Il corso intende mettere in luce la convergenza, o addirittura la sostanziale identità, tra le due celebri definizioni aristoteliche dell’Homo sapiens: “animale che ha linguaggio” e “animale politico”. Studiando i testi di alcuni importanti linguisti e filosofi del linguaggio (E. Benveniste, J. L. Austin), nonché l’opera maggiore di Hannah Arendt, Vita activa, si vorrebbe chiarire i motivi per i quali il linguaggio verbale deve essere considerato l’organo biologico della prassi pubblica.

G. Graffi, S. Scalise, Le lingue e il linguaggio. Introduzione alla linguistica, il Mulino, limitatamente ai capitoli I, II, VII, VIII (esclusi i paragrafi di approfondimento contraddistinti da un asterisco). Da acquistare.

DISPENSA DEL PROF. VIRNO, Il parlante come artista esecutore. Disponibile in fotocopia.

B. MALINOWSKI, Il problema del significato nei linguaggi primitivi, in C.K. Ogden, I.A. Richards, Il significato del significato, Garzanti, Milano 1975, limitatamente alle pp. 353-357. Disponibile in fotocopia.
J. L. AUSTIN, Enunciati performativi, in Id., Saggi filosofici, Guerini e Associati, Milano 1990, pp. 221-36. Disponibile in fotocopia.

Testo del prof. Virno, Il performativo assoluto, da leggere in relazione a Austin e Malinowski. Facoltativo, disponibile in fotocopia.

E. BENVENISTE, Problemi di linguistica generale, Il Saggiatore, Milano 1971, limitatamente alle pagine 301-347, comprendenti i seguenti saggi: La natura dei pronomi, La soggettività nel linguaggio, La filosofia analitica e il linguaggio. Disponibile in fotocopia.

E. BENVENISTE, Problemi di linguistica generale II, Il Saggiatore, Milano 1987, limitatamente ai seguenti saggi: Il linguaggio e l’esperienza umana, pp. 83-95; L’apparato formale dell’enunciazione, pp. 96-106. Disponibile in fotocopia.

H. ARENDT, Vita activa, Bompiani (edizione economica, in commercio), limitatamente ai capitoli 1, 2, 5. Da acquistare.

Titolo: Musica ed emozioni
Il corso esaminerà le seguenti questioni:
Come possiamo giustificare l’attribuzione di qualità emotive alla musica? Cosa intendiamo quando diciamo, per esempio, che una certa musica è triste, gioiosa, malinconica?
Come può la musica suscitare emozioni (ad esempio, emozione, tristezza, euforia) nell’ascoltatore?
Come spiegare le nostre risposte emotive alla musica?
Infine, che tipo di emozioni sono quelle generate dall'ascolto musicale?

Hanslick, E., Il bello musicale, Aesthetica, Palermo 2007 (capp. 1,2, 3).
Langer, S., Filosofia in una nuova chiave, Ramando editore, Roma, 1972 (cap. 8: Sul significato in musica).
Lentini, D., La musica e le emozioni. Percorsi nell’estetica analitica, Mimesis, Milano, 2014 (saggi scelti).
Bertinetto, A., Il pensiero dei suoni. Temi di filosofia della musica, Bruno Mondadori, Milano, 2012 (cap. 3: Una scienza emozionale, pp. 99-154)
Kivy, P., Filosofia della musica. Un’introduzione, Einaudi, Torino, 2007 (capp. scelti).

Arte e nuovi media nel XX secolo

Nel corso del Novecento i movimenti artistici hanno messo definitivamente in crisi la centralità dei medium tradizionali (pittura, scultura ecc.). Dal dada alla pop art, dal cubismo al surrealismo e fino alle tendenze degli anni Sessanta le distinzioni tra mezzi espressivi, tecniche e linguaggi vengono messe in crisi e si afferma una radicale ridefinizione dell’opera d’arte e dei suoi caratteri teorici e concreti, con la stabile annessione alle pratiche artistiche di media non tradizionali (fotografia, film, video).

Il corso affronta i momenti chiave di questo processo nell’arco del periodo 1900-1970, attraverso l’esame ravvicinato di opere e figure chiave e letture guidate di testi essenziali sull'argomento.

Le lezioni sono tutte disponibili su Stream, accessibile dalla mia pagina docente: https://www.uniroma3.it/en/persone/cFpYMElOZE1jSTNiTjFtQ1p0NlhaSTJqSkFpU2VJMEc0cFpHamZ1LzFoRT0=/ricevimento/

• Philippe Dubois, L’atto fotografico, Urbino 2009, pp. 25-108 [PDF]
• Claudio Marra, Fotografia e pittura nel Novecento, Milano 2012
• Denis Riout, L’arte del ventesimo secolo. Protagonisti, temi, correnti, Einaudi, Torino 2002.

Testo di riferimento

• Hal Foster et al., Art since 1900, Thames & Hudson [PDF]

NB: Alcuni di questi testi sono disponibili in PDF nella cartella del canale Teams del corso.

Arte e nuovi media
Nel corso del Novecento i movimenti artistici hanno messo definitivamente in crisi la centralità dei medium artistici tradizionali (pittura, scultura ecc.). Dal dada alla pop art, dal cubismo ai movimenti nati nella seconda metà degli anni sessanta, e sino alle esperienze della postmodernità basate su appropriazione e allegoria, le distinzioni tra mezzi espressivi, tecniche e linguaggi vengono messe in crisi e si afferma una pratica creativa in cui istanze concettuali, processuali, performative impongono una radicale ridefinizione dell’opera d’arte e dei suoi caratteri teorici e concreti, con la stabile annessione alle pratiche artistiche di media contemporanei (fotografia, film, video, immagine digitale).
Il corso affronta i momenti chiave di questo processo, nell’arco del periodo 1850-1970, attraverso l’esame ravvicinato di opere e figure chiave del periodo e letture guidate di testi essenziali sull'argomento.

1)
S. Bordini (a cura di), Arte contemporanea e tecniche. Materiali, procedimenti, sperimentazioni, Carocci, Roma 2007

F. Poli (a cura di), Arte moderna. Dal Postimpressionismo all’Informale, Electa, Milano 2007 (i seguenti saggi: C. Zambianchi, Le ricerche postimpressioniste, pp. 10-29; M. Lorandi, Simbolismo, pp. 30-53)[PDF fornito dalla docente]

V.I. Stoichita, Dello sguardo ostacolato. Per una storia dell’Impressionismo, in “Annali della Fondazione Europea del Disegno”, Il Melangolo, Genova 2009, pp. 65-87 [PDF scaricabile dall’area download, pagina web della docente]

V.I. Stoichita, La pittura impressionista vista da e con Schapiro: Caillebotte e l’intreccio visivo, in Meyer Schapiro e i metodi della storia dell’arte, a cura di L. Bortolotti, C. Cieri Via, M.G. Di Monte, M. Di Monte, Mimesis Edizioni, Milano – Udine 2010, pp. 105-113 [PDF scaricabile dall’area download, pagina web della docente]

W. Benjamin, L’opera d’arte nell’epoca della sua riproducibilità tecnica, prima stesura dattiloscritta (1935-1936) [PDF scaricabile dall’area download, pagina web della docente]

2)
Selezione delle immagini proiettate a lezione e disponibili per frequentanti e non frequentanti (PDF scaricabile dall’area download, pagina web della docente).

Titolo: Musica ed emozioni
Il corso esaminerà le seguenti questioni:
Come possiamo giustificare l’attribuzione di qualità emotive alla musica? Cosa intendiamo quando diciamo, per esempio, che una certa musica è triste, gioiosa, malinconica?
Come può la musica suscitare emozioni (ad esempio, emozione, tristezza, euforia) nell’ascoltatore?
Come spiegare le nostre risposte emotive alla musica?
Infine, che tipo di emozioni sono quelle generate dall'ascolto musicale?

Hanslick, E., Il bello musicale, Aesthetica, Palermo 2007 (capp. 1,2, 3).
Langer, S., Filosofia in una nuova chiave, Ramando editore, Roma, 1972 (cap. 8: Sul significato in musica).
Lentini, D., La musica e le emozioni. Percorsi nell’estetica analitica, Mimesis, Milano, 2014 (saggi scelti).
Bertinetto, A., Il pensiero dei suoni. Temi di filosofia della musica, Bruno Mondadori, Milano, 2012 (cap. 3: Una scienza emozionale, pp. 99-154)
Kivy, P., Filosofia della musica. Un’introduzione, Einaudi, Torino, 2007 (capp. scelti).

- Le fonti e i princípi del diritto dello spettacolo.
- I soggetti che operano nel mondo dello spettacolo.
- L’oggetto della tutela e la nozione giuridica di arte.
- Artisti e diritto del lavoro.
- L’organizzazione del mercato dello spettacolo e gli incentivi economici per il settore.
- La contrattualistica nel settore cinematografico.
- La contrattualistica per gli artisti di teatro.
- La contrattualistica del mercato discografico.
- La tutela del diritto d’autore.
- Il diritto di autore e la tutela degli artisti nel settore delle nuove tecnologie.

F. DELL'AVERSANA (a cura di), Manuale di diritto delle arti e dello spettacolo, Aracne, Roma, 2015 (disponibile anche in e-book), limitatamente ai seguenti Capitoli: I, II, III, IV, V, IX, X, XIII, XVI.

• Cenni di iconografia musicale: i soggetti musicali nelle arti visive e le analogie tra strutture musicali e visive; approfondimento sulle analogie formali tra musica e immagini in movimento
• Il suono organizzato e il cinema: cenni storici
• Approfondimento sul rapporto tra suono organizzato e strutture visive nel cinema contemporaneo

1. ROBERTO CALABRETTO, Lo schermo sonoro: la musica per film, Venezia, Marsilio, 2010
2. SERGIO MICELI, Musica per film. Storia, estetica, analisi, tipologie, Milano, Ricordi-LIM, 2009; parte II, capitoli 3-6, da p. 631 a p. 700.
3. LUCA AVERSANO, Musica in schermo. Note sul rapporto tra ascolto e visione, in Sounds for Silents. Il Futurismo tra cinema e musica, a cura di Luca Aversano, Paolo Bertetto e Giandomenico Celata, Roma, Idea, 2019, pp. 53-64.
4. VOLKER SCHERLIESS, Musica picta, in Dipingere la musica. Strumenti in posa nell’arte del Cinque e Seicento, a cura di Sylvia Ferino-Pagden, Milano, Skira, 2000, pp. 23-29.
5. MARIA TERESA ARFINI, Musical Landscape. Correspondences between Music and Painting in Germany of the Early Nineteenth Century, «Music in Art», XXXIX/1-2, 2014, pp. 125-144.
6. MARIA TERESA ARFINI, Abstract Film as Music to View: Early Experiments of Hans Richter, Walther Ruttmann and Oskar Fischinger, «Music in Art», XXXVIII/1-2, 2013, pp. 183-191.
7. FRANCESCO FINOCCHIARO, Arnold Schönberg e il cinema tedesco: la “Begleitungsmusik” op. 34 tra musica per film e musica a programma, Atti del Seminario “La musica per film nella Repubblica di Weimar”, Bologna, 10 febbraio 2011, pp. 2-16.
8. FRANCESCO FINOCCHIARO, L’Interludio filmico della “Lulu” di Alban Berg, «Nuova Secondaria», XXXI / 10, 2014, pp. 73-79.
9. ROBERTO CALABRETTO, L’”Amleto” di Grigorij Kozincev, in Dmitrij Šostakovič tra musica, letteratura e cinema, a cura di Rosanna Giaquinta, Firenze, Olschki, 2008, pp. 277-327.
10. MARCO ALUNNO, Compositori d’area colta nel cinema del secondo Novecento, in La musica nel cinema e nella televisione, a cura di Roberto Giuliani, Milano, Guerini, 2011, pp. 51-64.
11. LUCA AVERSANO, Dialettica musicale e metafisica delle emozioni in “Morte a Venezia” di Luchino Visconti, in Il cinema e le emozioni, a cura di Giorgio De Vincenti, Roma, Edizioni fondazione ente dello spettacolo, 2012, pp. 249-264.
12. ROBERTO CALABRETTO, La musica nel cinema di Pasolini e Antonioni, in La musica nel cinema e nella televisione, a cura di Roberto Giuliani, Milano, Guerini, 2011, pp. 113-124.
13. KATE MCQUISTON, We’ll Meet Again: Musical Design in the Films of Stanley Kubrick, Oxford-New York, Oxford University Press, 2013, cap. 4 e cap. 6, pp. 87-106 e pp. 128-162.
Ulteriori testi e dispense saranno resi disponibili, insieme al relativo elenco, sulla piattaforma Moodle

Passioni ed emozioni
Il corso prenderà in esame il tema delle emozioni da una prospettiva storico-teoretica. In particolare, si analizzerà il passaggio da una filosofia delle passioni a una scienza delle emozioni attraverso l’analisi di alcuni testi classici della letteratura filosofica e scientifica sul tema, da Descartes a Hume, da Darwin ai pragmatisti, fino ad alcune più recenti ipotesi esplicative avanzate nelle scienze cognitive.

Modulo A - Passioni ed emozioni: Descartes e Peirce
Il programma del Modulo A verterà sui seguenti argomenti:
- Introduzione ai significati storico-teoretici delle nozioni di passione ed emozione
- Esposizione della teoria cartesiana delle passioni
- Esposizione dell'anti-cartesianesimo di Ch. S. Peirce.

Modulo B - Passioni ed emozioni: Hume, pragmatismo e la teoria sociale delle emozioni.
Il programma del Modulo B verterà sui seguenti argomenti:
- Esposizione della trattazione humeana delle passioni
- Introduzione alla nascita di una scienza delle emozioni: l'evoluzionismo di Darwin e la sua teoria dell'espressione delle emozioni
- Analisi delle teorie delle emozioni di James, Dewey e Mead e della loro ripresa nel dibattito contemporaneo all'interno delle scienze cognitive.

Modulo A

R. Cartesio, Le passioni dell’anima, Bompiani 2003
C. S. Peirce, Alcune conseguenze di quattro incapacità, in Id. Scritti scelti, UTET 2005, pp. 107-143.
R.M. Calcaterra, Emozioni e sensazioni nella semiotica di Ch. S. Peirce, in Ead., Pragmatismo: i valori dell’esperienza. Letture di Peirce, James e Mead, Carocci 2003, pp. 17-41.
R. M. Calcaterra, G. Maddalena, G. Marchetti (a cura di), Il pragmatismo. Dalle origini agli sviluppi contemporanei, Carocci 2015.

Testi consigliati

G. Mori, Cartesio, Carocci 2010
G. Maddalena, Peirce, La Scuola 2015


Modulo B

D. Hume, Trattato sulla natura umana, Laterza 2008, pp. 289-476
G. Baggio, F. Caruana, A. Parravicini, M. Viola (a cura di), Emozioni. Da Darwin al pragmatismo, Rosenberg & Sellier 2019.
F. Caruana, M. Viola, Come funzionano le emozioni, il Mulino 2018.

Testi consigliati

P. Dumouchel, Emozioni. Saggio sul corpo e il sociale, Medusa 2008.
D. Evans, Emozioni. La scienza del sentimento, Laterza 2002
J. Plamper, Storia delle emozioni, il Mulino 2012

Concetti fondamentali di fisica sonora e definizione delle fonti sonore musicali. Concetti fondamentali della teoria musicale (ritmo, melodia, armonia). Concetti fondamentali sul funzionamento dei principali strumenti utilizzati per la registrazione e la riproduzione sonora (microfoni, amplificatori, mixer, equalizzatori diffusori). Campionamento del suono. Introduzione a file audio e MIDI. I sequenziatori fisici e logici. Esempi pratici di gestione professionale del software musicale nelle varie fasi di scrittura di brani musicali, equalizzazione, riverberazione, compressione, eccitazione armonica, creazione di immagini stereofoniche, utilizzo di limitatori e dithering.

- Laboratorio di Tecnologie Musicali vol. 1 e 2 - D'AGOSTINO M., DE SIENA L., PAOLOZZI G., CAPPELLANI G.
- Dispense a cura del docente.

Introduzione generale. Gli elementi fondamentali. Metodi e tecniche. Il lavoro di campo.
Attualità dell’antropologia: chi sono gli altri; migrazioni; le società tradizionali; le società e le culture nel mondo globalizzato.
Un corso di formazione primaria utile a insegnanti, docenti, operatori sociali.

Lo studente sarà messo a confronto con dei casi studio da approfondire e analizzare.

Ugo Fabietti, Vincenzo Matera, Etnografie. Scritture e rappresentazioni dell’antropologia, Carocci.

Il corso intende fornire un panorama delle principali questioni di estetica del cinema e dei media. In particolare, si prenderanno in considerazione sia autori e tendenze storicamente rilevanti, sia metodologie e problemi più recenti.
Il programma del corso sarà articolato in due tappe ideali. Nella prima si prenderanno in considerazione i principali approcci all’estetica del cinema e dei media emersi nel corso del Novecento. Nella seconda parte si affronterà il lavoro di Stanley Kubrick, soprattutto per ciò che riguarda i temi affrontati nella prima parte.

