Prende le mosse dagli aspetti di metodologia della ricerca storica, intesa sia come insieme di tecniche e strumenti operativi, sia come teoria storiografica per poi concentrarsi sul concetto di Storia globale.
La prima parte del corso (12 ore) orienta gli studenti sui principali elementi di storia della storiografia a partire dalla nascita della disciplina nel corso del XIX secolo. La seconda parte del corso (12 ore) affronta gli aspetti teorici e metodologici dell’uso delle fonti storiche con particolare riferimento alle “nuove fonti” e all’uso dinamico. La terza e ultima parte del corso (12 ore) si concentra sul tema monografico dell'uso delle fonti orali.

C. Sorba e F. Mazzini, La svolta culturale. Come è cambiata la pratica storiografica, Roma, Laterza, 2021 (184 pp., € 18,00)

Un libro a scelta tra:

- S. Conrad, Storia globale. Un’introduzione, Roma, Carocci, 2015 (212 pp., € 19,00)
- B. Bonomo, Voci della memoria, l’uso delle fonti orali nella ricerca storica, Roma, Carocci, 2015 (176 pp., € 18,00)

Il corso ruota attorno ai seguenti temi:
digitalizzazione dei media audiovisivi, convergenza multimediale, crossmedialità, culture videoludiche, moltiplicazione delle piattaforme distributive, multimedia storytelling, con un focus particolare sull'intrattenimento come metagenere dei media, dei social e dell’esperienza condivisa.

A. Arvidsson, A. Delfanti, Introduzione ai media digitali, seconda edizione
aggiornata, Bologna, Il Mulino, 2016

E. Menduni, Entertainment, Bologna, Il Mulino, 2013

T. BONINI, A. CALIANDRO, G. ANSELMI, La diffusione della musica
pop nel sistema ibrido dei media: tra piattaforme digitali e
broadcaster tradizionali, “Studi Culturali”, XVI, 2, pp. 225-56, 2019

L. BARRA, M. PERROTTA, “Il cinema italiano nell’era della
convergenza. Televisione, streaming, piattaforme digitali”, in
Scaglioni, M. (a cura di), Cinema Made in Italy, Roma, Carocci, 2020

Il corso è dedicato al cinema di Michelangelo Antonioni. Si ripercorre il suo itinerario artistico e si esamina il suo metodo di lavoro. Si propone un’analisi stilistica dettagliata dei suoi film. Si prendono in considerazione i principali nodi della riflessione sull'estetica antonioniana: la natura dell'immagine, la concezione dello spazio e del tempo, le forme della modernità, l'interpretazione dei cambiamenti sociali, esistenziali e artistici nel periodo che va dagli anni Cinquanta agli anni Settanta.

TESTI PER L'ESAME: Michelangelo Antonioni, Fare un film è per me vivere, Marsilio, Venezia 1994; Giorgio Tinazzi, Michelangelo Antonioni, Il Castoro Cinema, Milano 2002. Gli studenti non frequentanti devono leggere anche Sandro Bernardi, Il paesaggio nel cinema italiano, Marsilio, Venezia 2002, con un’attenzione particolare alle pp. 111-212 che sono dedicate ad Antonioni.

FILMOGRAFIA: Gente del Po (1943-1947), Nettezza urbana (1948), L’amorosa menzogna (1949), Superstizione (1949), Cronaca di un amore (1950), I vinti (1952), La signora senza camelie (1953), Le amiche (1955), Il grido (1957), L'avventura (1959), L'eclisse (1962), Il deserto rosso (1964), Blow-up (1966), Zabriskie Point (1970), Professione: reporter (1974). I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

Il corso si propone di attraversare criticamente la performance art, nella stagione cruciale che si dipana dalla fine degli anni Sessanta agli anni Settanta, sino ad arrivare alla contemporaneità.
Il filo conduttore è la pratica comportamentale e performativa, pubblica o privata, che abbia a tema il corpo, quello individuale dell’artista e la sua identità o di altri protagonisti, con modalità di intervento che permettono di indagare questioni legate all’autorappresentazione e al genere, alla dimensione esistenziale e del privato come pratica politica, alla temporalità come messa in discussione della condizione oggettuale dell’opera.
Saranno analizzati gli spazi della performance, con l’individuazione di interventi e pratiche che hanno avuto luogo nella dimensione domestica e privata dello studio; in spazi informali e alternativi; nelle gallerie; nello spazio pubblico e nell’ambito di istituzioni e grandi rassegne.
Particolare attenzione sarà rivolta all’analisi di:
- definizioni critiche;
- questioni connesse alle fonti e alla relazione tra pratica performativa, documentazione fotografica e video;
- questioni inerenti la conservazione, la musealizzazione e il reenactment dell’evento performativo.

1) T. Macrì, Slittamenti della performance, vol. 1, anni 1960-2000, Postmediabooks, Milano 2020
2) C. Mu, P. Martore, Performance Art. Traiettorie ed esperienze internazionali, Castelvecchi, Roma 2018
3) Ulteriore bibliografia verrà segnalata dalla docente all’inizio del corso e resa disponibile sul moodle del corso.

I non frequentanti integreranno con:

4) Un volume a scelta tra:
- I. Caleo, Performance, materia, affetti. Una cartografia femminista, Bulzoni Editori, Roma 2021
- C. M. Laudando, Reti performative. Letteratura, teatro, nuovi media, Tangram, Trento 2015
5) Studio monografico su un artista/un’artista o una mostra oggetto del corso da concordare con la docente.


Manuale di approfondimento per frequentanti e non frequentanti:
H. Foster, R. Krauss, Y.A. Bois, B.H.D. Buchloh, Arte dal 1900. Modernismo, Antimodernismo, Postmodernismo, Zanichelli, Milano 2006

Il corso affronta i fenomeni organizzativi del teatro e dello spettacolo dal vivo all’interno dell’evoluzione della dimensione urbana e territoriale nelle sue componenti morfologiche, sociali, percettive e culturali. Accanto alle strutture e alle pratiche tradizionali dello spettacolo vengono evidenziate le nuove forme di organizzazione della produzione culturale urbana e la relazione con le trasformazioni della città sul piano della rigenerazione, dell’innovazione sociale, della sostenibilità, delle questioni urbane attuali. Utilizzando case-studies, anche internazionali, con particolare riguardo alle ECoC (Capitale Europea della Cultura), alle Capitali italiane della Cultura, alle città creative Unesco, viene altresì illustrato il ruolo delle organizzazioni teatrali e culturali nella pianificazione strategica della città.

• Economia della cultura, politiche culturali e politiche urbane
• L’evoluzione della città e del territorio
• La lettura della città nelle sue diverse dimensioni
• L’impresa culturale e dello spettacolo
• La geografia organizzativa dello spettacolo dal vivo
• Gli spazi teatrali tradizionali
• I festival
• La politica dei grandi eventi e l’Estate Roma
• Le iniziative culturali bottom up e l’innovazione sociale
• Le residenze teatrali
• I nuovi spazi culturali e la rigenerazione urbana
• Le Capitali della Cultura e le città creative
• La pianificazione strategica culturale e il cultural planning

Per gli studenti frequentanti:
Lucio Argano "Guida alla progettazione della città culturale" editore FrancoAngeli, Milano, 2021 (pp. 514).

Per gli studenti non frequentanti:
Lucio Argano "Guida alla progettazione della città culturale" editore FrancoAngeli, Milano, 2021 (pp. 514).
Oliviero Ponte di Pino “Un teatro per il XXI secolo. Lo spettacolo dal vivo ai tempi del digitale” editore Franco Angeli, Milano, 2021 (pp. 188).

Nella contemporaneità l’arte influenza il discorso pubblico, divenendo “fabbrica di senso”, laboratorio della società civile, spazio e luogo della memoria pubblica, arena in cui definire socialmente le identità di genere, le appartenenze etniche e di classe sociale.
La prima parte del corso è dedicata allo studio della produzione artistica e delle politiche del consumo culturale. Affronta i seguenti temi: le teorie della "morte dell’autore", le teorie della ricezione, l’arte come pratica sociale, le definizioni istituzionali di valore artistico, i casi di “mancato riconoscimento” e le politiche del plagio, le politiche del genio, la canonizzazione e le pratiche di esclusione sociale, le teorie del capitale culturale, la formazione dei canoni artistici nella società dei media, il rapporto tra arte e pubblicità, il ruolo dei social media nella produzione delle reputazioni artistiche e nei "mondi dell'arte" più in generale, i processi di intermediazione artistica e le loro conseguenze sociali.
La seconda parte, invece, concerne le istituzioni artistiche e affronta i seguenti temi: arte e sfera pubblica, il monumento nello spazio urbano, l'arte come tecnologia della memoria, il consumo culturale del passato e il ruolo del cinema nella produzione della memoria pubblica dei passati controversi, i modelli sociologici di analisi dei musei e le politiche di allestimento museale, la rappresentazione nei musei delle identità etniche, i musei come tecnologie di genere, i musei on line, l'arte elettronica e l'arte multimediale.

1) Anna Lisa Tota e Antonietta De Feo (2019), Sociologia delle arti. Musei, memoria e performance digitali, Carocci, Roma.
2) Anna Lisa Tota, Lia Luchetti e Trever Hagen (2018) (a cura di) Sociologie della memoria. Verso un’ecologia del passato, Carocci, Roma.

Il corpo espanso. Arte e performance in Italia, 1968-1980

In Italia, tra anni ’60 e ’70 il corpo degli artisti e dei poeti diventa per la prima volta pienamente visibile anche grazie ai nuovi media (fotografia, cinema, televisione) e alla loro diffusione di massa. La trasformazione dell’artista in performer fa parte di una tendenza, tipica dello stesso periodo storico, a dissolvere i confini tra media, tradizioni e contesti diversi. Il corso esamina questa trasformazione in una serie di casi in cui il corpo, la presenza vivente dell’artista, diventa oggetto acquista un proprio valore esemplare. Saranno esaminati testi, film, fotografie di performance in Italia e della più ampia area delle esperienze performative in campo internazionale.

Hal Foster, Rosalind Krauss, Yve-Alain Bois, Benjamin Buchloh, Art since 1900, Thames & Hudson

Ri-Animazione: l’animazione contemporanea come nuova logica dominante delle immagini in movimento.

