.1. BIG DATA CARATTERISTICHE e IMPORTANZA
7.2. NETFLIX e i BIG DATA

A I Big Data per l’Analisi dei Dati
B. Big Dat per l’Analisi dei Contenuti

7.3. HULU e BIG DATA

A. Le Architetture
C. Big Data per l’Advertising e I costi di Subscription

7.4. LEGENDARY ENTERTAINMENT E I BIG DATA

A. Hollywood e I Big Data
B. Legendary e le modalità di sfruttamento dei Big Data
C. Release Data e Big Data
D. Trasform Marketing: dallo Spray and Pay all’Invert Audience Building
E. Streuttura dell’ Analitics Team
F. Il virtous Cycle
G. L Fase Analitics
H. L’ Insigth
I. Le Actions
L. Il Caso Warcraft l’Inizio

7.5. I BIG DATA E LE PREVISIONI DEL BOX OFFICE

A. La Quantifying Movie Magic with Google Search
B. Le altre Ricerche riguardo i modelli Predittivi del Box Office


CAPITOLO 8. LA TELEVISIONE

A. La Televisione
B. Il Cambiamento Tecnologico delle Scenario Televisivo
C. La Ritrovata Centralità dello Schermo Televisivo
D. La Concorrenza Comunque


CAPITOLO 9. IL VIDEO ON DEMAND (VOD) E GLI OVER THE TOP (OTT)

9.1. Il Video on Demand

A. Premessa
B. Tipologie di Video on Demand
C. Multiscreen Happens
D. Tre Profili di Spettatore Tipo

9.2. Gli Over The Top
9.3. NETFLIX

A. Il Tracking della Società
B. Dalla Distribuzione Fisica all’Online
C. Una Strategia Multipiattaforma
D. Il Modello di Business: tra Opportunità e Problemi

9.4. NETLIX LE CONSEGUENZE DEL SUCCESSO

A. Premessa
B. I numeri e i motivi del successo
C. Netflix e la Sala Cinematografica
D. Le conseguenze del successo
E. La Concorrenza
F. La Saturazione del Mercato
G. La Sostenibilità Finanziaria
H. Netflix ,Che fare?


9.5. HULU

A. Il Tracking della Società
B. Il Modello di Business

9.6. Amazon Video
9.7. Rai Play


CAPITOLO 10. IL CINEMA E L’AUDIOVISIVO NELLA ECONOMIA ITALIANA


Scheda 1. Il Cinema Italiano - Anno 2000
Scheda 2. La Televisione Italiana – Anno 2000
Scheda 3. Glossario
Scheda 4. Biblo-WebGrafia

ECONOMIA, MANAGEMENT, FINANZA E MARKETING DEL CINEMA E DELL'AUDIOVISIVO

dal concept al set ai Big Data
dalla sala cinematografica al web
dal pubblico ai pubblici

2021 EDITION

scaricabile da piattaforma

https://store.streetlib.com/it/celata-giandomenico/economiamanagement-e-finanza-dellimpresa-cinematografica-ed-audiovisiva

l'edizione a stampa sarà disponibile tra pochi giorni presso la
libreria ODRADEK via dei Banchi Vecchi 57 Roma

Come si costruisce un format televisivo? Come si analizza un programma realizzato a partire da un format? Che rapporto c’è fra format e generi tv? I format funzionano anche per la serialità? Perché in tutto il mondo si guardano gli stessi programmi, da La ruota della fortuna a Masterchef, da Stranamore a LOL? Nel laboratorio si affronteranno questi quesiti, con costante riferimento alla produzione televisiva internazionale. Il laboratorio prevede esercitazioni nella scrittura di paper format e scalette di programmi.

Luca Parenti, Scrivere la scaletta di un programma Tv, Roma, Dino Audino Editore, 2021 (in corso di stampa)

Il corso si propone di individuare ed analizzare le principali tendenze del racconto audiovisivo contemporaneo, affrontando gli immaginari egemonici tanto quanto i percorsi sovversivi proposti dal cinema e dalla serialità televisiva in Europa e negli Stati Uniti. Verranno affrontati soprattutto: i modelli cinematografici legati all’approccio transnazionale e a scenari postcoloniali/globalizzazione; il rapporto fra estetica, soggettività e identità di gender; la serialità televisiva complessa, il transmedia storytelling e la narrazione convergente.
Il syllabus del corso sarà disponibile al link https://ilariaadepascalis.wordpress.com/informazioni-generali/

Ilaria A. De Pascalis, "Il cinema europeo contemporaneo: scenari transnazionali, immaginari globali", Bulzoni, Roma 2015.

Antologia di saggi a cura della docente.

Il programma definitivo, completo di bibliografia e filmografia e di tutte le informazioni sul corso, sarà pubblicato sul sito personale della docente https://ilariaadepascalis.wordpress.com/

La prima parte del corso è dedicata a una rassegna delle prospettive teoriche attorno al concetto di genere. Si prenderà inoltre in esame il dibattito sul ruolo dei media nella costruzione dell’immaginario maschile e femminile e saranno introdotti gli strumenti metodologici utili per indagare il rapporto tra genere e media dal punto di vista sociologico.
La seconda parte intende rafforzare uno sguardo di genere sulle pratiche comunicative dei diversi ambienti mediali, con l’obiettivo di potenziare le capacità di analisi critica. Grazie ai laboratori didattici, gli studenti e le studentesse potranno analizzare differenti materiali e dispositivi mediatici sulla base di quanto appreso durante la prima parte del corso

D. Richardson (2015), Conceptualising Gender, in V. Robinson & D. Richardson (eds), Gender and Women’s Studies, Palgrave, pp. 3-22
A. L. Tota (2008), Gender e media. Verso un immaginario sostenibile, Meltemi, Milano (Capitoli: 1, 2, 3, 4, 7, 8, 9, 10)
S. Capecchi (2014), Methodological problems in gender and media research, Qual Quant, 48, pp. 837–844

10 gennaio 2022

Scelta del punto di vista da adottare per raccontare il personaggio.
Come procedere nella stesura di una sceneggiatura-trattamento per il cinema documentario ed esercitazioni con visione di estratti da una selezione di film documentari.
Le diverse metodologie da adottare per realizzare un film documentario rispetto ai soggetti e alle loro storie: l’approccio più analitico di studio e conoscenza approfondita del personaggio prima dell’inizio delle riprese e l’approccio più in presa diretta alla scoperta del personaggio e della storia insieme alla telecamera. Esercitazioni a partire dalle storie individuate dai partecipanti.

