Prende le mosse dagli aspetti di metodologia della ricerca storica, intesa sia come insieme di tecniche e strumenti operativi, sia come teoria storiografica per poi concentrarsi sul concetto di Storia globale.
La prima parte del corso (12 ore) orienta gli studenti sui principali elementi di storia della storiografia a partire dalla nascita della disciplina nel corso del XIX secolo. La seconda parte del corso (12 ore) affronta gli aspetti teorici e metodologici dell’uso delle fonti storiche con particolare riferimento alle “nuove fonti” e all’uso dinamico. La terza e ultima parte del corso (12 ore) si concentra sul tema monografico della Storia globale.

G. De Luna, La Passione e la ragione. Il mestiere dello storico contemporaneo, Milano, Bruno Mondadori, 2004 (pp. 259, € 20,00)

Un testo a scelta tra:
- E. Vanhaute, Introduzione alla World History, Bologna, il Mulino, 2015 (pp. 272, € 25,00)
- S. Conrad, Storia globale. Un’introduzione, Roma, Carocci, 2015 (pp. 212, € 19,00)

Si suggerisce la lettura di:
- S. Gruzinski, Abbiamo ancora bisogno della storia? Il senso del passato nel mondo globalizzato, Milano, Raffaello Cortina, 2016 (pp. 166, € 18,00)

Il corso ruota attorno ai seguenti temi:
digitalizzazione dei media audiovisivi, convergenza multimediale, crossmedialità, culture videoludiche, moltiplicazione delle piattaforme distributive, multimedia storytelling, con un focus particolare sull'intrattenimento come metagenere dei media, dei social e dell’esperienza condivisa.

A. Arvidsson, A. Delfanti, Introduzione ai media digitali, seconda edizione
aggiornata, Bologna, Il Mulino, 2016

E. Menduni, Entertainment, Bologna, Il Mulino, 2013

T. BONINI, A. CALIANDRO, G. ANSELMI, La diffusione della musica
pop nel sistema ibrido dei media: tra piattaforme digitali e
broadcaster tradizionali, “Studi Culturali”, XVI, 2, pp. 225-56, 2019

L. BARRA, M. PERROTTA, “Il cinema italiano nell’era della
convergenza. Televisione, streaming, piattaforme digitali”, in
Scaglioni, M. (a cura di), Cinema Made in Italy, Roma, Carocci, 2020

Il corso è dedicato al cinema di Pier Paolo Pasolini. Vengono presi in esame i principali temi e le figure più ricorrenti nella sua filmografia. Vengono affrontati il rapporto tra cinema e letteratura, il metodo di lavoro del regista e i diversi momenti del suo percorso artistico dal primo film (Accattone) all’ultimo (Salò o le 120 giornate di Sodoma). Vengono effettuate approfondite analisi stilistiche delle opere. Infine, una particolare attenzione è rivolta agli scritti teorici di Pasolini sul cinema.

TESTI PER L'ESAME: Pier Paolo Pasolini, Empirismo eretico, Garzanti, Milano 1972 e successive edizioni (solo la sezione dedicata al cinema); Serafino Murri, Pier Paolo Pasolini, Il Castoro, Milano 1994 e successive edizioni; Stefania Parigi, Pier Paolo Pasolini. Accattone, Lindau, Torino 2021.
FILMOGRAFIA: Accattone, 1961; Mamma Roma, 1962; La ricotta, 1963; La rabbia, 1963; Comizi d’amore, 1964; Il Vangelo secondo Matteo, 1964; Uccellacci e uccellini, 1966; La terra vista dalla luna, 1967; Che cosa sono le nuvole?, 1968; Edipo re, 1967; Teorema, 1968; La sequenza del fiore di carta, 1969; Appunti per un'Orestiade africana, 1968-1973; Salò o le 120 giornate di Sodoma, 1975.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

Attraverso la lettura di due grandi Maestri del cinema hollywoodiano, Frank Capra e Francis Ford Coppola, il corso rifletterà sulle loro comuni origini e identità italo-americane.

NOTA BENE: Il corso sarà tenuto in inglese. In inglese saranno anche gli esami

V. Zagarrio, The Un-Happy Ending. Re-viewing the cinema of Frank Capra, New York, Bordighera Press, 2011.

V. Zagarrio, Francis Ford Coppola. Un sogno lungo il cinema, Soveria Mannelli, Rubbettino, 2020. Per gli studenti che non leggono l’italiano: J. Menne, Francis Ford Coppola, Chicago, University of Illinois Press, 2014.

Decostruire e ricostruire le narrazioni: la scultura nella contemporaneità

Il corso si propone di mettere a fuoco il rinnovamento della scultura dalla seconda metà degli Sessanta a oggi, seguendo il passaggio dall’oggetto, come forma compiuta e immutabile, all’ambiente e all’azione, intesa come nuova relazione che si istituisce tra l’intervento plastico e il corpo, la natura, lo spazio pubblico.
Nella prima parte del corso, parallelamente all’analisi delle pratiche artistiche processuali, antiform e poveriste, si focalizzerà l’attenzione su alcuni eventi espositivi paradigmatici tenutisi nella seconda metà degli anni Sessanta; si tratteggeranno gli scambi e i contatti internazionali tra il contesto artistico europeo e americano; si analizzerà il dibattito critico coevo, in modo da delineare i momenti principali di discussione in cui la stessa definizione di scultura è messa in crisi, tra processualità e dematerializzazione.
Nella seconda parte si porterà inoltre l’attenzione alle problematiche concernenti l’installazione e alla relazione che si istituisce tra gesto scultoreo, nuovi media e istanze femministe.

1) R. Krauss, Passaggi. Storia della scultura da Rodin alla Land Art, Postmedia, Milano 2020

2) C. Zambianchi, “Oltre l’oggetto”. Qualche considerazione su arte povera e performance, in “Ricerche di storia dell’arte”, n. 114, 2014, pp. 35-45 [PDF fornito dalla docente]

3) S. Zuliani, Senza cornice. Spazi e tempi dell’installazione, Critical Ground #4, Arshake, Roma 2015, pp. 13-75
http://www.arshake.com/wp-content/uploads/2015/07/Critical-Grounds-04-Stefania-Zuliani-Senza-Cornice.pdf

4) Un lettura a scelta tra:

- F. Stevanin, Fotografia, film e video nella Land Art, CLEUP, Padova 2017
- A. Acocella, Avanguardia diffusa. Luoghi di sperimentazione artistica in Italia 1967-1970, Quodlibet, Macerata 2016
- L. Conte, F. Gallo (a cura di), Artiste italiane e immagini in movimento. Identità, sguardi, sperimentazioni, Mimesis, Milano 2021
- M.R. Sullivan, Sculptural Materiality in the Age of Conceptualism. International Experiments in Italy, Routledge, New York 2017
- C. Baldacci, C. Ricci, Quando è scultura, et al edizioni, Milano 2010

5) Studio monografico su un artista/un’artista trattato/a nel corso da concordare con la docente.

Il corso è suddiviso in due parti.
Nella prima parte vengono illustrate le principali evoluzioni del contesto sociale, politico, culturale, economico e tecnologico, con particolare riguardo alla dimensione urbana e dei territori, collocando lo spettacolo dal vivo nel perimetro delle risorse culturali materiali e immateriali, al fine di fornire, mediante molteplici chiavi di lettura, una conoscenza critica degli scenari e dei campi d’azione e interazione.
Nella seconda parte, partendo dagli approcci di cultural planning e dalla misurazione della legacy (esiti, impatti), vengono investigate le diverse piattaforme progettuali e le opportunità con le quali le imprese teatrali e dello spettacolo dal vivo possono contribuire a progetti di rilancio delle città, rigenerazione di spazi, innovazione sociale, residenze e pratiche collaborative.
Il corso utilizzerà case-studies, anche internazionali, con particolare riguardo alle ECoC (Capitale Europea della Cultura), alle Capitali italiane della Cultura, alle città creative Unesco.

Per gli studenti frequentanti e non frequentanti:

Lucio Argano - "Guida alla progettazione della città culturale", editore FrancoAngeli, Milano, 2021

Nella contemporaneità l’arte influenza il discorso pubblico, divenendo “fabbrica di senso”, laboratorio della società civile, spazio e luogo della memoria pubblica, arena in cui definire socialmente le identità di genere, le appartenenze etniche e di classe sociale.
La prima parte del corso è dedicata allo studio della produzione artistica e delle politiche del consumo culturale. Affronta i seguenti temi: le teorie della morte dell’autore, le teorie della ricezione, l’arte come pratica sociale, le definizioni istituzionali del valore artistico, i casi di “mancato riconoscimento” e le politiche del plagio, le politiche del genio, la canonizzazione e le pratiche di esclusione sociale, le teorie del capitale culturale, la formazione dei canoni artistici nella società dei media, il rapporto tra arte e pubblicità, il ruolo dei social media nella produzione delle reputazioni artistiche e nei "mondi dell'arte" più in generale.
La seconda parte, invece, concerne le istituzioni artistiche e affronta i seguenti temi: arte e sfera pubblica, il monumento nello spazio urbano, l'arte come tecnologia della memoria, il consumo culturale del passato e il ruolo del cinema nella produzione della memoria pubblica dei passati controversi, i modelli sociologici di analisi dei musei e le politiche di allestimento museale, la rappresentazione nei musei delle identità etniche, i musei come tecnologie di genere, i musei on line, l'arte elettronica e l'arte multimediale.

1) Anna Lisa Tota e Antonietta De Feo (2020), Sociologia delle arti. Musei, memoria e performance digitali, Carocci, Roma.
2) Anna Lisa Tota, Lia Luchetti e Trever Hagen (2018) (a cura di) Sociologie della memoria. Verso un’ecologia del passato, Carocci, Roma.

GENIUS LOCI. ARTE E IDENTITÀ ITALIANA

Nel corso del Novecento la cultura italiana è andata alla ricerca di un baricentro identitario da contrapporre a una modernità avvertita in forma schizofrenica come forza disgregatrice e come componente indispensabile alla sua autodefinizione. Il richiamo a un’eredità impareggiata quanto malferma e l’apertura a una contraddittoria attualità hanno trovato un punto di equilibrio nella nozione di genius loci. Il corso traccia la sua genealogia attraverso alcuni momenti della vicenda italiana, dalla fondazione postunitaria di una storia dell’arte nazionale al fascismo e fino al presente, puntando a fornire una sua nuova lettura critica. Una genealogia non lineare di memorie e immaginazioni che continuano ad avere come posta in gioco la definizione culturale quanto inevitabilmente politica dell’Italia contemporanea.

Stefano Chiodi, Genius Loci. Anatomia di un mito italiano, Quodlibet, Macerata 2021

Nella contemporaneità l’arte influenza il discorso pubblico, divenendo “fabbrica di senso”, laboratorio della società civile, spazio e luogo della memoria pubblica, arena in cui definire socialmente le identità di genere, le appartenenze etniche e di classe sociale.
La prima parte del corso è dedicata allo studio della produzione artistica e delle politiche del consumo culturale. Affronta i seguenti temi: le teorie della morte dell’autore, le teorie della ricezione, l’arte come pratica sociale, le definizioni istituzionali del valore artistico, i casi di “mancato riconoscimento” e le politiche del plagio, le politiche del genio, la canonizzazione e le pratiche di esclusione sociale, le teorie del capitale culturale, la formazione dei canoni artistici nella società dei media, il rapporto tra arte e pubblicità, il ruolo dei social media nella produzione delle reputazioni artistiche e nei "mondi dell'arte" più in generale.
La seconda parte, invece, concerne le istituzioni artistiche e affronta i seguenti temi: arte e sfera pubblica, il monumento nello spazio urbano, l'arte come tecnologia della memoria, il consumo culturale del passato e il ruolo del cinema nella produzione della memoria pubblica dei passati controversi, i modelli sociologici di analisi dei musei e le politiche di allestimento museale, la rappresentazione nei musei delle identità etniche, i musei come tecnologie di genere, i musei on line, l'arte elettronica e l'arte multimediale.

1) Anna Lisa Tota e Antonietta De Feo (2020), Sociologia delle arti. Musei, memoria e performance digitali, Carocci, Roma.
2) Anna Lisa Tota, Lia Luchetti e Trever Hagen (2018) (a cura di) Sociologie della memoria. Verso un’ecologia del passato, Carocci, Roma.

Il corso è dedicato al cinema di Pier Paolo Pasolini. Vengono presi in esame i principali temi e le figure più ricorrenti nella sua filmografia. Vengono affrontati il rapporto tra cinema e letteratura, il metodo di lavoro del regista e i diversi momenti del suo percorso artistico dal primo film (Accattone) all’ultimo (Salò o le 120 giornate di Sodoma). Vengono effettuate approfondite analisi stilistiche delle opere. Infine, una particolare attenzione è rivolta agli scritti teorici di Pasolini sul cinema.