Tra la fine del XX e l’inizio del XXI secolo l’animazione si è andata configurando come l’orizzonte audiovisivo ideale per mettere in atto alcune delle sfide più stimolanti dal punto di vista tecnologico, estetico, narrativo, politico e culturale. E' in particolare attraverso la tecnologia digitale che l’animazione, per lungo tempo campo ancillare rispetto al "cinema-cinema", ha potuto riprendersi la scena riaffermando la sua identità non già di genere specifico, separato e secondario, quanto di insieme di forme espressive e di tecniche attraverso le quali è possibile configurare qualsiasi tipo di narrazione, praticare qualunque genere e colonizzare qualsivoglia medium e formato. Partendo da tali premesse, il corso propone una serie di riflessioni che prendono in esame le dinamiche e i meccanismi sottostanti alla realizzazione di alcuni dei principali successi dell’animazione mainstream per il cinema e la televisione. Ponendo particolare attenzione alla congiunzione tra le teorie e le pratiche, verranno indagati gli stili dei nuovi prodotti d’animazione guardando in primo luogo alla dialettica tra innovazione e tradizione, ma anche tra forme estetiche e narrative provenienti da paradigmi culturali differenti. Senza dimenticare il modo in cui i software per l'animazione vengono impiegati anche nel cinema in live action, si evidenzierà come il concetto di ri-animazione che dà il titolo al corso debba essere inteso anche nella direzione di una rivitalizzazione e problematizzazione, operate dall’animazione stessa, di questioni di natura storica, politica e culturale che coinvolgono le nuove immagini in movimento.

C. Uva, P. Wells (a cura di), Re-Animation.L’animazione contemporanea tra cinema, televisione, videoarte e nuovi media, «Imago. Studi di cinema e media», n. 16, 2017.

C. Uva, Il sistema Pixar, Il Mulino, Bologna 2017.

Nella contemporaneità l’arte influenza il discorso pubblico, divenendo “fabbrica di senso”, laboratorio della società civile, spazio e luogo della memoria pubblica, arena in cui definire socialmente le identità di genere, le appartenenze etniche e di classe sociale.
La prima parte del corso è dedicata allo studio della produzione artistica e delle politiche del consumo culturale. Affronta i seguenti temi: le teorie della "morte dell’autore", le teorie della ricezione, l’arte come pratica sociale, le definizioni istituzionali di valore artistico, i casi di “mancato riconoscimento” e le politiche del plagio, le politiche del genio, la canonizzazione e le pratiche di esclusione sociale, le teorie del capitale culturale, la formazione dei canoni artistici nella società dei media, il rapporto tra arte e pubblicità, il ruolo dei social media nella produzione delle reputazioni artistiche e nei "mondi dell'arte" più in generale, i processi di intermediazione artistica e le loro conseguenze sociali.
La seconda parte, invece, concerne le istituzioni artistiche e affronta i seguenti temi: arte e sfera pubblica, il monumento nello spazio urbano, l'arte come tecnologia della memoria, il consumo culturale del passato e il ruolo del cinema nella produzione della memoria pubblica dei passati controversi, i modelli sociologici di analisi dei musei e le politiche di allestimento museale, la rappresentazione nei musei delle identità etniche, i musei come tecnologie di genere, i musei on line, l'arte elettronica e l'arte multimediale.

1) Anna Lisa Tota e Antonietta De Feo (2019), Sociologia delle arti. Musei, memoria e performance digitali, Carocci, Roma.
2) Anna Lisa Tota, Lia Luchetti e Trever Hagen (2018) (a cura di) Sociologie della memoria. Verso un’ecologia del passato, Carocci, Roma.

Il corso affronta i fenomeni organizzativi del teatro e dello spettacolo dal vivo all’interno dell’evoluzione della dimensione urbana e territoriale nelle sue componenti morfologiche, sociali, percettive e culturali. Accanto alle strutture e alle pratiche tradizionali dello spettacolo vengono evidenziate le nuove forme di organizzazione della produzione culturale urbana e la relazione con le trasformazioni della città sul piano della rigenerazione, dell’innovazione sociale, della sostenibilità, delle questioni urbane attuali. Utilizzando case-studies, anche internazionali, con particolare riguardo alle ECoC (Capitale Europea della Cultura), alle Capitali italiane della Cultura, alle città creative Unesco, viene altresì illustrato il ruolo delle organizzazioni teatrali e culturali nella pianificazione strategica della città.

• Economia della cultura, politiche culturali e politiche urbane
• L’evoluzione della città e del territorio
• La lettura della città nelle sue diverse dimensioni
• L’impresa culturale e dello spettacolo
• La geografia organizzativa dello spettacolo dal vivo
• Gli spazi teatrali tradizionali
• I festival
• La politica dei grandi eventi e l’Estate Roma
• Le iniziative culturali bottom up e l’innovazione sociale
• Le residenze teatrali
• I nuovi spazi culturali e la rigenerazione urbana
• Le Capitali della Cultura e le città creative
• La pianificazione strategica culturale e il cultural planning

Per gli studenti frequentanti:
Lucio Argano "Guida alla progettazione della città culturale" editore FrancoAngeli, Milano, 2021 (pp. 514).

Per gli studenti non frequentanti:
Lucio Argano "Guida alla progettazione della città culturale" editore FrancoAngeli, Milano, 2021 (pp. 514).
Oliviero Ponte di Pino “Un teatro per il XXI secolo. Lo spettacolo dal vivo ai tempi del digitale” editore Franco Angeli, Milano, 2021 (pp. 188).

Prende le mosse dagli aspetti di metodologia della ricerca storica, intesa sia come insieme di tecniche e strumenti operativi, sia come teoria storiografica per poi concentrarsi sul concetto di Storia globale.
La prima parte del corso (12 ore) orienta gli studenti sui principali elementi di storia della storiografia a partire dalla nascita della disciplina nel corso del XIX secolo. La seconda parte del corso (12 ore) affronta gli aspetti teorici e metodologici dell’uso delle fonti storiche con particolare riferimento alle “nuove fonti” e all’uso dinamico. La terza e ultima parte del corso (12 ore) si concentra sul tema monografico dell'uso delle fonti orali.

C. Sorba e F. Mazzini, La svolta culturale. Come è cambiata la pratica storiografica, Roma, Laterza, 2021 (184 pp., € 18,00)

Un libro a scelta tra:

- S. Conrad, Storia globale. Un’introduzione, Roma, Carocci, 2015 (212 pp., € 19,00)
- B. Bonomo, Voci della memoria, l’uso delle fonti orali nella ricerca storica, Roma, Carocci, 2015 (176 pp., € 18,00)

Tema di quest'anno: Cultura, habitat, ambiente

1. Manuale e testi di riferimento:
Matthew Engelke, Pensare come un antropologo, Torino, Einaudi, 2018.
Marshall Sahlins, L'economia dell'età della pietra, Milano, elèuthera, 2020.

2. Approfondimenti o parte monografica:
Stefano De Matteis, Il dilemma dell'aragosta. La forza della vulnerabilità, Milano, Meltemi, 2021.

Introduzione generale. Gli elementi fondamentali. Metodi e tecniche. Il lavoro di campo.
Attualità dell’antropologia: chi sono gli altri; migrazioni; le società tradizionali; le società e le culture nel mondo globalizzato.
Un corso di formazione primaria utile a insegnanti, docenti, operatori sociali.

Lo studente sarà messo a confronto con dei casi studio da approfondire e analizzare.

Victor Turner, Dal rito al teatro, Bologna, Il mulino.

Tema di quest'anno: Cultura, habitat, ambiente

1. Manuale e testi di riferimento:
Matthew Engelke, Pensare come un antropologo, Torino, Einaudi, 2018.
Marshall Sahlins, L'economia dell'età della pietra, Milano, elèuthera, 2020.

2. Approfondimenti o parte monografica:
Stefano De Matteis, Il dilemma dell'aragosta. La forza della vulnerabilità, Milano, Meltemi, 2021.

Il corso mira a problematizzare l’insegnamento del cinema e delle discipline audiovisive nel più ampio contesto della media education, sia dal punto di vista teorico-metodologico che dal punto di vista pragmatico.
A partire dalla ridefinizione delle strategie didattiche conseguente all’uso sempre più frequente delle tecnologie digitali in ambito educativo, la prima parte del corso si concentrerà sulla presenza e la funzione dei media nella prassi pedagogica, tanto come oggetto di studio (educazione ai media e al linguaggio cinematografico) quanto come supporto alla didattica in numerose discipline differenti (educazione attraverso i media), con particolare attenzione ai media audiovisivi.
Nella seconda parte del corso la media education sarà posta in dialogo con le più recenti teorie elaborate nell’ambito dei media studies e studi di cultura visuale, per valutare l’efficacia di alcune strategie didattiche nell’ambito dell’educazione all’immagine. Focus specifici saranno: il digital storytelling; l'educational; le forme di "videocriticism" (videoessay e desktop documentary); l'uso dei social media nelle pratiche educative.

- Pier Cesare Rivoltella, Media Education. Idea, metodo, ricerca, ELS La Scuola, Brescia 2017
- Dispense a cura del docente

Il corso si concentra sulle forme della Media Literacy nella cultura digitale contemporanea. La prima parte è di ordine teorico e si confronta con le trasformazioni delle forme pedagogiche e di apprendimento scolastico interpretate in sinergia con le nuove forme di spettatorialità basate sulle logiche delle culture partecipative. La seconda parte è invece incentrata sulle forme del crito-film e del video-saggio. Lette in continuità con le analisi teoriche sul motivo della cornice, del paratesto e dello schermo, tali pratiche critico-espressive reinterpretano motivi e stili peculiari della storia del cinema e dell’arte promuovendo un’inedita elaborazione educativa e creativa di confronto con le immagini contemporanee.

Pier Cesare Rivoltella, Nuovi alfabeti. Educazione e culture nella società post-mediale, Scholé, Brescia, 2020.
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria di Via G. Rocco, n. 11.

Per i non frequentanti, a scelta:
Chiara Grizzaffi, I film attraverso i film. Dal “testo introvabile” ai video essay, Mimesis, Milano-Udine 2017
Henry Jenkins, Culture partecipative e competenze digitali. Media education per il XXI secolo, Guerini, Milano 2010.