11 gennaio 2022

Sulla base del punto di vista adottato e del linguaggio utilizzato, scelta dell'equipaggiamento tecnico di ripresa, del suono e della troupe necessaria per la realizzazione del film documentario.
Tecniche di ripresa: formati, obiettivi, e accessori. Sono previste esercitazioni pratiche a partire dalle logline inviate dagli studenti.

12 gennaio 2022

Riprese: macchina a mano, cavalletto e steadycam. Come, perché e quando usarli. Sono previste esercitazioni pratiche.
Le scene, come impostare le riprese e perché. Tagli e inquadrature.
Le sequenze cinematografiche, come approcciarle e quale grammatica utilizzare. Scelte espressive e scelte estetiche.

13 gennaio 2022

Il suono, tra riprese, montaggio e mix audio.
Il montaggio: cos'è e come affrontarlo. Dalla scelta e la messa in fila dei materiali, alla vera e propria riscrittura e ricerca drammaturgia attraverso le immagini.
Post-produzione, musica, titoli ed effetti. L’importanza invisibile di un’accurata finalizzazione.

14 gennaio 2022

Riflessioni finali sui soggetti proposti dagli studenti e sulla scheda del progetto sviluppata da ciascuno nel corso del laboratorio, in preparazione delle esercitazioni da realizzare in vista dell’idoneità.

---

Dopo l’esposizione di elementi teorici sulle fasi di realizzazione di un’opera audiovisiva (dalla pre-produzione alla post-produzione), suffragata dall’analisi di alcune sequenze tratte dalla storia del Cinema, gli studenti lavoreranno ad alcuni esercizi di laboratorio, misurandosi con le difficoltà proposte dalle varie fasi di produzione.

Non è previsto un testo di riferimento.

Il laboratorio intende introdurre gli studenti e le studentesse alla concettualizzazione e alla pratica delle arti digitali. Dopo un’introduzione storica e teorica sulla cultura digitale, con un focus sul rapporto fra cinema, media e arti performative, gli studenti faranno esperienza di alcune tecniche e linguaggi artistici da impiegare nell'ideazione, sviluppo e presentazione di un progetto di arte digitale concordato e assistito dal docente.

- Catricalà Valentino, «Prospettive delle arti nel XXI secolo. Storie, teorie, preservazione», Mimesis, 2016
- Schechner Richard, «Introduzione ai performance studies», Cue Press, Imola, 2018.
- Parikka Jussi, «What is Media Archeology?», Polity Press, 2012.
- Legacy Russell, Glitch Feminism. A Manifesto, New York, Verso, 2020.

La sceneggiatura tra teoria e prassi: aspetti teorici, modelli interpretativi, elementi narrativi della scrittura per il cinema.
L'insegnamento offre un'introduzione alla storia e alla teoria della sceneggiatura cinematografica, con particolare attenzione alla natura tecnica della scrittura per il cinema, e propone un workshop per la realizzazione di un testo in forma di soggetto, scaletta e/o trattamento.
Alcuni momenti della scrittura cinematografica: focalizzazione di un’idea tematica , stesura di una sinossi di max 5 righe, stesura di un soggetto e costruzione dei personaggi (protagonista, antagonista, secondari), scheda personaggio scelte, natura, caratterizzazione, obiettivo; step outline per una struttura in tre atti; prima e seconda stesura del trattamento.

1979 - Syd Field: Screenplay
1987 – Linda Seger: Making a Good Script Great
1989 – Michael Hauge: Writing Screenplays That Sell
1992 – Christopher Vogler: The Writer's Journey
1994 - Phillips & Huntley: Dramatica (software)
1997 - McKee: Story
2002 - Richard Stefanik: Megahit Movies
2005 – Blake Snyder: Save The Cat!
2007 – John Truby: The Anatomy of Story
2010 – Todd Klick: Something Startling Happens

Tema dell'annualità 2021/2022: "Cittadinanza"

Il percorso prevede un breve excursus storico di film che hanno rappresentato il tema della cittadinanza.
Si procederà poi a selezionare alcuni soggetti proposti dagli studenti che facciano di questo elemento il centro narrativo della storia.
I soggetti selezionati saranno realizzati in lavoro di gruppo o individuale.
Nessun limite di durata e di ambientazione.

Limite massimo iscritti 30 persone.

Frequenza obbligatoria. Sono ammesse, escluse cause di forza maggiore, non più di due assenze.

Testi consigliati:

- Mario Balsamo, Gianfranco Pannone. "L’officina del reale. Fare un documentario: dalla progettazione al film". Edizioni CdG – Centro di documentazione giornalistica, 2010.

- Simone Aleandri, Roberto Moliterni. "Fare un documentario. Scrivere, girare e produrre cinema del reale". Dino Audino. 2020.

- Lorenzo Hendel. "Il documentario narrativo. Come inventare una storia vera". Dino Audino. 2021.

Testi consigliati:

- Gianfranco Pannone. È reale?: Guida empatica del cinedocumentarista. Artdigiland, 2021.

- Lorenzo Hendel. "Il documentario narrativo. Come inventare una storia vera". Dino Audino. 2021.

- Simone Aleandri, Roberto Moliterni "Fare un documentario. Scrivere, girare e produrre cinema del reale". Dino Audino. 2020.

Il laboratorio di operatore radiofonico sarà incentrato quest'anno sul podcast e in particolare sulla produzione di formati audio di narrazione destinati ad un ascolto on demand. Partendo dalla storia dell'audio-documentario in Italia si analizzeranno, attraverso molteplici ascolti, forme, tecniche e linguaggi delle produzioni audio. Una particolare attenzione sarà rivolta alle produzioni di maggiore interesse realizzate all’estero. Parallelamente, attraverso una serie di sessioni pratiche, il laboratorio inviterà gli studenti alla realizzazione di un proprio progetto di podcast.

Il laboratorio non prevede l'adozione di nessun testo. Si richiederà l'ascolto dei podcast suggeriti durante il laboratorio

Il laboratorio si dividerà in due fasi: 15 ore saranno dedicate agli aspetti di introduzione al linguaggio della sceneggiatura e di riflessione sui modelli del racconto che essa implica, con particolare attenzione ai generi narrativi, al worldbuilding e allo storytelling; 15 ore invece vedranno incontri più specifici, che si concentreranno anche su questioni legate alla scrittura vera e propria tramite esercizi proposti agli/alle studenti/esse. In particolare, in questa seconda parte ci si concentrerà su questioni quali: dalla sintesi del soggetto allo sviluppo in sceneggiatura; la fase letteraria e la trasposizione cinematografica; il paradigma tra struttura e intreccio; il primo atto, le prime scene e l’incipit; la costruzione del personaggio, dal sottotesto al dialogo; analisi di film e modelli di opening; distinzione tra linguaggio iconico e linguaggio di astrazione; lo specifico filmico su tempo e movimento.