1) Francesco Casetti, L'occhio del Novecento. Cinema, esperienza, modernità, Bompiani, Milano 2005
2) Enrico Carocci (a cura di), Stanley Kubrick, Marsilio, Venezia 2019
3) Antologia di saggi a cura del docente (dispensa cartacea disponibile alla copisteria CLP di Via Giulio Rocco, 9, Roma)

LEZIONI

I: Individuare il soggetto della storia e il sottotesto. Scelta del punto di vista adottare per raccontare la storia ed esercitazioni pratiche a partire dalle logline presentate dagli studenti.

II: Come procedere nella stesura di una sceneggiatura-trattamento per il cinema documentario ed esercitazioni con visione di estratti da una selezione di film documentari.
Le diverse metodologie da adottare per realizzare un film documentario rispetto ai soggetti e alla storia: l’approccio più analitico di studio e conoscenza approfondita del personaggio prima dell’inizio delle riprese e l’approccio più in presa diretta alla scoperta del personaggio e della storia insieme alla telecamera. Esercitazioni a partire dalle storie individuate dai partecipanti.

III: Sulla base del punto di vista adottato e del linguaggio utilizzato, scelta dell'equipaggiamento tecnico di ripresa, del suono e della troupe necessaria per la realizzazione del film documentario.

IV: Tecniche di ripresa: formati, obiettivi, e accessori. Sono previste esercitazioni pratiche a partire dalle logline inviate dagli studenti.

V: Riprese: macchina a mano, cavalletto e steadycam. Come, perché e quando usarli. Sono previste esercitazioni pratiche.

VI: Le scene, come impostare le riprese e perché. Tagli e inquadrature.

VII: Le sequenze cinematografiche, come approcciarle e quale grammatica utilizzare. Scelte espressive e scelte estetiche.

VIII: Il suono, tra riprese, montaggio e mix audio.

IX: A partire dai soggetti proposti dagli studenti, laboratorio collettivo sul progetto narrativo, stilistico e tecnico degli autori e analisi delle riprese effettuate. Parte I.

X: A partire dai soggetti proposti dagli studenti, laboratorio collettivo sul progetto narrativo, stilistico e tecnico degli autori e analisi delle riprese effettuate. Parte II.

XI: Il montaggio: cos'è e come affrontarlo. Dalla scelta e la messa in fila dei materiali, alla vera e propria riscrittura e ricerca drammaturgica attraverso le immagini.

XII Post-produzione, musica, titoli ed effetti. L’importanza invisibile di un’accurata finalizzazione.

--------------

Dopo l’esposizione di elementi teorici sulle fasi di realizzazione di un’opera audiovisiva (dalla pre-produzione alla post-produzione), suffragata dall’analisi di alcune sequenze tratte dalla storia del Cinema, gli studenti lavoreranno ad alcuni esercizi di laboratorio, misurandosi con le difficoltà proposte dalle varie fasi di produzione.

Non è previsto un testo di riferimento.

Il corso affronta i processi e le principali problematiche dell’età contemporanea e alcuni aspetti di metodo della ricerca storica, con particolare riferimento alla funzione e all’uso delle nuove fonti. La parte conclusiva è dedicata alla Storia dell'Italia repubblicana.
La prima parte del corso (6 ore) introduce gli studenti al significato della conoscenza storica, all’uso pubblico della storia, al valore della memoria sociale e alle periodizzazioni. La seconda parte del corso (6 ore) delinea i cambiamenti storici che conducono all’età contemporanea: la creazione dello Stato-nazione, le rivoluzioni industriali, la struttura sociale, la “globalizzazione”. La terza parte del corso (18 ore) si concentra sui quattro periodi affrontati: il laboratorio dell’età contemporanea (1870-1914), l’età della catastrofe (1914-1945), l’età d’oro del capitalismo (1945-1968) e l’età della transizione (1968-1991). La parte conclusiva (6 ore) è dedicata alla Storia dell'Italia repubblicana.

- Manuale di storia contemporanea, uno a scelta:

per gli studenti con scarse basi scolastiche:
G. Monina, F. Motta, S. Pavone, E. Taviani, "Processo Storico", vol. 3, "Dal Novecento a oggi", Torino, Loescher Editore, 2017, p. 740, € 32,90

per gli studenti con basi scolastiche più solide:
L. Caracciolo, A. Roccucci, "Storia contemporanea. Dal mondo europeo al mondo senza centro (1848-2016)", Milano, Mondadori education, 2017, pp. 800, € 38,00

Testo monografico, uno a scelta fra:
A. Giovagnoli, "La Repubblica degli italiani (1946-2016)", Roma-Bari, Laterza, 2016, € 24,00
G. Crainz, "Storia della Repubblica", Roma, Donzelli, 2016, € 27,00

FILMOGRAFIA: uno a scelta tra - Der Triumph des Willens (Il trionfo della volontà, Germania 1935) di Leni Riefenstahl - Senso (Italia 1954) di Luchino Visconti - Paths of Glory (Orizzonti di gloria, USA 1957) di Stanley Kubrick - Una vita difficile (Italia 1961) di Dino Risi - Uomini contro (Italia 1971) di Francesco Rosi.

Titolo del corso: Istituzioni di Storia Moderna
I Modulo (6CFU)
Nel corso verranno analizzate e argomentate le linee principali che identificano i contenuti dell’età moderna dal XV secolo alla prima metà del XIX secolo con un’attenzione preliminare alle categorie storiografiche, agli orientamenti interpretativi, alle fonti e agli strumenti propri della disciplina. L’obiettivo formativo è di offrire agli studenti solide basi per acquisire una familiarità conoscitiva e critica sulla “storia generale” dell’età moderna.
Le lezioni verteranno principalmente sui seguenti temi: l’Europa e la sua interrelazione con i mondi extraeuropei; Crisi e identità dell’Italia moderna; Umanesimo e Rinascimento; Riforma protestante e Controriforma cattolica; La società di antico regime: ceti e classi; Modelli economici: la terra, il lavoro, la finanza e il mercato nell’età moderna; I sistemi politici e le loro dinamiche: impero, monarchie e repubbliche; Famiglia e demografia; Alfabetizzazione e cultura; La nascita della scienza moderna; Illuminismo e riforme; La prima rivoluzione industriale; La Rivoluzione americana e la nascita degli Stati Uniti; La Rivoluzione francese; l’Età napoleonica e l’Europa delle nazioni.

II MODULO (6CFU)
Titolo del corso: L’età del Rinascimento tra Italia ed Europa
Nel corso saranno presi in esame i principali eventi storici che hanno caratterizzato la storia d’Italia e delle principali monarchie europee dall’ultimo trentennio del XV secolo alla prima metà del XVI secolo. Verranno inoltre affrontate tematiche in grado di illustrare la gamma dei contenuti intellettuali e concettuali dell’epoca rinascimentale e delineati i termini principali della discussione metodologica e interpretativa interni ai tempi e agli spazi di manifestazione e applicazione della categoria storiografica Rinascimento attraverso l’analisi di autorevoli testi e fonti appropriate.

I MODULO (6CFU)
Testi d’esame (A+B)

A) Un manuale universitario di storia moderna, a scelta dello studente tra :

1) F. Benigno, L’età moderna. Dalla scoperta dell’America alla Restaurazione, Roma-Bari, Laterza
2) C. Capra, Storia Moderna (1492-1848), Firenze, Le Monnier Università
3) G. Gullino-G. Muto-E.Stumpo, Il Mondo Moderno, Bologna, Monduzzi

B) P. Prodi, La storia moderna, Bologna, Il Mulino

II MODULO (6 CFU)

Testi d’esame (A+B)

A.
1)P. Burke, Il Rinascimento europeo. Centri e periferie, Roma-Bari, Laterza
2) M. Pellegrini, Le guerre d’Italia, Bologna, Il Mulino

B. Un testo a scelta tra i seguenti:
1) L’uomo del Rinascimento, a cura di E. Garin, Roma-Bari, Laterza,
2) A. Tenenti, L’Italia del Quattrocento. Economia e società, Roma-Bari, Laterza
3) M. Pellegrini, Savonarola. Profezie e martirio nell'età delle guerre d'Italia, Roma, Salerno editrice
4) F. Chabod, Scritti sul Rinascimento, Torino, Einaudi (pp.1-239)
5) J. Burckhardt, La civiltà del Rinascimento in Italia, Firenze, Sansoni
6) E. Bonora, Aspettando l’imperatore. Principi italiani tra il papa e Carlo V, Torino, Einaudi
7) Niccolò Machiavelli, Il principe, Torino, Einaudi, (o Milano,Garzanti)
8) Francesco Guicciardini, Storia d’Italia (1490-1534), 3 voll. (un volume a scelta), Torino, Einaudi, (o Milano, Mondadori)
9) Baldassar Castiglione, Il libro del cortegiano, Milano, Rizzoli

Il corso affronta i processi e le principali problematiche dell’età contemporanea e alcuni aspetti di metodo della ricerca storica, con particolare riferimento alla funzione e all’uso delle nuove fonti. La parte conclusiva è dedicata alla Storia dell'Italia repubblicana.
La prima parte del corso (6 ore) introduce gli studenti al significato della conoscenza storica, all’uso pubblico della storia, al valore della memoria sociale e alle periodizzazioni. La seconda parte del corso (6 ore) delinea i cambiamenti storici che conducono all’età contemporanea: la creazione dello Stato-nazione, le rivoluzioni industriali, la struttura sociale, la “globalizzazione”. La terza parte del corso (18 ore) si concentra sui quattro periodi affrontati: il laboratorio dell’età contemporanea (1870-1914), l’età della catastrofe (1914-1945), l’età d’oro del capitalismo (1945-1968) e l’età della transizione (1968-1991). La parte conclusiva (6 ore) è dedicata alla Storia dell'Italia repubblicana.

- Manuale di storia contemporanea, uno a scelta:

per gli studenti con scarse basi scolastiche:
G. Monina, F. Motta, S. Pavone, E. Taviani, "Processo Storico", vol. 3, "Dal Novecento a oggi", Torino, Loescher Editore, 2017, p. 740, € 32,90

per gli studenti con basi scolastiche più solide:
L. Caracciolo, A. Roccucci, "Storia contemporanea. Dal mondo europeo al mondo senza centro (1848-2016)", Milano, Mondadori education, 2017, pp. 800, € 38,00

Testo monografico, uno a scelta fra:
A. Giovagnoli, "La Repubblica degli italiani (1946-2016)", Roma-Bari, Laterza, 2016, € 24,00
G. Crainz, "Storia della Repubblica", Roma, Donzelli, 2016, € 27,00

FILMOGRAFIA: uno a scelta tra - Der Triumph des Willens (Il trionfo della volontà, Germania 1935) di Leni Riefenstahl - Senso (Italia 1954) di Luchino Visconti - Paths of Glory (Orizzonti di gloria, USA 1957) di Stanley Kubrick - Una vita difficile (Italia 1961) di Dino Risi - Uomini contro (Italia 1971) di Francesco Rosi.

Il corso intende mettere in luce la convergenza, o addirittura la sostanziale identità, tra le due celebri definizioni aristoteliche dell’Homo sapiens: “animale che ha linguaggio” e “animale politico”. Studiando i testi di alcuni importanti linguisti e filosofi del linguaggio (E. Benveniste, J. L. Austin), nonché l’opera maggiore di Hannah Arendt, Vita activa, si vorrebbe chiarire i motivi per i quali il linguaggio verbale deve essere considerato l’organo biologico della prassi pubblica.

G. Graffi, S. Scalise, Le lingue e il linguaggio. Introduzione alla linguistica, il Mulino, limitatamente ai capitoli I, II, VII, VIII (esclusi i paragrafi di approfondimento contraddistinti da un asterisco). Da acquistare.

DISPENSA DEL PROF. VIRNO, Il parlante come artista esecutore. Disponibile in fotocopia.

B. MALINOWSKI, Il problema del significato nei linguaggi primitivi, in C.K. Ogden, I.A. Richards, Il significato del significato, Garzanti, Milano 1975, limitatamente alle pp. 353-357. Disponibile in fotocopia.
J. L. AUSTIN, Enunciati performativi, in Id., Saggi filosofici, Guerini e Associati, Milano 1990, pp. 221-36. Disponibile in fotocopia.

Testo del prof. Virno, Il performativo assoluto, da leggere in relazione a Austin e Malinowski. Facoltativo, disponibile in fotocopia.

E. BENVENISTE, Problemi di linguistica generale, Il Saggiatore, Milano 1971, limitatamente alle pagine 301-347, comprendenti i seguenti saggi: La natura dei pronomi, La soggettività nel linguaggio, La filosofia analitica e il linguaggio. Disponibile in fotocopia.

E. BENVENISTE, Problemi di linguistica generale II, Il Saggiatore, Milano 1987, limitatamente ai seguenti saggi: Il linguaggio e l’esperienza umana, pp. 83-95; L’apparato formale dell’enunciazione, pp. 96-106. Disponibile in fotocopia.

H. ARENDT, Vita activa, Bompiani (edizione economica, in commercio), limitatamente ai capitoli 1, 2, 5. Da acquistare.

Le onde sonore e la loro generazione.
I parametri fisici che distinguono i suoni e i principali strumenti per la loro misura.
L’orecchio umano e la percezione umana del suono.
La propagazione del suono nei mezzi materiali. La velocità di propagazione.
I principali fenomeni che caratterizzano le onde sonore: l’interferenza e i battimenti; la diffrazione; la riflessione e l’assorbimento; l’eco, la rifrazione; la risonanza.
Gli strumenti musicali. La voce umana.
I trasduttori elettroacustici. La sintesi del suono.
Applicazioni nel campo dello spettacolo.
Registrazioni e riproduzioni musicali (vinili, CD, DVD, ecc)

La natura fisica della luce. Cenni storici. Principi di ottica.
Le onde luminose e la loro generazione.
I parametri fisici che caratterizzano la luce e i principali strumenti per la loro misura.
L’occhio umano e il meccanismo della visione. La fotometria.
La propagazione della luce nei mezzi materiali.
I principali fenomeni che caratterizzano le onde luminose: la riflessione e la rifrazione, i principali strumenti ottici, le fibre ottiche; la dispersione della luce, i colori; l’interferenza e la diffrazione.
Le sorgenti di luce artificiale.
La natura della luce secondo la fisica quantistica. La luce laser. L’olografia.
Applicazioni nel campo dello spettacolo. Fotografia, cinematografia, televisione.

dispense fornite dal docente

PITTURA E SCULTURA IN ITALIA DAL QUATTRO AL CINQUECENTO (6 CFU).

Il corso è rivolto agli studenti della Laurea Triennale ed intende offrire i lineamenti dello sviluppo della storia dell'arte italiana dal principio del Quattrocento al 1519 ca. anno della morte di Leonardo, attraverso l'analisi dell'opera dei principali artisti attivi in questi secoli in Italia, e dei linguaggi pittorici cui diedero vita. Prima di frequentare il corso è bene che gli studenti abbiano frequentato il corso di Storia delll'Arte Medioevale e sostenuto il relativo esame.
Il metodo di studio privilegerà la lettura storica e stilistica dell’oggetto d’arte, è dunque essenziale una conoscenza visiva delle opere dei singoli artisti.
Il corso prevede alcune lezioni introduttive sulla metodologia dello studio della storia dell'arte e su alcune tematiche di carattere generale (per esempio la periodizzazione della storia dell'arte, l'uso di categorie storico critiche quali il concetto di Rinascimento e di Tardogotico legate allo stile, e così via).
Il corso prevede inoltre approfondimenti sul percorso dei singoli artisti e sugli snodi stilistici fondamentali della storia dell'arte nel periodo preso in esame. Ogni anno tali approfondimenti possono variare.
Per seguire il corso e per la preparazione dell'esame, ci si potrà servire della lettura e dello studio del manuale consigliato. Esso è però da considerarsi soltanto un primo approccio agli argomenti trattati nel corso, durante il quale verrà offerta una bibliografia specifica sui singoli temi affrontati. Il manuale andrà integrato con la conoscenza delle opere dei singoli artisti pubblicate nei volumi della collana i Maestri del Colore o i Classici dell’arte Rizzoli, o sui siti web che saranno indicati al corso (in particolare www.wga.hu).
E’ inoltre fondamentale procurarsi le slides delle lezioni o svolte durante il corso o le lezioni on line registrate, dove si potranno reperire ulteriori informazioni sulle opere d’arte, gli artisti, la committenza. Tali slides e lezioni si possono reperire nella cartella "Materiali" nel Team "Storia dell'arte moderna" e il link alle lezioni sarà sullo stesso Team nella Chat (piattaforma Microsoft Teams).
Ancora più importante è il contatto diretto con l’opera e il monumento: al corso saranno indicati i monumenti romani la cui visita è obbligatoria prima di sostenere l’esame.
A metà e alla fine del corso i frequentanti avranno la possibilità di sostenere un esonero scritto che verrà considerato parte integrante dell’esame finale.
Per i non frequentanti non è previsto lo studio di testi aggiuntivi, ma è obbligatoria la conoscenza degli argomenti svolti durante il corso ed è dunque indispensabile procurarsi le slides che saranno disponibili sulla piattaforma Teams / Team "Storia dell'Arte Moderna" / Materiali / Chat.