TESTI PER L'ESAME: Pier Paolo Pasolini, Empirismo eretico, Garzanti, Milano 1972 e successive edizioni (solo la sezione dedicata al cinema); Serafino Murri, Pier Paolo Pasolini, Il Castoro, Milano 1994 e successive edizioni; Stefania Parigi, Pier Paolo Pasolini. Accattone, Lindau, Torino 2021.
FILMOGRAFIA: Accattone, 1961; Mamma Roma, 1962; La ricotta, 1963; La rabbia, 1963; Comizi d’amore, 1964; Il Vangelo secondo Matteo, 1964; Uccellacci e uccellini, 1966; La terra vista dalla luna, 1967; Che cosa sono le nuvole?, 1968; Edipo re, 1967; Teorema, 1968; La sequenza del fiore di carta, 1969; Appunti per un'Orestiade africana, 1968-1973; Salò o le 120 giornate di Sodoma, 1975.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

Il corso ruota attorno ai seguenti temi:
digitalizzazione dei media audiovisivi, convergenza multimediale, crossmedialità, culture videoludiche, moltiplicazione delle piattaforme distributive, multimedia storytelling, con un focus particolare sull'intrattenimento come metagenere dei media, dei social e dell’esperienza condivisa.

A. Arvidsson, A. Delfanti, Introduzione ai media digitali, seconda edizione
aggiornata, Bologna, Il Mulino, 2016

E. Menduni, Entertainment, Bologna, Il Mulino, 2013

T. BONINI, A. CALIANDRO, G. ANSELMI, La diffusione della musica
pop nel sistema ibrido dei media: tra piattaforme digitali e
broadcaster tradizionali, “Studi Culturali”, XVI, 2, pp. 225-56, 2019

L. BARRA, M. PERROTTA, “Il cinema italiano nell’era della
convergenza. Televisione, streaming, piattaforme digitali”, in
Scaglioni, M. (a cura di), Cinema Made in Italy, Roma, Carocci, 2020

Attraverso la lettura di due grandi Maestri del cinema hollywoodiano, Frank Capra e Francis Ford Coppola, il corso rifletterà sulle loro comuni origini e identità italo-americane.

NOTA BENE: Il corso sarà tenuto in inglese. In inglese saranno anche gli esami

V. Zagarrio, The Un-Happy Ending. Re-viewing the cinema of Frank Capra, New York, Bordighera Press, 2011.

V. Zagarrio, Francis Ford Coppola. Un sogno lungo il cinema, Soveria Mannelli, Rubbettino, 2020. Per gli studenti che non leggono l’italiano: J. Menne, Francis Ford Coppola, Chicago, University of Illinois Press, 2014.

Il corso è suddiviso in due parti.
Nella prima parte vengono illustrate le principali evoluzioni del contesto sociale, politico, culturale, economico e tecnologico, con particolare riguardo alla dimensione urbana e dei territori, collocando lo spettacolo dal vivo nel perimetro delle risorse culturali materiali e immateriali, al fine di fornire, mediante molteplici chiavi di lettura, una conoscenza critica degli scenari e dei campi d’azione e interazione.
Nella seconda parte, partendo dagli approcci di cultural planning e dalla misurazione della legacy (esiti, impatti), vengono investigate le diverse piattaforme progettuali e le opportunità con le quali le imprese teatrali e dello spettacolo dal vivo possono contribuire a progetti di rilancio delle città, rigenerazione di spazi, innovazione sociale, residenze e pratiche collaborative.
Il corso utilizzerà case-studies, anche internazionali, con particolare riguardo alle ECoC (Capitale Europea della Cultura), alle Capitali italiane della Cultura, alle città creative Unesco.

Per gli studenti frequentanti e non frequentanti:

Lucio Argano - "Guida alla progettazione della città culturale", editore FrancoAngeli, Milano, 2021

Prende le mosse dagli aspetti di metodologia della ricerca storica, intesa sia come insieme di tecniche e strumenti operativi, sia come teoria storiografica per poi concentrarsi sul concetto di Storia globale.
La prima parte del corso (12 ore) orienta gli studenti sui principali elementi di storia della storiografia a partire dalla nascita della disciplina nel corso del XIX secolo. La seconda parte del corso (12 ore) affronta gli aspetti teorici e metodologici dell’uso delle fonti storiche con particolare riferimento alle “nuove fonti” e all’uso dinamico. La terza e ultima parte del corso (12 ore) si concentra sul tema monografico della Storia globale.

G. De Luna, La Passione e la ragione. Il mestiere dello storico contemporaneo, Milano, Bruno Mondadori, 2004 (pp. 259, € 20,00)

Un testo a scelta tra:
- E. Vanhaute, Introduzione alla World History, Bologna, il Mulino, 2015 (pp. 272, € 25,00)
- S. Conrad, Storia globale. Un’introduzione, Roma, Carocci, 2015 (pp. 212, € 19,00)

Si suggerisce la lettura di:
- S. Gruzinski, Abbiamo ancora bisogno della storia? Il senso del passato nel mondo globalizzato, Milano, Raffaello Cortina, 2016 (pp. 166, € 18,00)

Tema di quest'anno: Cultura, habitat, ambiente

1. Manuale o parte generale:
Jared Diamond, Il mondo fino a ieri, Einaudi.
Dov'è e dove va l'antropologia oggi, a cura di Antonio Palmisano, Milano, Franco Angeli.

2. Approfondimenti o parte monografica:
Stefano de Matteis, Il dilemma dell'0aragosta. La forza della vulnerabilità, Milano, Meltemi.

L’intreccio tra individuale e collettivo. L’azione degli individui e la loro importanza simbolica. L’interpretazione processuale per leggere la complessità di oggi. I limiti della globalizzazione.

Etnografie. Il racconto degli altri. Metodi e tecniche. I film e i documentari antropologici.

Symbolic Anthropology. A reader in the Study if Symbols and Meaning, edited by Jeanet L. Dolgin, David S. Kemnitzir and David M. Schneider
NY, Columbia University Press, 1977.

Il modulo analizza la messa in scena, lo stile, le dinamiche autoriali di due maestri del cinema americano, Stanley Kubrick e Francis Ford Coppola, indagati dal punto di vista della regia, dei modelli produttivi, delle possibili letture teoriche del loro cinema.

V. Zagarrio, Francis Ford Coppola. Un sogno lungo il cinema, Soveria Mannelli, Rubbettino, 2020.

V. Zagarrio (cura di), Per Kubrick. Storia romanzo sguardi, Roma, Dino Audino, 2020.

V. Zagarrio, A occhi chiusi e spalancati. La regia in Stanley Kubrick, Roma, Dino Audino, 2021.

Tema di quest'anno: Cultura, habitat, ambiente

1. Manuale o parte generale:
Jared Diamond, Il mondo fino a ieri, Einaudi.
Dov'è e dove va l'antropologia oggi, a cura di Antonio Palmisano, Milano, Franco Angeli.

2. Approfondimenti o parte monografica:
Stefano de Matteis, Il dilemma dell'0aragosta. La forza della vulnerabilità, Milano, Meltemi.

Il corso mira a problematizzare l’insegnamento del cinema e delle discipline audiovisive nel più ampio contesto della media education, sia dal punto di vista teorico-metodologico che dal punto di vista pragmatico.
A partire dalla ridefinizione delle strategie didattiche conseguente all’uso sempre più frequente delle tecnologie digitali in ambito educativo, la prima parte del corso si concentrerà sulla presenza e la funzione dei media nella prassi pedagogica, tanto come oggetto di studio (educazione ai media e al linguaggio cinematografico) quanto come supporto alla didattica in numerose discipline differenti (educazione attraverso i media), con particolare attenzione ai media audiovisivi.
Nella seconda parte del corso la media education sarà posta in dialogo con le più recenti teorie elaborate nell’ambito degli studi di cultura visuale, per valutare l’efficacia di alcune strategie didattiche nell’ambito dell’educazione all’immagine.

- Pier Cesare Rivoltella, Media Education. Idea, metodo, ricerca, ELS La Scuola, Brescia 2017
- Dispense a cura del docente

Il corso si concentra sulle forme della Media Literacy nella cultura digitale contemporanea. La prima parte è di ordine teorico e si confronta con le trasformazioni delle forme pedagogiche e di apprendimento scolastico interpretate in sinergia con le nuove forme di spettatorialità basate sulle logiche delle culture partecipative. La seconda parte è invece incentrata sulle forme del crito-film e del video-saggio. Lette in continuità con le analisi teoriche sul motivo della cornice, del paratesto e dello schermo, tali pratiche critico-espressive reinterpretano motivi e stili peculiari della storia del cinema e dell’arte promuovendo un’inedita elaborazione educativa e creativa di confronto con le immagini contemporanee.

Henry Jenkins, Culture partecipative e competenze digitali. Media education per il XXI secolo, Guerini, Milano 2010.
Pier Cesare Rivoltella, Pier Giuseppe Rossi (a cura), Tecnologie per l’educazione, Pearson Italia, Milano-Torino 2019 (premessa, introduzione, capitoli: 2, 7, 8, 9, 11, 13, 17).
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria di Via G. Rocco, n. 11.

Film e videografia:
I bambini al cinema (1957) Francesco Maselli; Zorns Lemma (1970) Hollis Frampton; Live-taped Video Corridor (1970) Bruce Nauman; Present Continuous Past (1974) Dan Graham; Mein Fenster (La mia finestra, 1979) Zbigniew Rybczynski; Media (1980) Zbigniew Rybczynski; Tele-racconto (1991) Giacomo Verde; Evidence (1995) Godfrey Reggio; Blinkenlights (2001) Chaos Computer Club; Star Guitar (music video The Chemical Brothers, 2002) Michel Gondry; Arcade (2002) Chaos Computer Club; La pozzanghera (2006) Studio Azzurro; Be Kind Rewind (2007) Michel Gondry; Stereoscope (2008) Chaos Computer Club; Rembrandt’s J’accuse (2008) Peter Greenaway; Shirley: Visions of Reality (2013) Gustav Deutsch;
antologia di found footage film: Trade Tattoo (1937) Len Lye, Rainbow Dance (1936) Len Lye, Rose Hobart (1939) Joseph Cornell, Le film est déjà commencé? (1951) Maurice Lemaitre, A movie (1958) Bruce Conner, Very Nice, Very Nice (1961) Arthur Lipsett, La rabbia (1963) Pier Paolo Pasolini, La verifica incerta (1965) Gianfranco Baruchello, Alberto Grifi, Movie Drome (1965-1968) Stan Vanderbeek, The Cut-Ups (1966) William S. Burroughs, Antony Balch, Exploding Plastic Inevitable (1966) Andy Warhol, Le stelle di Mario Schifano (1967), L’inizio (Načalo, 1967) Artavazd Pelešian, Tom Tom the Piper’s Son (1969-1971) Ken Jacobs, La société du spectacle (1973) Guy Debord, Technology Transformation: Wonder Woman (1978) Dara Birnbaum, Mongoloid (music video Devo, 1978) Bruce Conner, Koyaanisqatsi (1983) Godfrey Reggio, A TV Dante. The Inferno (1985-1989) Peter Greeneway e Tom Phillips, Dal polo all’equatore (1986) Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi, Art of Memory (1987) Woody Vasulka, Steps (1987) Zbigniew Rybczynski, Histoire(s) du cinéma. 1a Toutes les histoires (1988) Jean Luc Godard, Dab (1988-2016) John Oswald, Alchemie (1992) Jürgen Reble, Filmarilyn (1992) Paolo Gioli, Passage à l’acte (1993) Martin Arnold, 24 Hour Psycho (1993) Douglas Gordon, Telephones (1995) Christian Marclay, The Georgetown Loop (1996) Ken Jacobs, Yours (1997) Jeff Scher, Film Ist 1. Movement and time (1998) Gustav Deutsch, L’arrivée (1998) Peter Tscherkassky, Outer Space (1999) Peter Tscherkassky, Essere morti o essere vivi è la stessa cosa (2000) Gianluigi Toccafondo, The Pentagon Tv Commercials (2003) Cane CapoVolto, Fast Film (2003) Virgil Widrich, Celestial Subway Lines/ Salvaging Noise (2004) Ken Jacobs, Sync(Watch) (2005) Marco Brambilla, 24 seconds Psycho (2005) Chris Bors, Installazione Film Ist (1-12) (2006) Gustav Deutsch, Crumax Rins (2006, visual Plaid) Bob Jaroc, Blob. THI$ I$ NOTH&ND (2008), Domine Jesus (2008) Leonardo Carrano, Alessandro Pierattini, Pasolini Requiem (2009) Mario Verger, The Clock (2010) Christian Marclay, Delia Derbyshire, Loop Composer (2011) AK_Alias, Blue Matter, Change Your Mind (2011) AK_Alias, Distorted Times (2012) Gideon van der Stelt, Creation (2012) Marco Brambilla, Cinema rianimato n. 3 (2012) Daniele Puppi, Cirrus (music video Bonobo, 2013) Cyriak, The Emoshjining (2014) Donato Sansone, Sigla Mostra Internazionale del Cinema di Pesaro (2016) Virgilio Villoresi, Purge The Odd Couple (2017) Pogo, RedruM (2018) Pogo;
antologia di crito-film: Stile di Piero della Francesca (1954) Carlo Ludovico Ragghianti, Carpaccio (1947) Roberto Longhi e Umberto Barbaro, Il dramma di Cristo (1948) Luciano Emmer ed Enrico Gras, Pittori di provincia (1953) Lucio Fulci, Cinéastes de notre temps (1964-1972) e Cinéma, de notre temps (1989-2018);
antologia di video-essay: Le combat avec l’ange (2004) Alain Bergala, The Doors of Perspection (2011) People Like Us (Vicki Bennett), Double Lives, Second Chances (2011) Cristina Álvarez López, Kubrick // One Point Perspective (2012) kogonada, Tarantino // From Below (2012) kogonada, Wes Anderson // From Above (2012) kogonada, The Career of Paul Thomas Anderson in Five Shots (2012) Kevin B. Lee, Rear Window Timelapse (2012) Jeff Desom, Zero De Doom (2012) Matthew Cheney, The Essay Film: Some Thoughts of Discontent (2013) Kevin B. Lee, Screen and Surface, Soft and Hard: the Cinema of Leos Carax (2013)Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, [De Palma’s] Vision (2014) Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, Wes Anderson // Centered (2014) kogonada, Peter Greenaway // Centered (2014) LaurentG, Evolution of the Dolly Zoom (2014) Vashi Nedomansky, Eyes of Hitchcock (2014) kogonada, Alphaville - A Crystal Maze (2014) Henrike Lindenberger, Cross-cut (2014) Drew Morton, Last Year At The Overlook (2015) Drew Morton, The Dutch Angle (2015) Jacob T. Swinney, First and Final Frames (2015) Jacob T.Swinney, The Definition of Film (2015) Richard Misek, Auteur in Space (2015) kogonada, Volumetric Cinema (2015) Kevin L. Ferguson, Manderley Motel (2015) Corey Creekmur, Blue Shining (2015) Richard Vezina, Joel & Ethan Coen - Shot | Reverse Shot (2016) Tony Zhou, Taylor Ramos, Amélie - Symmetry & Camera Movement (2016) Lessa Räbiger, Godard in Fragments (2016) kogonada, The Spielberg Touchscreen (2016) Ken Provencher, Graphic Spaces: Film Transitions in Steven Spielberg’s Filmmaking (2018) Andrea Minuz.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