La bibliografia di riferimento sarà comunicata nel corso delle lezioni, nella forma di consigli di lettura.

I temi principali trattati all’interno de corso riguarderanno:
• esame del mercato nazionale theatrical e delle dinamiche che lo muovono
• legislazione di finanziamenti per la distribuzione e l’esercizio
• l’esercizio cinematografico
• le OTT (Netflix, Amazon, Disney, ecc)
• organizzazione e strutturazione di un palinsesto televisivo
• l’identità e la funzione dei Festival di cinema
• il circuito alternativo dei circoli di cultura cinematografica
• nozioni di marketing e comunicazione

La bibliografia verrà fornita nel corso delle lezioni

Il laboratorio intende introdurre gli studenti e le studentesse alla concettualizzazione e alla pratica delle arti digitali. Dopo un’introduzione storica e teorica sulla cultura digitale, con un focus sul rapporto fra cinema, media e arti performative, gli studenti faranno esperienza di alcune tecniche e linguaggi artistici da impiegare nell'ideazione, sviluppo e presentazione di un progetto di arte digitale concordato e assistito dal docente.

- Catricalà Valentino, «Prospettive delle arti nel XXI secolo. Storie, teorie, preservazione», Mimesis, 2016
- Schechner Richard, «Introduzione ai performance studies», Cue Press, Imola, 2018.
- Parikka Jussi, «What is Media Archeology?», Polity Press, 2012.
- Legacy Russell, Glitch Feminism. A Manifesto, New York, Verso, 2020.

La sceneggiatura tra teoria e prassi: aspetti teorici, modelli interpretativi, elementi narrativi della scrittura per il cinema.
L'insegnamento offre un'introduzione alla storia e alla teoria della sceneggiatura cinematografica, con particolare attenzione alla natura tecnica della scrittura per il cinema, e propone un workshop per la realizzazione di un testo in forma di soggetto, scaletta e/o trattamento.
Alcuni momenti della scrittura cinematografica: focalizzazione di un’idea tematica , stesura di una sinossi di max 5 righe, stesura di un soggetto e costruzione dei personaggi (protagonista, antagonista, secondari), scheda personaggio scelte, natura, caratterizzazione, obiettivo; step outline per una struttura in tre atti; prima e seconda stesura del trattamento.

1979 - Syd Field: Screenplay
1987 – Linda Seger: Making a Good Script Great
1989 – Michael Hauge: Writing Screenplays That Sell
1992 – Christopher Vogler: The Writer's Journey
1994 - Phillips & Huntley: Dramatica (software)
1997 - McKee: Story
2002 - Richard Stefanik: Megahit Movies
2005 – Blake Snyder: Save The Cat!
2007 – John Truby: The Anatomy of Story
2010 – Todd Klick: Something Startling Happens

Tema dell'annualità 2021/2022: "Cittadinanza"

Il percorso prevede un breve excursus storico di film che hanno rappresentato il tema della cittadinanza.
Si procederà poi a selezionare alcuni soggetti proposti dagli studenti che facciano di questo elemento il centro narrativo della storia.
I soggetti selezionati saranno realizzati in lavoro di gruppo o individuale.
Nessun limite di durata e di ambientazione.

Limite massimo iscritti 30 persone.

Frequenza obbligatoria. Sono ammesse, escluse cause di forza maggiore, non più di due assenze.

Testi consigliati:

- Mario Balsamo, Gianfranco Pannone. "L’officina del reale. Fare un documentario: dalla progettazione al film". Edizioni CdG – Centro di documentazione giornalistica, 2010.

- Simone Aleandri, Roberto Moliterni. "Fare un documentario. Scrivere, girare e produrre cinema del reale". Dino Audino. 2020.

- Lorenzo Hendel. "Il documentario narrativo. Come inventare una storia vera". Dino Audino. 2021.

Testi consigliati:

- Gianfranco Pannone. È reale?: Guida empatica del cinedocumentarista. Artdigiland, 2021.

- Lorenzo Hendel. "Il documentario narrativo. Come inventare una storia vera". Dino Audino. 2021.

- Simone Aleandri, Roberto Moliterni "Fare un documentario. Scrivere, girare e produrre cinema del reale". Dino Audino. 2020.

Il laboratorio di operatore radiofonico sarà incentrato quest'anno sul podcast e in particolare sulla produzione di formati audio di narrazione destinati ad un ascolto on demand. Partendo dalla storia dell'audio-documentario in Italia si analizzeranno, attraverso molteplici ascolti, forme, tecniche e linguaggi delle produzioni audio. Una particolare attenzione sarà rivolta alle produzioni di maggiore interesse realizzate all’estero. Parallelamente, attraverso una serie di sessioni pratiche, il laboratorio inviterà gli studenti alla realizzazione di un proprio progetto di podcast.

Il laboratorio non prevede l'adozione di nessun testo. Si richiederà l'ascolto dei podcast suggeriti durante il laboratorio

Il laboratorio si dividerà in due fasi: 15 ore saranno dedicate agli aspetti di introduzione al linguaggio della sceneggiatura e di riflessione sui modelli del racconto che essa implica, con particolare attenzione ai generi narrativi, al worldbuilding e allo storytelling; 15 ore invece vedranno incontri più specifici, che si concentreranno anche su questioni legate alla scrittura vera e propria tramite esercizi proposti agli/alle studenti/esse. In particolare, in questa seconda parte ci si concentrerà su questioni quali: dalla sintesi del soggetto allo sviluppo in sceneggiatura; la fase letteraria e la trasposizione cinematografica; il paradigma tra struttura e intreccio; il primo atto, le prime scene e l’incipit; la costruzione del personaggio, dal sottotesto al dialogo; analisi di film e modelli di opening; distinzione tra linguaggio iconico e linguaggio di astrazione; lo specifico filmico su tempo e movimento.

La bibliografia di riferimento sarà comunicata nel corso delle lezioni, nella forma di consigli di lettura.