BIBLIOGRAFIA
1) MANUALI CONSIGLIATI:
- P. DE VECCHI – A. CERCHIARI, ARTE NEL TEMPO, ED. BOMPANI. EDIZIONE BLU PER I LICEI volumi 2.1 e 2.2
https://www.libreriauniversitaria.it/arte-tempo-ediz-blu-scuole/libro/9788845042218
e
https://www.libreriauniversitaria.it/arte-tempo-ediz-blu-scuole/libro/9788845042225

OPPURE
- - S. Settis - T. Montanari, Arte. Una storia naturale e civile. Edizione Blu vol. 2 Dal Quattrocento al Rococò
https://www.mondadorieducation.it/catalogo/arte-una-storia-naturale-e-civile-edizione-blu-0060013/

2) E’ INOLTRE RICHIESTA LA LETTURA DI UNO A SCELTA DEI SEGUENTI TESTI A SCELTA:
- M. BAXANDALL, PITTURA ED ESPERIENZE SOCIALI NELL’ITALIA DEL QUATTROCENTO, TORINO, EINAUDI, 1978
- A. PINELLI, LA BELLA MANIERA. ARTISTI DEL CINQUECENTO TRA REGOLA E LICENZA, TORINO, EINAUDI , 2003
- E. PANOFSKY, STUDI DI ICONOLOGIA. I TEMI UMANISTICI NELL’ARTE DEL RINASCIMENTO, ED. ORIGINALE, 1939, ED.IT.
TORINO, EINAUDI, 1999 (DAL CAPITOLO SECONDO AL CAPITOLO SESTO COMPRESI)
- F. ZERI, DIETRO L’IMMAGINE. CONVERSAZIONI SULL’ARTE DI LEGGERE L’ARTE, MILANO, TEA, 1990 (ESISTE ANCHE
UN’EDIZIONE VICENZA, NERI POZZA, 1998)
- A. BALLARIN, GIORGIONE E LA COMPAGNIA DEGLI AMICI: IL "DOPPIO RITRATTO" LUDOVISI, IN STORIA DELL''ARTE ITALIANA.
PARTE II, VOL. 1. DAL MEDIOEVO AL QUATTROCENTO, TORINO, EINAUDI, 1983, PP.481-541.
- F. ZERI, PITTURA E COTRORIFORMA. L’ARTE SENZA TEMPO DI SCIPIONE DA GAETA, ED. ORIGINALE, EINAUDI 1957, ED. PIÙ RECENTE POZZA 1997.
- F. HASKELL, MECENATI E PITTORI. STUDIO SUI RAPPORTI TRA ARTE E SOCIETÀ ITALIANA NELL’ETÀ BAROCCA, SANSONI, ED. ORIGINALE 1966 (ESISTONO EDIZIONI SUCCESSIVE).
- G. BRIGANTI, PIETRO DA CORTONA O DELLA PITTURA BAROCCA, IN ROMA 1630: IL TRIONFO DEL PENNELLO, CATALOGO DELLA MOSTRA (ROMA), A CURA DI O. BONFAIT, MILANO 1994, PP. 23-52.
- I. LAVIN, VISIBLE SPIRIT: THE ART OF GIAN LORENZO BERNINI, LONDON 2009.
- F. HASKELL – N. PENNY, L’ANTICO NELLA STORIA DEL GUSTO: LA SEDUZIONE DELLA SCULTURA CLASSICA 1500-1900, TORINO 1984.

Le onde sonore e la loro generazione.
I parametri fisici che distinguono i suoni e i principali strumenti per la loro misura.
L’orecchio umano e la percezione umana del suono.
La propagazione del suono nei mezzi materiali. La velocità di propagazione.
I principali fenomeni che caratterizzano le onde sonore: l’interferenza e i battimenti; la diffrazione; la riflessione e l’assorbimento; l’eco, la rifrazione; la risonanza.
Gli strumenti musicali. La voce umana.
I trasduttori elettroacustici. La sintesi del suono.
Applicazioni nel campo dello spettacolo.
Registrazioni e riproduzioni musicali (vinili, CD, DVD, ecc)

La natura fisica della luce. Cenni storici. Principi di ottica.
Le onde luminose e la loro generazione.
I parametri fisici che caratterizzano la luce e i principali strumenti per la loro misura.
L’occhio umano e il meccanismo della visione. La fotometria.
La propagazione della luce nei mezzi materiali.
I principali fenomeni che caratterizzano le onde luminose: la riflessione e la rifrazione, i principali strumenti ottici, le fibre ottiche; la dispersione della luce, i colori; l’interferenza e la diffrazione.
Le sorgenti di luce artificiale.
La natura della luce secondo la fisica quantistica. La luce laser. L’olografia.
Applicazioni nel campo dello spettacolo. Fotografia, cinematografia, televisione.

dispense fornite dal docente

Il corso sarà strutturato in due parti distinte: una prima parte affronterà la storia del cinema documentario dalle origini al contemporaneo, attraverso lo studio di movimenti, correnti, autori e tendenze. La seconda parte invece si sofferma sul tema della rappresentazione della Shoah nel cinema documentario italiano e internazionale dagli anni'50 sino ai giorni nostri, evidenziando strutture estetiche, approcci tematici e ricorrenze retoriche.
Il corso prevede inoltre alcuni incontri con professionisti del settore documentario in modo tale da mettere gli studenti direttamente in contatto con le professioni del cinema.

Bibliografia:
Maria Cristina Lasagni, Nanook cammina ancora-Il cinema documentario, storia e teoria, Bruno Mondadori Editore, Milano, 2014
Michele Guerra, Il limite dello sguardo. Oltre i confini delle immagini, Raffaello Cortina Editore, Milano, 2020
Ivelise Perniola, L'immagine spezzata. Il cinema di Claude Lanzmann, Kaplan, Torino, 2007


Filmografia:
R.Flaherty, Nanook of the North (1922)
A.A.V.V.-Amore in città (1953)
V. De Seta, Lu tempu de li pisci spata (1954)
V. De Seta, I dimenticati (1959)
C. Mangini, Stendalì (1959)
V. De Seta, Diario di un maestro, puntata 1 (1973)
A.Marazzi, Un'ora sola ti vorrei (2002)

R.Marcellini, Israele a Roma (1948)
A. Resnais, Nuit et bruillard (1955)
P.Nelli, Mauthausen Mahnt (1960)
A. Giannarelli, Roma 16 ottobre 1943 (1960)
A. Giannarelli, Memoria presente: ebrei e città durante l'occupazione nazista (1984)
C. Lanzmann, Sobibor, 14 octobre 1943, h.16 (2001)
D.Picciau, Binario 21 (2004)
D. Ferrario, La strada di Levi (2006)
D.Monte, Memorie-In viaggio verso Auschwitz (2014)

Il laboratorio intende introdurre gli studenti e le studentesse alla concettualizzazione e alla pratica delle arti digitali. Dopo un’introduzione storica e teorica sulla cultura digitale, con un focus sul rapporto fra cinema, media e arti performative, gli studenti faranno esperienza di alcune tecniche e linguaggi artistici da impiegare nell'ideazione, sviluppo e presentazione di un progetto di arte digitale concordato e assistito dal docente.

- Catricalà Valentino, «Prospettive delle arti nel XXI secolo. Storie, teorie, preservazione», Mimesis, 2016
- Gatti Giuseppe, “Dispositivi del Sé” in «Dispositivo. Un’archeologia della mente e dei media», Roma TrE-Press, 2019.
- Schechner Richard, «Introduzione ai performance studies», Cue Press, Imola, 2018.
- Parikka Jussi, «What is Media Archeology?», Polity Press, 2012.

IL CINEMA NEOREALISTA. L’OPERA DI FEDERICO FELLINI.
La prima parte è dedicata alle teorie, ai film, agli autori, alle figure e agli stili più emblematici del cinema del dopoguerra. Si analizzano le maggiori opere di Roberto Rossellini, Vittorio De Sica, Luchino Visconti, Giuseppe De Santis, Pietro Germi. Un risalto particolare viene dato al pensiero e alle pratiche di Cesare Zavattini. La seconda parte è dedicata al cinema di Federico Fellini. Confrontandosi con la vasta bibliografia esistente e con le più diverse metodologie di studio, si analizzano i temi dominanti dell’immaginario felliniano e lo stile dei film. Un’attenzione particolare viene dedicata alla riflessione di Fellini sul cinema (da 8 ½ a Intervista), sullo spettacolo e sui media (la stampa umoristica, il fotoromanzo, il varietà, il circo, la televisione, la pubblicità).

TESTI PER L'ESAME: Gian Piero Brunetta, Guida alla storia del cinema italiano 1905-2003, Einaudi, Torino 2003 (pp. 127-204); Stefania Parigi, Neorealismo. Il nuovo cinema del dopoguerra, Marsilio, Venezia 2014; Federico Fellini, Fare un film, Einaudi, Torino 2006 (I ed. 1980); Jean-Paul. Manganaro, Federico Fellini. Romance, Il Saggiatore, Milano 2014; scelta di testi a cura della docente (reperibile, all’inizio del corso, presso la copisteria di Via G. Rocco, n. 11). Gli studenti non frequentanti devono leggere anche P. Bondanella, Il cinema di Federico Fellini, Guaraldi, Parma 1994 (disponibile anche in ebook).

FILMOGRAFIA:
NEOREALISMO: Ossessione (1943) di L. Visconti; Paisà (1946) di R. Rossellini; Germania anno zero (1948) di R. Rossellini; Ladri di biciclette (1948) di V. De Sica; La terra trema (1948) di L. Visconti; Riso amaro (1949) di G. De Santis; Miracolo a Milano (1950) di V. De Sica; Il cammino della speranza (1950) di P. Germi; Due soldi di speranza (1951) di R. Castellani; Pane, amore e fantasia (1953) di L. Comencini; Il grido (1957) di M. Antonioni. FEDERICO FELLINI: Lo sceicco bianco (1952), La strada (1954), Le notti di Cabiria (1957), La dolce vita (1960), 8 1/2 (1963), Toby Dammit (1968, ep. di Tre passi nel delirio), I clowns (1970), Roma (1972), Amarcord (1973), Il Casanova di Federico Fellini (1976), Ginger e Fred (1985), Intervista (1987).
I film verranno mostrati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca "Lino Miccichè", Via Ostiense 139.

Il corso prende in esame il periodo che va dal dopoguerra a oggi soffermandosi sulle principali tappe che hanno scandito la storia del cinema italiano in termini di film, autori e generi, tenendo in particolare considerazione un particolare topos: quello della spiaggia, da sempre centrale nell’immaginario nazionale e naturalmente anche nella nostra tradizione cinematografica. Si prenderanno dunque in esame le peculiarità estetiche, narrative, produttive e culturali di alcune opere cinematografiche nelle quali la “condizione balneare” si è fatta occasione privilegiata per indagare i principali mutamenti storici, sociali e antropologici vissuti dal nostro paese in più di mezzo secolo.

TESTI:
G.P. Brunetta, Guida alla storia del cinema italiano 1905-2003, Einaudi, Torino 2003 (dal cap. III in poi);

C. Uva, L'ultima spiaggia. Rive e derive del cinema italiano, Marsilio, Venezia 2021;

E. Giacovelli, C’era una volta la commedia all’italiana, Gremese, Roma 2015;

C. Uva (a cura di), Matteo Garrone, Marsilio, Venezia 2020.

FILMOGRAFIA
Ladri di biciclette (1948) di V. De Sica; Domenica d’agosto (1950) di L. Emmer; La spiaggia (1954) di A. Lattuada; Vacanze a Ischia (1957) di M. Camerini; La dolce vita (1960) di F. Fellini; L’avventura (1960) di M. Antonioni; Accattone (1961) di P. P. Pasolini; Il sorpasso (1962) di D. Risi; La voglia matta (1962) di L. Salce; Prima della rivoluzione (1964) di B. Bertolucci; Per un pugno di dollari (1964) di S. Leone; L’ombrellone (1965) di D. Risi; Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto (1970) di E. Petri; Ferie d’agosto (1996) di P. Virzì; Ospiti (1998) di M. Garrone, Estate romana (2000) di M. Garrone, L'imbalsamatore (2002) di M. Garrone, Reality (2012) di M. Garrone, Il racconto dei racconti - Tale of Tales (2015) di M. Garrone.

This course is divided into two parts: a common part (18 hours) consisting in common lessons about Agenda 2030 and the Sustainable Development Goals, its strcture and contents; and the second, specific part (18 hours), tackling current trends and issues on environment, sustainable development, cultural practices in public spaces and performing arts.

Per la parte comune del programma:
Testo dell'agenda 2030; Modulo didattico di e-learning e relative dispense predisposti dall'Asvis, letture consigliate dai relatori.

Per la parte specifica del CdS:

Teatri Luoghi Città, a c. di R. Guarino, Edizioni Officina.

Un testo a scelta fra: M. de Certeau, L'invenzione del quotidiano, Edizioni del lavoro; R. Nicolini, Estate Romana, Ed. Città del Sole.

Incontri di studio e incontri laboratoriali dedicati a specifici ambiti del teatro di figura inquadrati da studiosi, artisti e maestri sia dal punto di vista storiografico sia da quello dell’attuale pratica scenica. “Marionette, burattini, ombre e fantocci tra Oriente e Occidente”: questi gli argomenti degli incontri di questo corso, incontri con studiosi e, sopratutto con i maestri di queste tradizioni teatrali.
L’obiettivo è quello di esaminare la realtà “viva” del teatro di figura, le sue possibilità espressive e, insieme, le grandi tradizioni che in esso sono contenute e che oggi vivono rinnovandosi. Tradizioni e mestieri, dunque, ma anche storia e attualità di un teatro vivo. Teatro materiale e insieme teatro della storia e della memoria.

STUDENTI FREQUENTANTI (per essere considerato frequentante lo studente non potrà fare più di 2 assenze):
1) Alfonso Cipolla, Giovanni Moretti, "Storia dei burattini e delle marionette in Italia", Corazzano, Titivillus, 2020
2) Testi e/o materiali da CONCORDARE CON LA DOCENTE nel corso delle lezioni (sarà possibile diversificare i temi di studio scegliendo tra gli argomenti affrontati a lezione e concordandoli con la docente)


STUDENTI NON FREQUENTANTI:
1) Alfonso Cipolla, Giovanni Moretti, "Storia dei burattini e delle marionette in Italia", Corazzano, Titivillus, 2020
2) Mariano Dolci, Vito Minoia, "Il burattino sulla scena educativa", Urbino, Edizioni Nuove Catarsi, 2020 (per informazioni sulla distribuzione del volume si rimanda al sito www.edizioninuovecatarsi.org)
3) Giorgio Agamben, "Pulcinella ovvero Divertimento per li regazzi", Roma, ed. nottetempo, edizione aggiornata del 2016
4) Materiali a cura della docente (da scaricare dall’area download del sito della docente).

A partire da un quadro indicativo degli aspetti teorici e metodologici della storia delle culture alimentari, il corso intende orientare gli studenti sui fattori culturali e sociali che hanno segnato l’immaginario e l’uso del cibo nell’età contemporanea.
La prima parte del corso (6 ore) introduce gli studenti agli aspetti teorici e metodologici della storia culturale e della storia delle culture materiali. La seconda parte del corso (6 ore) affronta i cambiamenti storici di lungo periodo dell’agricoltura in età contemporanea. La terza parte del corso (18 ore) si concentra sulla storia della cultura alimentare italiana con particolare riferimento alle culture alimentari mediterranee. La quarta parte del corso (6 ore) propone tre approfondimenti sulle relazioni culturali tra cibo e società: cibo e ambiente, cibo e diseguaglianze, cibo e religioni.

Alberto Capatti e Massimo Montanari, La cucina italiana. Storia di una cultura, Roma-Bari, Laterza 2017, 424 p., € 14,00.
Un libro a scelta tra:
Cibo, a cura di Ester Fano, Nora McKeon e Giancarlo Monina, numero monografico di “Parolechiave”, 58, dicembre 2017, 240 p., € 22,00.
Massimo Montanari, Il cibo come cultura, Roma-Bari, Laterza, 2017, 186 p., € 10,00
Saggi a scelta (minimo 3) da Storia d’Italia, Annali 13, L’alimentazione, Torino, Einaudi, 1998 (in biblioteca)

Il laboratorio sarà incentrato sull'elaborazione di prodotti audiovisivi realizzati con lo smartphone.