FILM E VIDEOGRAFIA:
lungometraggi: Be Kind Rewind (2007) Michel Gondry; Shirley: Visions of Reality (2013) Gustav Deutsch.

cortometraggi, videosperimentali, videomusicali: I bambini al cinema (1957) Francesco Maselli; Zorns Lemma (1970) Hollis Frampton; Live-taped Video Corridor (1970) Bruce Nauman; Present Continuous Past (1974) Dan Graham; Monitor (1974) Stephen Partridge; Mein Fenster (La mia finestra, 1979) Zbigniew Rybczynski; Media (1980) Zbigniew Rybczynski; Tele-racconto (1991) Giacomo Verde; Evidence (1995) Godfrey Reggio; Blinkenlights (2001) Chaos Computer Club; Star Guitar (music video The Chemical Brothers, 2002) Michel Gondry; Arcade (2002) Chaos Computer Club; La pozzanghera (2006) Studio Azzurro; Stereoscope (2008) Chaos Computer Club;

antologia di found footage film: Trade Tattoo (1937) Len Lye, Rainbow Dance (1936) Len Lye, Rose Hobart (1939) Joseph Cornell, Le film est déjà commencé? (1951) Maurice Lemaitre, A movie (1958) Bruce Conner, Very Nice, Very Nice (1961) Arthur Lipsett, La rabbia (1963) Pier Paolo Pasolini, La verifica incerta (1965) Gianfranco Baruchello, Alberto Grifi, Movie Drome (1965-1968) Stan Vanderbeek, The Cut-Ups (1966) William S. Burroughs, Antony Balch, Exploding Plastic Inevitable (1966) Andy Warhol, Le stelle di Mario Schifano (1967), L’inizio (Načalo, 1967) Artavazd Pelešian, Tom Tom the Piper’s Son (1969-1971) Ken Jacobs, La société du spectacle (1973) Guy Debord, Technology Transformation: Wonder Woman (1978) Dara Birnbaum, Mongoloid (music video Devo, 1978) Bruce Conner, Koyaanisqatsi (1983) Godfrey Reggio, A TV Dante. The Inferno (1985-1989) Peter Greeneway e Tom Phillips, Dal polo all’equatore (1986) Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi, Art of Memory (1987) Woody Vasulka, Steps (1987) Zbigniew Rybczynski, Histoire(s) du cinéma. 1a Toutes les histoires (1988) Jean Luc Godard, Dab (1988-2016) John Oswald, Alchemie (1992) Jürgen Reble, Filmarilyn (1992) Paolo Gioli, Passage à l’acte (1993) Martin Arnold, 24 Hour Psycho (1993) Douglas Gordon, Telephones (1995) Christian Marclay, The Georgetown Loop (1996) Ken Jacobs, Yours (1997) Jeff Scher, Film Ist 1. Movement and time (1998) Gustav Deutsch, L’arrivée (1998) Peter Tscherkassky, Outer Space (1999) Peter Tscherkassky, Essere morti o essere vivi è la stessa cosa (2000) Gianluigi Toccafondo, The Pentagon Tv Commercials (2003) Cane CapoVolto, Fast Film (2003) Virgil Widrich, Celestial Subway Lines/ Salvaging Noise (2004) Ken Jacobs, Sync(Watch) (2005) Marco Brambilla, 24 seconds Psycho (2005) Chris Bors, Installazione Film Ist (1-12) (2006) Gustav Deutsch, Crumax Rins (2006, visual Plaid) Bob Jaroc, Blob. THI$ I$ NOTH&ND (2008), Domine Jesus (2008) Leonardo Carrano, Alessandro Pierattini, Pasolini Requiem (2009) Mario Verger, The Clock (2010) Christian Marclay, Delia Derbyshire, Loop Composer (2011) AK_Alias, Blue Matter, Change Your Mind (2011) AK_Alias, Distorted Times (2012) Gideon van der Stelt, Creation (2012) Marco Brambilla, Cinema rianimato n. 3 (2012) Daniele Puppi, Cirrus (music video Bonobo, 2013) Cyriak, The Emoshjining (2014) Donato Sansone, Sigla Mostra Internazionale del Cinema di Pesaro (2016) Virgilio Villoresi, Purge The Odd Couple (2017) Pogo, RedruM (2018) Pogo;

antologia di crito-film: Stile di Piero della Francesca (1954) Carlo Ludovico Ragghianti, Carpaccio (1947) Roberto Longhi e Umberto Barbaro, Il dramma di Cristo (1948) Luciano Emmer ed Enrico Gras, Pittori di provincia (1953) Lucio Fulci, Cinéastes de notre temps (1964-1972) e Cinéma, de notre temps (1989-2018);

antologia di video-essay: Le combat avec l’ange (2004) Alain Bergala, The Doors of Perspection (2011) People Like Us (Vicki Bennett), Double Lives, Second Chances (2011) Cristina Álvarez López, Kubrick // One Point Perspective (2012) kogonada, Tarantino // From Below (2012) kogonada, Wes Anderson // From Above (2012) kogonada, The Career of Paul Thomas Anderson in Five Shots (2012) Kevin B. Lee, Rear Window Timelapse (2012) Jeff Desom, Zero De Doom (2012) Matthew Cheney, The Essay Film: Some Thoughts of Discontent (2013) Kevin B. Lee, Screen and Surface, Soft and Hard: the Cinema of Leos Carax (2013)Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, [De Palma’s] Vision (2014) Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, Wes Anderson // Centered (2014) kogonada, Peter Greenaway // Centered (2014) LaurentG, Evolution of the Dolly Zoom (2014) Vashi Nedomansky, Eyes of Hitchcock (2014) kogonada, Alphaville - A Crystal Maze (2014) Henrike Lindenberger, Cross-cut (2014) Drew Morton, Last Year At The Overlook (2015) Drew Morton, The Dutch Angle (2015) Jacob T. Swinney, First and Final Frames (2015) Jacob T.Swinney, The Definition of Film (2015) Richard Misek, Auteur in Space (2015) kogonada, Volumetric Cinema (2015) Kevin L. Ferguson, Manderley Motel (2015) Corey Creekmur, Blue Shining (2015) Richard Vezina, Joel & Ethan Coen - Shot | Reverse Shot (2016) Tony Zhou, Taylor Ramos, Amélie - Symmetry & Camera Movement (2016) Lessa Räbiger, Godard in Fragments (2016) kogonada, The Spielberg Touchscreen (2016) Ken Provencher, Graphic Spaces: Film Transitions in Steven Spielberg’s Filmmaking (2018) Andrea Minuz.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

Qual è, oggi, la effettiva consistenza (e senso, e forza e influenza, e quindi “finalità”) della critica teatrale?
Conclusa ormai da qualche anno (indicativamente con la fine del secolo scorso) l’epoca dei “grandi critici”, autori di eleganti e colte scritture di cui ogni giornale si dotava (a volte anche con gesti e contratti di reale concorrenza) domina oggi una nuova forma di critica teatrale assai sviluppata su tutti i piani (e gli strumenti) della comunicazione.
Senza voler dare giudizi o patenti discriminatorie, sarà interessante indagare e conoscere le modalità di scrittura e di influenza tra chi opera sulla carta stampata, chi sul web, chi sugli strumenti tecnologici (non più solo verbali) oggi a disposizione. Ad esempio esaminando come talvolta anche quella che una volta era descrizione, indagine, analisi di uno spettacolo, possa oggi tramutarsi essa stessa a sua volta in operazione di “creatività artistica”.
Sarà interessante indagare (coinvolgendo gli allievi in prima persona) su possibili contraddizioni, conflitti d’interesse e velleità che rendono complesso oggi il mondo e i modi della “critica teatrale”.
Dopo questo approfondimento introduttivo, sarà il caso di ripercorrere sinteticamente origini, sviluppo e metodi del fare critica, sulla carta stampata e sui nuovi media, fino alla sua relativa trasformazione da operazione prevalentemente “letteraria” (o di bella scrittura) in quelle successive di informazione di tipo generalista e massivo che può portare oggi in qualche caso a talune forme di “sovrapposizione” tra il ruolo del critico e quello dell’ufficio stampa.
Indagare, quindi, la eventuale “moralità” di un ruolo e di una funzione, ovvero anche le loro possibilità e finalità; ovvero se sia ancora oggi primaria la necessità informativa e strumentale del lettore/spettatore.

La bibliografia di riferimento verrà definita, nel corso delle lezioni, insieme agli studenti

Percorso storico:
Supportato da alcune lezioni di inquadramento lo studente studierà autonomamente i movimenti e gli autori più significativi del Novecento. Sarà fornito un breve elenco delle composizioni da ascoltare.
Approfondimento:
Il corso si focalizzerà su György Ligeti.

Percorso storico:
Un manuale a scelta tra: ELVIDIO SURIAN, Manuale di Storia della Musica, Vol. IV (Il Novecento), Milano, Rugginenti, 2002; GIACOMO FRONZI, Percorsi musicali del Novecento. Storie, personaggi, poetiche da Schoenberg a Sciarrino, Roma, Carocci, 2021 (consigliato per i non musicalmente alafabetizzati); JEAN-NOËL VON DER WEID, La musica del XX secolo. Le opere, i compositori, le tecniche, i linguaggi, gli scritti, la critica, le tendenze, Lucca, Ricordi-LIM, 2002.
Approfondimento:
Parti selezionate da: MARIA GRAZIA SITÀ, Béla Bartók, Palermo, L’Epos, 2008; INGRID PUSTIJANAC, György Ligeti. Il maestro dello spazio immaginario, Lucca, LIM, 2013

Il corso si concentra sulla storia della musica, in particolare sulla storia della musica d’arte occidentale, in chiave didattica, soffermandosi, in successione, sui seguenti argomenti:
a. la storia della musica come disciplina scolastica: discussione su prospettive e metodi del suo insegnamento sullo sfondo degli attuali paradigmi e orizzonti storiografici della ricerca nell’ambito della musicologia storica;
b. testi, persone, idee e fatti nella storia della musica: dalle fonti alle modalità della “narrazione” storiografica. In relazione a questo punto sarà condotto un approfondimento sugli orientamenti della manualistica odierna di settore per i licei, per i conservatori e per l’universitaria in Italia e sarà esaminato un caso di studio concreto, tra sviluppi recenti della ricerca musicologica e resa manualistica dell’argomento;
c. l’approfondimento delle composizioni musicali attraverso le risorse della didattica dell’ascolto; d. lineamenti e spunti per l’insegnamento della storia della musica al livello della scuola secondaria di secondo grado in Italia: la costruzione di percorsi didattici intra e interdisciplinari.