I temi principali trattati all’interno de corso riguarderanno:
• esame del mercato nazionale theatrical e delle dinamiche che lo muovono
• legislazione di finanziamenti per la distribuzione e l’esercizio
• l’esercizio cinematografico
• le OTT (Netflix, Amazon, Disney, ecc)
• organizzazione e strutturazione di un palinsesto televisivo
• l’identità e la funzione dei Festival di cinema
• il circuito alternativo dei circoli di cultura cinematografica
• nozioni di marketing e comunicazione

La bibliografia verrà fornita nel corso delle lezioni

1. Tutela giuridica dell'atto creativo. 2. Requisiti di tutela del prodotto intellettuale quale opera dell'ingegno. 3. Diritti patrimoniali d'autore: analisi dei diritti e delle caratteristiche principali. 4. Diritti morali d'autore: analisi dei diritti e delle caratteristiche principali. 5. Diritti d'autore e diritti connessi. 6. Autore ed artista interprete esecutore. 7. Opera cinematografica, opera musicale e opera teatrale. 8. L'editore musicale e il produttore di fonogrammi. 9. Il produttore cinematografico e dell'opera assimilata. 10. La commercializzazione dell'opera cinematografica e dell'opera assimilata. 11. L'impresario teatrale. 12. Analisi dei principali contratti del settore. 13. Gli enti mediatori del diritto d'autore e del diritto connesso.

Legislazione dello Spettacolo di A. Miccichè - Edizioni Artemide, limitatamente ai soli capitoli come di seguito indicato:

Capitoli e/o parti del libro da omettere:
cap. 5: omettere tutto; cap. 6: omettere tutto; cap. 7: studiare solo dal 7.1 al 7.10 omettere tutto il resto; cap. 8 omettere tutto; cap. 9: omettere tutto; cap. 10: omettere solo il 10.10 studiare tutto il resto; cap. 11: omettere solo l'11.6 studiare tutto il resto; cap. 13: omettere solo il 13.33 studiare tutto il resto; cap. 14: omettere solo il 14.25 e il 14.27 studiare tutto il resto; cap. 15: studiare solo il 15.1 e il 15.2 omettere tutto il resto; cap. 16: omettere solo il 16.19 e il 16.20 studiare tutto il resto.

Si intende che i capitoli non elencati vanno studiati per intero.

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Fabio Rossi (2018), "L'opera italiana: lingua e linguaggio", Roma, Carocci.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

Andrea Zanzotto, dietro il paesaggio

a) Andrea Zanzotto, Tutte le poesie, a cura di Stefano Dal Bianco, Milano, «Oscar» Mondadori, 2011

b) Andrea Cortellessa, Andrea Zanzotto. Il canto nella terra, Roma-Bari, Laterza, 2021

c) per una contestualizzazione dei testi nella storia letteraria del Novecento:
Giulio Ferroni, Storia della letteratura italiana, vol. IV: Il Novecento e il nuovo millennio, Milano, Mondadori Università, 2012

Il corso sarà strutturato in due parti distinte: una prima parte affronterà la storia del cinema documentario dalle origini al contemporaneo, attraverso lo studio di movimenti, correnti, autori e tendenze. La seconda parte si concentrerà sul cinema documentario politico italiano dall'inizio degli anni duemila sino ad oggi, identificando correnti, forme linguistiche, realtà produttive e distributive del nuovo cinema militante.
Il corso prevede inoltre alcuni incontri con professionisti del settore documentario in modo tale da mettere gli studenti direttamente in contatto con le professioni del cinema.

Bibliografia:
Maria Cristina Lasagni, Nanook cammina ancora-Il cinema documentario, storia e teoria, Bruno Mondadori Editore, Milano, 2014

Dispense a cura della docente caricate su Moodle all’inizio del corso.


FILMOGRAFIA GENERALE:


Robert Flaherty, Nanook of the North (1922)
Dziga Vertov, L’uomo con la macchina da presa (1929)
Vittorio De Seta, Lu tempu de li pisci spata (1954)- Isole di fuoco (1954)
Autori Vari, Amore in città (episodio Storia di Caterina), (1952)
Cecilia Mangini, Stendalì (1960)
Frederick Wiseman, Titicut Follies (1967)
M.Bellocchio-S.Rulli-G.Petraglia, Matti da slegare (1975)
A.Ferrente-G.Piperno, Le cose belle (2012)

Parte monografica:

Carlo Lizzani, Togliatti è tornato (1948)

Erik Gandini, Videocracy. Basta apparire (2009)

Luca Mosso-Bruno Oliviero, Milano 55.1-Cronaca di una settimana di passioni (2011)

Lise Birk Pedersen, Tutti a casa. Inside Movimento Cinque Stelle (2016)

Monica Repetto, Le nostre ferite 1974-1979 (2020)

Valerio Jalongo, L’acqua la insegna la sete (2021)

Il corso mira a:
- fornire le nozioni fondamentali di fisica del suono e della luce;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura della luce, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura del suono, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde sonore, con particolare riferimento alla voce e agli strumenti musicali;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde luminose, con particolare riferimento alla luce artificiale;
- far comprendere i processi percettivi del suono e della luce in rapporto agli aspetti fisici e alla natura dell’orecchio e dell’occhio umano;
- illustrare i meccanismi alla base delle applicazioni tecniche del suono e della luce nel campo dello spettacolo.

Materiale fornito dal docente.

Il corso è finalizzato a sviluppare competenze metodologiche nell’ambito delle scienze della comunicazione. La prima parte del corso prenderà in esame il framework metodologico per lo studio della cultura e della comunicazione.
Le principali tappe e strategie della ricerca sul campo, con particolare riguardo al metodo etnografico, saranno approfondite durante la seconda parte.

W. Griswold, Un framework metodologico per lo studio della cultura, in M. Santoro, R. Sassatellin(a cura di), Studiare la cultura. Nuove prospettive sociologiche, Il Mulino, Bologna 2009, pp. 253-285
G. Gobo, Descrivere il mondo. Teoria e pratica del metodo etnografico in sociologia, Carocci, Roma 2001

Il corso ripercorrerà l'evoluzione del melodramma dalle origini ai primi del Novecento fornendo agli studenti i principali strumenti di analisi linguistica per questo genere così altamente e rigidamente formalizzato. Ci si concentrerà sulle consuetudini linguistiche dei libretti d'opera: sulle convenzioni metrico-ritmiche, sintattico-testuali, lessicali e drammaturgiche. La storia della scrittura operistica sarà ripercorsa anche attraverso la lettura e il commento linguistico di porzioni di libretti prodotti dal XVII al XX secolo.