Nessuno. La natura del laboratorio è essenzialmente pratica.

Proiezione di sette cortometraggi, documentari e di finzione (i lavori presentano un libero passaggio di genere, dal racconto della pandemia, nel momento più duro, quello del lock down, vissuto da giovani cineasti chiusi in casa e il racconto delle loro vite; percorrendo a volte la finzione e mettendo in scena se stessi con sapienza e misura)

Si tratta di lavori maturi e ben realizzati. I giovani hanno lavorato in squadre da tre: produttore, sceneggiatore e regista (sono assoluti esordi).

La prima qualità dei lavori é la capacità di lavorare in squadra, altra virtù indispensabile e per la maggior parte dei sette film si é realizzata, per altri meno a scapito del risultato.

Il senso della squadra sarà uno degli argomenti del corso; al cinema non c'é spazio per chi non sa delegare, é importante affidarsi alla collaborazione di molte persone e amare gli attori scelti.

La scelta di questi sette piccoli film é stata pensata per non prescindere dal momento drammatico che i giovani e tutti sono costretti a vivere.

Le fasi di ideazione e scrittura delle sceneggiature, si tratta di sette storie compiute.

La fase della preparazione: la casa, le stanze più giuste, i mobili e gli oggetti (una mosca che ronza solitaria contro il vetro di una finestra da cui si vede lo scorcio di una città deserta). La decisione dei cineasti, creata dalla necessità, di mettere in scena se stessi, la loro vita, la loro nostalgia, il dolore, la solitudine.

Come si fa un piano di lavorazione, come si stabiliscono le modalità di ripresa, come si decide il tempo delle riprese, quanto si sfora se succede. Per alcuni che durante il lock down abitavano in famiglia, il coinvolgimento del familiari che diventano veri e propri attori con un ruolo preciso.

Le riprese: per i lavori mostrati, le riprese sono state una fase cruciale, durante la quale gli autori si sono scontrati con la difficoltà oggettiva della clausura e del limite del loro campo di racconto ma questo ha determinato lo svilupparsi di molte idee alternativa al programma stabilito. Il cinema é anche l'arte di arrangiarsi, di trovare soluzioni bizzarre e sperimentarle con coraggio.

Il montaggio e la postproduzione: anche il montaggio é stata un'esperienza di alta formazione. Alcuni film erano migliori alla prima fase del montato e peggioravano quando il montaggio si prolungava troppo. Anche qui si deve avere la qualità di lasciar cadere parte del proprio lavoro senza affezionarsi troppo. E' un esercizio di crudeltà molto utile.

Chiederò agli allievi di realizzare un'opera collettiva, possibilmente girata con i loro cellulari e montata con i loro computer. Di scriverla insieme agli altri e di svilupparla in squadra. Vorrei che mettessero in

scena il loro desiderio di fine della pandemia, come la immaginano, cosa sognano, cosa chiedono alla vita, dopo? Comprendo che sembra un'impresa audace ma un sogno si può raccontare in un'immagine.

Si consiglia la lettura dei libri: Il cinema secondo Hitchock di Francois Truffaut (Feltrinelli) e Il cinema secondo Orson Welles di Peter Bogdanovich (Il saggiatore)

Gli studenti potranno conoscere i temi più importanti del rapporto fra Etica ed Estetica attraverso l'analisi di alcuni passi delle opere di Platone, Aristotele, Bruno, Shakespeare, Kant, Hegel, Nietsche, Haidegger, Blumenberg.
Approfondiranno il concetto di "pena" e "reinserimento sociale" del deviante, secondo l'art 27 della Costituzione della Repubblica Italiana.
Attraverso la visione di film e doc comprenderanno l'impatto dell'arte nel contesto penitenziario.
Parteciperanno alle prove teatrali presso il Teatro di Rebibbia se le condizioni sanitarie lo consentiranno.

I passi dei testi saranno forniti in sede di Laboratorio

Seminario pratico coordinato da Mirella Schino e Samantha Marenzi in collaborazione con un/una artista.

Non ci sono testi adottati

Il laboratorio intende sviluppare capacità imprenditoriali per la costituzione di nuove attività culturali e di spettacolo. Durante il laboratorio verranno illustrati i sistemi di funzionamento di una impresa culturale, dal punto di visto giuridico, delle norme del lavoro e degli obblighi contrattuali, relativamente allo spettacolo dal vivo, anche in relazione con altri ambiti della produzione culturale. Durante le lezioni viene inoltre disaminata la tecnica di redazione del progetto, con particolare attenzione allo sviluppo di capacità di reperimento delle risorse pubbliche e private. E’ prevista la stesura di un progetto, organizzando gruppi di lavoro, che saranno seguiti dal docente con l’obiettivo che gli studenti esplorino la fattibilità e sostenibilità di una propria idea imprenditoriale nella sua dimensione di mercato, organizzativa, economica, riguardo progetti di nuove imprese teatrali o culturali o di spettacolo, oppure di azioni di rilancio di realtà esistenti.

Testo a supporto.
Lucio Argano, Alessandro Bollo, Paolo Dalla Sega “Organizzare eventi culturali. Ideazione, progettazione e gestione strategica del pubblico” Franco Angeli 2017
Dispense: saranno fornite dal docente durante il corso

LABORATORIO di ARTI dello SPETTACOLO 3
Anno Accademico 2020-21 II Semestre
Docente: Mara Camelin

Programma

Il lavoro sul proprio corpo porta alla conoscenza di sè, dello spazio e degli altri; l'uso quotidiano
di gesti, espressioni, movimenti senza un "ascolto" del corpo lascia che si ignori il ritmo vitale
che è nel respiro, nel cuore, nella "percezione" della propria struttura. Quando si comunica
attraverso il movimento, si attivano quelle energie interiori, quell'universo emozionale,
immaginario, che attraverso il corpo si mettono in relazione col mondo.

Il laboratorio propone lo studio dei principi-base del movimento quali
allineamento del corpo, respirazione, peso, energia, contatto, campo visivo, ritmo,
con la finalità di permettere agli studenti di raggiungere l'elaborazione di una analisi
comparativa, conoscendo e sperimentando elementi fondamentali delle tecniche e
pratiche relative:

● alla danza contemporanea, con particolare riferimento alle tecniche Lìmon, tecnica fluida
dove costante è la ricerca del principio di equilibrio e fondamentale il concetto di impulso,
Contactimprovisation e Floor-work che attraverso lo studio su peso, contatto ed energia
esplorano la relazione tra corpo e spazio, individuale e in relazione agli altri;

● all’ambito della ricerca sul movimento elaborata dal teatro Europeo d’Avanguardia
(Biomeccanica, Grotowski, Odin Theatre) che esplora l’organicità del movimento;

● alle antiche arti di tradizione orientale del Tai Ji Quan e Qi Gong il cui fulcro è rappresentato
proprio dallo studio della postura, la respirazione, la concentrazione e propriocezione.

Parte pratica
a) Riscaldamento a terra- esercizi di respirazione e propriocezione; i diversi livelli della
struttura: osteo-articolare, muscolare, organi interni; allineamento a terra, esercizi di
scioglimento dei muscoli e delle articolazioni; contrazione ed espansione del movimento
in armonia con la respirazione; centro e periferia del corpo: motore del movimento
nell’esplorazione dello spazio; la relazione con l’altro: equilibrio, peso e dinamica.
Esercizi plastici: sperimentazione delle possibilità di movimento delle singole parti del
corpo e loro interazione e relazione;

b) Nello spazio- esercizi plastici in posizione eretta: sperimentazione delle possibilità di
movimento delle singole parti del corpo e loro interazione e relazione; percorsi nello
spazio: ritmo, campo visivo, livelli, qualità dell’energia. La relazione con l’altro: contatto
fisico, contatto visivo, contatto sonoro.

c) Al centro: esercizi di allineamento, consapevolezza del baricentro, concetto di perno e
fuori-asse, direzioni del movimento, rotazione e spirale, lavoro sul peso, dinamica e
qualità dell’energia e sequenze nello spazio (in riferimento alle diverse tecniche).

d) Montaggio o Composizione individuale e collettiva: realizzazione di una sequenza di
movimenti come elaborazione delle tecniche sperimentate, partendo da una percezione,
sensazione o da uno stimolo interno (ascolto del ritmo interno del cuore e del respiro,
emozione, desiderio o volontà), lavorando sulla varietà, l’alternanza e il contrasto
rispetto ad ogni stimolo e associazione, sul ritmo e sulla qualità dell’energia.
Nello svolgimento del laboratorio, per quanto riguarda la fase di riscaldamento si utilizzerà il
criterio della sinergia ovvero saranno proposti esercizi appartenenti alle diverse tecniche che si
integrano e armoniosamente confluiscono nel lavoro di ascolto, percezione e preparazione del
corpo al movimento.
Per consentire invece agli studenti di elaborare una comparazione e scoperta di punti di
contatto tra le diverse tecniche e pratiche, saranno dedicati, in riferimento alla sezione c)
più incontri consecutivi per ogni tecnica.
Il rapporto corpo-mente è di fondamentale importanza in questo lavoro, intendendo con ciò una
dimensione di interazione tra la sfera fisiologica, la sfera emotiva e quella logica, in grado di
attivare quelle energie interiori che riescono a far esprimere il nostro corpo.

Come si costruisce un format televisivo? Come si analizza un programma realizzato a partire da un format? Che rapporto c’è fra format e generi tv? I format funzionano anche per la serialità? Perché in tutto il mondo si guardano gli stessi programmi, da La ruota della fortuna a Masterchef’? Nel laboratorio si affronteranno questi quesiti, con costante riferimento alla produzione televisiva internazionale. Il laboratorio prevede esercitazioni nella scrittura di paper format.

Nessun testo adottato.

lezioni ORGANIZZAZIONE E GESTIONE DELL’IMPRESA CINEMATOGRAFICA E AUDIOVISIVA
1 Elementi di economia del cinema e dell’audiovisivo/ Elements of cinema and audiovisual economics

2 Il Valore del Tempo/ The Value of Time

3 Gli Impatti Macroeconomici/ The Macroeconomic Impacts

4 La Produzione e le sue quattro fasi/ Production and its four phases

5 La filiera Cinematografica/ The Cinematographic supply chain

6 La Produzione e le sue fasi/ Production and its phases

7 La Distribuzione/ The distribution

8 L’esercizio cinematografico/ The theatrical

9 La catena del valore/ The value chain

10 Il rischio e i fattori di successo/ The risk and success factors

11 Il Marketing del film/ The Marketing of the film

12 Cinema e Big Data/ Cinema and Big Data

Il testo adottato è:
Economia, Gestione e Finanza dell'Azienda Cinematografica e Audiovisiva: dal concept al set ai big data, dal cinema al web, dal pubblico al pubblico
Il testo è scaricabile dalle principali piattaforme online: street lib, amazon, ibs, ecc..

Contestualizzazione teorica dell’esperienza delle “arti elettroniche” nelle cronologie e nelle storie delle arti in relazione con le storie del cinema, della televisione, del suono e dell’arte contemporanea: approfondimento sul caso italiano.

- S. Lischi, "La lezione della videoarte", Carocci, Roma 2019;
- M.M. Gazzano, "Ultraimmagini. Verso la producibilità elettronica del cinema, attraverso le metamorfosi delle arti", Exorma, Roma 2020.

Muovendo da un testo Isaiah Berlin sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

I. Berlin, Le radici del romanticismo, Milano, Adelphi, 2001
A. Breton, Nadja, Torino, Einaudi, 2007
V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2019

Formare una figura di antropologo che si inserisce nel più ampio quadro di “intellettuale critico” in grado di effettuare analisi e interpretazioni di casi e sistemi culturali capace di elaborare e diffondere, sulla base di avanzate conoscenze scientifico-disciplinari, relazioni critiche in rapporto alle pratiche sociali e ai sistemi contestuali in cui si troverà ad operare. L’obiettivo è quello di allenare lo sguardo per cogliere gli innumerevoli spunti che la realtà quotidiana ci offre a partire dalle esperienze, dalle abitudini, dalle rappresentazioni, fino a tutte le forme di “alterità” e differenza, da quelle più vicine a quelle più lontane nello spazio e nel tempo.
Un sapere oggi ancor più necessario non solo per comprendere i cambiamenti che viviamo, ma per offrire gli strumenti utili alla pratica della vita quotidiana e ad ogni forma di lavoro, a partire dagli insegnanti di ogni ordine e grado per allenare le future generazioni alla convivenza tra diversi, alla partecipazione a riconoscere gli altri come una risorsa fondamentale.
Il corso mette a disposizione un sapere che permetterà allo studente di muoversi con assoluta padronanza negli orizzonti dei saperi scientifici e umanistici più prossimi all’antropologia e offrirà, in generale, solide basi teoriche e pratiche a riguardo dei processi di comunicazione e di interpretazione, in particolare su specifici meccanismi delle relazioni umane e dei sistemi sociali. Inoltre allenerà alla pratica di campo e alla ricerca etnografica in modo da sensibilizzare concretamente verso i temi dell’antropologia in modo da formare personale qualificato e attento alle complessità dell’oggi.
Si vuole sviluppare negli studenti competenze tali da riuscire ad applicare il loro bagaglio conoscitivo anche a terreni d’indagine inediti e in contesti più ampi, istituendo collegamenti interdisciplinari, sfidando così la complessità contestuale per orientarsi non solo nel proliferare delle conoscenze di fatto ma anche e soprattutto nel contrasto delle interpretazioni. Inoltre, si lavorerà per mettere a fuoco le seguenti capacità: inserimento in un lavoro di gruppo (con spirito di collaborazione e attitudine all’iniziativa); organizzare e coordinare eventi culturali (con interesse e curiosità nonché inventività e creatività); intraprendere progetti, pianificando anche attività organizzate in proprio.
Grazie allo studio delle diverse metodologie etnoantropologiche, al termine del corso gli studenti avranno modo di sviluppare la capacità di affrontare tematiche e problematiche antropologiche, anche di natura interdisciplinare, in maniera autonoma, dimostrando nei confronti della “letteratura” e dei casi studio un atteggiamento attivo e possibilmente innovativo, grazie all’elaborazione e all’adozione di nuove visuali concettuali, teoriche o interpretative.
I partecipanti dovranno mostrare di aver appreso i metodi e le tecniche etnoantropologiche idonee a comunicare, esponendo e trasmettendo con estrema chiarezza e proprietà di linguaggio le loro conoscenze, non solo in maniera chiara e comprensibile ma anche articolata sui diversi livelli di lettura e di interpretazione di fenomeni di campo o casi di studio da comunicare, a specialisti e non, informazioni, riflessioni, problemi e soluzioni.
Grazie ad una costante opera di autoriflessione professionale cui gli studenti saranno sollecitati, ma anche grazie a continue richieste di intervento e partecipazione, dovranno mostrare di aver sviluppato tutte quelle capacità di apprendimento che gli consentiranno di continuare a studiare in maniera autonoma, sia nei master, sia nei dottorati di ricerca e sia in altre e diverse attività lavorative.
Il corso mira a fornire una formazione di base per gli studi antropologici e soprattutto aggiornata e adeguata alle urgenze dell’attualità.

Si indicano qui di seguito i testi validi per gli studenti non frequentanti:

1. Manuale o parte generale:
Ugo Fabietti, Elementi di antropologia culturale, Milano, Mondadori, 2015.

2. Approfondimenti o parte monografica:
Tim Ingold, Antropologia. Ripensare il mondo, Milano, Meltemi, 2020.
Stefano de Matteis, Le false libertà. Verso la post globalizzazione, Milano, Meltemi, 2017.

Passioni ed emozioni
Il corso prenderà in esame il tema delle emozioni da una prospettiva storico-teoretica. In particolare, si analizzerà il passaggio da una filosofia delle passioni a una scienza delle emozioni attraverso l’analisi di alcuni testi classici della letteratura filosofica e scientifica sul tema, da Descartes a Hume, da Darwin ai pragmatisti, fino ad alcune più recenti ipotesi esplicative avanzate nelle scienze cognitive.

Modulo A - Passioni ed emozioni: Descartes e Peirce
Il programma del Modulo A verterà sui seguenti argomenti:
- Introduzione ai significati storico-teoretici delle nozioni di passione ed emozione
- Esposizione della teoria cartesiana delle passioni
- Esposizione dell'anti-cartesianesimo di Ch. S. Peirce.

Modulo B - Passioni ed emozioni: Hume, pragmatismo e la teoria sociale delle emozioni.
Il programma del Modulo B verterà sui seguenti argomenti:
- Esposizione della trattazione humeana delle passioni
- Introduzione alla nascita di una scienza delle emozioni: l'evoluzionismo di Darwin e la sua teoria dell'espressione delle emozioni
- Analisi delle teorie delle emozioni di James, Dewey e Mead e della loro ripresa nel dibattito contemporaneo all'interno delle scienze cognitive.