Il modulo analizza la messa in scena, lo stile, le dinamiche autoriali di due maestri del cinema americano, Stanley Kubrick e Francis Ford Coppola, indagati dal punto di vista della regia, dei modelli produttivi, delle possibili letture teoriche del loro cinema.

V. Zagarrio, Francis Ford Coppola. Un sogno lungo il cinema, Soveria Mannelli, Rubbettino, 2020.

V. Zagarrio (cura di), Per Kubrick. Storia romanzo sguardi, Roma, Dino Audino, 2020.

V. Zagarrio, A occhi chiusi e spalancati. La regia in Stanley Kubrick, Roma, Dino Audino, 2021.

Sin dai suoi albori, il cinema si è ispirato a contenuti e avvenimenti di carattere storico per le proprie produzioni. Il pubblico ha sempre manifestato spiccata curiosità e interesse per le vicende storiche narrate sullo schermo. Il corso si propone di mostrare come il cinema possa essere fonte per la conoscenza storica, strumento per raccontare il passato e agente di storia. Esso è fonte per la conoscenza storica del presente in cui il film è stato girato ed elaborato: ci fornisce, infatti, informazioni sulle idee e sui valori della società produttrice.
Quando invece si parla del cinema come strumento per raccontare il passato, ci si riferisce all’uso pubblico della storia, campo nel quale gli storici si trovano a competere con altre figure professionali. Il cinema, infine, può essere considerato agente di storia nel momento in cui si studia la sua capacità di influenzare e strutturare comportamenti, mode, passioni, identità.

Comprendere i diversi linguaggi e le diverse rappresentazioni può essere uno strumento indispensabile per gli storici che lavorano in ambito della storia culturale e sociale interessati alla
trasmissione di valori, idee e rappresentazioni del passato storico delle diverse epoche.
Il corso si concentra sulla rappresentazione cinematografica e televisiva “Tempi di crisi. Guerra, violenza e società”. A tal fine saranno oggetto di analisi i seguenti film e prodotti per la televisione che gli studenti dovranno vedere ed analizzare 10 tra i seguenti film.
La didattica sarà di carattere seminariale, gli studenti lavoreranno in team approfondendo tematiche, letture e spunti legati ai film indicati e a bibliografia concordata con il docente.


Età antica
• R. Scott, Il gladiatore (2000)
• W. Petersen, Troy (2004)
• M. Rovere, Il primo re (2019)

Medioevo
• M. Gibson, Braveheart (1995)
• R. Scott, Le Crociate (2005)
• L. Bresson, Giovanna d’arco (1962)
• M. Bellocchio, Enrico IV (1984)

Età moderna
• W. Herzog, Aguirre furore di Dio (1972)
• S. Kubrick, Barry Lindon (1975)
• R. Joffé, Mission (1986)
• R. Emmerich, Il Patriota (2000)
• P. Weir, Master & Commander - Sfida ai confini del mare (2004)
• S. McQueen, 12 anni schiavo (2013)
• M. Scorsese, Silence (2016)

Età contemporanea
• L. Comencini, Tutti a casa (1960)
• N. Loy, Le Quattro giornate di Napoli (1962)
• F. Ford Coppola, Apocalypse now (1979)
• C. Nolan, Dunkirk (2017)
• J. Wright, L’ora più buia (2018)
• S. Mendes, 1917 (2019)

Testi d’esame:

A) Entrambi:

• Cortini L. (a cura di), Le fonti audiovisive per la storia e la didattica, Effigi, Arcidosso, 2014, pp. 39-60; 97-118
• A. Scurati, Guerra. Narrazioni e culture nella tradizione occidentale, Donzelli, Roma 2003.

B) Un volume a scelta tra:

• Iaccio P., Cinema e storia. Percorsi, immagini, testimonianze, Liguori, Napoli 2000
• Miro Gori G. (a cura di), La storia al cinema. Ricostruzione del passato e interpretazione del presente, Bulzoni, Roma, 1994
• Ortoleva P., Cinema e storia. Scene dal passato, Loescher, Torino, 1991
• Sorlin P., I figli di Nadar, Einaudi, Torino, 2000
• Munslow A., Narrative and History, Palgrave Macmillan, Houndmills, 2007


Per una contestualizzazione storica si consiglia la lettura di uno dei seguenti testi (reperibili presso le biblioteche pubbliche), a cui si possono aggiungere altri testi a scelta dello studente:

• Cicognetti L., Servetti L. (a cura di), Sorlin P. (a cura di), La guerra in televisione. I conflitti moderni tra cronaca e storia, Bologna-Venezia, Istituto storico Parri per l’Emilia Romagna-Marsilio 2003.
• Feci S., Schettini L. (a cura di), La violenza contro le donne nella storia: contesti, linguaggi, politiche del diritto (secoli 15.-21.), Roma, Viella, 2017
• Gozzini G., P. Masciullo (a cura di), La guerra delle immagini nel 21. secolo: cinema, televisione e web, Soveria Mannelli : Rubettino, 2020 (Fa parte di: Cinema e storia : rivista di studi interdisciplinari)
• Gruzinski S., La guerra delle immagini. Da Cristoforo Colombo a Blade Runner, SugarCo, 1991
• Lavenia V., Il catechismo dei soldati: guerra e cura d'anime in età moderna, Bologna, EDB, 2014
• Livi Bacci M., Conquista. La distruzione degli indios americani, Bologna, Società editrice il Mulino, 2005
• Pach C., "The War on Television: TV News, the Johnson Administration, and Vietnam," in A Companion to the Vietnam War, Blackwell Publishers, 2002
• Pellizzari P. (a cura di), Le armi e i cavalieri: la guerra e i suoi simboli dal Medioevo all'età moderna: atti della Giornata di studi, Torino, 12 febbraio 2018, Alessandria, Edizioni dell'Orso, 2018
• Todorov T., La conquista dell'America: il problema dell'altro, Torino, Einaudi, 2014
• Vaccaro L. (a cura di), L' Europa e l'evangelizzazione delle Indie Orientali, Milano, Centro ambrosiano, 2005.


Gli studenti non frequentanti dovranno concordare il programma con il docente, inviando una mail a: didattica.merluzzi@gmail.com

Analisi delle diverse correnti della critica teatrale dai primi anni del Novecento a oggi. Metodologie di analisi del teatro tradizionale e delle nuove forme della scena. Scrittura di testi, recensioni, presentazioni.

Andrea Porcheddu - Roberta Ferraresi "Questo fantasma. Il critico a teatro" Titivillus, 2010
Massimo Marino " Lo sguardo che racconta" Carocci, 2004
Silvio d'Amico "La vita del teatro" Bulzoni, 1994
Roberto De Monticelli "L'educazione teatrale" Garzanti, 1986
Angelo Maria Ripellino "Siate buffi: cronache di teatro, circo e altre arti : l'Espresso, 1967-77" Bulzoni 1989

IL CORSO ILLUSTRA L’EVOLUZIONE STORICA DEI RAPPORTI TRA MUSICA, LETTERATURA E POESIA. OBIETTIVO DEL MODULO È ANALIZZARE I CARATTERI LINGUISTICI DELL'ESPRESSIONE MUSICALE, RIFLETTENDO SULLA (PRESUNTA?) PERDUTA UNITÀ ORIGINARIA TRA POESIA E MUSICA

Testi di riferimento in via di definizione.

1. Inquadramento della materia:
l’approccio didattico
che cos’è la storia della musica
oggetti di studio
metodologia della ricerca storico-musicale
2. Metodologie didattiche:
studio delle opere: didattica dell’ascolto
studio della vita musicale
la storia della musica e le altre discipline
la manualistica: principi organizzativi e metodologici dei principali manuali
3. Percorsi didattici esemplificativi:
in questa parte del corso si affronteranno alcuni percorsi didattici differenti per epoca e impostazione metodologica, al fine di fornire agli studenti esempi operativi dettagliati

Riflessione metodologica:
1. CRISTINA CANO, Didattica della Storia della Musica, «Musica/Realtà», XV, n. 45, dicembre 1994, pp. 89-115
2. CARL DAHLHAUS, Che significa e a quale fine si studia la storia della musica?, «Il Saggiatore musicale», XII, 2005, pp. 219-230
3. HANS HEINRICH EGGEBRECHT, La scienza come insegnamento, «Il Saggiatore Musicale», 2005, pp. 231-237
4. ANDREA CHEGAI, PAOLO RUSSO, La didattica della storia della musica, «Il Saggiatore musicale», XV, 2, 2008, pp. 269-279
5. ANTONIO SERRAVEZZA, L’educazione estetica alla musica, in Educazione musicale e Formazione, a cura di G. La Face Bianconi e F. Frabboni, Milano, FrancoAngeli, 2008, pp. 121-139
6. IVO MATTOZZI, Una didattica della storia per l’insegnamento della storia della musica, in Educazione musicale e Formazione, a cura di Giuseppina La Face Bianconi e Franco Frabboni, Milano, FrancoAngeli, 2008, pp. 346-378
7. FABRIZIO DELLA SETA, Musica nella storia e musica come storia, in Educazione musicale e Formazione, a cura di Giuseppina La Face Bianconi e Franco Frabboni, Milano, FrancoAngeli, 2008, pp. 379-386
8. LORENZO BIANCONI, La musica al plurale, in A. Nuzzaci – G. Pagannone, Musica Ricerca e Didattica. Profili culturali e competenza musicale, Lecce, Pensa Multimedia, 2008, pp. 23-32
9. PAOLO SOMIGLI, Didattica della musica. Un’introduzione, Roma, Aracne, 2013
Didattica dell’ascolto. Metodologia e proposte operative:
10. GIUSEPPINA LA FACE BIANCONI, “La trota” fra canto e suoni. Un percorso didattico, «Saggiatore musicale», XII, n. 1, 2005, pp. 77-123
11. GIUSEPPINA LA FACE BIANCONI, Le Pedate di Pierrot. Comprensione musicale e didattica dell’ascolto, in Musikerziehung. Erfahrungen und Reflexionen, a cura di Franz Comploi, Bressanone/Brixen, Weger, 2005, pp. 40-60
12. GIUSEPPINA LA FACE BIANCONI, La linea e la rete. La costruzione della conoscenza in un Quartetto di Haydn, in «Finché non splende in ciel notturna face». Studi in memoria di Francesco Degrada, a cura di Cesare Fertonani, Emilio Sala e Claudio Toscani, Milano, LED, 2009, pp. 225-250
13. GIUSEPPINA LA FACE BIANCONI, Testo e musica: leggere, ascoltare, guardare, «Musica Docta. Rivista digitale di Pedagogia e Didattica della Musica», II, 2012, pp. 31-54
14. CARLA CUOMO - MARIA ROSA DE LUCA, La trasposizione del sapere musicale nella formazione intellettuale, «Musica Docta. Rivista digitale di Pedagogia e Didattica della Musica», III, 2013, pp. 17-38
Ulteriori testi e dispense saranno resi disponibili, insieme al relativo elenco, sulla piattaforma Moodle

Analizzando prevalentemente le culture teatrali del primo Novecento, il corso introduce lo studente al rapporto critico con testi, archivi, documenti riguardanti visioni e prospettive sui fattori basilari sulla composizione della performance: movimento, spazio, espressione, ritmo.
Le lezioni affrontano testi ed esperienze del movimento espressivo, dei suoi valori formali e simbolici, nella riflessione e nella pratica sull'azione fisica, tra teatro, danza, ginnastica, fotografia, arti visive e antropologia. Lo studente è introdotto nella parte finale all'uso diretto del testo e del documento come strumento di conoscenza delle tradizioni delle professioni dello spettacolo.