— Vittorio Coletti (2017), "Da Monteverdi a Puccini. Introduzione all'opera italiana". Nuova edizione riveduta e ampliata, Torino, Einaudi.
— Fabio Rossi (2018), "L'opera italiana: lingua e linguaggio", Roma, Carocci.
— Dispense messe a disposizione dal docente.

Il laboratorio si dividerà in due fasi: 15 ore saranno dedicate agli aspetti di introduzione al linguaggio della sceneggiatura e di riflessione sui modelli del racconto che essa implica, con particolare attenzione ai generi narrativi, al worldbuilding e allo storytelling; 15 ore invece vedranno incontri più specifici, che si concentreranno anche su questioni legate alla scrittura vera e propria tramite esercizi proposti agli/alle studenti/esse. In particolare, in questa seconda parte ci si concentrerà su questioni quali: dalla sintesi del soggetto allo sviluppo in sceneggiatura; la fase letteraria e la trasposizione cinematografica; il paradigma tra struttura e intreccio; il primo atto, le prime scene e l’incipit; la costruzione del personaggio, dal sottotesto al dialogo; analisi di film e modelli di opening; distinzione tra linguaggio iconico e linguaggio di astrazione; lo specifico filmico su tempo e movimento.

La bibliografia di riferimento sarà comunicata nel corso delle lezioni, nella forma di consigli di lettura.

Tema dell'annualità 2021/2022: "Cittadinanza"

Il percorso prevede un breve excursus storico di film che hanno rappresentato il tema della cittadinanza.
Si procederà poi a selezionare alcuni soggetti proposti dagli studenti che facciano di questo elemento il centro narrativo della storia.
I soggetti selezionati saranno realizzati in lavoro di gruppo o individuale.
Nessun limite di durata e di ambientazione.

Limite massimo iscritti 30 persone.

Frequenza obbligatoria. Sono ammesse, escluse cause di forza maggiore, non più di due assenze.

Testi consigliati:

- Mario Balsamo, Gianfranco Pannone. "L’officina del reale. Fare un documentario: dalla progettazione al film". Edizioni CdG – Centro di documentazione giornalistica, 2010.

- Simone Aleandri, Roberto Moliterni. "Fare un documentario. Scrivere, girare e produrre cinema del reale". Dino Audino. 2020.

- Lorenzo Hendel. "Il documentario narrativo. Come inventare una storia vera". Dino Audino. 2021.

Testi consigliati:

- Gianfranco Pannone. È reale?: Guida empatica del cinedocumentarista. Artdigiland, 2021.

- Lorenzo Hendel. "Il documentario narrativo. Come inventare una storia vera". Dino Audino. 2021.

- Simone Aleandri, Roberto Moliterni "Fare un documentario. Scrivere, girare e produrre cinema del reale". Dino Audino. 2020.

La sceneggiatura tra teoria e prassi: aspetti teorici, modelli interpretativi, elementi narrativi della scrittura per il cinema.
L'insegnamento offre un'introduzione alla storia e alla teoria della sceneggiatura cinematografica, con particolare attenzione alla natura tecnica della scrittura per il cinema, e propone un workshop per la realizzazione di un testo in forma di soggetto, scaletta e/o trattamento.
Alcuni momenti della scrittura cinematografica: focalizzazione di un’idea tematica , stesura di una sinossi di max 5 righe, stesura di un soggetto e costruzione dei personaggi (protagonista, antagonista, secondari), scheda personaggio scelte, natura, caratterizzazione, obiettivo; step outline per una struttura in tre atti; prima e seconda stesura del trattamento.

1979 - Syd Field: Screenplay
1987 – Linda Seger: Making a Good Script Great
1989 – Michael Hauge: Writing Screenplays That Sell
1992 – Christopher Vogler: The Writer's Journey
1994 - Phillips & Huntley: Dramatica (software)
1997 - McKee: Story
2002 - Richard Stefanik: Megahit Movies
2005 – Blake Snyder: Save The Cat!
2007 – John Truby: The Anatomy of Story
2010 – Todd Klick: Something Startling Happens

Il corso sarà strutturato in due parti distinte: una prima parte affronterà la storia del cinema documentario dalle origini al contemporaneo, attraverso lo studio di movimenti, correnti, autori e tendenze. La seconda parte si concentrerà sul cinema documentario politico italiano dall'inizio degli anni duemila sino ad oggi, identificando correnti, forme linguistiche, realtà produttive e distributive del nuovo cinema militante.
Il corso prevede inoltre alcuni incontri con professionisti del settore documentario in modo tale da mettere gli studenti direttamente in contatto con le professioni del cinema.

Bibliografia:
Maria Cristina Lasagni, Nanook cammina ancora-Il cinema documentario, storia e teoria, Bruno Mondadori Editore, Milano, 2014

Dispense a cura della docente caricate su Moodle all’inizio del corso.


FILMOGRAFIA GENERALE:


Robert Flaherty, Nanook of the North (1922)
Dziga Vertov, L’uomo con la macchina da presa (1929)
Vittorio De Seta, Lu tempu de li pisci spata (1954)- Isole di fuoco (1954)
Autori Vari, Amore in città (episodio Storia di Caterina), (1952)
Cecilia Mangini, Stendalì (1960)
Frederick Wiseman, Titicut Follies (1967)
M.Bellocchio-S.Rulli-G.Petraglia, Matti da slegare (1975)
A.Ferrente-G.Piperno, Le cose belle (2012)

Parte monografica:

Carlo Lizzani, Togliatti è tornato (1948)

Erik Gandini, Videocracy. Basta apparire (2009)

Luca Mosso-Bruno Oliviero, Milano 55.1-Cronaca di una settimana di passioni (2011)

Lise Birk Pedersen, Tutti a casa. Inside Movimento Cinque Stelle (2016)

Monica Repetto, Le nostre ferite 1974-1979 (2020)

Valerio Jalongo, L’acqua la insegna la sete (2021)

1. Tutela giuridica dell'atto creativo. 2. Requisiti di tutela del prodotto intellettuale quale opera dell'ingegno. 3. Diritti patrimoniali d'autore: analisi dei diritti e delle caratteristiche principali. 4. Diritti morali d'autore: analisi dei diritti e delle caratteristiche principali. 5. Diritti d'autore e diritti connessi. 6. Autore ed artista interprete esecutore. 7. Opera cinematografica, opera musicale e opera teatrale. 8. L'editore musicale e il produttore di fonogrammi. 9. Il produttore cinematografico e dell'opera assimilata. 10. La commercializzazione dell'opera cinematografica e dell'opera assimilata. 11. L'impresario teatrale. 12. Analisi dei principali contratti del settore. 13. Gli enti mediatori del diritto d'autore e del diritto connesso.