Modulo A

R. Cartesio, Le passioni dell’anima, Bompiani 2003
C. S. Peirce, Alcune conseguenze di quattro incapacità, in Id. Scritti scelti, UTET 2005, pp. 107-143.
R.M. Calcaterra, Emozioni e sensazioni nella semiotica di Ch. S. Peirce, in Ead., Pragmatismo: i valori dell’esperienza. Letture di Peirce, James e Mead, Carocci 2003, pp. 17-41.
R. M. Calcaterra, G. Maddalena, G. Marchetti (a cura di), Il pragmatismo. Dalle origini agli sviluppi contemporanei, Carocci 2015.

Testi consigliati

G. Mori, Cartesio, Carocci 2010
G. Maddalena, Peirce, La Scuola 2015


Modulo B

D. Hume, Trattato sulla natura umana, Laterza 2008, pp. 289-476
G. Baggio, F. Caruana, A. Parravicini, M. Viola (a cura di), Emozioni. Da Darwin al pragmatismo, Rosenberg & Sellier 2019.
F. Caruana, M. Viola, Come funzionano le emozioni, il Mulino 2018.

Testi consigliati

P. Dumouchel, Emozioni. Saggio sul corpo e il sociale, Medusa 2008.
D. Evans, Emozioni. La scienza del sentimento, Laterza 2002
J. Plamper, Storia delle emozioni, il Mulino 2012

Formare una figura di antropologo che si inserisce nel più ampio quadro di “intellettuale critico” in grado di effettuare analisi e interpretazioni di casi e sistemi culturali capace di elaborare e diffondere, sulla base di avanzate conoscenze scientifico-disciplinari, relazioni critiche in rapporto alle pratiche sociali e ai sistemi contestuali in cui si troverà ad operare. L’obiettivo è quello di allenare lo sguardo per cogliere gli innumerevoli spunti che la realtà quotidiana ci offre a partire dalle esperienze, dalle abitudini, dalle rappresentazioni, fino a tutte le forme di “alterità” e differenza, da quelle più vicine a quelle più lontane nello spazio e nel tempo.
Un sapere oggi ancor più necessario non solo per comprendere i cambiamenti che viviamo, ma per offrire gli strumenti utili alla pratica della vita quotidiana e ad ogni forma di lavoro, a partire dagli insegnanti di ogni ordine e grado per allenare le future generazioni alla convivenza tra diversi, alla partecipazione a riconoscere gli altri come una risorsa fondamentale.
Il corso mette a disposizione un sapere che permetterà allo studente di muoversi con assoluta padronanza negli orizzonti dei saperi scientifici e umanistici più prossimi all’antropologia e offrirà, in generale, solide basi teoriche e pratiche a riguardo dei processi di comunicazione e di interpretazione, in particolare su specifici meccanismi delle relazioni umane e dei sistemi sociali. Inoltre allenerà alla pratica di campo e alla ricerca etnografica in modo da sensibilizzare concretamente verso i temi dell’antropologia in modo da formare personale qualificato e attento alle complessità dell’oggi.
Si vuole sviluppare negli studenti competenze tali da riuscire ad applicare il loro bagaglio conoscitivo anche a terreni d’indagine inediti e in contesti più ampi, istituendo collegamenti interdisciplinari, sfidando così la complessità contestuale per orientarsi non solo nel proliferare delle conoscenze di fatto ma anche e soprattutto nel contrasto delle interpretazioni. Inoltre, si lavorerà per mettere a fuoco le seguenti capacità: inserimento in un lavoro di gruppo (con spirito di collaborazione e attitudine all’iniziativa); organizzare e coordinare eventi culturali (con interesse e curiosità nonché inventività e creatività); intraprendere progetti, pianificando anche attività organizzate in proprio.
Grazie allo studio delle diverse metodologie etnoantropologiche, al termine del corso gli studenti avranno modo di sviluppare la capacità di affrontare tematiche e problematiche antropologiche, anche di natura interdisciplinare, in maniera autonoma, dimostrando nei confronti della “letteratura” e dei casi studio un atteggiamento attivo e possibilmente innovativo, grazie all’elaborazione e all’adozione di nuove visuali concettuali, teoriche o interpretative.
I partecipanti dovranno mostrare di aver appreso i metodi e le tecniche etnoantropologiche idonee a comunicare, esponendo e trasmettendo con estrema chiarezza e proprietà di linguaggio le loro conoscenze, non solo in maniera chiara e comprensibile ma anche articolata sui diversi livelli di lettura e di interpretazione di fenomeni di campo o casi di studio da comunicare, a specialisti e non, informazioni, riflessioni, problemi e soluzioni.
Grazie ad una costante opera di autoriflessione professionale cui gli studenti saranno sollecitati, ma anche grazie a continue richieste di intervento e partecipazione, dovranno mostrare di aver sviluppato tutte quelle capacità di apprendimento che gli consentiranno di continuare a studiare in maniera autonoma, sia nei master, sia nei dottorati di ricerca e sia in altre e diverse attività lavorative.
Il corso mira a fornire una formazione di base per gli studi antropologici e soprattutto aggiornata e adeguata alle urgenze dell’attualità.

Si indicano qui di seguito i testi validi per gli studenti non frequentanti:

1. Manuale o parte generale:
Ugo Fabietti, Elementi di antropologia culturale, Milano, Mondadori, 2015.

2. Approfondimenti o parte monografica:
Tim Ingold, Antropologia. Ripensare il mondo, Milano, Meltemi, 2020.
Stefano de Matteis, Le false libertà. Verso la post globalizzazione, Milano, Meltemi, 2017.

Contestualizzazione teorica dell’esperienza fotografica nelle cronologie e nelle storie delle arti in relazione con le storie del cinema, della televisione, del suono e dell’arte contemporanea: approfondimento sul caso italiano.

- Italo Zannier, "L'occhio della fotografia. Protagonisti, tecniche e stili", Carocci, Roma 2019 (nuova edizione);
- Sandra Lischi, "La lezione della videoarte", Carocci, Roma 2019.

Il laboratorio intende sviluppare capacità imprenditoriali per la costituzione di nuove attività culturali e di spettacolo. Durante il laboratorio verranno illustrati i sistemi di funzionamento di una impresa culturale, dal punto di visto giuridico, delle norme del lavoro e degli obblighi contrattuali, relativamente allo spettacolo dal vivo, anche in relazione con altri ambiti della produzione culturale. Durante le lezioni viene inoltre disaminata la tecnica di redazione del progetto, con particolare attenzione allo sviluppo di capacità di reperimento delle risorse pubbliche e private. E’ prevista la stesura di un progetto, organizzando gruppi di lavoro, che saranno seguiti dal docente con l’obiettivo che gli studenti esplorino la fattibilità e sostenibilità di una propria idea imprenditoriale nella sua dimensione di mercato, organizzativa, economica, riguardo progetti di nuove imprese teatrali o culturali o di spettacolo, oppure di azioni di rilancio di realtà esistenti.

Testo a supporto.
Lucio Argano, Alessandro Bollo, Paolo Dalla Sega “Organizzare eventi culturali. Ideazione, progettazione e gestione strategica del pubblico” Franco Angeli 2017
Dispense: saranno fornite dal docente durante il corso

PROGRAMMA: Le storie e le pratiche degli attori verranno analizzate e sperimentate attraverso esempi concreti dei processi creativi dell’attore. In particolare il corso affronta la costruzione del personaggio, la composizione delle azioni fisiche e vocali, le relazioni tra testo e scena .

TESTI PER L'ESAME: Materiali didattici a cura del docente (disponibili all’inizio del corso nel sito https://sites.google.com/com/site/stefanogeraci1). V. Mejercol’d, L’attore biomeccanico, a.c. di F. Malcovati, Cuepress, 2020 ;R. Ciancarelli, Il dominio del movimento, Dino Audino Editore, 2020.
Per gli studenti non frequentanti, oltre il programma indicato, il seguente volume :J. Copeau, Artigiani di una tradizione vivente: l’attore e la pedagogia teatrale; a cura di Maria Ines Aliverti, La casa Usher, 2009.

Muovendo da un testo Isaiah Berlin sul romanticismo, il corso esamina le profonde radici romantiche delle avanguardie storiche, per concentrarsi in particolare sul movimento dada. Lo studio si soffermerà su problemi di carattere estetico e teorico, soprattutto a partire dal concetto di ready-made in Marcel Duchamp, per concludersi con l’analisi di un capolavoro della letteratura francese quale il romanzo-iconotesto Nadja, di André Breton.

I. Berlin, Le radici del romanticismo, Milano, Adelphi, 2001
A. Breton, Nadja, Torino, Einaudi, 2007
V. Magrelli, Profilo del dada, Roma, Laterza 2019

Passioni ed emozioni
Il corso prenderà in esame il tema delle emozioni da una prospettiva storico-teoretica. In particolare, si analizzerà il passaggio da una filosofia delle passioni a una scienza delle emozioni attraverso l’analisi di alcuni testi classici della letteratura filosofica e scientifica sul tema, da Descartes a Hume, da Darwin ai pragmatisti, fino ad alcune più recenti ipotesi esplicative avanzate nelle scienze cognitive.

Modulo A - Passioni ed emozioni: Descartes e Peirce
Il programma del Modulo A verterà sui seguenti argomenti:
- Introduzione ai significati storico-teoretici delle nozioni di passione ed emozione
- Esposizione della teoria cartesiana delle passioni
- Esposizione dell'anti-cartesianesimo di Ch. S. Peirce.

Modulo B - Passioni ed emozioni: Hume, pragmatismo e la teoria sociale delle emozioni.
Il programma del Modulo B verterà sui seguenti argomenti:
- Esposizione della trattazione humeana delle passioni
- Introduzione alla nascita di una scienza delle emozioni: l'evoluzionismo di Darwin e la sua teoria dell'espressione delle emozioni
- Analisi delle teorie delle emozioni di James, Dewey e Mead e della loro ripresa nel dibattito contemporaneo all'interno delle scienze cognitive.

Modulo A

R. Cartesio, Le passioni dell’anima, Bompiani 2003
C. S. Peirce, Alcune conseguenze di quattro incapacità, in Id. Scritti scelti, UTET 2005, pp. 107-143.
R.M. Calcaterra, Emozioni e sensazioni nella semiotica di Ch. S. Peirce, in Ead., Pragmatismo: i valori dell’esperienza. Letture di Peirce, James e Mead, Carocci 2003, pp. 17-41.
R. M. Calcaterra, G. Maddalena, G. Marchetti (a cura di), Il pragmatismo. Dalle origini agli sviluppi contemporanei, Carocci 2015.

Testi consigliati

G. Mori, Cartesio, Carocci 2010
G. Maddalena, Peirce, La Scuola 2015


Modulo B

D. Hume, Trattato sulla natura umana, Laterza 2008, pp. 289-476
G. Baggio, F. Caruana, A. Parravicini, M. Viola (a cura di), Emozioni. Da Darwin al pragmatismo, Rosenberg & Sellier 2019.
F. Caruana, M. Viola, Come funzionano le emozioni, il Mulino 2018.

Testi consigliati

P. Dumouchel, Emozioni. Saggio sul corpo e il sociale, Medusa 2008.
D. Evans, Emozioni. La scienza del sentimento, Laterza 2002
J. Plamper, Storia delle emozioni, il Mulino 2012

Concetti fondamentali di fisica sonora e definizione delle fonti sonore musicali. Concetti fondamentali della teoria musicale (ritmo, melodia, armonia). Concetti fondamentali sul funzionamento dei principali strumenti utilizzati per la registrazione e la riproduzione sonora (microfoni, amplificatori, mixer, equalizzatori diffusori). Campionamento del suono. Introduzione a file audio e MIDI. I sequenziatori fisici e logici. Esempi pratici di gestione professionale del software musicale nelle varie fasi di scrittura di brani musicali, equalizzazione, riverberazione, compressione, eccitazione armonica, creazione di immagini stereofoniche, utilizzo di limitatori e dithering.

- Laboratorio di Tecnologie Musicali vol. 1 e 2 - D'AGOSTINO M., DE SIENA L., PAOLOZZI G., CAPPELLANI G.
- Dispense a cura del docente.

Contestualizzazione teorica dell’esperienza delle “arti elettroniche” nelle cronologie e nelle storie delle arti in relazione con le storie del cinema, della televisione, del suono e dell’arte contemporanea: approfondimento sul caso italiano.

- S. Lischi, "La lezione della videoarte", Carocci, Roma 2019;
- M.M. Gazzano, "Ultraimmagini. Verso la producibilità elettronica del cinema, attraverso le metamorfosi delle arti", Exorma, Roma 2020.

lezioni ORGANIZZAZIONE E GESTIONE DELL’IMPRESA CINEMATOGRAFICA E AUDIOVISIVA
1 Elementi di economia del cinema e dell’audiovisivo/ Elements of cinema and audiovisual economics

2 Il Valore del Tempo/ The Value of Time

3 Gli Impatti Macroeconomici/ The Macroeconomic Impacts

4 La Produzione e le sue quattro fasi/ Production and its four phases

5 La filiera Cinematografica/ The Cinematographic supply chain

6 La Produzione e le sue fasi/ Production and its phases

7 La Distribuzione/ The distribution

8 L’esercizio cinematografico/ The theatrical

9 La catena del valore/ The value chain

10 Il rischio e i fattori di successo/ The risk and success factors

11 Il Marketing del film/ The Marketing of the film

12 Cinema e Big Data/ Cinema and Big Data

Il testo adottato è:
Economia, Gestione e Finanza dell'Azienda Cinematografica e Audiovisiva: dal concept al set ai big data, dal cinema al web, dal pubblico al pubblico
Il testo è scaricabile dalle principali piattaforme online: street lib, amazon, ibs, ecc..

Come si costruisce un format televisivo? Come si analizza un programma realizzato a partire da un format? Che rapporto c’è fra format e generi tv? I format funzionano anche per la serialità? Perché in tutto il mondo si guardano gli stessi programmi, da La ruota della fortuna a Masterchef’? Nel laboratorio si affronteranno questi quesiti, con costante riferimento alla produzione televisiva internazionale. Il laboratorio prevede esercitazioni nella scrittura di paper format.

Nessun testo adottato.

Il corso si propone di individuare ed analizzare le principali tendenze del racconto audiovisivo contemporaneo, affrontando gli immaginari egemonici tanto quanto i percorsi sovversivi proposti dal cinema e dalla serialità televisiva in Europa e negli Stati Uniti. Verranno affrontati soprattutto: i modelli cinematografici legati all’approccio transnazionale e a scenari postcoloniali/globalizzazione; il rapporto fra estetica, soggettività e identità di gender; la serialità televisiva complessa, il transmedia storytelling e la narrazione convergente.
Il syllabus del corso sarà disponibile al link https://ilariaadepascalis.wordpress.com/informazioni-generali/

Ilaria A. De Pascalis, "Il cinema europeo contemporaneo: scenari transnazionali, immaginari globali", Bulzoni, Roma 2015.

Antologia di saggi a cura della docente.

Il programma definitivo, completo di bibliografia e filmografia e di tutte le informazioni sul corso, sarà pubblicato sul sito personale della docente https://ilariaadepascalis.wordpress.com/

La prima parte del corso è dedicata a una rassegna delle prospettive teoriche attorno al concetto di genere. Si prenderà inoltre in esame il dibattito sul ruolo dei media nella costruzione dell’immaginario maschile e femminile e saranno introdotti gli strumenti metodologici utili per indagare il rapporto tra genere e media dal punto di vista sociologico.
La seconda parte intende rafforzare uno sguardo di genere sulle pratiche comunicative dei diversi ambienti mediali, con l’obiettivo di potenziare le capacità di analisi critica. Grazie ai laboratori didattici, gli studenti e le studentesse potranno analizzare differenti materiali e dispositivi mediatici sulla base di quanto appreso durante la prima parte del corso

D. Richardson (2015), Conceptualising Gender, in V. Robinson & D. Richardson (eds), Gender and Women’s Studies, Palgrave, pp. 3-22
A. L. Tota (2008), Gender e media. Verso un immaginario sostenibile, Meltemi, Milano (PAR.: 1, 2, 3, 4, 7, 8, 9, 10)
S. Capecchi (2014), Methodological problems in gender and media research, Qual Quant, 48, pp. 837–844

LEZIONI

I: Individuare il soggetto della storia e il sottotesto. Scelta del punto di vista adottare per raccontare la storia ed esercitazioni pratiche a partire dalle logline presentate dagli studenti.

II: Come procedere nella stesura di una sceneggiatura-trattamento per il cinema documentario ed esercitazioni con visione di estratti da una selezione di film documentari.
Le diverse metodologie da adottare per realizzare un film documentario rispetto ai soggetti e alla storia: l’approccio più analitico di studio e conoscenza approfondita del personaggio prima dell’inizio delle riprese e l’approccio più in presa diretta alla scoperta del personaggio e della storia insieme alla telecamera. Esercitazioni a partire dalle storie individuate dai partecipanti.