1. Carl Dahlhaus, Che significa e a quale fine si studia la storia della musica?, «Il Saggiatore musicale», XII, 2005, pp. 219-230

2. Cristina Cano, Didattica della Storia della Musica, «Musica/Realtà», XV, n. 45, dicembre 1994, pp. 89-115

3. Maurizio Giani, Canone retrogrado, in Educazione musicale e formazione, a cura di Giuseppina La Face Bianconi e Franco Frabboni, Milano, Franco Angeli, 2008, pp. 200-209

4. Fabrizio Della Seta, Musica nella storia e musica come storia, in Educazione musicale e formazione, a cura di Giuseppina La Face Bianconi e Franco Frabboni, Milano, Franco Angeli, 2008, pp. 379-386

5. Andrea Chegai, Paolo Russo, La didattica della storia della musica, «Il Saggiatore musicale», XV, 2008, pp. 269-279

6. Stephen Meyer, Leaving the Wolf’s Glen: Measuring Decanonization in the Digital Age, «Musica Docta», VI, 2016, pp. 61-67

7. Giuseppina La Face Bianconi, La didattica dell’ascolto, «Musica e storia», XIV/3, 2006, pp. 511-544

8. Mario Carrozzo, Ciclicità e programma nella musica strumentale: la “Symphonie fantastique” di Hector Berlioz e la “Bergsymphonie” di Franz Liszt, Approfondimento 35.2 in Id. – Cristina Cimagalli, Storia della musica occidentale, vol. 3, 2009 (19991), pp. 151-159

9. Giuseppina La Face Bianconi, Testo e musica: leggere, ascoltare, guardare, «Musica Docta», II, 2012, pp. 31-54

10. Giuseppina La Face Bianconi, Creatività e immagini in due Lieder di Schubert, «Musica Docta», IV, 2014, pp. 57-74

11. Andrea Malvano, Da Mallarmé a Bozzetto: un percorso didattico interdisciplinare sul “Prélude à
l’après-midi d’un faune” di Claude Debussy, «Musica Docta», VIII, 2018, pp. 127-147

(La presente bibliografia vale per i punti a., c., d. del “Programma”. I testi di riferimento per il punto b. del “Programma” saranno indicati dal docente all’inizio del corso)

Le emozioni: definizione, funzioni biologiche e sociali, tipi, regolazione, espressione e comunicazione. Emozioni primarie, emozioni dell’immagine, cognitive, sociali, morali. Le emozioni nell’interazione interpersonale, sul lavoro, nell’insegnamento e nell’apprendimento, nella politica, nell’arte, la musica e lo spettacolo.Processi cognitivi, affettivi e relazionali implicati nella comunicazione in tutte le sue modalità corporee (parole e frasi, prosodia e intonazione, gesti, espressione facciale, sguardo, contatto fisico, postura, prossemica, musica) e tecnologiche. Analisi della comunicazione sincera e ingannevole, cooperativa e aggressiva, e suoi usi nell’interazione interpersonale, sul lavoro, nell’educazione, nella politica, nello spettacolo.

Programma del corso “Psicologia delle emozioni e della comunicazione multimodale” da 6 CFU
I testi da portare all’esame sono i seguenti:

A. D’Urso V. e Trentin R.: Introduzione alla psicologia delle emozioni. Laterza, Bari 2006.
B. Poggi I.: Psicologia della comunicazione. La mente, il corpo, gli altri. Milano, Mondadori 2022.

Programma per chi ha nel piano di studi Psicologia delle Emozioni, 6 CFU,
I testi da portare all’esame sono i seguenti:

A. D’Urso V. e Trentin R.: Introduzione alla psicologia delle emozioni. Laterza, Bari 2006.
B. Poggi I. (a cura di): La mente del cuore. Roma, Armando 2008.
C. Un testo o insieme di testi, a scelta fra i 13 punti del seguente elenco:

1. Castelfranchi C.: Che figura. Emozioni e immagine sociale. Il Mulino, Bologna 2005.
2. Nussbaum, M.: L’intelligenza delle emozioni. Il Mulino, Bologna 2013.
3. Matarazzo O. e Zammuner V. (a cura di): La regolazione delle emozioni. Il Mulino, Bologna 2012.
4. Ledoux J.: Il cervello emotivo. Baldini e Castoldi, Milano 2005.
5. Damasio A.R.: Emozione e coscienza. Adelphi, Milano 2010.
6. Miceli M. e Castelfranchi C.: Expectancy and Emotion. Oxford University Press, Oxford 2013.
7. D’Amico A.: Intelligenza emotiva e metaemotiva. Il Mulino, Bologna. 2018.
8. Palvarini P.: Le emozioni che rendono forti. Il lavoro con le emozioni in psicoterapia. Alpes Italia.
9. Levorato M.C.: Le emozioni della lettura. Mulino, Bologna, 1999.
10. Gallese V. e Guerra M.: Lo schermo empatico. Cinema e neuroscienze. Raffaello Cortina, Milano 2015.
11. Boulez P., Changeux J.P. e Manoury P.: I neuroni magici. Musica e cervello. Carocci, Roma 2016.
12. Mado Proverbio A.: Neuroscienze cognitive della musica. Il cervello musicale tra arte e scienza. Bologna, Zanichelli 2019

13. 4 articoli sulle emozioni (diversi da quelli eventualmente scelti per il punto B) fra i seguenti, scaricabili dal link:
https://www.researchgate.net/profile/Isabella_Poggi


Programma per chi ha nel piano di studi Psicologia della Comunicazione Multimodale, 6 CFU.
I testi da portare all’esame sono i seguenti:

A. Poggi I.: Psicologia della comunicazione. La mente, il corpo, gli altri. Milano, Mondadori 2022.
B. Un testo o insieme di testi, a scelta fra gli 8 punti del seguente elenco:

1. Bazzanella C.: Linguistica cognitiva. Un’introduzione. Laterza, Bari 2014.
2. Gallese V. e Guerra M.: Lo schermo empatico. Cinema e neuroscienze. Raffaello Cortina, Milano 2015.
3. Boulez P., Changeux J.P. e Manoury P.: I neuroni magici. Musica e cervello. Carocci, Roma 2016.
4. Cavalieri R. e Chiricò D.: Parlare, segnare. Introduzione alla fisiologia e alla patologia delle lingue verbali e dei segni. Bologna, Il Mulino.
5. Benedetti F.: L’effetto placebo. Breve viaggio tra mente e corpo. Roma, Carocci 2018.
6. Viale R.: Oltre il nudge. Libertà di scelta, felicità e comportamento.
7. Bologna, Il Mulino. Mortara Garavelli B. Il parlar figurato. Manualetto di figure retoriche. Bari, Laterza.
8. Bambini V. Il cervello pragmatico. Roma, Carocci.
9. Nobile L. e Lombardi Vallauri E.: Onomatopea e fonosimbolismo. Roma, Carocci.
10. Ferrari M. e Paladino P.: L'apprendimento della lingua straniera. Roma, Carocci.

11. La seguente coppia di testi:

- Arielli E. e Bottazzini P.: Idee virali. Perché i pensieri si diffondono. Bologna, Il Mulino.
- Riva G.: I social network. Bologna, Il Mulino

12. La seguente coppia di testi:
- Cavazza N.: Pettegolezzi e reputazione. Bologna, Il Mulino.
- Riva G.: Fake news: vivere e sopravvivere in un mondo post-verità. Bologna, Il Mulino

13. 4 articoli sulla comunicazione multimodale scelti fra i seguenti, scaricabili dal link:
https://www.researchgate.net/profile/Isabella_Poggi

Analizzando prevalentemente le culture teatrali del primo Novecento, il corso introduce lo studente al rapporto critico con testi, archivi, documenti riguardanti visioni e prospettive sui fattori basilari sulla composizione della performance: movimento, spazio, espressione, ritmo.
Le lezioni affrontano testi ed esperienze del movimento espressivo, dei suoi valori formali e simbolici, nella riflessione e nella pratica sull'azione fisica, tra teatro, danza, ginnastica, fotografia, arti visive e antropologia. Lo studente è introdotto nella parte finale all'uso diretto del testo e del documento come strumento di conoscenza delle tradizioni delle professioni dello spettacolo.

S. Ejzenstejn, Sulla biomeccanica, Armando.
S. Ejzenstejn, Il movimento espressivo. Scritti sul teatro, Marsilio (esaurito, file con i saggi richiesti per l'esame fornito a richiesta dal docente).
A. Warburg, Il rituale del serpente, Adelphi.
M- Mauss, Le tecniche del corpo, a c. di M. Fusaschi, ETS.
P. Apolito, R. Guarino e altri, Ritmo, Grenelle.

Il corso propone lo studio di alcune esperienze nate nel contesto della cultura dell’avanguardia giapponese post-bellica e che hanno influenzato la danza del secondo Novecento trasformandone i principi e le estetiche e proponendo una nuova filosofia del corpo e del movimento. Attraverso l’osservazione del Butoh e delle sue origini, verranno analizzate le esperienze di danzatori giapponesi che sono stati attivi come performer e come pedagoghi in Europa e i percorsi di alcuni loro allievi occidentali, individuando gli elementi di continuità e frattura ee evidenziando gli aspetti fecondi di una delle grandi rivoluzioni della danza del secolo scorso.

- Trasform'azioni – rassegna internazionale di danza butō. Fotografia di un'esperienza, a cura di Samantha Marenzi, Editoria & Spettacolo, Roma 2010
- Paola Bianchi, Corpo politico. Distopia del gesto utopia del movimento, a cura di Silvia Bottiroli e Silvia Parlagreco, Editoria & Spettacolo, Spoleto 2014
- I corpi del Butō. Fotografie di danza tra Oriente e Occidente, a cura di Samantha Marenzi, Postcart, Roma 2018 (catalogo mostra).
- Dispense a cura della docente disponibili sul canale Teams del corso

Analizzando prevalentemente le culture teatrali del primo Novecento, il corso introduce lo studente al rapporto critico con testi, archivi, documenti riguardanti visioni e prospettive sui fattori basilari sulla composizione della performance: movimento, spazio, espressione, ritmo.
Le lezioni affrontano testi ed esperienze del movimento espressivo, dei suoi valori formali e simbolici, nella riflessione e nella pratica sull'azione fisica, tra teatro, danza, ginnastica, fotografia, arti visive e antropologia. Lo studente è introdotto nella parte finale all'uso diretto del testo e del documento come strumento di conoscenza delle tradizioni delle professioni dello spettacolo.