Legislazione dello Spettacolo di A. Miccichè - Edizioni Artemide, limitatamente ai soli capitoli come di seguito indicato:

Capitoli e/o parti del libro da omettere:
cap. 5: omettere tutto; cap. 6: omettere tutto; cap. 7: studiare solo dal 7.1 al 7.10 omettere tutto il resto; cap. 8 omettere tutto; cap. 9: omettere tutto; cap. 10: omettere solo il 10.10 studiare tutto il resto; cap. 11: omettere solo l'11.6 studiare tutto il resto; cap. 13: omettere solo il 13.33 studiare tutto il resto; cap. 14: omettere solo il 14.25 e il 14.27 studiare tutto il resto; cap. 15: studiare solo il 15.1 e il 15.2 omettere tutto il resto; cap. 16: omettere solo il 16.19 e il 16.20 studiare tutto il resto.

Si intende che i capitoli non elencati vanno studiati per intero.

Gli studenti potranno conoscere i temi più importanti del rapporto fra Etica ed Estetica attraverso l'analisi di alcuni passi delle opere di Platone, Aristotele, Bruno, Shakespeare, Kant, Hegel, Nietsche, Haidegger, Blumenberg.
Approfondiranno il concetto di "pena" e "reinserimento sociale" del deviante, secondo l'art 27 della Costituzione della Repubblica Italiana.
Attraverso la visione di film e doc comprenderanno l'impatto dell'arte nel contesto penitenziario.
Parteciperanno alle prove teatrali presso il Teatro del Carcere di Rebibbia.

I passi dei testi saranno forniti in sede di Laboratorio

La luce e il luogo
Il laboratorio intende introdurre i partecipanti ai criteri e ai metodi del “teatro dei luoghi”, progetto relativo alla creazione di lavori teatrali e installativi a partire dai caratteri specifici dei siti, e alle modalità d’uso della luce nel suo ambito. In questo progetto i caratteri del sito divengono generativi rispetto alla creazione della performance. I testi, le azioni, il movimento prendono corpo nel corso del lavoro preparatorio svolto sul posto, sulla scorta delle suggestioni in esso raccolte e della lettura degli elementi e delle relazioni preesistenti. Il laboratorio sarà introdotto, nella prima giornata, da un incontro di tipo teorico sul progetto, con supporti audiovisivi, e relative discussioni. Nei due giorni successivi esso metterà i partecipanti, divisi in gruppi, nella condizione di esperire le possibili relazioni con lo spazio, con elaborazione di brevi azioni ed interventi, assumendo il luogo come principio ordinatore: gli ultimi due giorni verranno dedicati alla messa in relazione delle azioni tra loro, e alle questioni del montaggio. Particolare rilievo verrà dato al ruolo svolto dalla luce nel processo.

Testi introduttivi alle tematiche del laboratorio (facoltativi):
Fabrizio Crisafulli, Il teatro dei luoghi. Lo spettacolo generato dalla realtà, Artdigiland, Dublino, 2015
Fabrizio Crisafulli, Luce attiva, questioni della luce nel teatro contemporaneo, Titivillus, Corazzano, 2007

Organizzato come una situazione pedagogica mista che alterna la pratica scenica alla riflessione storica, il laboratorio ha l’obiettivo di fornire alcuni strumenti che permettano di accedere all’uso del momento “pre-espressivo” del training come un trampolino di lancio verso la dimensione “espressiva” che presiede la creazione di uno spettacolo. I e le partecipanti dovranno aver imparato a memoria un monologo – dei protagonisti o delle protagoniste – tratto dal Don Giovanni di Molière e/o da Platonov di Anton Cechov. Attraverso la pratica di alcuni esercizi si cercherà di percorrere un cammino verso la creazione e il montaggio di brevi scene tratte dai due classici del repertorio drammaturgico. Al contempo, si cercherà di radicare le pratiche sceniche nell’ambito storico e dell’indagine teorica. Il lavoro pratico e storico metterà in relazione due opere teatrali di Molière e Checov: Don Giovanni e Platonov. Il protagonista di quella che è la prima opera teatrale di Checov è stato spesso paragonato al Don Giovanni e addirittura è stato definito un Don Giovanni di “Serie B” o dell’800. A noi interessa l’accostamento tra questi due figure perché permette un lavoro su scene e testi stilisticamente e storicamente molto distanti.
Avendo già appreso a memoria uno dei monologhi dei e delle protagoniste delle due opere, ci si potrà soffermare sulla drammaturgia dell’attore termine con il quale ci si riferisce al processo creativo attoriale, inteso come un’opera compositiva, di tessitura e di montaggio, e dunque drammaturgica in senso proprio. Oggetto di lavoro e di indagine saranno le azioni, fisiche e vocali. Stabilendo un ponte con il lavoro di training si creeranno delle partiture o sequenze di azioni in relazione al monologo e a un oggetto o a un elemento del costume, dando così vita a delle piccole scene.

Propedeutica alla partecipazione al Laboratorio è la lettura integrale di due opere teatrali:
Anton Cechov, Platonov (edizione consigliata: Torino, Einaudi, 1959, introduzione e traduzione di Ettore Lo Gatto)
Molière, Don Giovanni (edizione consigliata: Torino, Einaudi, 1974, saggi e traduzioni di Cesare Garboli)
Alla lista dei 25 partecipanti ammessi al Laboratorio a partire dal 26 marzo verrà inviata una selezione di monologhi estratti dalle due opere perché possano scegliere così quello da imparare a memoria entro il 4 aprile, data di inizio del Laboratorio.

l laboratorio intende sviluppare capacità imprenditoriali per la costituzione di nuove attività culturali e di spettacolo. Durante il laboratorio verranno illustrati i sistemi di funzionamento di una impresa culturale, dal punto di visto giuridico, delle norme del lavoro e degli obblighi contrattuali, relativamente allo spettacolo dal vivo, anche in relazione con altri ambiti della produzione culturale. Durante le lezioni viene inoltre disaminata la tecnica di redazione del progetto, con particolare attenzione allo sviluppo di capacità di reperimento delle risorse pubbliche e private. E’ prevista la stesura di un progetto, organizzando gruppi di lavoro, che saranno seguiti dal docente con l’obiettivo che gli studenti esplorino la fattibilità e sostenibilità di una propria idea imprenditoriale nella sua dimensione di mercato, organizzativa, economica, riguardo progetti di nuove imprese teatrali o culturali o di spettacolo, oppure di azioni di rilancio di realtà esistenti.