III: Sulla base del punto di vista adottato e del linguaggio utilizzato, scelta dell'equipaggiamento tecnico di ripresa, del suono e della troupe necessaria per la realizzazione del film documentario.

IV: Tecniche di ripresa: formati, obiettivi, e accessori. Sono previste esercitazioni pratiche a partire dalle logline inviate dagli studenti.

V: Riprese: macchina a mano, cavalletto e steadycam. Come, perché e quando usarli. Sono previste esercitazioni pratiche.

VI: Le scene, come impostare le riprese e perché. Tagli e inquadrature.

VII: Le sequenze cinematografiche, come approcciarle e quale grammatica utilizzare. Scelte espressive e scelte estetiche.

VIII: Il suono, tra riprese, montaggio e mix audio.

IX: A partire dai soggetti proposti dagli studenti, laboratorio collettivo sul progetto narrativo, stilistico e tecnico degli autori e analisi delle riprese effettuate. Parte I.

X: A partire dai soggetti proposti dagli studenti, laboratorio collettivo sul progetto narrativo, stilistico e tecnico degli autori e analisi delle riprese effettuate. Parte II.

XI: Il montaggio: cos'è e come affrontarlo. Dalla scelta e la messa in fila dei materiali, alla vera e propria riscrittura e ricerca drammaturgica attraverso le immagini.

XII Post-produzione, musica, titoli ed effetti. L’importanza invisibile di un’accurata finalizzazione.

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Dopo l’esposizione di elementi teorici sulle fasi di realizzazione di un’opera audiovisiva (dalla pre-produzione alla post-produzione), suffragata dall’analisi di alcune sequenze tratte dalla storia del Cinema, gli studenti lavoreranno ad alcuni esercizi di laboratorio, misurandosi con le difficoltà proposte dalle varie fasi di produzione.

Non è previsto un testo di riferimento.

Il laboratorio intende introdurre gli studenti e le studentesse alla concettualizzazione e alla pratica delle arti digitali. Dopo un’introduzione storica e teorica sulla cultura digitale, con un focus sul rapporto fra cinema, media e arti performative, gli studenti faranno esperienza di alcune tecniche e linguaggi artistici da impiegare nell'ideazione, sviluppo e presentazione di un progetto di arte digitale concordato e assistito dal docente.

- Catricalà Valentino, «Prospettive delle arti nel XXI secolo. Storie, teorie, preservazione», Mimesis, 2016
- Gatti Giuseppe, “Dispositivi del Sé” in «Dispositivo. Un’archeologia della mente e dei media», Roma TrE-Press, 2019.
- Schechner Richard, «Introduzione ai performance studies», Cue Press, Imola, 2018.
- Parikka Jussi, «What is Media Archeology?», Polity Press, 2012.

Il corso si propone di affrontare alcuni momenti della scrittura cinematografica in modo critico e costruttivo, procedendo per step teorici e pratici:
1.focalizzazione di un’idea tematica (high / low concept);
2.sinossi e stesura di una sinossi di max 5 righe;
3.punti essenziali di un soggetto cinematografico (pdv della stesura di un soggetto);
4.carattere e personaggio;
5.stesura di un soggetto min.2 pagine;
6.costruzione dei personaggi (protagonista, antagonista, personaggi secondari);
7.personaggio/eroe (arco del personaggio, ostacoli, scelte, obiettivo, oggetto del desiderio, insight) ;
8.step outline per una struttura drammaturgica in tre atti;
9.individuazione turning points;
10.mid-point;
11.subplot / subplots ( film vs serialità) ;
12.prima e seconda stesura del trattamento;
13.format sceneggiatura e sistemi di riferimento sceneggiatura;
14. analisi copioni ( character driven plot / action plot)
15. elementi specifici del "parlato" cinematografico

Titolo: Story – Contenuti, struttura, stile, principi per la sceneggiatura e per l’arte di scrivere storie
ISBN-10: 8896450039
ISBN-13: 9788896450031
Autore: Robert McKee
Collana: Scrittura creativa
Editore: Omero

Titolo: Manuale di sceneggiatura cinematografica
Sottotitolo: Teoria e pratica
ISBN-10: 8860081416
ISBN-13: 9788860081414
Autore: Luca Aimeri
Collana: Collana di cinema
Editore: UTET

La sceneggiatura. Un testo dall'esistenza incerta
di Daniela Ceselli ( Le Lettere)
Lingua: Italiano
ISBN-10: 8860875765ISBN-13: 9788860875761Data di pubblicazione: 01/01/2012

Titolo: La sceneggiatura
Sottotitolo: Il film sulla carta
ISBN-10: 8885838634
ISBN-13: 9788885838635
Autore: Syd Field
Collana: Istruzioni per l’uso
Editore: Lupetti

Titolo: Save the cat! Manuale di sceneggiatura
ISBN-10: 8896450195
ISBN-13: 9788896450192
Autore: Blake Snyder
Collana: Scrittura creativa
Editore: Omero

Titolo: Scriviamo un film – Manuale di sceneggiatura
ISBN-10: 884282058X
ISBN-13: 9788842820581
Autore: Age
Collana: La piccola cultura
Editore: Il Saggiatore

Titolo: Come scrivere una grande sceneggiatura
ISBN-10: 8875271518
ISBN-13: 9788875271510
Autore: Linda Seger
Collana: Manuali di Script
Editore: Audino

Titolo: L’arco di trasformazione del personaggio
ISBN-10: 887527018X
ISBN-13: 9788875270186
Autore: Dara Marks
Editore: Audino

Tema dell'annualità 2020/2021: "La voce e l'immagine"

Il percorso prevede un breve excursus storico di film che hanno rappresentato la realtà attraverso un poetico dialogo tra voce e immagini.
Si procederà poi a selezionare alcuni soggetti proposti dagli studenti che facciano di questi due elementi, voce e immagine, il centro narrativo e stilistico della storia.
I soggetti selezionati saranno realizzati in lavoro di gruppo o individuale.
Nessun limite di durata e di ambientazione. Nessun uso di musiche.

Limite massimo iscritti 30 persone.

Frequenza obbligatoria. Sono ammesse, escluse cause di
forza maggiore, non più di due assenze.

Testi consigliati:

- Marco Bertozzi. "Documentario come arte. Riuso, performance, autobiografia nell'esperienza del cinema contemporaneo". Marsilio, 2018.
- Mario Balsamo, Gianfranco Pannone. "L’officina del reale. Fare un documentario: dalla progettazione al film". Edizioni CdG – Centro di documentazione giornalistica, 2010.

Testi consigliati:

- Marco Bertozzi. "Documentario come arte. Riuso, performance, autobiografia nell'esperienza del cinema contemporaneo". Marsilio, 2018.
- Mario Balsamo, Gianfranco Pannone. "L’officina del reale. Fare un documentario: dalla progettazione al film". Edizioni CdG – Centro di documentazione giornalistica, 2010.

Il laboratorio di operatore radiofonico sarà incentrato quest'anno sul podcast e la produzione di audio on demand. Partendo dalla storia dell'audio-documentario in Italia si analizzeranno, attraverso molteplici ascolti, forme, tecniche e linguaggi delle produzioni audio. Una particolare attenzione sarà rivolta alle produzioni di maggiore interesse realizzate all’estero. Attraverso una serie di lezioni pratiche, il laboratorio inviterà inoltre gli studenti alla realizzazione di un proprio progetto di podcast.

Il laboratorio non prevede l'adozione di nessun testo.

Il laboratorio si dividerà in due fasi: 15 ore saranno dedicate agli aspetti di introduzione al linguaggio della sceneggiatura e di riflessione sui modelli del racconto che essa implica, con particolare attenzione ai generi narrativi, al worldbuilding e allo storytelling; 15 ore invece vedranno incontri più specifici, che si concentreranno anche su questioni legate alla scrittura vera e propria tramite esercizi proposti agli/alle studenti/esse. In particolare, in questa seconda parte ci si concentrerà su questioni quali: dalla sintesi del soggetto allo sviluppo in sceneggiatura; la fase letteraria e la trasposizione cinematografica; il paradigma tra struttura e intreccio; il primo atto, le prime scene e l’incipit; la costruzione del personaggio, dal sottotesto al dialogo; analisi di film e modelli di opening; distinzione tra linguaggio iconico e linguaggio di astrazione; lo specifico filmico su tempo e movimento.

Riferimenti a saggi e testi di supporto al laboratorio saranno comunicati durante lo svolgimento del corso.

Il laboratorio si dividerà in due fasi: 15 ore saranno dedicate agli aspetti di introduzione al linguaggio della sceneggiatura e di riflessione sui modelli del racconto che essa implica, con particolare attenzione ai generi narrativi, al worldbuilding e allo storytelling; 15 ore invece vedranno incontri più specifici, che si concentreranno anche su questioni legate alla scrittura vera e propria tramite esercizi proposti agli/alle studenti/esse. In particolare, in questa seconda parte ci si concentrerà su questioni quali: dalla sintesi del soggetto allo sviluppo in sceneggiatura; la fase letteraria e la trasposizione cinematografica; il paradigma tra struttura e intreccio; il primo atto, le prime scene e l’incipit; la costruzione del personaggio, dal sottotesto al dialogo; analisi di film e modelli di opening; distinzione tra linguaggio iconico e linguaggio di astrazione; lo specifico filmico su tempo e movimento.

La bibliografia di riferimento sarà comunicata nel corso delle lezioni, nella forma di consigli di lettura.

Il corso si ripropone di analizzare gli aspetti fondamentali della distribuzione e della circuitazione del prodotto audiovisivo all’interno del mercato nazionale e internazionale, le dinamiche, le forme, i luoghi.

A parte infatti i canali di distribuzione tradizionali (la sala per i lungometraggi, broadcast televisivo per i prodotti seriali), nel contesto audiovisivo internazionale contemporaneo si offrono oggi a produttori e autori altri strumenti di sfruttamento del prodotto. Se i canali televisivi ormai da più di un ventennio sono diventati determinanti anche per la loro gestione economica, il nuovo e crescente sviluppo di piattaforme OTT di streaming on line permette oggi di ipotizzare nuove forme di sfruttamento che implicano un allargamento esponenziale del numero di spettatori e conseguentemente un ripensamento complessivo delle strategie economiche.
La trasformazione dei canali di accesso al prodotto audiovisivo ha comportato anche una trasformazione del prodotto stesso sia da un punto di vista strutturale sia drammaturgico ed estetico. L’ipotesi infatti di muoversi all’interno di un contesto non più locale, costringe i produttori e gli autori a ragionare secondo dinamiche del tutto nuove e a rintracciare le proprie linee di azione in un immaginario condiviso internazionalmente.
A tutto questo si aggiungono anche tutte le altre forme alternative di diffusione offerte da Festival del cinema, dai circuiti di sale indipendenti, dai circoli di cultura alternativi, che permettono di lavorare in profondità coinvolgendo fasce di pubblico che per ragioni logistiche o culturali, spesso si trovano al di fuori delle dinamiche classiche di distribuzione.

I temi principali trattati all’interno de corso riguarderanno:
• esame del mercato nazionale theatrical e delle dinamiche che lo muovono
• legislazione di finanziamenti per la distribuzione e l’esercizio
• l’esercizio cinematografico
• le OTT (Netflix, Amazon, Disney, ecc)
• organizzazione e strutturazione di un palinsesto televisivo
• l’identità e la funzione dei Festival di cinema
• il circuito alternativo dei circoli di cultura cinematografica
• nozioni di marketing e comunicazione

La bibliografia di riferimento sarà segnalata nel corso delle lezioni

1. Tutela giuridica dell'atto creativo. 2. Requisiti di tutela del prodotto intellettuale quale opera dell'ingegno. 3. Diritti patrimoniali d'autore: analisi dei diritti e delle caratteristiche principali. 4. Diritti morali d'autore: analisi dei diritti e delle caratteristiche principali. 5. Diritti d'autore e diritti connessi. 6. Autore ed artista interprete esecutore. 7. Opera cinematografica, opera musicale e opera teatrale. 8. L'editore musicale e il produttore di fonogrammi. 9. Il produttore cinematografico e dell'opera assimilata. 10. La commercializzazione dell'opera cinematografica e dell'opera assimilata. 11. L'impresario teatrale. 12. Analisi dei principali contratti del settore. 13. Gli enti mediatori del diritto d'autore e del diritto connesso.

Legislazione dello Spettacolo di A. Miccichè - Edizioni Artemide, limitatamente ai soli capitoli come di seguito indicato:

Capitoli e/o parti del libro da omettere:
cap. 5: omettere tutto; cap. 6: omettere tutto; cap. 7: studiare solo dal 7.1 al 7.10 omettere tutto il resto; cap. 8 omettere tutto; cap. 9: omettere tutto; cap. 10: omettere solo il 10.10 studiare tutto il resto; cap. 11: omettere solo l'11.6 studiare tutto il resto; cap. 13: omettere solo il 13.33 studiare tutto il resto; cap. 14: omettere solo il 14.25 e il 14.27 studiare tutto il resto; cap. 15: studiare solo il 15.1 e il 15.2 omettere tutto il resto; cap. 16: omettere solo il 16.19 e il 16.20 studiare tutto il resto.

Si intende che i capitoli non elencati vanno studiati per intero.

Letteratura italiana e fotografia

a) Silvia Albertazzi, Letteratura e fotografia, Roma, Carocci, 2017

b) Giuseppe Carrara, Storie a vista. Retorica e poetiche del fototesto, Milano-Udine, Mimesis, 2020

c) più un autore a scelta fra:

Elio Vittorini, Conversazione in Sicilia [1941], edizione illustrata dall’autore a cura di Maria Rizzarelli, Milano, RCS, 2007

Pier Paolo Pasolini, La Divina Mimesis [1975], Milano, Mondadori, 2006

Nanni Balestrini, Blackout [1980], in Id., Le avventure della signorina Richmond e Blackout. Poesie complete volume secondo, Roma, DeriveApprodi, 2016

Lalla Romano, Nuovo romanzo di figure [1986], Torino, Einaudi, 1997

Giorgio Falco e Sabrina Ragucci, Condominio Oltremare, Roma, L’orma, 2014

Michele Mari, Leggenda privata, Torino, Einaudi, 2017


d) per una contestualizzazione dei testi nella storia letteraria del Novecento:

Giulio Ferroni, Storia della letteratura italiana, vol. IV: Il Novecento e il nuovo millennio, Milano, Mondadori Università, 2012; e/o La terra della prosa. Narratori italiani degli anni zero (1999-2014), a cura di Andrea Cortellessa, Roma, L’orma, 2014

Il corso sarà strutturato in due parti distinte: una prima parte affronterà la storia del cinema documentario dalle origini al contemporaneo, attraverso lo studio di movimenti, correnti, autori e tendenze. La seconda parte invece si sofferma sul tema della rappresentazione della Shoah nel cinema documentario italiano e internazionale dagli anni'50 sino ai giorni nostri, evidenziando strutture estetiche, approcci tematici e ricorrenze retoriche.
Il corso prevede inoltre alcuni incontri con professionisti del settore documentario in modo tale da mettere gli studenti direttamente in contatto con le professioni del cinema.

Bibliografia:
Maria Cristina Lasagni, Nanook cammina ancora-Il cinema documentario, storia e teoria, Bruno Mondadori Editore, Milano, 2014
Michele Guerra, Il limite dello sguardo. Oltre i confini delle immagini, Raffaello Cortina Editore, Milano, 2020
Ivelise Perniola, L'immagine spezzata. Il cinema di Claude Lanzmann, Kaplan, Torino, 2007


Filmografia:
R.Flaherty, Nanook of the North (1922)
A.A.V.V.-Amore in città (1953)
V. De Seta, Lu tempu de li pisci spata (1954)
V. De Seta, I dimenticati (1959)
C. Mangini, Stendalì (1959)
V. De Seta, Diario di un maestro, puntata 1 (1973)
A.Marazzi, Un'ora sola ti vorrei (2002)

R.Marcellini, Israele a Roma (1948)
A. Resnais, Nuit et bruillard (1955)
P.Nelli, Mauthausen Mahnt (1960)
A. Giannarelli, Roma 16 ottobre 1943 (1960)
A. Giannarelli, Memoria presente: ebrei e città durante l'occupazione nazista (1984)
C. Lanzmann, Sobibor, 14 octobre 1943, h.16 (2001)
D.Picciau, Binario 21 (2004)
D. Ferrario, La strada di Levi (2006)
D.Monte, Memorie-In viaggio verso Auschwitz (2014)

Le onde sonore e la loro generazione.
I parametri fisici che distinguono i suoni e i principali strumenti per la loro misura.
L’orecchio umano e la percezione umana del suono.
La propagazione del suono nei mezzi materiali. La velocità di propagazione.
I principali fenomeni che caratterizzano le onde sonore: l’interferenza e i battimenti; la diffrazione; la riflessione e l’assorbimento; l’eco, la rifrazione; la risonanza.
Gli strumenti musicali. La voce umana.
I trasduttori elettroacustici. La sintesi del suono.
Applicazioni nel campo dello spettacolo.
Registrazioni e riproduzioni musicali (vinili, CD, DVD, ecc)

La natura fisica della luce. Cenni storici. Principi di ottica.
Le onde luminose e la loro generazione.
I parametri fisici che caratterizzano la luce e i principali strumenti per la loro misura.
L’occhio umano e il meccanismo della visione. La fotometria.
La propagazione della luce nei mezzi materiali.
I principali fenomeni che caratterizzano le onde luminose: la riflessione e la rifrazione, i principali strumenti ottici, le fibre ottiche; la dispersione della luce, i colori; l’interferenza e la diffrazione.
Le sorgenti di luce artificiale.
La natura della luce secondo la fisica quantistica. La luce laser. L’olografia.
Applicazioni nel campo dello spettacolo. Fotografia, cinematografia, televisione.

dispense fornite dal docente

Il corso è finalizzato a sviluppare competenze metodologiche nell’ambito delle scienze della comunicazione. La prima parte del corso prenderà in esame il framework metodologico per lo studio della cultura e della comunicazione.
Le principali tappe e strategie della ricerca sul campo, con particolare riguardo al metodo etnografico, saranno approfondite durante la seconda parte.