S. Ejzenstejn, Sulla biomeccanica, Armando.
S. Ejzenstejn, Il movimento espressivo. Scritti sul teatro, Marsilio (esaurito, file con i saggi richiesti per l'esame fornito a richiesta dal docente).
A. Warburg, Il rituale del serpente, Adelphi.
M- Mauss, Le tecniche del corpo, a c. di M. Fusaschi, ETS.
P. Apolito, R. Guarino e altri, Ritmo, Grenelle.

Il corso propone lo studio di alcune esperienze nate nel contesto della cultura dell’avanguardia giapponese post-bellica e che hanno influenzato la danza del secondo Novecento trasformandone i principi e le estetiche e proponendo una nuova filosofia del corpo e del movimento. Attraverso l’osservazione del Butoh e delle sue origini, verranno analizzate le esperienze di danzatori giapponesi che sono stati attivi come performer e come pedagoghi in Europa e i percorsi di alcuni loro allievi occidentali, individuando gli elementi di continuità e frattura ee evidenziando gli aspetti fecondi di una delle grandi rivoluzioni della danza del secolo scorso.

- Trasform'azioni – rassegna internazionale di danza butō. Fotografia di un'esperienza, a cura di Samantha Marenzi, Editoria & Spettacolo, Roma 2010
- Paola Bianchi, Corpo politico. Distopia del gesto utopia del movimento, a cura di Silvia Bottiroli e Silvia Parlagreco, Editoria & Spettacolo, Spoleto 2014
- I corpi del Butō. Fotografie di danza tra Oriente e Occidente, a cura di Samantha Marenzi, Postcart, Roma 2018 (catalogo mostra).
- Dispense a cura della docente disponibili sul canale Teams del corso

Partendo dall’esame dell’opera in prosa e in versi di Stéphane Mallarmé, il corso si propone un’analisi ravvicinata dei testi, collocando questi lavori all’interno del suo contesto storico-letterario.

Mallarmé, Poesie e prose, tr. A. Guerrini – V. Ramacciotti, Garzanti, 2005
Mallarmé, Poesie, tr. C. De Carolis, Marsilio, 2017
M. Luzi, Studio su Mallarmé, Solfanelli, 2018.

l modulo si propone come corso introduttivo alla sociolinguistica. A questo scopo si presenteranno la collocazione epistemologica della sociolinguistica, con particolare riguardo agli orientamenti correlazionale e interazionale, le sue nozioni fondamentali e gli strumenti di cui si serve.

Berruto, G. – M. Cerruti, (2015), Manuale di sociolinguistica, Torino, UTET

Ulteriore materiale indicato dalla docente a lezione.

Il corso insegnerà le competenze linguistiche, scritte e orali, ritenute necessarie per acquisire la conoscenza della lingua inglese di livello B2, con particolare attenzione a quelle inerenti all'ambito artistico e multimediale. Ci si soffermerà soprattutto sugli aspetti grammaticali, sintattici e lessicali relativi al contesto comunicativo del mondo artistico e che consentano la comprensione approfondita di testi delle discipline di cinema, teatro e televisione.

Peter May, "Compact First. Student's Book with Answers. Second Edition", Cambridge University Press.

Raymond Murphy, "English Grammar in Use. Fifth Edition," Cambridge University Press.

Nel corso, l’impatto delle tecnologie e dei media digitali sui mondi della musica contemporanea verrà considerato da angolazioni teorico-metodologiche diverse. Nella prima fase del corso ci si soffermerà sul concetto stesso di culture musicali digitali e sulle dinamiche della loro formazione, riconsiderando prima di tutto la transizione dell’analogico al digitale nell’ambito della musica sia in prospettiva storica, attraverso un conciso sguardo d’insieme sull’evoluzione e sulle trasformazioni dell’industria musicale novecentesca e dei primi decenni del nuovo millennio, sia in prospettiva critico-analitica, cercando di comprendere e interpretare tali trasformazioni nelle loro ripercussioni e implicazioni sull’industria musicale come sistema, ma anche, in termini più generali, sul rapporto tra musica e comunicazione e tra musica e società. Successivamente saranno esaminati, in chiave storico-culturale, altri aspetti legati all’azione delle tecnologie digitali sulla musica, rivolgendo l’attenzione ai campi dell’ascolto musicale, della creazione musicale nell’ambito della musica d’arte odierna e della musica per film.

1. Michael D. Smith – Raul Telang, Streaming, sharing, stealing. I big data e il futuro dell’intrattenimento, Roma, Minimum fax, 2019 [capitoli 1, 2, 4, 5-7, 10]

2. Stefano Lombardi Vallauri, “An Index of Metals” di Romitelli/Pachini: un saggio astratto-materico multimediale sulla corruzione, in Worlds of Audiovision, 2012, pp. 1-11
http://www-5.unipv.it/wav/index.php?option=com_content&view=article&id=79&lang=it

3. Giacomo Albert, Post-music: l’ibridazione delle forme audiovisive nel XXI secolo tra performance e tecnologia, in La musica fra testo, performance e media. Forme e concetti dell’esperienza musicale, a cura di Alessandro Cecchi, Roma, NeoClassica, 2019, pp. 55-87

4. Le nuove scritture musicali per il cinema, a cura di Roberto Calabretto e Luca Cossettini, Lucca, LIM, 2022 [i contributi di Calabretto, Stopar, Cossettini, Frattini, Giagni, Alberghini, Levine]

I non frequentanti leggeranno per intero i volumi indicati ai punti 1 e 4.

Inquadramento della materia:
• Cos’è l’analisi musicale; suo rapporto con le altre discipline musicologiche
• Cenni di storia dell’analisi musicale
Cenni alle metodologie principali dell’analisi musicale:
• Didattica della forma (Formenlehre) e teorie organicistiche
• Struttura fondamentale (Heinrich Schenker)
• Elaborazione tematica (Rudolph Réti)
• Analisi morfologica
• Analisi fraseologica (Hugo Riemann)
• Analisi stilistica (Jan La Rue)
• Analisi semiotica (Nicholas Ruwet)
Esercitazioni di analisi fraseologica:
• Analisi della melodia
• Analisi ritmico-metrica
Esercitazioni di analisi morfologica:
• Esempi di macro-forma legata al testo poetico:
• Modello a segmenti (Mottetto; Madrigale del ‘500)
• Modello tripartito (Aria d’opera del ‘700)
• Modelli formali del Lied (strofico; strofico variato; durchkomponiert)
• Modello della “solita forma” nel melodramma dell’800
• Esempi di macro-forma strumentale:
• Forme mono-partite:
• tipologie formali delle variazioni (variazioni su basso ostinato; variazioni su cantus firmus; variazioni su schema armonico; variazioni ornamentali nel Tema e variazioni)
• tipologie formali della fuga
• Forme bipartite (movimento di danza della Suite barocca)
• Forme tripartite:
• Forma-sonata
• Forma-rondò (forma ritornello; forma rondò)
Esercitazioni di analisi del lavoro tematico

CLEMENS KÜHN, Il linguaggio delle forme nella musica occidentale, Milano, Unicopli, 1987: parte III (Musica e tempo), IV (Elementi strutturali della composizione), V (Melodia) e VI (Forma musicale e opera musicale)
IAN BENT – WILLIAM DRABKIN, Analisi musicale, Torino, EDT, 1990: capitoli I (L’analisi musicale in generale) e IV (La metodologia dell’analisi)

Il corso intende analizzare le relazioni tra arti visive, suono e musica dagli anni Sessanta alla contemporaneità.
Con un percorso trasversale, che tiene conto di continuità e discontinuità tra le avanguardie storiche e la stagione della neoavanguardia, sarà analizzato il “silenzio” di John Cage in relazione al monocromo, alla dematerializzazione dell’opera, all’happening e alla “teatralità” minimalismo. Saranno inoltre analizzate pratiche comportamentali-performative che hanno incentrato la propria poetica sulla voce e sulle sonorità corporali, anche in relazione all’utilizzo delle nuove tecnologie, o che hanno utilizzato il suono e la musica, in uno scenario di ricerca che attraversa l’arte processuale, l’arte povera per arrivare alla contemporaneità.
Particolare attenzione sarà data a:
- problematiche delle definizioni critiche per tratteggiare il campo di interazione e sperimentazione tra suono e immagine;
- analisi di mostre dedicate al rapporto tra arte e suono;
- presenza del suono nelle installazioni immersive, con particolare attenzione alla dimensione della spettatorialità nel passaggio dalla fruizione contemplativa alla partecipazione e all’interazione multisensoriale;
- questioni legate alle fonti, agli Archivi e alla musealizzazione della Sound Art.

1) F. Poli (a cura di), Arte contemporanea. Le ricerche internazionali dalla fine degli anni ’50 a oggi, Electa, Milano 2003, pp. 36-221 [PDF scaricabili sul moodle del corso]

2) Flavia De Sanctis Mangelli e Giulia Pedace (a cura di), When Sound Becomes form. Sperimentazioni sonore in Italia 1950-2000, Mandredi Edizioni, Imola 2019

3) Art or sound, catalogo della mostra (Venezia, Fondazione Prada Ca’ Corner della Regina, 7 giugno – 8 novembre 2014), a cura di G. Celant, Fondazione Prada, Milano 2014 [in particolare i saggi: G. Celant, Dal plurilinguismo al multisensoriale; C. Cox, Vedere non è sentire. Sinestesia, anestesia e arte audiovisiva; L. Chessa, Un’orchestra metafisica. Una ricerca sulla ricostruzione degli intonarumori; R. Young, Così brutalmente forzata. La svolta del dopoguerra dalla musica al suono; E. de Visscher, Il silenzio come scultura musicale. John Cage e gli strumenti di 4’33’’; G. Dayal, Musica sperimentale e performance. David Tudor, John Cage e Merce Cunningham; Jo Applin, Rumore ottico. Il suono della scultura negli anni ’60; A. Licht, Il rumore della superficie. Rendere l’arte udibile nel XX Secolo; S. Menegoi, Sound Art? Arti visive e suono al passaggio fra anni ’70 e ’80; H. Rogers, Sinestesia distorta. Il video musicale e le arti visive]

4) P. Fameli, Il corpo risonante. Vocalità e gestualità nel Novecento, Campanotto Editore, Pasian di Prato (UD) 2013, pp. 43-84

I non frequentanti integreranno con un approfondimento da concordare con la docente.