Testo a supporto.
Lucio Argano, Alessandro Bollo, Paolo Dalla Sega “Organizzare eventi culturali. Ideazione, progettazione e gestione strategica del pubblico” Franco Angeli 2017
Dispense: saranno fornite dal docente durante il corso

Il corso introduce allo studio dell’attore nelle culture teatrali europee dall’età moderna al Novecento. Nella prima parte verranno forniti agli studenti gli strumenti necessari per identificare e analizzare le fonti documentarie dell’arte e la storia degli attori. Nella seconda parte verranno proposti, attraverso esempi tratti dalle maggiori esperienze dei teatri del Novecento, i processi di formazione e di creazione dei principi della vita scenica, con particolare attenzione alla costruzione del personaggio e alla composizione delle azioni fisiche e vocali.

TESTI PER L'ESAME: Materiali didattici a cura del docente (disponibili all’inizio del corso nel sito https://sites.google.com/com/site/stefanogeraci1);Vasilij Osipovič Toporkov ,Stanislavskij alle prove.Gli ultimi anni: il metodo delle azioni fisiche; Cuepress, 2022.
Per gli studenti non frequentanti, oltre il programma indicato, il seguente volume :V. Mejercol’d, L’attore biomeccanico, a.c. di F. Malcovati, Cuepress, 2020

Il laboratorio di operatore radiofonico sarà incentrato quest'anno sul podcast e in particolare sulla produzione di formati audio di narrazione destinati ad un ascolto on demand. Partendo dalla storia dell'audio-documentario in Italia si analizzeranno, attraverso molteplici ascolti, forme, tecniche e linguaggi delle produzioni audio. Una particolare attenzione sarà rivolta alle produzioni di maggiore interesse realizzate all’estero. Parallelamente, attraverso una serie di sessioni pratiche, il laboratorio inviterà gli studenti alla realizzazione di un proprio progetto di podcast.

Il laboratorio non prevede l'adozione di nessun testo. Si richiederà l'ascolto dei podcast suggeriti durante il laboratorio

Andrea Zanzotto, dietro il paesaggio

a) Andrea Zanzotto, Tutte le poesie, a cura di Stefano Dal Bianco, Milano, «Oscar» Mondadori, 2011

b) Andrea Cortellessa, Andrea Zanzotto. Il canto nella terra, Roma-Bari, Laterza, 2021

c) per una contestualizzazione dei testi nella storia letteraria del Novecento:
Giulio Ferroni, Storia della letteratura italiana, vol. IV: Il Novecento e il nuovo millennio, Milano, Mondadori Università, 2012

Il corso mira a:
- fornire le nozioni fondamentali di fisica del suono e della luce;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura della luce, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- fornire un panorama storico-teorico sulla natura del suono, dal mondo antico fino alle moderne teorie e applicazioni;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde sonore, con particolare riferimento alla voce e agli strumenti musicali;
- illustrare i fenomeni connessi con la generazione e con la propagazione delle onde luminose, con particolare riferimento alla luce artificiale;
- far comprendere i processi percettivi del suono e della luce in rapporto agli aspetti fisici e alla natura dell’orecchio e dell’occhio umano;
- illustrare i meccanismi alla base delle applicazioni tecniche del suono e della luce nel campo dello spettacolo.

Materiale fornito dal docente.

Il corso è finalizzato a sviluppare competenze metodologiche nell’ambito delle scienze della comunicazione. La prima parte del corso prenderà in esame il framework metodologico per lo studio della cultura e della comunicazione.
Le principali tappe e strategie della ricerca sul campo, con particolare riguardo al metodo etnografico, saranno approfondite durante la seconda parte.

W. Griswold, Un framework metodologico per lo studio della cultura, in M. Santoro, R. Sassatellin(a cura di), Studiare la cultura. Nuove prospettive sociologiche, Il Mulino, Bologna 2009, pp. 253-285
G. Gobo, Descrivere il mondo. Teoria e pratica del metodo etnografico in sociologia, Carocci, Roma 2001

A partire da un quadro indicativo degli aspetti teorici e metodologici della storia delle culture alimentari, il corso intende orientare gli studenti sui fattori culturali e sociali che hanno segnato l’immaginario e l’uso del cibo nell’età contemporanea.
La prima parte del corso (6 ore) introduce gli studenti agli aspetti teorici e metodologici della storia culturale e della storia delle culture materiali. La seconda parte del corso (6 ore) affronta i cambiamenti storici di lungo periodo dell’agricoltura in età contemporanea. La terza parte del corso (18 ore) si concentra sulla storia della cultura alimentare italiana con particolare riferimento alle culture alimentari mediterranee. La quarta parte del corso (6 ore) propone tre approfondimenti sulle relazioni culturali tra cibo e società: cibo e ambiente, cibo e diseguaglianze, cibo e religioni.

Alberto Capatti e Massimo Montanari, La cucina italiana. Storia di una cultura, Roma-Bari, Laterza, 2017, 424 pp., € 14,00.
Un libro a scelta tra:
Cibo, a cura di Ester Fano, Nora McKeon e Giancarlo Monina, numero monografico di “Parolechiave”, 58, dicembre 2017, 240 p., € 22,00.
Piero Bevilacqua, Il cibo e la terra. Agricoltura, ambiente e salute negli scenari del nuovo millennio, Roma, Donzelli, 2018, 215 pp., € 11,00.
Alberto De Bernardi, Il paese dei maccheroni. Storia sociale della pasta, Roma, Donzelli, 2019, 262 pp., € 30,00.
Massimo Montanari (a cura di), Cucina politica. Il linguaggio del cibo fra pratiche sociali e rappresentazioni ideologiche, Bari-Roma, Laterza, 2021, 328 pp., € 19,00

CONTROSTORIE DI UN’ITALIA PLURALE. NAPOLI E DINTORNI, DAI “FIGLI DELLA MADONNA” ALLE LOTTE DELLE “SECONDE GENERAZIONI”

Quando pensiamo alla Napoli raccontata dal cinema e dalle serie, pensiamo immediatamente a una napoletanità riconoscibile, una trama intessuta da alcuni luoghi dell’immaginario e da alcuni volti e autori di riferimento, da Totò ed Eduardo, passando per Massimo Troisi. Esiste però una Napoli negata, nascosta, subalterna, che porta le tracce vive di un passato di incontri, sopraffazioni, contaminazioni, che rinviano ai rapporti col Mediterraneo, con l’Africa ma anche con la blackness statunitense, dalla guerra di corsa al colonialismo, dalle migrazioni alla società multiculturale di oggi. Analizzeremo alcuni titoli che hanno in qualche modo contribuito a dare forma e visibilità a questa Napoli plurale, che si prolunga idealmente nel suo hinterland, dall’episodio napoletano di Paisà a Il vizio della speranza (Edoardo De Angelis, 2018), passando per Il nero (Giovanni Vento, 1967) che porta alla luce con una prospettiva antiessenzialista la condizione dei «figli neri della Madonna».