W. Griswold, Un framework metodologico per lo studio della cultura, in M. Santoro, R. Sassatellin(a cura di), Studiare la cultura. Nuove prospettive sociologiche, Il Mulino, Bologna 2009, pp. 253-285
G. Gobo, Descrivere il mondo. Teoria e pratica del metodo etnografico in sociologia, Carocci, Roma 2001

Il laboratorio si dividerà in due fasi: 15 ore saranno dedicate agli aspetti di introduzione al linguaggio della sceneggiatura e di riflessione sui modelli del racconto che essa implica, con particolare attenzione ai generi narrativi, al worldbuilding e allo storytelling; 15 ore invece vedranno incontri più specifici, che si concentreranno anche su questioni legate alla scrittura vera e propria tramite esercizi proposti agli/alle studenti/esse. In particolare, in questa seconda parte ci si concentrerà su questioni quali: dalla sintesi del soggetto allo sviluppo in sceneggiatura; la fase letteraria e la trasposizione cinematografica; il paradigma tra struttura e intreccio; il primo atto, le prime scene e l’incipit; la costruzione del personaggio, dal sottotesto al dialogo; analisi di film e modelli di opening; distinzione tra linguaggio iconico e linguaggio di astrazione; lo specifico filmico su tempo e movimento.

Riferimenti a saggi e testi di supporto al laboratorio saranno comunicati durante lo svolgimento del corso.

Tema dell'annualità 2020/2021: "La voce e l'immagine"

Il percorso prevede un breve excursus storico di film che hanno rappresentato la realtà attraverso un poetico dialogo tra voce e immagini.
Si procederà poi a selezionare alcuni soggetti proposti dagli studenti che facciano di questi due elementi, voce e immagine, il centro narrativo e stilistico della storia.
I soggetti selezionati saranno realizzati in lavoro di gruppo o individuale.
Nessun limite di durata e di ambientazione. Nessun uso di musiche.

Limite massimo iscritti 30 persone.

Frequenza obbligatoria. Sono ammesse, escluse cause di
forza maggiore, non più di due assenze.

Testi consigliati:

- Marco Bertozzi. "Documentario come arte. Riuso, performance, autobiografia nell'esperienza del cinema contemporaneo". Marsilio, 2018.
- Mario Balsamo, Gianfranco Pannone. "L’officina del reale. Fare un documentario: dalla progettazione al film". Edizioni CdG – Centro di documentazione giornalistica, 2010.

Testi consigliati:

- Marco Bertozzi. "Documentario come arte. Riuso, performance, autobiografia nell'esperienza del cinema contemporaneo". Marsilio, 2018.
- Mario Balsamo, Gianfranco Pannone. "L’officina del reale. Fare un documentario: dalla progettazione al film". Edizioni CdG – Centro di documentazione giornalistica, 2010.

Il corso si propone di affrontare alcuni momenti della scrittura cinematografica in modo critico e costruttivo, procedendo per step teorici e pratici:
1.focalizzazione di un’idea tematica (high / low concept);
2.sinossi e stesura di una sinossi di max 5 righe;
3.punti essenziali di un soggetto cinematografico (pdv della stesura di un soggetto);
4.carattere e personaggio;
5.stesura di un soggetto min.2 pagine;
6.costruzione dei personaggi (protagonista, antagonista, personaggi secondari);
7.personaggio/eroe (arco del personaggio, ostacoli, scelte, obiettivo, oggetto del desiderio, insight) ;
8.step outline per una struttura drammaturgica in tre atti;
9.individuazione turning points;
10.mid-point;
11.subplot / subplots ( film vs serialità) ;
12.prima e seconda stesura del trattamento;
13.format sceneggiatura e sistemi di riferimento sceneggiatura;
14. analisi copioni ( character driven plot / action plot)
15. elementi specifici del "parlato" cinematografico

Titolo: Story – Contenuti, struttura, stile, principi per la sceneggiatura e per l’arte di scrivere storie
ISBN-10: 8896450039
ISBN-13: 9788896450031
Autore: Robert McKee
Collana: Scrittura creativa
Editore: Omero

Titolo: Manuale di sceneggiatura cinematografica
Sottotitolo: Teoria e pratica
ISBN-10: 8860081416
ISBN-13: 9788860081414
Autore: Luca Aimeri
Collana: Collana di cinema
Editore: UTET

La sceneggiatura. Un testo dall'esistenza incerta
di Daniela Ceselli ( Le Lettere)
Lingua: Italiano
ISBN-10: 8860875765ISBN-13: 9788860875761Data di pubblicazione: 01/01/2012

Titolo: La sceneggiatura
Sottotitolo: Il film sulla carta
ISBN-10: 8885838634
ISBN-13: 9788885838635
Autore: Syd Field
Collana: Istruzioni per l’uso
Editore: Lupetti

Titolo: Save the cat! Manuale di sceneggiatura
ISBN-10: 8896450195
ISBN-13: 9788896450192
Autore: Blake Snyder
Collana: Scrittura creativa
Editore: Omero

Titolo: Scriviamo un film – Manuale di sceneggiatura
ISBN-10: 884282058X
ISBN-13: 9788842820581
Autore: Age
Collana: La piccola cultura
Editore: Il Saggiatore

Titolo: Come scrivere una grande sceneggiatura
ISBN-10: 8875271518
ISBN-13: 9788875271510
Autore: Linda Seger
Collana: Manuali di Script
Editore: Audino

Titolo: L’arco di trasformazione del personaggio
ISBN-10: 887527018X
ISBN-13: 9788875270186
Autore: Dara Marks
Editore: Audino

Il corso sarà strutturato in due parti distinte: una prima parte affronterà la storia del cinema documentario dalle origini al contemporaneo, attraverso lo studio di movimenti, correnti, autori e tendenze. La seconda parte invece si sofferma sul tema della rappresentazione della Shoah nel cinema documentario italiano e internazionale dagli anni'50 sino ai giorni nostri, evidenziando strutture estetiche, approcci tematici e ricorrenze retoriche.
Il corso prevede inoltre alcuni incontri con professionisti del settore documentario in modo tale da mettere gli studenti direttamente in contatto con le professioni del cinema.

Bibliografia:
Maria Cristina Lasagni, Nanook cammina ancora-Il cinema documentario, storia e teoria, Bruno Mondadori Editore, Milano, 2014
Michele Guerra, Il limite dello sguardo. Oltre i confini delle immagini, Raffaello Cortina Editore, Milano, 2020
Ivelise Perniola, L'immagine spezzata. Il cinema di Claude Lanzmann, Kaplan, Torino, 2007


Filmografia:
R.Flaherty, Nanook of the North (1922)
A.A.V.V.-Amore in città (1953)
V. De Seta, Lu tempu de li pisci spata (1954)
V. De Seta, I dimenticati (1959)
C. Mangini, Stendalì (1959)
V. De Seta, Diario di un maestro, puntata 1 (1973)
A.Marazzi, Un'ora sola ti vorrei (2002)

R.Marcellini, Israele a Roma (1948)
A. Resnais, Nuit et bruillard (1955)
P.Nelli, Mauthausen Mahnt (1960)
A. Giannarelli, Roma 16 ottobre 1943 (1960)
A. Giannarelli, Memoria presente: ebrei e città durante l'occupazione nazista (1984)
C. Lanzmann, Sobibor, 14 octobre 1943, h.16 (2001)
D.Picciau, Binario 21 (2004)
D. Ferrario, La strada di Levi (2006)
D.Monte, Memorie-In viaggio verso Auschwitz (2014)

1. Tutela giuridica dell'atto creativo. 2. Requisiti di tutela del prodotto intellettuale quale opera dell'ingegno. 3. Diritti patrimoniali d'autore: analisi dei diritti e delle caratteristiche principali. 4. Diritti morali d'autore: analisi dei diritti e delle caratteristiche principali. 5. Diritti d'autore e diritti connessi. 6. Autore ed artista interprete esecutore. 7. Opera cinematografica, opera musicale e opera teatrale. 8. L'editore musicale e il produttore di fonogrammi. 9. Il produttore cinematografico e dell'opera assimilata. 10. La commercializzazione dell'opera cinematografica e dell'opera assimilata. 11. L'impresario teatrale. 12. Analisi dei principali contratti del settore. 13. Gli enti mediatori del diritto d'autore e del diritto connesso.

Legislazione dello Spettacolo di A. Miccichè - Edizioni Artemide, limitatamente ai soli capitoli come di seguito indicato:

Capitoli e/o parti del libro da omettere:
cap. 5: omettere tutto; cap. 6: omettere tutto; cap. 7: studiare solo dal 7.1 al 7.10 omettere tutto il resto; cap. 8 omettere tutto; cap. 9: omettere tutto; cap. 10: omettere solo il 10.10 studiare tutto il resto; cap. 11: omettere solo l'11.6 studiare tutto il resto; cap. 13: omettere solo il 13.33 studiare tutto il resto; cap. 14: omettere solo il 14.25 e il 14.27 studiare tutto il resto; cap. 15: studiare solo il 15.1 e il 15.2 omettere tutto il resto; cap. 16: omettere solo il 16.19 e il 16.20 studiare tutto il resto.

Si intende che i capitoli non elencati vanno studiati per intero.

Gli studenti potranno conoscere i temi più importanti del rapporto fra Etica ed Estetica attraverso l'analisi di alcuni passi delle opere di Platone, Aristotele, Bruno, Shakespeare, Kant, Hegel, Nietsche, Haidegger, Blumenberg.
Approfondiranno il concetto di "pena" e "reinserimento sociale" del deviante, secondo l'art 27 della Costituzione della Repubblica Italiana.
Attraverso la visione di film e doc comprenderanno l'impatto dell'arte nel contesto penitenziario.
Parteciperanno alle prove teatrali presso il Teatro di Rebibbia se le condizioni sanitarie lo consentiranno.

I passi dei testi saranno forniti in sede di Laboratorio

Seminario pratico coordinato da Mirella Schino e Samantha Marenzi in collaborazione con un/una artista.

Non ci sono testi adottati

LABORATORIO di ARTI dello SPETTACOLO 3
Anno Accademico 2020-21 II Semestre
Docente: Mara Camelin

Programma

Il lavoro sul proprio corpo porta alla conoscenza di sè, dello spazio e degli altri; l'uso quotidiano
di gesti, espressioni, movimenti senza un "ascolto" del corpo lascia che si ignori il ritmo vitale
che è nel respiro, nel cuore, nella "percezione" della propria struttura. Quando si comunica
attraverso il movimento, si attivano quelle energie interiori, quell'universo emozionale,
immaginario, che attraverso il corpo si mettono in relazione col mondo.

Il laboratorio propone lo studio dei principi-base del movimento quali
allineamento del corpo, respirazione, peso, energia, contatto, campo visivo, ritmo,
con la finalità di permettere agli studenti di raggiungere l'elaborazione di una analisi
comparativa, conoscendo e sperimentando elementi fondamentali delle tecniche e
pratiche relative:

● alla danza contemporanea, con particolare riferimento alle tecniche Lìmon, tecnica fluida
dove costante è la ricerca del principio di equilibrio e fondamentale il concetto di impulso,
Contactimprovisation e Floor-work che attraverso lo studio su peso, contatto ed energia
esplorano la relazione tra corpo e spazio, individuale e in relazione agli altri;

● all’ambito della ricerca sul movimento elaborata dal teatro Europeo d’Avanguardia
(Biomeccanica, Grotowski, Odin Theatre) che esplora l’organicità del movimento;

● alle antiche arti di tradizione orientale del Tai Ji Quan e Qi Gong il cui fulcro è rappresentato
proprio dallo studio della postura, la respirazione, la concentrazione e propriocezione.

Parte pratica
a) Riscaldamento a terra- esercizi di respirazione e propriocezione; i diversi livelli della
struttura: osteo-articolare, muscolare, organi interni; allineamento a terra, esercizi di
scioglimento dei muscoli e delle articolazioni; contrazione ed espansione del movimento
in armonia con la respirazione; centro e periferia del corpo: motore del movimento
nell’esplorazione dello spazio; la relazione con l’altro: equilibrio, peso e dinamica.
Esercizi plastici: sperimentazione delle possibilità di movimento delle singole parti del
corpo e loro interazione e relazione;

b) Nello spazio- esercizi plastici in posizione eretta: sperimentazione delle possibilità di
movimento delle singole parti del corpo e loro interazione e relazione; percorsi nello
spazio: ritmo, campo visivo, livelli, qualità dell’energia. La relazione con l’altro: contatto
fisico, contatto visivo, contatto sonoro.

c) Al centro: esercizi di allineamento, consapevolezza del baricentro, concetto di perno e
fuori-asse, direzioni del movimento, rotazione e spirale, lavoro sul peso, dinamica e
qualità dell’energia e sequenze nello spazio (in riferimento alle diverse tecniche).

d) Montaggio o Composizione individuale e collettiva: realizzazione di una sequenza di
movimenti come elaborazione delle tecniche sperimentate, partendo da una percezione,
sensazione o da uno stimolo interno (ascolto del ritmo interno del cuore e del respiro,
emozione, desiderio o volontà), lavorando sulla varietà, l’alternanza e il contrasto
rispetto ad ogni stimolo e associazione, sul ritmo e sulla qualità dell’energia.
Nello svolgimento del laboratorio, per quanto riguarda la fase di riscaldamento si utilizzerà il
criterio della sinergia ovvero saranno proposti esercizi appartenenti alle diverse tecniche che si
integrano e armoniosamente confluiscono nel lavoro di ascolto, percezione e preparazione del
corpo al movimento.
Per consentire invece agli studenti di elaborare una comparazione e scoperta di punti di
contatto tra le diverse tecniche e pratiche, saranno dedicati, in riferimento alla sezione c)
più incontri consecutivi per ogni tecnica.
Il rapporto corpo-mente è di fondamentale importanza in questo lavoro, intendendo con ciò una
dimensione di interazione tra la sfera fisiologica, la sfera emotiva e quella logica, in grado di
attivare quelle energie interiori che riescono a far esprimere il nostro corpo.

Il corso intende mettere in luce la convergenza, o addirittura la sostanziale identità, tra le due celebri definizioni aristoteliche dell’Homo sapiens: “animale che ha linguaggio” e “animale politico”. Studiando i testi di alcuni importanti linguisti e filosofi del linguaggio (E. Benveniste, J. L. Austin), nonché l’opera maggiore di Hannah Arendt, Vita activa, si vorrebbe chiarire i motivi per i quali il linguaggio verbale deve essere considerato l’organo biologico della prassi pubblica.

G. Graffi, S. Scalise, Le lingue e il linguaggio. Introduzione alla linguistica, il Mulino, limitatamente ai capitoli I, II, VII, VIII (esclusi i paragrafi di approfondimento contraddistinti da un asterisco). Da acquistare.

DISPENSA DEL PROF. VIRNO, Il parlante come artista esecutore. Disponibile in fotocopia.

B. MALINOWSKI, Il problema del significato nei linguaggi primitivi, in C.K. Ogden, I.A. Richards, Il significato del significato, Garzanti, Milano 1975, limitatamente alle pp. 353-357. Disponibile in fotocopia.
J. L. AUSTIN, Enunciati performativi, in Id., Saggi filosofici, Guerini e Associati, Milano 1990, pp. 221-36. Disponibile in fotocopia.

Testo del prof. Virno, Il performativo assoluto, da leggere in relazione a Austin e Malinowski. Facoltativo, disponibile in fotocopia.