Bibliografia di riferimento per approfondimenti degli argomenti trattati a lezione:

“Almanacco Letterario Bompiani”, annate 1960, 1961, 1962, 1963

J.P. Armengaud, La musique chauve de Jean Dubuffet, Séguier, Paris 1991

D. Ashton., Kline com’era e com’è, in Franz Kline 1910-1962, catalogo della mostra (Rivoli, Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, 20 ottobre 2004 – 31 gennaio 2005), a cura di C. Christov-Bakargiev, Skira, Milano 2004, pp. 20-39

“Azimuth”, 1959-1960 (articoli analizzati a lezione; scaricabili i numeri completi http://www.capti.it/index.php?ParamCatID=1&id=26&lang=IT )

E. Battistini, Il silenzio sonoro di John Cage tra arti visive e musicali: nuove possibilità semiotiche al tempo dell’Horror Pleni, in “roots-routes”, n. 27, gennaio-aprile 2018 http://www.roots-routes.org/il-silenzio-sonoro-di-john-cage-tra-arti-visive-e-musicali-nuove-possibilita-semiotiche-al-tempo-dellhorror-pleni-di-emiliano-battistini/

U. Block, M. Glasmeier., Broken music. Artist’s recordworks, Primary Information, New York 2018

J.Y. Bosseur, Musique et arts plastiques: interactions au XXème siècle, Minerve, Paris 1998

A. Boutang, N. Pavec, Le silence dans les arts visuels, Michel Houdiard, Paris 2016

J. Cage, Silenzio, Feltrinelli, Milano 1971 (ed. successive)

G. Celant, Offmedia. Nuove tecniche artistiche: video, disco, libro, Dedalo, Bari 1977

G. Celant, Artmakers. Arte, architettura, fotografia, danza e musica negli Stati Uniti, Feltrinelli, Milano 1984 (in riferimento al capitolo Uno sguardo da corpo, musica, danza, pp. 72-99)

G. Celant, Mimmo Rotella, Skira, Milano 2007

V. Cuomo, L.V. Distaso, La ricerca di John Cage, Mimesis, Milano 2013

B. Dal Fabbro, Esperienze musicali di Jean Dubuffet, Ed. del Cavallino, Venezia 1962 [PDF da richiedere alla docente]

A.I. De Benedictis, Luigi Nono. Intolleranza 1960, Marsilio, Venezia, 2011

A.I. De Benedictis, Omaggio a Emilio Vedova, in Luigi Nono. Complete Work for Solo Tape, CD Ricordi, Stradivarius 57001, 2006, booklet pp. 39-43
B. Drudi, Toti Scialoja: il teatro e la pittura, in Toti Scialoja. Opere 1955-1963, catalogo della mostra, a cura di F. D’Amico (Verona, Galleria dello Scudo, 5 dicembre 1999 – 13 febbraio 2000), Skira, Milano 1999, pp. 29-47

J. Dubuffet, Esperienze musicali, 1959, in J. Dubuffet, I valori selvaggi. Prospectus e altri scritti, a cura di R. Barilli, Feltrinelli, Milano 1971, pp. 189-192 [PDF da richiedere alla docente]

S. Duplaix, A. Wagner, Jean Dubuffet. Experiences musicales, “Les Cahiers de la Fondation Dubuffet”, n. 1, Paris 2006

R. Favaro, Suono e Arte. La musica tra letteratura e arti visive, Marsilio, Venezia 2017

H. Higgins, Fluxus Experience, University of California Press, Berkeley, CA 2002

Kandinsky Cage. Musica e spirituale nell’arte, catalogo della mostra (Reggio Emilia, Fondazione Palazzo Magnani, 2017-2018), a cura di M. Mazzotta, Skira, Milano 2017 [in particolare per il testo M. Porzio, Il silenzio illuminato di John Cage, pp. 51-60; e le pp. 196-243]

C. Kelly (a cura di), Sound, Whitechapel Gallery, London – The MIT Press, Cambridge, Massachusetts 2011

R. Krauss, Balletti meccanici, luce, movimento, teatro, in Passaggi. Storia della scultura da Rodin alla Land Art, Bruno Mondadori, Milano 1998, pp. 205-243

“L’esprienza moderna”, 1957-1959 (articoli analizzati a lezione; scaricabili i numeri completi http://www.capti.it/index.php?ParamCatID=1&id=11&lang=IT)

La parola nell’arte. Ricerche d’avanguardia nel ‘900. Dal Futurismo ad oggi attraverso le collezioni del Mart, catalogo della mostra (Rovereto, Mart, 10 novembre 2007 – 6 aprile 2008), a cura di G. Zanchetti (coordinatore), Skira, Milano 2007

M. Lanza, Per una segmentazione di “Rothko Chapel” di Morton Feldman, in “Musica e Storia”, 2000, pp. 127-144 (https://www.rivisteweb.it/doi/10.1420/12487)

A. Licht, Sound Art. Beyond Music, Between Categories, Rizzoli, New York 2007

O. Lussac, Fluxus et la musique, Les presses du réel, Paris 2010

S. Lux, D. Tortora, Collage 1961. Un’azione dell’arte di Achille Perilli e Aldo Clementi, Gangemi, Roma 2005

O. Mattis, Visual Music. Synaesthesia in Art And Music since 1900, Thames & Hudson, London 2005

M. Rebecchi, Abstract Moving Images and Expanded Architectures. The 1958 World’s Fair in Brussels and the Philips Pavillon
https://www.academia.edu/38656696/_Abstract_Moving_Images_and_Expanded_Architectures._The_1958_World_s_Fair_in_Brussels_and_the_Philips_Pavilion_in_D._Cavallotti_S._Dotto_A._Mariani_dir._Exposing_the_Moving_Image_the_Cinematic_Medium_across_World_Fairs_Art_Museums_and_Cultural_Exhibitions_FilmForum_2018_pp._95-100

Record as Artwork. 1959-1973, catalogo della mostra (Londra, Royal College of Art, 1973), a cura di G. Celant, Royal College of Art, London 1973

Roma 1948-1959. Arte, cronaca e cultura dal neoralismo alla dolce vita, catalogo della mostra (Roma, Palazzo delle Esposizioni, 30 gennaio – 8 luglio 2002), a cura di M. Fagiolo dell’Arco e C. Terenzi, Skira, Milano 2002 (con particolare riferimento al testo G. Borgna, Le istituzioni musicali romane e gli stili degli anni Cinquanta, pp. 409-423]

T. Scialoja, Discorso sulla pittura, la musica e il teatro, in “L’Immagine”, Roma, gennaio-febbraio 1949

Sonic Process. Une nouvelle géographie des sons, catalogo della mostra (Parigi, Centre Pompidou, 16 ottobre 2002- 6 gennaio 2003), a cura di C. Van Assche, Editions du Centre Pompidou, Paris 2002

Sons & Lumières: une histoire du sons dans l’art du XXème siècle, catalogo della mostra (Parigi, Centre Georges Pompidou, 2004), a cura di S. Duplaix, M. Lista, Centre Georges Pompidou, Paris 2004

Speciale Fluxus, in “Data”, n. 18, settembre – ottobre 1975 (rivista consultabile interamente
http://www.dataarte.it )

The anarchy of silence: John Cage and experimental art, catalogo della mostra (Barcelona, MACBA, 23 ottobre – 10 gennaio 2009), MACBA, Barcelona 2009

The Fluxus costellation, catalogo della mostra (Genova, Villa Croce, 2002), a cura di S. Solimano, Neos Edizioni, Genova 2002

T. Trini, Giuseppe Chiari. Musica e insegnamento, in “Data”, n. 13, autunno 1974, pp. 50-56 (http://www.dataarte.it)

Vergo P., The Music of Painting: Music, Modernism and the Visual Arts from the Romantics to John Cage, Phaidon, London – New York 2010

Vertigo. Il secolo di arte off-media dal futurismo al web, catalogo della mostra (Bologna, MAMbo, 6 maggio – 4 novembre 2007), a cura di G. Celant, Skira, Milano 2007


Sitografia:
http://ubu.com/

Tema di quest'anno: Cultura, habitat, ambiente

1. Manuale e testi di riferimento:
Matthew Engelke, Pensare come un antropologo, Torino, Einaudi, 2018.
Marshall Sahlins, L'economia dell'età della pietra, Milano, elèuthera, 2020.

2. Approfondimenti o parte monografica:
Stefano De Matteis, Il dilemma dell'aragosta. La forza della vulnerabilità, Milano, Meltemi, 2021.

Il corso mira a problematizzare l’insegnamento del cinema e delle discipline audiovisive nel più ampio contesto della media education, sia dal punto di vista teorico-metodologico che dal punto di vista pragmatico.
A partire dalla ridefinizione delle strategie didattiche conseguente all’uso sempre più frequente delle tecnologie digitali in ambito educativo, la prima parte del corso si concentrerà sulla presenza e la funzione dei media nella prassi pedagogica, tanto come oggetto di studio (educazione ai media e al linguaggio cinematografico) quanto come supporto alla didattica in numerose discipline differenti (educazione attraverso i media), con particolare attenzione ai media audiovisivi.
Nella seconda parte del corso la media education sarà posta in dialogo con le più recenti teorie elaborate nell’ambito dei media studies e studi di cultura visuale, per valutare l’efficacia di alcune strategie didattiche nell’ambito dell’educazione all’immagine. Focus specifici saranno: il digital storytelling; l'educational; le forme di "videocriticism" (videoessay e desktop documentary); l'uso dei social media nelle pratiche educative.

- Pier Cesare Rivoltella, Media Education. Idea, metodo, ricerca, ELS La Scuola, Brescia 2017
- Dispense a cura del docente

Il corso si concentra sulle forme della Media Literacy nella cultura digitale contemporanea. La prima parte è di ordine teorico e si confronta con le trasformazioni delle forme pedagogiche e di apprendimento scolastico interpretate in sinergia con le nuove forme di spettatorialità basate sulle logiche delle culture partecipative. La seconda parte è invece incentrata sulle forme del crito-film e del video-saggio. Lette in continuità con le analisi teoriche sul motivo della cornice, del paratesto e dello schermo, tali pratiche critico-espressive reinterpretano motivi e stili peculiari della storia del cinema e dell’arte promuovendo un’inedita elaborazione educativa e creativa di confronto con le immagini contemporanee.