Filmografia (lista soggetta a revisione):

Roberto Rossellini, Paisà, ep. Napoli, 1946
Luigi Zampa, Campane a martello, 1949
Francesco De Robertis, Il mulatto, 1950
Giovanni Vento, Il nero, 1966
Guido Lombardi, Là-bas. Educazione criminale, 2011
Edoardo De Angelis, Il vizio della speranza, 2019

Finalità
Il corso intende offrire una conoscenza approfondita del quadro giuridico che regola il settore audiovisivo in Italia e in Europa e sui principi che ne sono alla base. Durante il corso verrà effettuata una ricognizione sugli attori istituzionali, sul sistema di sostegno alla filiera e verrà tracciata l’evoluzione legislativa nel nuovo contesto economico e tecnologico, alla luce del nuovo ecosistema digitale. Potranno essere invitati, alla presenza del docente, operatori del settore per illustrare casi studio e buone pratiche.
Agli studenti verranno forniti elementi e strumenti informativi tali da conoscere le procedure e l’assetto regolatorio di sostegno alle imprese e alle opere audiovisive.

Struttura del corso
Prima parte: il quadro comunitario che regola il cinema e dell’audiovisivo
1.1 La creazione del Mercato Unico Digitale e i dossier europei relativi all’audiovisivo
1.2 La revisione delle Direttiva Servizi Media Audiovisivi e cenni sulla revisione della Direttiva Copyright e del regolamento “Sat Cab”
1.3 Il programma comunitario Europa Creativa – Sottoprogramma Media
1.4 La convenzione europea delle coproduzioni e il Fondo Eurimages
1.5 La normativa in materia di aiuti di Stato
Seconda parte: la disciplina del cinema e dell’audiovisivo: la Legge n. 220/2018 e i decreti attuativi
2.1 La Governance e le autorità competenti: quadro complessivo. Struttura, compiti e attribuzioni della Direzione Generale Cinema e Audiovisivo del MiC – Ministero della Cultura
2.2 La legge n.220 del 2016: genesi, obiettivi, linee strategiche di intervento e risorse
2.3 La legge n.220 del 2016: nazionalità, soggetti e opere beneficiarie
2.4 La legge n. 220 del 2016: i sostegni selettivi alla produzione e i contributi automatici
2.5 La legge n. 220 del 2016: il sistema dei crediti di imposta alla filiera audiovisiva
2.6. Il sostegno alla promozione; festival, premi, rassegne, cineteche, associazioni e sviluppo della cultura cinematografica e audiovisiva. I 5 enti vigilati (ILC, CSC, Cineteca Bologna, Museo di Torino, Biennale Cinema)
2.7 La legge n. 220 del 2016: i piani straordinari per la digitalizzazione del patrimonio e per il potenziamento delle sale
2.8 Il protocollo d’intesa MIUR – MIBACT (ora MiC) e le iniziative per la media education
2.9 Il rapporto Stato – Regioni e il riconoscimento delle Film Commission
2.10. Le tre riforme previste dalla Legge: tutela dei minori nel settore cinematografico e audiovisivo e la classificazione delle opere; promozione delle opere cinematografiche e audiovisive: gli obblighi di programmazione e di investimento a carico dei fornitori di servizi media audiovisivi; riforma del mercato del lavoro in materia cinematografica e audiovisiva.

Dispense e rassegna stampa da richiedere al docente ai seguenti indirizzi: bruno.zambardino@uniroma3.it; teoliazzurra@yahoo.it

I temi principali trattati all’interno de corso riguarderanno:
• esame del mercato nazionale theatrical e delle dinamiche che lo muovono
• legislazione di finanziamenti per la distribuzione e l’esercizio
• l’esercizio cinematografico
• le OTT (Netflix, Amazon, Disney, ecc)
• organizzazione e strutturazione di un palinsesto televisivo
• l’identità e la funzione dei Festival di cinema
• il circuito alternativo dei circoli di cultura cinematografica
• nozioni di marketing e comunicazione

La bibliografia verrà fornita nel corso delle lezioni

Il laboratorio sarà incentrato sull'elaborazione di prodotti audiovisivi realizzati con lo smartphone.

Nessuno. Il workshop è di natura essenzialmente pratica.

Il laboratorio prevede l’analisi della regia cinematografica nei suoi aspetti legati all’accrescersi visivo della tensione nel racconto per immagini. Studiando la scelta dei vari piani (particolari, dettagli, primi piani, campi medi, campi lunghi, movimenti di macchina), le tecniche di montaggio e il punto di vista narrativo-visivo utilizzato della vicenda, si cercherà di raccontare come i registi riescono a tradurre in un crescendo visivo il progredire graduale della scrittura drammaturgica e a sottolineare i momenti cruciali della narrazione.
Come sottolineare visivamente i punti rilevanti di una sceneggiatura, l’evento scatenante che fa partire la vicenda, le sue svolte, i punti culminanti?
E il cosiddetto CLIMAX – che nei manuali di sceneggiatura corrisponde al punto culminante della storia – come viene tradotto in immagini dai cineasti in modo che, anche a livello visivo, rappresenti il punto emotivo culminante della storia?
A partire da esempi di classici del cinema come Ejzenstejn, Welles, Hitchcock, Bunuel, Clouzot, Polanski, Scorsese fino a Nigth Shyamalan, Demme, Spielberg e Fincher, ci confronteremo con modelli di riferimento assai diversi ma con in comune l'intento di raccontare una storia con il massimo di pathos e di coinvolgimento emotivo dello spettatore. Obbiettivo che il laboratorio, con l'alternanza di teoria e di esercitazioni pratiche, si propone di approfondire.

Nessun testo