E. BENVENISTE, Problemi di linguistica generale, Il Saggiatore, Milano 1971, limitatamente alle pagine 301-347, comprendenti i seguenti saggi: La natura dei pronomi, La soggettività nel linguaggio, La filosofia analitica e il linguaggio. Disponibile in fotocopia.

E. BENVENISTE, Problemi di linguistica generale II, Il Saggiatore, Milano 1987, limitatamente ai seguenti saggi: Il linguaggio e l’esperienza umana, pp. 83-95; L’apparato formale dell’enunciazione, pp. 96-106. Disponibile in fotocopia.

H. ARENDT, Vita activa, Bompiani (edizione economica, in commercio), limitatamente ai capitoli 1, 2, 5. Da acquistare.

Il laboratorio di operatore radiofonico sarà incentrato quest'anno sul podcast e la produzione di audio on demand. Partendo dalla storia dell'audio-documentario in Italia si analizzeranno, attraverso molteplici ascolti, forme, tecniche e linguaggi delle produzioni audio. Una particolare attenzione sarà rivolta alle produzioni di maggiore interesse realizzate all’estero. Attraverso una serie di lezioni pratiche, il laboratorio inviterà inoltre gli studenti alla realizzazione di un proprio progetto di podcast.

Il laboratorio non prevede l'adozione di nessun testo.

Letteratura italiana e fotografia

a) Silvia Albertazzi, Letteratura e fotografia, Roma, Carocci, 2017

b) Giuseppe Carrara, Storie a vista. Retorica e poetiche del fototesto, Milano-Udine, Mimesis, 2020

c) più un autore a scelta fra:

Elio Vittorini, Conversazione in Sicilia [1941], edizione illustrata dall’autore a cura di Maria Rizzarelli, Milano, RCS, 2007

Pier Paolo Pasolini, La Divina Mimesis [1975], Milano, Mondadori, 2006

Nanni Balestrini, Blackout [1980], in Id., Le avventure della signorina Richmond e Blackout. Poesie complete volume secondo, Roma, DeriveApprodi, 2016

Lalla Romano, Nuovo romanzo di figure [1986], Torino, Einaudi, 1997

Giorgio Falco e Sabrina Ragucci, Condominio Oltremare, Roma, L’orma, 2014

Michele Mari, Leggenda privata, Torino, Einaudi, 2017


d) per una contestualizzazione dei testi nella storia letteraria del Novecento:

Giulio Ferroni, Storia della letteratura italiana, vol. IV: Il Novecento e il nuovo millennio, Milano, Mondadori Università, 2012; e/o La terra della prosa. Narratori italiani degli anni zero (1999-2014), a cura di Andrea Cortellessa, Roma, L’orma, 2014

Le onde sonore e la loro generazione.
I parametri fisici che distinguono i suoni e i principali strumenti per la loro misura.
L’orecchio umano e la percezione umana del suono.
La propagazione del suono nei mezzi materiali. La velocità di propagazione.
I principali fenomeni che caratterizzano le onde sonore: l’interferenza e i battimenti; la diffrazione; la riflessione e l’assorbimento; l’eco, la rifrazione; la risonanza.
Gli strumenti musicali. La voce umana.
I trasduttori elettroacustici. La sintesi del suono.
Applicazioni nel campo dello spettacolo.
Registrazioni e riproduzioni musicali (vinili, CD, DVD, ecc)

La natura fisica della luce. Cenni storici. Principi di ottica.
Le onde luminose e la loro generazione.
I parametri fisici che caratterizzano la luce e i principali strumenti per la loro misura.
L’occhio umano e il meccanismo della visione. La fotometria.
La propagazione della luce nei mezzi materiali.
I principali fenomeni che caratterizzano le onde luminose: la riflessione e la rifrazione, i principali strumenti ottici, le fibre ottiche; la dispersione della luce, i colori; l’interferenza e la diffrazione.
Le sorgenti di luce artificiale.
La natura della luce secondo la fisica quantistica. La luce laser. L’olografia.
Applicazioni nel campo dello spettacolo. Fotografia, cinematografia, televisione.

dispense fornite dal docente

Il corso è finalizzato a sviluppare competenze metodologiche nell’ambito delle scienze della comunicazione. La prima parte del corso prenderà in esame il framework metodologico per lo studio della cultura e della comunicazione.
Le principali tappe e strategie della ricerca sul campo, con particolare riguardo al metodo etnografico, saranno approfondite durante la seconda parte.

W. Griswold, Un framework metodologico per lo studio della cultura, in M. Santoro, R. Sassatellin(a cura di), Studiare la cultura. Nuove prospettive sociologiche, Il Mulino, Bologna 2009, pp. 253-285
G. Gobo, Descrivere il mondo. Teoria e pratica del metodo etnografico in sociologia, Carocci, Roma 2001

Il laboratorio intende introdurre gli studenti e le studentesse alla concettualizzazione e alla pratica delle arti digitali. Dopo un’introduzione storica e teorica sulla cultura digitale, con un focus sul rapporto fra cinema, media e arti performative, gli studenti faranno esperienza di alcune tecniche e linguaggi artistici da impiegare nell'ideazione, sviluppo e presentazione di un progetto di arte digitale concordato e assistito dal docente.

- Catricalà Valentino, «Prospettive delle arti nel XXI secolo. Storie, teorie, preservazione», Mimesis, 2016
- Gatti Giuseppe, “Dispositivi del Sé” in «Dispositivo. Un’archeologia della mente e dei media», Roma TrE-Press, 2019.
- Schechner Richard, «Introduzione ai performance studies», Cue Press, Imola, 2018.
- Parikka Jussi, «What is Media Archeology?», Polity Press, 2012.

A partire da un quadro indicativo degli aspetti teorici e metodologici della storia delle culture alimentari, il corso intende orientare gli studenti sui fattori culturali e sociali che hanno segnato l’immaginario e l’uso del cibo nell’età contemporanea.
La prima parte del corso (6 ore) introduce gli studenti agli aspetti teorici e metodologici della storia culturale e della storia delle culture materiali. La seconda parte del corso (6 ore) affronta i cambiamenti storici di lungo periodo dell’agricoltura in età contemporanea. La terza parte del corso (18 ore) si concentra sulla storia della cultura alimentare italiana con particolare riferimento alle culture alimentari mediterranee. La quarta parte del corso (6 ore) propone tre approfondimenti sulle relazioni culturali tra cibo e società: cibo e ambiente, cibo e diseguaglianze, cibo e religioni.

Alberto Capatti e Massimo Montanari, La cucina italiana. Storia di una cultura, Roma-Bari, Laterza 2017, 424 p., € 14,00.
Un libro a scelta tra:
Cibo, a cura di Ester Fano, Nora McKeon e Giancarlo Monina, numero monografico di “Parolechiave”, 58, dicembre 2017, 240 p., € 22,00.
Massimo Montanari, Il cibo come cultura, Roma-Bari, Laterza, 2017, 186 p., € 10,00
Saggi a scelta (minimo 3) da Storia d’Italia, Annali 13, L’alimentazione, Torino, Einaudi, 1998 (in biblioteca)

CONTROSTORIE DI UN’ITALIA PLURALE. NAPOLI E DINTORNI, DAI “FIGLI DELLA MADONNA” ALLE LOTTE DELLE “SECONDE GENERAZIONI”
Quando pensiamo alla Napoli raccontata dal cinema e dalle serie, pensiamo immediatamente a una napoletanità riconoscibile, una trama intessuta da alcuni luoghi dell’immaginario e da alcuni volti e autori di riferimento, da Totò ed Eduardo, passando per Massimo Troisi. Esiste però una Napoli negata, nascosta, subalterna, che porta le tracce vive di un passato di incontri, sopraffazioni, contaminazioni, che rinviano ai rapporti col Mediterraneo, con l’Africa ma anche con la blackness statunitense, dalla guerra di corsa al colonialismo, dalle migrazioni alla società multiculturale di oggi. Analizzeremo alcuni titoli che hanno in qualche modo contribuito a dare forma e visibilità a questa Napoli plurale, che si prolunga idealmente nel suo hinterland, dall’episodio napoletano di "Paisà" a "Il vizio della speranza" (Edoardo De Angelis, 2018), passando per "Il nero" (Giovanni Vento, 1967) che porta alla luce con una prospettiva antiessenzialista la condizione dei «figli neri della Madonna».

Filmografia (lista soggetta a revisione):
Roberto Rossellini, Paisà, ep. Napoli, 1946
Luigi Zampa, Campane a martello, 1949
Federico De Robertis, Il mulatto, 1950
Giovanni Vento, Il nero, 1966
Guido Lombardi, Là-bas. Educazione criminale, 2011
Edoardo De Angelis, Il vizio della speranza, 2019

Finalità
Il corso intende offrire una conoscenza approfondita del quadro giuridico che regola il settore audiovisivo in Italia e in Europa e sui principi che ne sono alla base. Durante il corso verrà effettuata una ricognizione sugli attori istituzionali, sul sistema di sostegno alla filiera e verrà tracciata l’evoluzione legislativa nel nuovo contesto economico e tecnologico, alla luce del nuovo ecosistema digitale. Potranno essere invitati, alla presenza del docente, operatori del settore per illustrare casi studio e buone pratiche.
Agli studenti verranno forniti elementi e strumenti informativi tali da conoscere le procedure e l’assetto regolatorio di sostegno alle imprese e alle opere audiovisive.

Struttura del corso
Prima parte: il quadro comunitario che regola il cinema e dell’audiovisivo
1.1 La creazione del Mercato Unico Digitale e i dossier europei relativi all’audiovisivo
1.2 La revisione delle Direttiva Servizi Media Audiovisivi e cenni sulla revisione della Direttiva Copyright e del regolamento “Sat Cab”
1.3 Il programma comunitario Europa Creativa – Sotto programma Media
1.4 La convenzione europea delle coproduzioni e il Fondo Eurimages
1.5 La normativa in materia di aiuti di Stato
Seconda parte: la disciplina del cinema e dell’audiovisivo: la Legge n. 220/2018 e i decreti attuativi
2.1 La Governance e le autorità competenti: quadro complessivo. Struttura, compiti e attribuzioni della Direzione Generale Cinema e Audiovisivo del MiC – Ministero della Cultura
2.2 La legge n.220 del 2016: genesi, obiettivi, linee strategiche di intervento e risorse
2.3 La legge n.220 del 2016: nazionalità, soggetti e opere beneficiarie
2.4 La legge n. 220 del 2016: i sostegni selettivi alla produzione e i contributi automatici
2.5 La legge n. 220 del 2016: il sistema dei crediti di imposta alla filiera audiovisiva
2.6. Il sostegno alla promozione; festival, premi, rassegne, cineteche, associazioni e sviluppo della cultura cinematografica e audiovisiva. I 5 enti vigilati (ILC, CSC, Cineteca Bologna, Museo di Torino, Biennale Cinema)
2.7 La legge n. 220 del 2016: i piani straordinari per la digitalizzazione del patrimonio e per il potenziamento delle sale
2.8 Il protocollo d’intesa MIUR – MiBACT (ora MiC) e le iniziative per la media education
2.9 Il rapporto Stato – Regioni e il riconoscimento delle Film Commission
2.10. Le tre riforme previste dalla Legge: tutela dei minori nel settore cinematografico e audiovisivo e la classificazione delle opere; promozione delle opere cinematografiche e audiovisive: gli obblighi di programmazione e di investimento a carico dei fornitori di servizi media audiovisivi; riforma del mercato del lavoro in materia cinematografica e audiovisiva.

Bibliografia per frequentanti e non frequentanti:
- Dispense e rassegna stampa da richiedere al docente ai seguenti indirizzi: bruno.zambardino@uniroma3.it; teoliazzurra@yahoo.it

Il corso si ripropone di analizzare gli aspetti fondamentali della distribuzione e della circuitazione del prodotto audiovisivo all’interno del mercato nazionale e internazionale, le dinamiche, le forme, i luoghi.

A parte infatti i canali di distribuzione tradizionali (la sala per i lungometraggi, broadcast televisivo per i prodotti seriali), nel contesto audiovisivo internazionale contemporaneo si offrono oggi a produttori e autori altri strumenti di sfruttamento del prodotto. Se i canali televisivi ormai da più di un ventennio sono diventati determinanti anche per la loro gestione economica, il nuovo e crescente sviluppo di piattaforme OTT di streaming on line permette oggi di ipotizzare nuove forme di sfruttamento che implicano un allargamento esponenziale del numero di spettatori e conseguentemente un ripensamento complessivo delle strategie economiche.
La trasformazione dei canali di accesso al prodotto audiovisivo ha comportato anche una trasformazione del prodotto stesso sia da un punto di vista strutturale sia drammaturgico ed estetico. L’ipotesi infatti di muoversi all’interno di un contesto non più locale, costringe i produttori e gli autori a ragionare secondo dinamiche del tutto nuove e a rintracciare le proprie linee di azione in un immaginario condiviso internazionalmente.
A tutto questo si aggiungono anche tutte le altre forme alternative di diffusione offerte da Festival del cinema, dai circuiti di sale indipendenti, dai circoli di cultura alternativi, che permettono di lavorare in profondità coinvolgendo fasce di pubblico che per ragioni logistiche o culturali, spesso si trovano al di fuori delle dinamiche classiche di distribuzione.

I temi principali trattati all’interno de corso riguarderanno:
• esame del mercato nazionale theatrical e delle dinamiche che lo muovono
• legislazione di finanziamenti per la distribuzione e l’esercizio
• l’esercizio cinematografico
• le OTT (Netflix, Amazon, Disney, ecc)
• organizzazione e strutturazione di un palinsesto televisivo
• l’identità e la funzione dei Festival di cinema
• il circuito alternativo dei circoli di cultura cinematografica
• nozioni di marketing e comunicazione

La bibliografia di riferimento sarà segnalata nel corso delle lezioni

Il laboratorio sarà incentrato sull'elaborazione di prodotti audiovisivi realizzati con lo smartphone.

Nessuno. La natura del laboratorio è essenzialmente pratica.

Proiezione di sette cortometraggi, documentari e di finzione (i lavori presentano un libero passaggio di genere, dal racconto della pandemia, nel momento più duro, quello del lock down, vissuto da giovani cineasti chiusi in casa e il racconto delle loro vite; percorrendo a volte la finzione e mettendo in scena se stessi con sapienza e misura)

Si tratta di lavori maturi e ben realizzati. I giovani hanno lavorato in squadre da tre: produttore, sceneggiatore e regista (sono assoluti esordi).

La prima qualità dei lavori é la capacità di lavorare in squadra, altra virtù indispensabile e per la maggior parte dei sette film si é realizzata, per altri meno a scapito del risultato.

Il senso della squadra sarà uno degli argomenti del corso; al cinema non c'é spazio per chi non sa delegare, é importante affidarsi alla collaborazione di molte persone e amare gli attori scelti.

La scelta di questi sette piccoli film é stata pensata per non prescindere dal momento drammatico che i giovani e tutti sono costretti a vivere.

Le fasi di ideazione e scrittura delle sceneggiature, si tratta di sette storie compiute.

La fase della preparazione: la casa, le stanze più giuste, i mobili e gli oggetti (una mosca che ronza solitaria contro il vetro di una finestra da cui si vede lo scorcio di una città deserta). La decisione dei cineasti, creata dalla necessità, di mettere in scena se stessi, la loro vita, la loro nostalgia, il dolore, la solitudine.

Come si fa un piano di lavorazione, come si stabiliscono le modalità di ripresa, come si decide il tempo delle riprese, quanto si sfora se succede. Per alcuni che durante il lock down abitavano in famiglia, il coinvolgimento del familiari che diventano veri e propri attori con un ruolo preciso.

Le riprese: per i lavori mostrati, le riprese sono state una fase cruciale, durante la quale gli autori si sono scontrati con la difficoltà oggettiva della clausura e del limite del loro campo di racconto ma questo ha determinato lo svilupparsi di molte idee alternativa al programma stabilito. Il cinema é anche l'arte di arrangiarsi, di trovare soluzioni bizzarre e sperimentarle con coraggio.

Il montaggio e la postproduzione: anche il montaggio é stata un'esperienza di alta formazione. Alcuni film erano migliori alla prima fase del montato e peggioravano quando il montaggio si prolungava troppo. Anche qui si deve avere la qualità di lasciar cadere parte del proprio lavoro senza affezionarsi troppo. E' un esercizio di crudeltà molto utile.

Chiederò agli allievi di realizzare un'opera collettiva, possibilmente girata con i loro cellulari e montata con i loro computer. Di scriverla insieme agli altri e di svilupparla in squadra. Vorrei che mettessero in

scena il loro desiderio di fine della pandemia, come la immaginano, cosa sognano, cosa chiedono alla vita, dopo? Comprendo che sembra un'impresa audace ma un sogno si può raccontare in un'immagine.

Si consiglia la lettura dei libri: Il cinema secondo Hitchock di Francois Truffaut (Feltrinelli) e Il cinema secondo Orson Welles di Peter Bogdanovich (Il saggiatore)