S. Ejzenstejn, Sulla biomeccanica, Armando.
S. Ejzenstejn, Il movimento espressivo. Scritti sul teatro, Marsilio (esaurito, file con i saggi richiesti per l'esame fornito a richiesta dal docente).
A. Warburg, Il rituale del serpente, Adelphi.
M- Mauss, Le tecniche del corpo, a c. di M. Fusaschi, ETS.
P. Apolito, R. Guarino e altri, Ritmo, Grenelle.

Il corso si articolerà in tre fasi:

- Inizialmente si analizzeranno i principi di composizione scenica attraverso le nuove prospettive aperte dalle scienze cognitive e dalle teorie sulla cognizione incarnata.
- In un secondo momento si affronteranno le opere e le teorie sulla composizione scenica di Edward Gordon Craig.
- Infine si studieranno le metodologie di composizione scenica dell’Odin Teatret e gli scritti teorici di Eugenio Barba.

- Gabriele Sofia, “Le acrobazie dello spettatore. Dal teatro alle neuroscienze e ritorno”, Roma, Bulzoni, 2013.

- Edward Gordon Craig, “L’arte del teatro. Il mio teatro” a cura di Ferruccio Marotti, Cue Press, 2016.

- Dispense contenenti una selezione di scritti di Eugenio Barba, da richiedere mandando una mail a gabriele.sofia@uniroma3.it


PER I NON FREQUENTANTI:

- Eugenio Barba, “La Canoa di Carta. Trattato di Antropologia teatrale”, Bologna, Il Mulino, 1993.

La danza contemporanea nell’esperienza di alcune autrici che hanno reinventato il linguaggio del corpo, del movimento e della scena. Fondatrici di tradizioni e ideatrici di nuove traiettorie di ricerca, le loro esperienze coreografiche e i loro scritti costituiscono un patrimonio al confine tra la teoria e la pratica. Malgrado le grandi differenze tecniche e di poetica, la radicalità della loro sperimentazione le accomuna e le pone nel cuore dell’indagine sulla natura stessa del movimento e dell’atto scenico.

- Il corpo insorto nella pratica performativa di Habillé d’eau , a cura di Ada D’Adamo, Editoria & Spettacolo, Spoleto 2012
- Paola Bianchi, Corpo politico. Distopia del gesto utopia del movimento, a cura di Silvia Bottiroli e Silvia Parlagreco, Editoria & Spettacolo, Spoleto 2014
- Samantha Marenzi, Alessandra Cristiani. Il corpo come radice e l’invenzione di una tradizione, Editoria & Spettacolo, Spoleto 2021 [titolo provvisorio, volume in corso di pubblicazione]
- I corpi del Butō. Fotografie di danza tra Oriente e Occidente, a cura di Samantha Marenzi, Postcart, Roma 2018 (catalogo mostra).

Eventuali dispense e materiali a cura della docente disponibili sul sito http://www.teorieepratichedelladanza.it/ o sul canale Teams del corso

PER I NON FREQUENTANTI: I non frequentanti dovranno aggiungere al programma delle dispense aggiuntive disponibili sul sito del corso http://www.teorieepratichedelladanza.it/ o sul canale Teams del corso

Il corso ruota attorno ai seguenti temi:
digitalizzazione dei media audiovisivi, convergenza multimediale, crossmedialità, culture videoludiche, moltiplicazione delle piattaforme distributive, multimedia storytelling, con un focus particolare sull'intrattenimento come metagenere dei media, dei social e dell’esperienza condivisa.

A. Arvidsson, A. Delfanti, Introduzione ai media digitali, seconda edizione
aggiornata, Bologna, Il Mulino, 2016

E. Menduni, Entertainment, Bologna, Il Mulino, 2013

T. BONINI, A. CALIANDRO, G. ANSELMI, La diffusione della musica
pop nel sistema ibrido dei media: tra piattaforme digitali e
broadcaster tradizionali, “Studi Culturali”, XVI, 2, pp. 225-56, 2019

L. BARRA, M. PERROTTA, “Il cinema italiano nell’era della
convergenza. Televisione, streaming, piattaforme digitali”, in
Scaglioni, M. (a cura di), Cinema Made in Italy, Roma, Carocci, 2020

Attraverso la lettura di due grandi Maestri del cinema hollywoodiano, Frank Capra e Francis Ford Coppola, il corso rifletterà sulle loro comuni origini e identità italo-americane.

NOTA BENE: Il corso sarà tenuto in inglese. In inglese saranno anche gli esami

V. Zagarrio, The Un-Happy Ending. Re-viewing the cinema of Frank Capra, New York, Bordighera Press, 2011.

V. Zagarrio, Francis Ford Coppola. Un sogno lungo il cinema, Soveria Mannelli, Rubbettino, 2020. Per gli studenti che non leggono l’italiano: J. Menne, Francis Ford Coppola, Chicago, University of Illinois Press, 2014.

Ri-Animazione: l’animazione contemporanea come nuova logica dominante delle immagini in movimento.

Tra la fine del XX e l’inizio del XXI secolo l’animazione si è andata configurando come l’orizzonte audiovisivo ideale per mettere in atto alcune delle sfide più stimolanti dal punto di vista tecnologico, estetico, narrativo, politico e culturale. E' in particolare attraverso la tecnologia digitale che l’animazione, per lungo tempo campo ancillare rispetto al "cinema-cinema", ha potuto riprendersi la scena riaffermando la sua identità non già di genere specifico, separato e secondario, quanto di insieme di forme espressive e di tecniche attraverso le quali è possibile configurare qualsiasi tipo di narrazione, praticare qualunque genere e colonizzare qualsivoglia medium e formato. Partendo da tali premesse, il corso propone una serie di riflessioni che prendono in esame le dinamiche e i meccanismi sottostanti alla realizzazione di alcuni dei principali successi dell’animazione mainstream per il cinema e la televisione. Ponendo particolare attenzione alla congiunzione tra le teorie e le pratiche, verranno indagati gli stili dei nuovi prodotti d’animazione guardando in primo luogo alla dialettica tra innovazione e tradizione, ma anche tra forme estetiche e narrative provenienti da paradigmi culturali differenti. Senza dimenticare il modo in cui i software per l'animazione vengono impiegati anche nel cinema in live action, si evidenzierà come il concetto di ri-animazione che dà il titolo al corso debba essere inteso anche nella direzione di una rivitalizzazione e problematizzazione, operate dall’animazione stessa, di questioni di natura storica, politica e culturale che coinvolgono le nuove immagini in movimento.

C. Uva, P. Wells (a cura di), Re-Animation.L’animazione contemporanea tra cinema, televisione, videoarte e nuovi media, «Imago. Studi di cinema e media», n. 16, 2017.

C. Uva, Il sistema Pixar, Il Mulino, Bologna 2017.

Dispense a cura del docente.

Analizzando prevalentemente le culture teatrali del primo Novecento, il corso introduce lo studente al rapporto critico con testi, archivi, documenti riguardanti visioni e prospettive sui fattori basilari sulla composizione della performance: movimento, spazio, espressione, ritmo.
Le lezioni affrontano testi ed esperienze del movimento espressivo, dei suoi valori formali e simbolici, nella riflessione e nella pratica sull'azione fisica, tra teatro, danza, ginnastica, fotografia, arti visive e antropologia. Lo studente è introdotto nella parte finale all'uso diretto del testo e del documento come strumento di conoscenza delle tradizioni delle professioni dello spettacolo.

S. Ejzenstejn, Sulla biomeccanica, Armando.
S. Ejzenstejn, Il movimento espressivo. Scritti sul teatro, Marsilio (esaurito, file con i saggi richiesti per l'esame fornito a richiesta dal docente).
A. Warburg, Il rituale del serpente, Adelphi.
M- Mauss, Le tecniche del corpo, a c. di M. Fusaschi, ETS.
P. Apolito, R. Guarino e altri, Ritmo, Grenelle.

La danza contemporanea nell’esperienza di alcune autrici che hanno reinventato il linguaggio del corpo, del movimento e della scena. Fondatrici di tradizioni e ideatrici di nuove traiettorie di ricerca, le loro esperienze coreografiche e i loro scritti costituiscono un patrimonio al confine tra la teoria e la pratica. Malgrado le grandi differenze tecniche e di poetica, la radicalità della loro sperimentazione le accomuna e le pone nel cuore dell’indagine sulla natura stessa del movimento e dell’atto scenico.

- Il corpo insorto nella pratica performativa di Habillé d’eau , a cura di Ada D’Adamo, Editoria & Spettacolo, Spoleto 2012
- Paola Bianchi, Corpo politico. Distopia del gesto utopia del movimento, a cura di Silvia Bottiroli e Silvia Parlagreco, Editoria & Spettacolo, Spoleto 2014
- Samantha Marenzi, Alessandra Cristiani. Il corpo come radice e l’invenzione di una tradizione, Editoria & Spettacolo, Spoleto 2021 [titolo provvisorio, volume in corso di pubblicazione]
- I corpi del Butō. Fotografie di danza tra Oriente e Occidente, a cura di Samantha Marenzi, Postcart, Roma 2018 (catalogo mostra).

Eventuali dispense e materiali a cura della docente disponibili sul sito http://www.teorieepratichedelladanza.it/ o sul canale Teams del corso

PER I NON FREQUENTANTI: I non frequentanti dovranno aggiungere al programma delle dispense aggiuntive disponibili sul sito del corso http://www.teorieepratichedelladanza.it/ o sul canale Teams del corso

Partendo dall’esame dell’opera in prosa e in versi di Stéphane Mallarmé, il corso si propone un’analisi ravvicinata dei testi, collocando questi lavori all’interno del suo contesto storico-letterario.

Mallarmé, Poesie e prose, tr. A. Guerrini – V. Ramacciotti, Garzanti, 2005
Mallarmé, Poesie, tr. C. De Carolis, Marsilio, 2017
M. Luzi, Studio su Mallarmé, Solfanelli, 2018.
J.-P. Sartre, Mallarmé, Diabasis, 2010.

Il modulo si propone come corso introduttivo alla sociolinguistica. A questo scopo si presenteranno la collocazione epistemologica della sociolinguistica, con particolare riguardo agli orientamenti correlazionale e interazionale, le sue nozioni fondamentali e gli strumenti di cui si serve.

Berruto, G. – M. Cerruti, (2019), II ed., Manuale di sociolinguistica, Torino, UTET

Articoli indicati dalla docente a lezione.

Il corso è dedicato al cinema di Pier Paolo Pasolini. Vengono presi in esame i principali temi e le figure più ricorrenti nella sua filmografia. Vengono affrontati il rapporto tra cinema e letteratura, il metodo di lavoro del regista e i diversi momenti del suo percorso artistico dal primo film (Accattone) all’ultimo (Salò o le 120 giornate di Sodoma). Vengono effettuate approfondite analisi stilistiche delle opere. Infine, una particolare attenzione è rivolta agli scritti teorici di Pasolini sul cinema.

TESTI PER L'ESAME: Pier Paolo Pasolini, Empirismo eretico, Garzanti, Milano 1972 e successive edizioni (solo la sezione dedicata al cinema); Serafino Murri, Pier Paolo Pasolini, Il Castoro, Milano 1994 e successive edizioni; Stefania Parigi, Pier Paolo Pasolini. Accattone, Lindau, Torino 2021.
FILMOGRAFIA: Accattone, 1961; Mamma Roma, 1962; La ricotta, 1963; La rabbia, 1963; Comizi d’amore, 1964; Il Vangelo secondo Matteo, 1964; Uccellacci e uccellini, 1966; La terra vista dalla luna, 1967; Che cosa sono le nuvole?, 1968; Edipo re, 1967; Teorema, 1968; La sequenza del fiore di carta, 1969; Appunti per un'Orestiade africana, 1968-1973; Salò o le 120 giornate di Sodoma, 1975.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

Il corso ruota attorno ai seguenti temi:
digitalizzazione dei media audiovisivi, convergenza multimediale, crossmedialità, culture videoludiche, moltiplicazione delle piattaforme distributive, multimedia storytelling, con un focus particolare sull'intrattenimento come metagenere dei media, dei social e dell’esperienza condivisa.