Pier Cesare Rivoltella, Nuovi alfabeti. Educazione e culture nella società post-mediale, Scholé, Brescia, 2020.
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria di Via G. Rocco, n. 11.

Per i non frequentanti, a scelta:
Chiara Grizzaffi, I film attraverso i film. Dal “testo introvabile” ai video essay, Mimesis, Milano-Udine 2017
Henry Jenkins, Culture partecipative e competenze digitali. Media education per il XXI secolo, Guerini, Milano 2010.

FILM E VIDEOGRAFIA:
lungometraggi: Be Kind Rewind (2007) Michel Gondry; Shirley: Visions of Reality (2013) Gustav Deutsch.

cortometraggi, videosperimentali, videomusicali: I bambini al cinema (1957) Francesco Maselli; Zorns Lemma (1970) Hollis Frampton; Live-taped Video Corridor (1970) Bruce Nauman; Present Continuous Past (1974) Dan Graham; Monitor (1974) Stephen Partridge; Mein Fenster (La mia finestra, 1979) Zbigniew Rybczynski; Media (1980) Zbigniew Rybczynski; Tele-racconto (1991) Giacomo Verde; Evidence (1995) Godfrey Reggio; Blinkenlights (2001) Chaos Computer Club; Star Guitar (music video The Chemical Brothers, 2002) Michel Gondry; Arcade (2002) Chaos Computer Club; La pozzanghera (2006) Studio Azzurro; Stereoscope (2008) Chaos Computer Club;

antologia di found footage film: Trade Tattoo (1937) Len Lye, Rainbow Dance (1936) Len Lye, Rose Hobart (1939) Joseph Cornell, Le film est déjà commencé? (1951) Maurice Lemaitre, A movie (1958) Bruce Conner, Very Nice, Very Nice (1961) Arthur Lipsett, La rabbia (1963) Pier Paolo Pasolini, La verifica incerta (1965) Gianfranco Baruchello, Alberto Grifi, Movie Drome (1965-1968) Stan Vanderbeek, The Cut-Ups (1966) William S. Burroughs, Antony Balch, Exploding Plastic Inevitable (1966) Andy Warhol, Le stelle di Mario Schifano (1967), L’inizio (Načalo, 1967) Artavazd Pelešian, Tom Tom the Piper’s Son (1969-1971) Ken Jacobs, La société du spectacle (1973) Guy Debord, Technology Transformation: Wonder Woman (1978) Dara Birnbaum, Mongoloid (music video Devo, 1978) Bruce Conner, Koyaanisqatsi (1983) Godfrey Reggio, A TV Dante. The Inferno (1985-1989) Peter Greeneway e Tom Phillips, Dal polo all’equatore (1986) Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi, Art of Memory (1987) Woody Vasulka, Steps (1987) Zbigniew Rybczynski, Histoire(s) du cinéma. 1a Toutes les histoires (1988) Jean Luc Godard, Dab (1988-2016) John Oswald, Alchemie (1992) Jürgen Reble, Filmarilyn (1992) Paolo Gioli, Passage à l’acte (1993) Martin Arnold, 24 Hour Psycho (1993) Douglas Gordon, Telephones (1995) Christian Marclay, The Georgetown Loop (1996) Ken Jacobs, Yours (1997) Jeff Scher, Film Ist 1. Movement and time (1998) Gustav Deutsch, L’arrivée (1998) Peter Tscherkassky, Outer Space (1999) Peter Tscherkassky, Essere morti o essere vivi è la stessa cosa (2000) Gianluigi Toccafondo, The Pentagon Tv Commercials (2003) Cane CapoVolto, Fast Film (2003) Virgil Widrich, Celestial Subway Lines/ Salvaging Noise (2004) Ken Jacobs, Sync(Watch) (2005) Marco Brambilla, 24 seconds Psycho (2005) Chris Bors, Installazione Film Ist (1-12) (2006) Gustav Deutsch, Crumax Rins (2006, visual Plaid) Bob Jaroc, Blob. THI$ I$ NOTH&ND (2008), Domine Jesus (2008) Leonardo Carrano, Alessandro Pierattini, Pasolini Requiem (2009) Mario Verger, The Clock (2010) Christian Marclay, Delia Derbyshire, Loop Composer (2011) AK_Alias, Blue Matter, Change Your Mind (2011) AK_Alias, Distorted Times (2012) Gideon van der Stelt, Creation (2012) Marco Brambilla, Cinema rianimato n. 3 (2012) Daniele Puppi, Cirrus (music video Bonobo, 2013) Cyriak, The Emoshjining (2014) Donato Sansone, Sigla Mostra Internazionale del Cinema di Pesaro (2016) Virgilio Villoresi, Purge The Odd Couple (2017) Pogo, RedruM (2018) Pogo;

antologia di crito-film: Stile di Piero della Francesca (1954) Carlo Ludovico Ragghianti, Carpaccio (1947) Roberto Longhi e Umberto Barbaro, Il dramma di Cristo (1948) Luciano Emmer ed Enrico Gras, Pittori di provincia (1953) Lucio Fulci, Cinéastes de notre temps (1964-1972) e Cinéma, de notre temps (1989-2018);

antologia di video-essay: Le combat avec l’ange (2004) Alain Bergala, The Doors of Perspection (2011) People Like Us (Vicki Bennett), Double Lives, Second Chances (2011) Cristina Álvarez López, Kubrick // One Point Perspective (2012) kogonada, Tarantino // From Below (2012) kogonada, Wes Anderson // From Above (2012) kogonada, The Career of Paul Thomas Anderson in Five Shots (2012) Kevin B. Lee, Rear Window Timelapse (2012) Jeff Desom, Zero De Doom (2012) Matthew Cheney, The Essay Film: Some Thoughts of Discontent (2013) Kevin B. Lee, Screen and Surface, Soft and Hard: the Cinema of Leos Carax (2013)Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, [De Palma’s] Vision (2014) Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, Wes Anderson // Centered (2014) kogonada, Peter Greenaway // Centered (2014) LaurentG, Evolution of the Dolly Zoom (2014) Vashi Nedomansky, Eyes of Hitchcock (2014) kogonada, Alphaville - A Crystal Maze (2014) Henrike Lindenberger, Cross-cut (2014) Drew Morton, Last Year At The Overlook (2015) Drew Morton, The Dutch Angle (2015) Jacob T. Swinney, First and Final Frames (2015) Jacob T.Swinney, The Definition of Film (2015) Richard Misek, Auteur in Space (2015) kogonada, Volumetric Cinema (2015) Kevin L. Ferguson, Manderley Motel (2015) Corey Creekmur, Blue Shining (2015) Richard Vezina, Joel & Ethan Coen - Shot | Reverse Shot (2016) Tony Zhou, Taylor Ramos, Amélie - Symmetry & Camera Movement (2016) Lessa Räbiger, Godard in Fragments (2016) kogonada, The Spielberg Touchscreen (2016) Ken Provencher, Graphic Spaces: Film Transitions in Steven Spielberg’s Filmmaking (2018) Andrea Minuz.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

Il corso si articolerà in tre fasi:

- Inizialmente si analizzeranno i principi di composizione scenica attraverso le nuove prospettive aperte dalle scienze cognitive e dalle teorie sulla cognizione incarnata.
- In un secondo momento si affronteranno le opere e le teorie sulla composizione scenica dei grandi registi russi del XX secolo.
- Infine si studieranno le metodologie di composizione scenica dell’Odin Teatret e gli scritti teorici di Eugenio Barba.

- Gabriele Sofia, “Le acrobazie dello spettatore. Dal teatro alle neuroscienze e ritorno”, Roma, Bulzoni, 2013.

- Angelo Maria Ripellino, “Il trucco e l'anima. I maestri della regia nel teatro russo del Novecento”, Torino, Einaudi Editore, 2002.

- Dispense contenenti una selezione di scritti di Eugenio Barba, da richiedere mandando una mail a gabriele.sofia@uniroma3.it


PER I NON FREQUENTANTI:

- Vsevolod Mejerchol'd, “Sul teatro. Scritti 1907-1912”, Roma, Dino Audino Editore, 2015.

Le riviste di teatro e quotidiani durante il ventennio fascista:
Che cosa può raccontarci il teatro su una situazione politica estrema? I testi teatrali dicono poco, in caso di dittatura. Ma l’influenza della storia sul teatro può farci capire molte cose. Al centro del corso sta la proliferazione di riviste teatrali che avviene intorno alla metà degli anni Venti, con il fascismo già completamente consolidato, ma prima che inizino i veri cambiamenti decisi dall’alto sul teatro. La situazione politica influisce pesantemente, anche se, per tutti gli anni Venti, il teatro mostra ancora segni di vivacità e di volontà di cambiamento. Il corso prevede una esercitazione pratica su quotidiani e riviste teatrali.

1) Gianfranco Pedullà, Il teatro italiano nel tempo del fascismo, Titivillus (oppure: Emanuela Scarpellini, Organizzazione teatrale e politica del teatro nell’età fascista (scaricabile gratuitamente on line http://www.studiumanistici.unimi.it/files/_ITA_/Filarete/131.pdf)
2) Dossier Teatri nel fascismo, “Teatro e Storia” n. 38 (pp. 59-384)
3) Dossier L’anticipo italiano (“Teatro e storia” n. 29, pp. 27-256, può essere letto gratuitamente on-line dal sito di “Teatro e Storia”, http://www.teatroestoria.it/volumi.php)

Il corso intende analizzare le relazioni tra arti visive, suono e musica dagli anni Sessanta alla contemporaneità.
Con un percorso trasversale, che tiene conto di continuità e discontinuità tra le avanguardie storiche e la stagione della neoavanguardia, sarà analizzato il “silenzio” di John Cage in relazione al monocromo, alla dematerializzazione dell’opera, all’happening e alla “teatralità” minimalismo. Saranno inoltre analizzate pratiche comportamentali-performative che hanno incentrato la propria poetica sulla voce e sulle sonorità corporali, anche in relazione all’utilizzo delle nuove tecnologie, o che hanno utilizzato il suono e la musica, in uno scenario di ricerca che attraversa l’arte processuale, l’arte povera per arrivare alla contemporaneità.
Particolare attenzione sarà data a:
- problematiche delle definizioni critiche per tratteggiare il campo di interazione e sperimentazione tra suono e immagine;
- analisi di mostre dedicate al rapporto tra arte e suono;
- presenza del suono nelle installazioni immersive, con particolare attenzione alla dimensione della spettatorialità nel passaggio dalla fruizione contemplativa alla partecipazione e all’interazione multisensoriale;
- questioni legate alle fonti, agli Archivi e alla musealizzazione della Sound Art.