A. Arvidsson, A. Delfanti, Introduzione ai media digitali, seconda edizione
aggiornata, Bologna, Il Mulino, 2016

E. Menduni, Entertainment, Bologna, Il Mulino, 2013

T. BONINI, A. CALIANDRO, G. ANSELMI, La diffusione della musica
pop nel sistema ibrido dei media: tra piattaforme digitali e
broadcaster tradizionali, “Studi Culturali”, XVI, 2, pp. 225-56, 2019

L. BARRA, M. PERROTTA, “Il cinema italiano nell’era della
convergenza. Televisione, streaming, piattaforme digitali”, in
Scaglioni, M. (a cura di), Cinema Made in Italy, Roma, Carocci, 2020

Ri-Animazione: l’animazione contemporanea come nuova logica dominante delle immagini in movimento.

Tra la fine del XX e l’inizio del XXI secolo l’animazione si è andata configurando come l’orizzonte audiovisivo ideale per mettere in atto alcune delle sfide più stimolanti dal punto di vista tecnologico, estetico, narrativo, politico e culturale. E' in particolare attraverso la tecnologia digitale che l’animazione, per lungo tempo campo ancillare rispetto al "cinema-cinema", ha potuto riprendersi la scena riaffermando la sua identità non già di genere specifico, separato e secondario, quanto di insieme di forme espressive e di tecniche attraverso le quali è possibile configurare qualsiasi tipo di narrazione, praticare qualunque genere e colonizzare qualsivoglia medium e formato. Partendo da tali premesse, il corso propone una serie di riflessioni che prendono in esame le dinamiche e i meccanismi sottostanti alla realizzazione di alcuni dei principali successi dell’animazione mainstream per il cinema e la televisione. Ponendo particolare attenzione alla congiunzione tra le teorie e le pratiche, verranno indagati gli stili dei nuovi prodotti d’animazione guardando in primo luogo alla dialettica tra innovazione e tradizione, ma anche tra forme estetiche e narrative provenienti da paradigmi culturali differenti. Senza dimenticare il modo in cui i software per l'animazione vengono impiegati anche nel cinema in live action, si evidenzierà come il concetto di ri-animazione che dà il titolo al corso debba essere inteso anche nella direzione di una rivitalizzazione e problematizzazione, operate dall’animazione stessa, di questioni di natura storica, politica e culturale che coinvolgono le nuove immagini in movimento.

C. Uva, P. Wells (a cura di), Re-Animation.L’animazione contemporanea tra cinema, televisione, videoarte e nuovi media, «Imago. Studi di cinema e media», n. 16, 2017.

C. Uva, Il sistema Pixar, Il Mulino, Bologna 2017.

Dispense a cura del docente.

Attraverso la lettura di due grandi Maestri del cinema hollywoodiano, Frank Capra e Francis Ford Coppola, il corso rifletterà sulle loro comuni origini e identità italo-americane.

NOTA BENE: Il corso sarà tenuto in inglese. In inglese saranno anche gli esami

V. Zagarrio, The Un-Happy Ending. Re-viewing the cinema of Frank Capra, New York, Bordighera Press, 2011.

V. Zagarrio, Francis Ford Coppola. Un sogno lungo il cinema, Soveria Mannelli, Rubbettino, 2020. Per gli studenti che non leggono l’italiano: J. Menne, Francis Ford Coppola, Chicago, University of Illinois Press, 2014.

Nel corso, l’impatto delle tecnologie e dei media digitali sui mondi della musica contemporanea verrà considerato da angolazioni teorico-metodologiche diverse. Nella prima fase del corso ci si soffermerà sul concetto stesso di culture musicali digitali e sulle dinamiche della loro formazione, riconsiderando prima di tutto la transizione dell’analogico al digitale nell’ambito della musica sia in prospettiva storica, attraverso un conciso sguardo d’insieme sull’evoluzione e sulle trasformazioni dell’industria musicale novecentesca e dei primi decenni del nuovo millennio, sia in prospettiva critico-analitica, cercando di comprendere e interpretare tali trasformazioni nelle loro ripercussioni e implicazioni sull’industria musicale come sistema, ma anche, in termini più generali, sul rapporto tra musica e comunicazione e tra musica e società. Successivamente saranno esaminati, in chiave storico-culturale, altri aspetti legati all’azione delle tecnologie digitali sulla musica, rivolgendo l’attenzione ai campi dell’ascolto musicale, della creazione musicale nell’ambito della musica d’arte odierna, della mediazione dell’esperienza della musica dal vivo. Relativamente a quest’ultimo tema, una specifica sezione del corso sarà dedicata all’opera in musica e alla mediazione della sua messa in scena attraverso il video nei suoi formati digitali, dal dvd allo streaming.

1. Gianni Sibilla, Musica e media digitali. Tecnologie, linguaggi e forme sociali dei suoni, dal walkman all’iPod, Milano, Bompiani, 2010

2. Michael D. Smith – Raul Telang, Streaming, sharing, stealing. I big data e il futuro dell’intrattenimento, Roma, Minimum fax, 2019 [capitoli 2, 4, 6, 7, 10]

3. Raphaël Nowak, Music Listening Activities in the Digital Age. An Act of Cultural Participation through Adequate Music, «Leonardo Music Journal», 26 (2016), pp. 20-23

4. Giacomo Albert, Post-music: l’ibridazione delle forme audiovisive nel XXI secolo tra performance e tecnologia, in La musica fra testo, performance e media. Forme e concetti dell’esperienza musicale, a cura di Alessandro Cecchi, Roma, NeoClassica, 2019, pp. 55-87

5. Emanuele Senici, Il video d’opera “dal vivo”: testualizzazione e “liveness” nell’era digitale, «Il Saggiatore musicale», 16/2, (2009), pp. 273-312

6. Caitlin Vincent, Digital Scenography in Opera in the Twenty-First Century, London and New York, Routledge, 2022 [capitolo 2]

I non frequentanti leggeranno inoltre:
Michael D. Smith – Raul Telang, Streaming, sharing, stealing. I big data e il futuro dell’intrattenimento, Roma, Minimum fax, 2019 [l’intero volume]

Inquadramento della materia: Cos’è l’analisi musicale; suo rapporto con le altre discipline musicologiche. Cenni di storia dell’analisi musicale
Cenni alle metodologie principali dell’analisi musicale:
Didattica della forma (Formenlehre) e teorie organicistiche
Struttura fondamentale (Heinrich Schenker)
Elaborazione tematica (Rudolph Réti)
Analisi morfologica
Analisi fraseologica (Hugo Riemann)
Analisi stilistica (Jan La Rue)
Analisi semiotica (Nicholas Ruwet)
Esercitazioni di analisi fraseologica
Esercitazioni di analisi morfologica
Esercitazioni di analisi del lavoro tematico

CLEMENS KÜHN, Il linguaggio delle forme nella musica occidentale, Milano, Unicopli, 1987: parte III (Musica e tempo), IV (Elementi strutturali della composizione), V (Melodia) e VI (Forma musicale e opera musicale)
IAN BENT – WILLIAM DRABKIN, Analisi musicale, Torino, EDT, 1990: capitoli I (L’analisi musicale in generale) e IV (La metodologia dell’analisi)

Il corso intende analizzare le relazioni tra arti visive, suono e musica dal secondo dopoguerra agli anni Sessanta del XX secolo. Partendo dall’approfondimento del rapporto tra pittura e musica nell’ambito delle ricerche artistiche dell’espressionismo astratto e delle poetiche della materia e del segno informali, si porterà l’attenzione al silenzio di John Cage in relazione al monocromo, alla dematerializzazione dell’opera e alla “teatralità” del minimalismo. Con un percorso trasversale, che tiene conto di continuità e discontinuità tra le avanguardie storiche e la stagione della neoavanguardia, saranno inoltre analizzate pratiche comportamentali-performative che hanno a vario modo incentrato la propria poetica sulla voce e sulle sonorità corporali, anche in relazione all’utilizzo delle nuove tecnologie.

Frequentanti
1) Testi di carattere generale per lo studio dell'arte del secondo Novecento
- C. Zambianchi, Arte contemporanea: dall’Espressionismo Astratto alla Pop Art, Carozzi, Milano, 2011

- F. Poli (a cura di), Arte contemporanea. Le ricerche internazionali dalla fine degli anni ’50 a oggi, Electa, Milano 2003, pp. 36-221

2) Letture di approfondimento delle tematiche affrontate nel corso:
- Art or sound, catalogo della mostra (Venezia, Fondazione Prada Ca’ Corner della Regina, 7 giugno – 8 novembre 2014), a cura di G. Celant, Fondazione Prada, Milano 2014 [in particolare i saggi: G. Celant, Dal plurilinguismo al multisensoriale; C. Cox, Vedere non è sentire. Sinestesia, anestesia e arte audiovisiva; L. Chessa, Un’orchestra metafisica. Una ricerca sulla ricostruzione degli intonarumori; R. Young, Così brutalmente forzata. La svolta del dopoguerra dalla musica al suono; E. de Visscher, Il silenzio come scultura musicale. John Cage e gli strumenti di 4’33’’; G. Dayal, Musica sperimentale e performance. David Tudor, John Cage e Merce Cunningham; Jo Applin, Rumore ottico. Il suono della scultura negli anni ’60; A. Licht, Il rumore della superficie. Rendere l’arte udibile nel XX Secolo; S. Menegoi, Sound Art? Arti visive e suono al passaggio fra anni ’70 e ’80; H. Rogers, Sinestesia distorta. Il video musicale e le arti visive ]

- P. Fameli, Il corpo risonante. Vocalità e gestualità nel Novecento, Campanotto Editore, Pasian di Prato (UD) 2013, pp. 43-84

Tema di quest'anno: Cultura, habitat, ambiente

1. Manuale o parte generale:
Jared Diamond, Il mondo fino a ieri, Einaudi.
Dov'è e dove va l'antropologia oggi, a cura di Antonio Palmisano, Milano, Franco Angeli.

2. Approfondimenti o parte monografica:
Stefano de Matteis, Il dilemma dell'0aragosta. La forza della vulnerabilità, Milano, Meltemi.

Il modulo analizza la messa in scena, lo stile, le dinamiche autoriali di due maestri del cinema americano, Stanley Kubrick e Francis Ford Coppola, indagati dal punto di vista della regia, dei modelli produttivi, delle possibili letture teoriche del loro cinema.

V. Zagarrio, Francis Ford Coppola. Un sogno lungo il cinema, Soveria Mannelli, Rubbettino, 2020.

V. Zagarrio (cura di), Per Kubrick. Storia romanzo sguardi, Roma, Dino Audino, 2020.

V. Zagarrio, A occhi chiusi e spalancati. La regia in Stanley Kubrick, Roma, Dino Audino, 2021.

Il corso mira a problematizzare l’insegnamento del cinema e delle discipline audiovisive nel più ampio contesto della media education, sia dal punto di vista teorico-metodologico che dal punto di vista pragmatico.
A partire dalla ridefinizione delle strategie didattiche conseguente all’uso sempre più frequente delle tecnologie digitali in ambito educativo, la prima parte del corso si concentrerà sulla presenza e la funzione dei media nella prassi pedagogica, tanto come oggetto di studio (educazione ai media e al linguaggio cinematografico) quanto come supporto alla didattica in numerose discipline differenti (educazione attraverso i media), con particolare attenzione ai media audiovisivi.
Nella seconda parte del corso la media education sarà posta in dialogo con le più recenti teorie elaborate nell’ambito degli studi di cultura visuale, per valutare l’efficacia di alcune strategie didattiche nell’ambito dell’educazione all’immagine.

- Pier Cesare Rivoltella, Media Education. Idea, metodo, ricerca, ELS La Scuola, Brescia 2017
- Dispense a cura del docente

Il corso si concentra sulle forme della Media Literacy nella cultura digitale contemporanea. La prima parte è di ordine teorico e si confronta con le trasformazioni delle forme pedagogiche e di apprendimento scolastico interpretate in sinergia con le nuove forme di spettatorialità basate sulle logiche delle culture partecipative. La seconda parte è invece incentrata sulle forme del crito-film e del video-saggio. Lette in continuità con le analisi teoriche sul motivo della cornice, del paratesto e dello schermo, tali pratiche critico-espressive reinterpretano motivi e stili peculiari della storia del cinema e dell’arte promuovendo un’inedita elaborazione educativa e creativa di confronto con le immagini contemporanee.

Henry Jenkins, Culture partecipative e competenze digitali. Media education per il XXI secolo, Guerini, Milano 2010.
Pier Cesare Rivoltella, Pier Giuseppe Rossi (a cura), Tecnologie per l’educazione, Pearson Italia, Milano-Torino 2019 (premessa, introduzione, capitoli: 2, 7, 8, 9, 11, 13, 17).
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria di Via G. Rocco, n. 11.

Film e videografia:
I bambini al cinema (1957) Francesco Maselli; Zorns Lemma (1970) Hollis Frampton; Live-taped Video Corridor (1970) Bruce Nauman; Present Continuous Past (1974) Dan Graham; Mein Fenster (La mia finestra, 1979) Zbigniew Rybczynski; Media (1980) Zbigniew Rybczynski; Tele-racconto (1991) Giacomo Verde; Evidence (1995) Godfrey Reggio; Blinkenlights (2001) Chaos Computer Club; Star Guitar (music video The Chemical Brothers, 2002) Michel Gondry; Arcade (2002) Chaos Computer Club; La pozzanghera (2006) Studio Azzurro; Be Kind Rewind (2007) Michel Gondry; Stereoscope (2008) Chaos Computer Club; Rembrandt’s J’accuse (2008) Peter Greenaway; Shirley: Visions of Reality (2013) Gustav Deutsch;
antologia di found footage film: Trade Tattoo (1937) Len Lye, Rainbow Dance (1936) Len Lye, Rose Hobart (1939) Joseph Cornell, Le film est déjà commencé? (1951) Maurice Lemaitre, A movie (1958) Bruce Conner, Very Nice, Very Nice (1961) Arthur Lipsett, La rabbia (1963) Pier Paolo Pasolini, La verifica incerta (1965) Gianfranco Baruchello, Alberto Grifi, Movie Drome (1965-1968) Stan Vanderbeek, The Cut-Ups (1966) William S. Burroughs, Antony Balch, Exploding Plastic Inevitable (1966) Andy Warhol, Le stelle di Mario Schifano (1967), L’inizio (Načalo, 1967) Artavazd Pelešian, Tom Tom the Piper’s Son (1969-1971) Ken Jacobs, La société du spectacle (1973) Guy Debord, Technology Transformation: Wonder Woman (1978) Dara Birnbaum, Mongoloid (music video Devo, 1978) Bruce Conner, Koyaanisqatsi (1983) Godfrey Reggio, A TV Dante. The Inferno (1985-1989) Peter Greeneway e Tom Phillips, Dal polo all’equatore (1986) Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi, Art of Memory (1987) Woody Vasulka, Steps (1987) Zbigniew Rybczynski, Histoire(s) du cinéma. 1a Toutes les histoires (1988) Jean Luc Godard, Dab (1988-2016) John Oswald, Alchemie (1992) Jürgen Reble, Filmarilyn (1992) Paolo Gioli, Passage à l’acte (1993) Martin Arnold, 24 Hour Psycho (1993) Douglas Gordon, Telephones (1995) Christian Marclay, The Georgetown Loop (1996) Ken Jacobs, Yours (1997) Jeff Scher, Film Ist 1. Movement and time (1998) Gustav Deutsch, L’arrivée (1998) Peter Tscherkassky, Outer Space (1999) Peter Tscherkassky, Essere morti o essere vivi è la stessa cosa (2000) Gianluigi Toccafondo, The Pentagon Tv Commercials (2003) Cane CapoVolto, Fast Film (2003) Virgil Widrich, Celestial Subway Lines/ Salvaging Noise (2004) Ken Jacobs, Sync(Watch) (2005) Marco Brambilla, 24 seconds Psycho (2005) Chris Bors, Installazione Film Ist (1-12) (2006) Gustav Deutsch, Crumax Rins (2006, visual Plaid) Bob Jaroc, Blob. THI$ I$ NOTH&ND (2008), Domine Jesus (2008) Leonardo Carrano, Alessandro Pierattini, Pasolini Requiem (2009) Mario Verger, The Clock (2010) Christian Marclay, Delia Derbyshire, Loop Composer (2011) AK_Alias, Blue Matter, Change Your Mind (2011) AK_Alias, Distorted Times (2012) Gideon van der Stelt, Creation (2012) Marco Brambilla, Cinema rianimato n. 3 (2012) Daniele Puppi, Cirrus (music video Bonobo, 2013) Cyriak, The Emoshjining (2014) Donato Sansone, Sigla Mostra Internazionale del Cinema di Pesaro (2016) Virgilio Villoresi, Purge The Odd Couple (2017) Pogo, RedruM (2018) Pogo;
antologia di crito-film: Stile di Piero della Francesca (1954) Carlo Ludovico Ragghianti, Carpaccio (1947) Roberto Longhi e Umberto Barbaro, Il dramma di Cristo (1948) Luciano Emmer ed Enrico Gras, Pittori di provincia (1953) Lucio Fulci, Cinéastes de notre temps (1964-1972) e Cinéma, de notre temps (1989-2018);
antologia di video-essay: Le combat avec l’ange (2004) Alain Bergala, The Doors of Perspection (2011) People Like Us (Vicki Bennett), Double Lives, Second Chances (2011) Cristina Álvarez López, Kubrick // One Point Perspective (2012) kogonada, Tarantino // From Below (2012) kogonada, Wes Anderson // From Above (2012) kogonada, The Career of Paul Thomas Anderson in Five Shots (2012) Kevin B. Lee, Rear Window Timelapse (2012) Jeff Desom, Zero De Doom (2012) Matthew Cheney, The Essay Film: Some Thoughts of Discontent (2013) Kevin B. Lee, Screen and Surface, Soft and Hard: the Cinema of Leos Carax (2013)Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, [De Palma’s] Vision (2014) Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, Wes Anderson // Centered (2014) kogonada, Peter Greenaway // Centered (2014) LaurentG, Evolution of the Dolly Zoom (2014) Vashi Nedomansky, Eyes of Hitchcock (2014) kogonada, Alphaville - A Crystal Maze (2014) Henrike Lindenberger, Cross-cut (2014) Drew Morton, Last Year At The Overlook (2015) Drew Morton, The Dutch Angle (2015) Jacob T. Swinney, First and Final Frames (2015) Jacob T.Swinney, The Definition of Film (2015) Richard Misek, Auteur in Space (2015) kogonada, Volumetric Cinema (2015) Kevin L. Ferguson, Manderley Motel (2015) Corey Creekmur, Blue Shining (2015) Richard Vezina, Joel & Ethan Coen - Shot | Reverse Shot (2016) Tony Zhou, Taylor Ramos, Amélie - Symmetry & Camera Movement (2016) Lessa Räbiger, Godard in Fragments (2016) kogonada, The Spielberg Touchscreen (2016) Ken Provencher, Graphic Spaces: Film Transitions in Steven Spielberg’s Filmmaking (2018) Andrea Minuz.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

Le emozioni: definizione, funzioni biologiche e sociali, tipi, regolazione, espressione e comunicazione. Emozioni primarie, emozioni dell’immagine, cognitive, sociali, morali. Le emozioni nell’interazione interpersonale, sul lavoro, nell’insegnamento e nell’apprendimento, nella politica, nell’arte, la musica e lo spettacolo.
Processi cognitivi, affettivi e relazionali implicati nella comunicazione in tutte le sue modalità corporee (parole e frasi, prosodia e intonazione, gesti, espressione facciale, sguardo, contatto fisico, postura, prossemica, musica) e tecnologiche. Analisi e detezione della comunicazione sincera e ingannevole, cooperativa e aggressiva, e suoi usi nell’interazione interpersonale, sul lavoro, nell’educazione, nella politica, nello spettacolo.

Programma per chi usufruisce dell’intero corso da 12 CFU
I testi da portare all’esame sono i seguenti:

A. D’Urso V. e Trentin R.: Introduzione alla psicologia delle emozioni. Laterza, Bari 2006.
B. Poggi I. (a cura di): La mente del cuore. Armando, Roma 2008.
C. Lotto L. e Rumiati R. (a cura di). Introduzione alla psicologia della comunicazione. Il Mulino, Bologna 2019 (nuova edizione): esclusi i capitoli 3, 4, 5, 10, 11.
D. Poggi I. e D’Errico F.: Comunicazione multimodale e influenza sociale. Il corpo e il potere. Carocci, Roma 2020.
E. Castelfranchi C. e Poggi I.: Bugie, finzioni, sotterfugi, per una scienza dell’inganno, Carocci, Roma 2012.
F. Un testo o insieme di testi, a scelta fra i punti del seguente elenco:

1. Castelfranchi C.: Che figura. Emozioni e immagine sociale. Il Mulino, Bologna 2005.
2. Nussbaum, M.: L’intelligenza delle emozioni. Il Mulino, Bologna 2013.
3. Matarazzo O. e Zammuner V. (a cura di): La regolazione delle emozioni. Il Mulino, Bologna 2012.
4. Ledoux J.: Il cervello emotivo. Baldini e Castoldi, Milano 2005.
5. Damasio A.R.: Emozione e coscienza. Adelphi, Milano 2010.
6. Miceli M. e Castelfranchi C.: Expectancy and Emotion. Oxford University Press, Oxford 2013.
7. D’Amico A.: Intelligenza emotiva e metaemotiva. Il Mulino, Bologna. 2018.
8. Palvarini P.: Le emozioni che rendono forti. Il lavoro con le emozioni in psicoterapia. Alpes Italia.
9. Bazzanella C.: Linguistica cognitiva. Un’introduzione. Laterza, Bari 2014.
10. Levorato M.C.: Le emozioni della lettura. Mulino, Bologna, 1999.
11. Gallese V. e Guerra M.: Lo schermo empatico. Cinema e neuroscienze. Raffaello Cortina, Milano 2015.
12. Boulez P., Changeux J.P. e Manoury P.: I neuroni magici. Musica e cervello. Carocci, Roma 2016.
13. Mado Proverbio A.: Neuroscienze cognitive della musica. Il cervello musicale tra arte e scienza. Bologna, Zanichelli 2019
14. Cavalieri R. e Chiricò D.: Parlare, segnare. Introduzione alla fisiologia e alla patologia delle lingue verbali e dei segni. Bologna, Il Mulino.
15. Benedetti F.: L’effetto placebo. Breve viaggio tra mente e corpo. Roma, Carocci 2018.
16. Viale R.: Oltre il nudge. Libertà di scelta, felicità e comportamento. Bologna, Il Mulino.
17. Mortara Garavelli B. Il parlar figurato. Manualetto di figure retoriche. Bari, Laterza.
18. Bambini V. Il cervello pragmatico. Roma, Carocci.
19. Nobile L. e Lombardi Vallauri E.: Onomatopea e fonosimbolismo. Roma, Carocci.
20. Ferrari M e Paladino P.: L'apprendimento della lingua straniera. Roma, Carocci.

21. La seguente coppia di testi:
Arielli E. e Bottazzini P.: Idee virali. Perché i pensieri si diffondono. Bologna, Il Mulino.
Riva G.: I social network. Bologna, Il Mulino

22. La seguente coppia di testi:
Cavazza N.: Pettegolezzi e reputazione. Bologna, Il Mulino.
Riva G.: Fake news: vivere e sopravvivere in un mondo post-verità. Bologna, Il Mulino

23. 4 articoli sulle emozioni scelti fra i seguenti, scaricabili dal link:
http://host.uniroma3.it/docenti/poggi/inglese2.htm
https://www.researchgate.net/profile/Isabella_Poggi

24. 4 articoli sulla comunicazione multimodale scelti fra i seguenti, scaricabili dal link
http://host.uniroma3.it/docenti/poggi/inglese2.htm
https://www.researchgate.net/profile/Isabella_Poggi



Altri testi d’esame in alternativa a quelli suddetti potranno essere comunicati in bacheca o concordati con la docente.

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Programma per chi usufruisce solo della parte del corso relativa a Psicologia delle Emozioni, per 6 CFU,
I testi da portare all’esame sono i seguenti:

A. D’Urso V. e Trentin R.: Introduzione alla psicologia delle emozioni. Laterza, Bari 2006.
B. Poggi I. (a cura di): La mente del cuore. Armando, Roma 2008.
C. Un testo o insieme di testi, a scelta fra i 13 punti del seguente elenco:

1. Castelfranchi C.: Che figura. Emozioni e immagine sociale. Il Mulino, Bologna 2005.
2. Nussbaum, M.: L’intelligenza delle emozioni. Il Mulino, Bologna 2013.
3. Matarazzo O. e Zammuner V. (a cura di): La regolazione delle emozioni. Il Mulino, Bologna 2012.
4. Ledoux J.: Il cervello emotivo. Baldini e Castoldi, Milano 2005.
5. Damasio A.R.: Emozione e coscienza. Adelphi, Milano 2010.
6. Miceli M. e Castelfranchi C.: Expectancy and Emotion. Oxford University Press, Oxford 2013.
7. D’Amico A.: Intelligenza emotiva e metaemotiva. Il Mulino, Bologna. 2018.
8. Palvarini P.: Le emozioni che rendono forti. Il lavoro con le emozioni in psicoterapia. Alpes Italia.
9. Levorato M.C.: Le emozioni della lettura. Mulino, Bologna, 1999.
10. Gallese V. e Guerra M.: Lo schermo empatico. Cinema e neuroscienze. Raffaello Cortina, Milano 2015.
11. Boulez P., Changeux J.P. e Manoury P.: I neuroni magici. Musica e cervello. Carocci, Roma 2016.
12. Mado Proverbio A.: Neuroscienze cognitive della musica. Il cervello musicale tra arte e scienza. Bologna, Zanichelli 2019

13. 4 articoli sulle emozioni scelti fra i seguenti, scaricabili dal link:
http://host.uniroma3.it/docenti/poggi/inglese2.htm
https://www.researchgate.net/profile/Isabella_Poggi


Programma per chi usufruisce solo della parte del corso relativa a Psicologia della Comunicazione Multimodale, per 6 CFU,
I testi da portare all’esame sono i seguenti:

A. Lotto L. e Rumiati R. (a cura di). Introduzione alla psicologia della comunicazione. Il Mulino, Bologna 2019 (nuova edizione): esclusi i capitoli 3, 4, 5, 10, 11.
B. Poggi I. e D’Errico F.: Comunicazione multimodale e influenza sociale. Il corpo e il potere. Carocci, Roma 2020
C. Castelfranchi C. e Poggi I.: Bugie, finzioni, sotterfugi, per una scienza dell’inganno, Carocci, Roma 2012.
D. Un testo o insieme di testi, a scelta fra gli 8 punti del seguente elenco:

1. Bazzanella C.: Linguistica cognitiva. Un’introduzione. Laterza, Bari 2014.
2. Gallese V. e Guerra M.: Lo schermo empatico. Cinema e neuroscienze. Raffaello Cortina, Milano 2015.
3. Boulez P., Changeux J.P. e Manoury P.: I neuroni magici. Musica e cervello. Carocci, Roma 2016.
4. Cavalieri R. e Chiricò D.: Parlare, segnare. Introduzione alla fisiologia e alla patologia delle lingue verbali e dei segni. Bologna, Il Mulino.
5. Benedetti F.: L’effetto placebo. Breve viaggio tra mente e corpo. Roma, Carocci 2018.
6. Viale R.: Oltre il nudge. Libertà di scelta, felicità e comportamento.
7. Bologna, Il Mulino. Mortara Garavelli B. Il parlar figurato. Manualetto di figure retoriche. Bari, Laterza.
8. Bambini V. Il cervello pragmatico. Roma, Carocci.
9. Nobile L. e Lombardi Vallauri E.: Onomatopea e fonosimbolismo. Roma, Carocci.
10. Ferrari M. e Paladino P.: L'apprendimento della lingua straniera. Roma, Carocci.

11. La seguente coppia di testi:
Arielli E. e Bottazzini P.: Idee virali. Perché i pensieri si diffondono. Bologna, Il Mulino.
Riva G.: I social network. Bologna, Il Mulino

12. La seguente coppia di testi:
Cavazza N.: Pettegolezzi e reputazione. Bologna, Il Mulino.
Riva G.: Fake news: vivere e sopravvivere in un mondo post-verità. Bologna, Il Mulino

13. 4 articoli sulla comunicazione multimodale scelti fra i seguenti, scaricabili dal link:
http://host.uniroma3.it/docenti/poggi/inglese2.htm
https://www.researchgate.net/profile/Isabella_Poggi


Programma di Psicologia delle Emozioni e della Comunicazione Multimodale da 6 CFU
I testi da portare all’esame sono i seguenti:

A. D’Urso V. e Trentin R.: Introduzione alla psicologia delle emozioni. Laterza, Bari 2006.
B. Poggi I. (a cura di): La mente del cuore. Armando, Roma 2008.
C. Lotto L. e Rumiati R. (a cura di). Introduzione alla psicologia della comunicazione. Il Mulino, Bologna 2019 (nuova edizione): esclusi i capitoli 3, 4, 5, 10, 11.
D. Poggi I.: Le parole del corpo. Introduzione alla comunicazione multimodale. Carocci, Roma 2006.

Le riviste di teatro e quotidiani durante il ventennio fascista:
Che cosa può raccontarci il teatro su una situazione politica estrema? I testi teatrali dicono poco, in caso di dittatura. Ma l’influenza della storia sul teatro può farci capire molte cose. Al centro del corso sta la proliferazione di riviste teatrali che avviene intorno alla metà degli anni Venti, con il fascismo già completamente consolidato, ma prima che inizino i veri cambiamenti decisi dall’alto sul teatro. La situazione politica influisce pesantemente, anche se, per tutti gli anni Venti, il teatro mostra ancora segni di vivacità e di volontà di cambiamento. Il corso prevede una esercitazione pratica su quotidiani e riviste teatrali.

1) Gianfranco Pedullà, Il teatro italiano nel tempo del fascismo, Titivillus (oppure: Emanuela Scarpellini, Organizzazione teatrale e politica del teatro nell’età fascista (scaricabile gratuitamente on line http://www.studiumanistici.unimi.it/files/_ITA_/Filarete/131.pdf)
2) Dossier Teatri nel fascismo, “Teatro e Storia” n. 38 (pp. 59-384)
3) Dossier L’anticipo italiano (“Teatro e storia” n. 29, pp. 27-256, può essere letto gratuitamente on-line dal sito di “Teatro e Storia”, http://www.teatroestoria.it/volumi.php)

Il corso intende analizzare le relazioni tra arti visive, suono e musica dal secondo dopoguerra agli anni Sessanta del XX secolo. Partendo dall’approfondimento del rapporto tra pittura e musica nell’ambito delle ricerche artistiche dell’espressionismo astratto e delle poetiche della materia e del segno informali, si porterà l’attenzione al silenzio di John Cage in relazione al monocromo, alla dematerializzazione dell’opera e alla “teatralità” del minimalismo. Con un percorso trasversale, che tiene conto di continuità e discontinuità tra le avanguardie storiche e la stagione della neoavanguardia, saranno inoltre analizzate pratiche comportamentali-performative che hanno a vario modo incentrato la propria poetica sulla voce e sulle sonorità corporali, anche in relazione all’utilizzo delle nuove tecnologie.

Frequentanti
1) Testi di carattere generale per lo studio dell'arte del secondo Novecento
- C. Zambianchi, Arte contemporanea: dall’Espressionismo Astratto alla Pop Art, Carozzi, Milano, 2011

- F. Poli (a cura di), Arte contemporanea. Le ricerche internazionali dalla fine degli anni ’50 a oggi, Electa, Milano 2003, pp. 36-221

2) Letture di approfondimento delle tematiche affrontate nel corso:
- Art or sound, catalogo della mostra (Venezia, Fondazione Prada Ca’ Corner della Regina, 7 giugno – 8 novembre 2014), a cura di G. Celant, Fondazione Prada, Milano 2014 [in particolare i saggi: G. Celant, Dal plurilinguismo al multisensoriale; C. Cox, Vedere non è sentire. Sinestesia, anestesia e arte audiovisiva; L. Chessa, Un’orchestra metafisica. Una ricerca sulla ricostruzione degli intonarumori; R. Young, Così brutalmente forzata. La svolta del dopoguerra dalla musica al suono; E. de Visscher, Il silenzio come scultura musicale. John Cage e gli strumenti di 4’33’’; G. Dayal, Musica sperimentale e performance. David Tudor, John Cage e Merce Cunningham; Jo Applin, Rumore ottico. Il suono della scultura negli anni ’60; A. Licht, Il rumore della superficie. Rendere l’arte udibile nel XX Secolo; S. Menegoi, Sound Art? Arti visive e suono al passaggio fra anni ’70 e ’80; H. Rogers, Sinestesia distorta. Il video musicale e le arti visive ]

- P. Fameli, Il corpo risonante. Vocalità e gestualità nel Novecento, Campanotto Editore, Pasian di Prato (UD) 2013, pp. 43-84

Tema di quest'anno: Cultura, habitat, ambiente

1. Manuale o parte generale:
Jared Diamond, Il mondo fino a ieri, Einaudi.
Dov'è e dove va l'antropologia oggi, a cura di Antonio Palmisano, Milano, Franco Angeli.

2. Approfondimenti o parte monografica:
Stefano de Matteis, Il dilemma dell'0aragosta. La forza della vulnerabilità, Milano, Meltemi.

Il modulo analizza la messa in scena, lo stile, le dinamiche autoriali di due maestri del cinema americano, Stanley Kubrick e Francis Ford Coppola, indagati dal punto di vista della regia, dei modelli produttivi, delle possibili letture teoriche del loro cinema.

V. Zagarrio, Francis Ford Coppola. Un sogno lungo il cinema, Soveria Mannelli, Rubbettino, 2020.

V. Zagarrio (cura di), Per Kubrick. Storia romanzo sguardi, Roma, Dino Audino, 2020.

V. Zagarrio, A occhi chiusi e spalancati. La regia in Stanley Kubrick, Roma, Dino Audino, 2021.

Il corso mira a problematizzare l’insegnamento del cinema e delle discipline audiovisive nel più ampio contesto della media education, sia dal punto di vista teorico-metodologico che dal punto di vista pragmatico.
A partire dalla ridefinizione delle strategie didattiche conseguente all’uso sempre più frequente delle tecnologie digitali in ambito educativo, la prima parte del corso si concentrerà sulla presenza e la funzione dei media nella prassi pedagogica, tanto come oggetto di studio (educazione ai media e al linguaggio cinematografico) quanto come supporto alla didattica in numerose discipline differenti (educazione attraverso i media), con particolare attenzione ai media audiovisivi.
Nella seconda parte del corso la media education sarà posta in dialogo con le più recenti teorie elaborate nell’ambito degli studi di cultura visuale, per valutare l’efficacia di alcune strategie didattiche nell’ambito dell’educazione all’immagine.

- Pier Cesare Rivoltella, Media Education. Idea, metodo, ricerca, ELS La Scuola, Brescia 2017
- Dispense a cura del docente

Il corso si concentra sulle forme della Media Literacy nella cultura digitale contemporanea. La prima parte è di ordine teorico e si confronta con le trasformazioni delle forme pedagogiche e di apprendimento scolastico interpretate in sinergia con le nuove forme di spettatorialità basate sulle logiche delle culture partecipative. La seconda parte è invece incentrata sulle forme del crito-film e del video-saggio. Lette in continuità con le analisi teoriche sul motivo della cornice, del paratesto e dello schermo, tali pratiche critico-espressive reinterpretano motivi e stili peculiari della storia del cinema e dell’arte promuovendo un’inedita elaborazione educativa e creativa di confronto con le immagini contemporanee.

Henry Jenkins, Culture partecipative e competenze digitali. Media education per il XXI secolo, Guerini, Milano 2010.
Pier Cesare Rivoltella, Pier Giuseppe Rossi (a cura), Tecnologie per l’educazione, Pearson Italia, Milano-Torino 2019 (premessa, introduzione, capitoli: 2, 7, 8, 9, 11, 13, 17).
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria di Via G. Rocco, n. 11.

Film e videografia:
I bambini al cinema (1957) Francesco Maselli; Zorns Lemma (1970) Hollis Frampton; Live-taped Video Corridor (1970) Bruce Nauman; Present Continuous Past (1974) Dan Graham; Mein Fenster (La mia finestra, 1979) Zbigniew Rybczynski; Media (1980) Zbigniew Rybczynski; Tele-racconto (1991) Giacomo Verde; Evidence (1995) Godfrey Reggio; Blinkenlights (2001) Chaos Computer Club; Star Guitar (music video The Chemical Brothers, 2002) Michel Gondry; Arcade (2002) Chaos Computer Club; La pozzanghera (2006) Studio Azzurro; Be Kind Rewind (2007) Michel Gondry; Stereoscope (2008) Chaos Computer Club; Rembrandt’s J’accuse (2008) Peter Greenaway; Shirley: Visions of Reality (2013) Gustav Deutsch;
antologia di found footage film: Trade Tattoo (1937) Len Lye, Rainbow Dance (1936) Len Lye, Rose Hobart (1939) Joseph Cornell, Le film est déjà commencé? (1951) Maurice Lemaitre, A movie (1958) Bruce Conner, Very Nice, Very Nice (1961) Arthur Lipsett, La rabbia (1963) Pier Paolo Pasolini, La verifica incerta (1965) Gianfranco Baruchello, Alberto Grifi, Movie Drome (1965-1968) Stan Vanderbeek, The Cut-Ups (1966) William S. Burroughs, Antony Balch, Exploding Plastic Inevitable (1966) Andy Warhol, Le stelle di Mario Schifano (1967), L’inizio (Načalo, 1967) Artavazd Pelešian, Tom Tom the Piper’s Son (1969-1971) Ken Jacobs, La société du spectacle (1973) Guy Debord, Technology Transformation: Wonder Woman (1978) Dara Birnbaum, Mongoloid (music video Devo, 1978) Bruce Conner, Koyaanisqatsi (1983) Godfrey Reggio, A TV Dante. The Inferno (1985-1989) Peter Greeneway e Tom Phillips, Dal polo all’equatore (1986) Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi, Art of Memory (1987) Woody Vasulka, Steps (1987) Zbigniew Rybczynski, Histoire(s) du cinéma. 1a Toutes les histoires (1988) Jean Luc Godard, Dab (1988-2016) John Oswald, Alchemie (1992) Jürgen Reble, Filmarilyn (1992) Paolo Gioli, Passage à l’acte (1993) Martin Arnold, 24 Hour Psycho (1993) Douglas Gordon, Telephones (1995) Christian Marclay, The Georgetown Loop (1996) Ken Jacobs, Yours (1997) Jeff Scher, Film Ist 1. Movement and time (1998) Gustav Deutsch, L’arrivée (1998) Peter Tscherkassky, Outer Space (1999) Peter Tscherkassky, Essere morti o essere vivi è la stessa cosa (2000) Gianluigi Toccafondo, The Pentagon Tv Commercials (2003) Cane CapoVolto, Fast Film (2003) Virgil Widrich, Celestial Subway Lines/ Salvaging Noise (2004) Ken Jacobs, Sync(Watch) (2005) Marco Brambilla, 24 seconds Psycho (2005) Chris Bors, Installazione Film Ist (1-12) (2006) Gustav Deutsch, Crumax Rins (2006, visual Plaid) Bob Jaroc, Blob. THI$ I$ NOTH&ND (2008), Domine Jesus (2008) Leonardo Carrano, Alessandro Pierattini, Pasolini Requiem (2009) Mario Verger, The Clock (2010) Christian Marclay, Delia Derbyshire, Loop Composer (2011) AK_Alias, Blue Matter, Change Your Mind (2011) AK_Alias, Distorted Times (2012) Gideon van der Stelt, Creation (2012) Marco Brambilla, Cinema rianimato n. 3 (2012) Daniele Puppi, Cirrus (music video Bonobo, 2013) Cyriak, The Emoshjining (2014) Donato Sansone, Sigla Mostra Internazionale del Cinema di Pesaro (2016) Virgilio Villoresi, Purge The Odd Couple (2017) Pogo, RedruM (2018) Pogo;
antologia di crito-film: Stile di Piero della Francesca (1954) Carlo Ludovico Ragghianti, Carpaccio (1947) Roberto Longhi e Umberto Barbaro, Il dramma di Cristo (1948) Luciano Emmer ed Enrico Gras, Pittori di provincia (1953) Lucio Fulci, Cinéastes de notre temps (1964-1972) e Cinéma, de notre temps (1989-2018);
antologia di video-essay: Le combat avec l’ange (2004) Alain Bergala, The Doors of Perspection (2011) People Like Us (Vicki Bennett), Double Lives, Second Chances (2011) Cristina Álvarez López, Kubrick // One Point Perspective (2012) kogonada, Tarantino // From Below (2012) kogonada, Wes Anderson // From Above (2012) kogonada, The Career of Paul Thomas Anderson in Five Shots (2012) Kevin B. Lee, Rear Window Timelapse (2012) Jeff Desom, Zero De Doom (2012) Matthew Cheney, The Essay Film: Some Thoughts of Discontent (2013) Kevin B. Lee, Screen and Surface, Soft and Hard: the Cinema of Leos Carax (2013)Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, [De Palma’s] Vision (2014) Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, Wes Anderson // Centered (2014) kogonada, Peter Greenaway // Centered (2014) LaurentG, Evolution of the Dolly Zoom (2014) Vashi Nedomansky, Eyes of Hitchcock (2014) kogonada, Alphaville - A Crystal Maze (2014) Henrike Lindenberger, Cross-cut (2014) Drew Morton, Last Year At The Overlook (2015) Drew Morton, The Dutch Angle (2015) Jacob T. Swinney, First and Final Frames (2015) Jacob T.Swinney, The Definition of Film (2015) Richard Misek, Auteur in Space (2015) kogonada, Volumetric Cinema (2015) Kevin L. Ferguson, Manderley Motel (2015) Corey Creekmur, Blue Shining (2015) Richard Vezina, Joel & Ethan Coen - Shot | Reverse Shot (2016) Tony Zhou, Taylor Ramos, Amélie - Symmetry & Camera Movement (2016) Lessa Räbiger, Godard in Fragments (2016) kogonada, The Spielberg Touchscreen (2016) Ken Provencher, Graphic Spaces: Film Transitions in Steven Spielberg’s Filmmaking (2018) Andrea Minuz.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

Nel corso, l’impatto delle tecnologie e dei media digitali sui mondi della musica contemporanea verrà considerato da angolazioni teorico-metodologiche diverse. Nella prima fase del corso ci si soffermerà sul concetto stesso di culture musicali digitali e sulle dinamiche della loro formazione, riconsiderando prima di tutto la transizione dell’analogico al digitale nell’ambito della musica sia in prospettiva storica, attraverso un conciso sguardo d’insieme sull’evoluzione e sulle trasformazioni dell’industria musicale novecentesca e dei primi decenni del nuovo millennio, sia in prospettiva critico-analitica, cercando di comprendere e interpretare tali trasformazioni nelle loro ripercussioni e implicazioni sull’industria musicale come sistema, ma anche, in termini più generali, sul rapporto tra musica e comunicazione e tra musica e società. Successivamente saranno esaminati, in chiave storico-culturale, altri aspetti legati all’azione delle tecnologie digitali sulla musica, rivolgendo l’attenzione ai campi dell’ascolto musicale, della creazione musicale nell’ambito della musica d’arte odierna, della mediazione dell’esperienza della musica dal vivo. Relativamente a quest’ultimo tema, una specifica sezione del corso sarà dedicata all’opera in musica e alla mediazione della sua messa in scena attraverso il video nei suoi formati digitali, dal dvd allo streaming.

1. Gianni Sibilla, Musica e media digitali. Tecnologie, linguaggi e forme sociali dei suoni, dal walkman all’iPod, Milano, Bompiani, 2010

2. Michael D. Smith – Raul Telang, Streaming, sharing, stealing. I big data e il futuro dell’intrattenimento, Roma, Minimum fax, 2019 [capitoli 2, 4, 6, 7, 10]

3. Raphaël Nowak, Music Listening Activities in the Digital Age. An Act of Cultural Participation through Adequate Music, «Leonardo Music Journal», 26 (2016), pp. 20-23

4. Giacomo Albert, Post-music: l’ibridazione delle forme audiovisive nel XXI secolo tra performance e tecnologia, in La musica fra testo, performance e media. Forme e concetti dell’esperienza musicale, a cura di Alessandro Cecchi, Roma, NeoClassica, 2019, pp. 55-87

5. Emanuele Senici, Il video d’opera “dal vivo”: testualizzazione e “liveness” nell’era digitale, «Il Saggiatore musicale», 16/2, (2009), pp. 273-312

6. Caitlin Vincent, Digital Scenography in Opera in the Twenty-First Century, London and New York, Routledge, 2022 [capitolo 2]

I non frequentanti leggeranno inoltre:
Michael D. Smith – Raul Telang, Streaming, sharing, stealing. I big data e il futuro dell’intrattenimento, Roma, Minimum fax, 2019 [l’intero volume]

Lo strumento voce
-nozioni basilari di anatomia e fisiologia dell’organo vocale
-tecniche respiratorie per il canto
-fonazione, emissione e gestione del suono cantato
-classificazione delle voci e loro caratteristiche
-criteri e metodologie di base per l’educazione della voce cantata e dell’orecchio musicale
-canto corale ed espressione corporea

Il Coro
-il ruolo del direttore/insegnante
-coro di voci bianche, coro a voci pari, coro misto
-coro scolastico
-obiettivi didattici specifici e finalità formative
-strumento collettivo, individualità ed insieme
-creazione di un ambiente musicale inclusivo
-ascolto e esecuzione
-tecniche per l'apprendimento delle parti
-coro "a cappella" e coro con accompagnamento strumentale
-acustica corale
-dinamiche gestionali della musica vocale di insieme
-modelli di organizzazione del lavoro corale

Concertazione e direzione
-repertori corali
-scelta e adattamento dei brani
-elementi ritmici, melodici e armonici della partitura
-rapporto musica/testo cantato
-l'elaborazione estemporanea
-accompagnamento strumentale del coro
-elementi di organologia
-esecuzione e supporti tecnologici
-elementi di tecnica di direzione corale
-forza comunicativa del gesto direttoriale: natura tecnico/concertativa, interpretativa, poetica
-prassi esecutiva

Esercitazioni di esecuzione corale e di direzione di coro

Eventuali testi/dispense saranno segnalati o distribuiti durante il corso.

Le riviste di teatro e quotidiani durante il ventennio fascista:
Che cosa può raccontarci il teatro su una situazione politica estrema? I testi teatrali dicono poco, in caso di dittatura. Ma l’influenza della storia sul teatro può farci capire molte cose. Al centro del corso sta la proliferazione di riviste teatrali che avviene intorno alla metà degli anni Venti, con il fascismo già completamente consolidato, ma prima che inizino i veri cambiamenti decisi dall’alto sul teatro. La situazione politica influisce pesantemente, anche se, per tutti gli anni Venti, il teatro mostra ancora segni di vivacità e di volontà di cambiamento. Il corso prevede una esercitazione pratica su quotidiani e riviste teatrali.

1) Gianfranco Pedullà, Il teatro italiano nel tempo del fascismo, Titivillus (oppure: Emanuela Scarpellini, Organizzazione teatrale e politica del teatro nell’età fascista (scaricabile gratuitamente on line http://www.studiumanistici.unimi.it/files/_ITA_/Filarete/131.pdf)
2) Dossier Teatri nel fascismo, “Teatro e Storia” n. 38 (pp. 59-384)
3) Dossier L’anticipo italiano (“Teatro e storia” n. 29, pp. 27-256, può essere letto gratuitamente on-line dal sito di “Teatro e Storia”, http://www.teatroestoria.it/volumi.php)

Oggetto specifico di indagine sarà il teatro dialettale “d’eccezione” (in particolare quello di Raffaele Viviani), tassello essenziale per osservare in maniera nuova quel momento della storia del teatro italiano che la storiografia identifica con gli “anni del ritardo” rispetto al fenomeno della nascente regia teatrale. È prevista la visione e l’analisi di film tratti dai testi teatrali di Viviani ("La tavola dei poveri", regia di A. Blasetti, 1932, e "I dieci comandamenti", regia di M. Martone, 2000) e di spezzoni documentari inediti.

STUDENTI FREQUENTANTI (per essere considerato frequentante non sono ammesse più di 2 assenze):
1) Valentina Venturini, "Raffaele Viviani. La compagnia, Napoli e l’Europa", Roma, Bulzoni, 2008 (escluso il cap. IV)
2) Raffaele Viviani, "Dalla vita alle scene. L’altra biografia (1888-1947)", a c. di Maria Emilia Nardo, Napoli, Rogiosi editore, 2012 (http://www.rogiosi.it/)
3) Materiali a cura del docente (caricati nella sezione FILE del corso sulla piattaforma TEAMS)
4) FILM: "La tavola dei poveri" di A. Blasetti
5) FILM: "I dieci comandamenti di M. Martone" [https://www.youtube.com/watch?v=C51GiSPMxrU]
Avvertenze:
- copia dei film in programma, reperibili gratuitamente su you tube, è comunque a disposizione degli studenti presso la Biblioteca del Dams, via Ostiense 139, piano -1.


STUDENTI NON FREQUENTANTI:
1) Valentina Venturini, "Raffaele Viviani. La compagnia, Napoli e l’Europa, Roma, Bulzoni", 2008 (escluso il cap. IV)
2) "Raffaele Viviani, Dalla vita alle scene. L’altra biografia (1888-1947)", a c. di Maria Emilia Nardo, Napoli, Rogiosi editore, 2012 (http://www.rogiosi.it/)
3) Franca Angelini, "Teatro e spettacolo nel primo Novecento", Bari-Roma, Laterza, 2009
4) FILM: "La tavola dei poveri" di A. Blasetti
5) FILM: "I dieci comandamenti" di M. Martone [https://www.youtube.com/watch?v=C51GiSPMxrU]

Avvertenze:
- copia dei film in programma, reperibili gratuitamente su you tube, è comunque a disposizione degli studenti presso la Biblioteca del Dams, via Ostiense 139, piano -1.