1) F. Poli (a cura di), Arte contemporanea. Le ricerche internazionali dalla fine degli anni ’50 a oggi, Electa, Milano 2003, pp. 36-221 [PDF scaricabili sul moodle del corso]

2) Flavia De Sanctis Mangelli e Giulia Pedace (a cura di), When Sound Becomes form. Sperimentazioni sonore in Italia 1950-2000, Mandredi Edizioni, Imola 2019

3) Art or sound, catalogo della mostra (Venezia, Fondazione Prada Ca’ Corner della Regina, 7 giugno – 8 novembre 2014), a cura di G. Celant, Fondazione Prada, Milano 2014 [in particolare i saggi: G. Celant, Dal plurilinguismo al multisensoriale; C. Cox, Vedere non è sentire. Sinestesia, anestesia e arte audiovisiva; L. Chessa, Un’orchestra metafisica. Una ricerca sulla ricostruzione degli intonarumori; R. Young, Così brutalmente forzata. La svolta del dopoguerra dalla musica al suono; E. de Visscher, Il silenzio come scultura musicale. John Cage e gli strumenti di 4’33’’; G. Dayal, Musica sperimentale e performance. David Tudor, John Cage e Merce Cunningham; Jo Applin, Rumore ottico. Il suono della scultura negli anni ’60; A. Licht, Il rumore della superficie. Rendere l’arte udibile nel XX Secolo; S. Menegoi, Sound Art? Arti visive e suono al passaggio fra anni ’70 e ’80; H. Rogers, Sinestesia distorta. Il video musicale e le arti visive]

4) P. Fameli, Il corpo risonante. Vocalità e gestualità nel Novecento, Campanotto Editore, Pasian di Prato (UD) 2013, pp. 43-84

I non frequentanti integreranno con un approfondimento da concordare con la docente.

Bibliografia di riferimento per approfondimenti degli argomenti trattati a lezione:

“Almanacco Letterario Bompiani”, annate 1960, 1961, 1962, 1963

J.P. Armengaud, La musique chauve de Jean Dubuffet, Séguier, Paris 1991

D. Ashton., Kline com’era e com’è, in Franz Kline 1910-1962, catalogo della mostra (Rivoli, Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, 20 ottobre 2004 – 31 gennaio 2005), a cura di C. Christov-Bakargiev, Skira, Milano 2004, pp. 20-39

“Azimuth”, 1959-1960 (articoli analizzati a lezione; scaricabili i numeri completi http://www.capti.it/index.php?ParamCatID=1&id=26&lang=IT )

E. Battistini, Il silenzio sonoro di John Cage tra arti visive e musicali: nuove possibilità semiotiche al tempo dell’Horror Pleni, in “roots-routes”, n. 27, gennaio-aprile 2018 http://www.roots-routes.org/il-silenzio-sonoro-di-john-cage-tra-arti-visive-e-musicali-nuove-possibilita-semiotiche-al-tempo-dellhorror-pleni-di-emiliano-battistini/

U. Block, M. Glasmeier., Broken music. Artist’s recordworks, Primary Information, New York 2018

J.Y. Bosseur, Musique et arts plastiques: interactions au XXème siècle, Minerve, Paris 1998

A. Boutang, N. Pavec, Le silence dans les arts visuels, Michel Houdiard, Paris 2016

J. Cage, Silenzio, Feltrinelli, Milano 1971 (ed. successive)

G. Celant, Offmedia. Nuove tecniche artistiche: video, disco, libro, Dedalo, Bari 1977

G. Celant, Artmakers. Arte, architettura, fotografia, danza e musica negli Stati Uniti, Feltrinelli, Milano 1984 (in riferimento al capitolo Uno sguardo da corpo, musica, danza, pp. 72-99)

G. Celant, Mimmo Rotella, Skira, Milano 2007

V. Cuomo, L.V. Distaso, La ricerca di John Cage, Mimesis, Milano 2013

B. Dal Fabbro, Esperienze musicali di Jean Dubuffet, Ed. del Cavallino, Venezia 1962 [PDF da richiedere alla docente]

A.I. De Benedictis, Luigi Nono. Intolleranza 1960, Marsilio, Venezia, 2011

A.I. De Benedictis, Omaggio a Emilio Vedova, in Luigi Nono. Complete Work for Solo Tape, CD Ricordi, Stradivarius 57001, 2006, booklet pp. 39-43
B. Drudi, Toti Scialoja: il teatro e la pittura, in Toti Scialoja. Opere 1955-1963, catalogo della mostra, a cura di F. D’Amico (Verona, Galleria dello Scudo, 5 dicembre 1999 – 13 febbraio 2000), Skira, Milano 1999, pp. 29-47

J. Dubuffet, Esperienze musicali, 1959, in J. Dubuffet, I valori selvaggi. Prospectus e altri scritti, a cura di R. Barilli, Feltrinelli, Milano 1971, pp. 189-192 [PDF da richiedere alla docente]

S. Duplaix, A. Wagner, Jean Dubuffet. Experiences musicales, “Les Cahiers de la Fondation Dubuffet”, n. 1, Paris 2006

R. Favaro, Suono e Arte. La musica tra letteratura e arti visive, Marsilio, Venezia 2017

H. Higgins, Fluxus Experience, University of California Press, Berkeley, CA 2002

Kandinsky Cage. Musica e spirituale nell’arte, catalogo della mostra (Reggio Emilia, Fondazione Palazzo Magnani, 2017-2018), a cura di M. Mazzotta, Skira, Milano 2017 [in particolare per il testo M. Porzio, Il silenzio illuminato di John Cage, pp. 51-60; e le pp. 196-243]

C. Kelly (a cura di), Sound, Whitechapel Gallery, London – The MIT Press, Cambridge, Massachusetts 2011

R. Krauss, Balletti meccanici, luce, movimento, teatro, in Passaggi. Storia della scultura da Rodin alla Land Art, Bruno Mondadori, Milano 1998, pp. 205-243

“L’esprienza moderna”, 1957-1959 (articoli analizzati a lezione; scaricabili i numeri completi http://www.capti.it/index.php?ParamCatID=1&id=11&lang=IT)

La parola nell’arte. Ricerche d’avanguardia nel ‘900. Dal Futurismo ad oggi attraverso le collezioni del Mart, catalogo della mostra (Rovereto, Mart, 10 novembre 2007 – 6 aprile 2008), a cura di G. Zanchetti (coordinatore), Skira, Milano 2007

M. Lanza, Per una segmentazione di “Rothko Chapel” di Morton Feldman, in “Musica e Storia”, 2000, pp. 127-144 (https://www.rivisteweb.it/doi/10.1420/12487)

A. Licht, Sound Art. Beyond Music, Between Categories, Rizzoli, New York 2007

O. Lussac, Fluxus et la musique, Les presses du réel, Paris 2010

S. Lux, D. Tortora, Collage 1961. Un’azione dell’arte di Achille Perilli e Aldo Clementi, Gangemi, Roma 2005

O. Mattis, Visual Music. Synaesthesia in Art And Music since 1900, Thames & Hudson, London 2005

M. Rebecchi, Abstract Moving Images and Expanded Architectures. The 1958 World’s Fair in Brussels and the Philips Pavillon
https://www.academia.edu/38656696/_Abstract_Moving_Images_and_Expanded_Architectures._The_1958_World_s_Fair_in_Brussels_and_the_Philips_Pavilion_in_D._Cavallotti_S._Dotto_A._Mariani_dir._Exposing_the_Moving_Image_the_Cinematic_Medium_across_World_Fairs_Art_Museums_and_Cultural_Exhibitions_FilmForum_2018_pp._95-100

Record as Artwork. 1959-1973, catalogo della mostra (Londra, Royal College of Art, 1973), a cura di G. Celant, Royal College of Art, London 1973

Roma 1948-1959. Arte, cronaca e cultura dal neoralismo alla dolce vita, catalogo della mostra (Roma, Palazzo delle Esposizioni, 30 gennaio – 8 luglio 2002), a cura di M. Fagiolo dell’Arco e C. Terenzi, Skira, Milano 2002 (con particolare riferimento al testo G. Borgna, Le istituzioni musicali romane e gli stili degli anni Cinquanta, pp. 409-423]

T. Scialoja, Discorso sulla pittura, la musica e il teatro, in “L’Immagine”, Roma, gennaio-febbraio 1949

Sonic Process. Une nouvelle géographie des sons, catalogo della mostra (Parigi, Centre Pompidou, 16 ottobre 2002- 6 gennaio 2003), a cura di C. Van Assche, Editions du Centre Pompidou, Paris 2002

Sons & Lumières: une histoire du sons dans l’art du XXème siècle, catalogo della mostra (Parigi, Centre Georges Pompidou, 2004), a cura di S. Duplaix, M. Lista, Centre Georges Pompidou, Paris 2004

Speciale Fluxus, in “Data”, n. 18, settembre – ottobre 1975 (rivista consultabile interamente
http://www.dataarte.it )

The anarchy of silence: John Cage and experimental art, catalogo della mostra (Barcelona, MACBA, 23 ottobre – 10 gennaio 2009), MACBA, Barcelona 2009

The Fluxus costellation, catalogo della mostra (Genova, Villa Croce, 2002), a cura di S. Solimano, Neos Edizioni, Genova 2002

T. Trini, Giuseppe Chiari. Musica e insegnamento, in “Data”, n. 13, autunno 1974, pp. 50-56 (http://www.dataarte.it)

Vergo P., The Music of Painting: Music, Modernism and the Visual Arts from the Romantics to John Cage, Phaidon, London – New York 2010

Vertigo. Il secolo di arte off-media dal futurismo al web, catalogo della mostra (Bologna, MAMbo, 6 maggio – 4 novembre 2007), a cura di G. Celant, Skira, Milano 2007


Sitografia:
http://ubu.com/

Tema di quest'anno: Cultura, habitat, ambiente

1. Manuale e testi di riferimento:
Matthew Engelke, Pensare come un antropologo, Torino, Einaudi, 2018.
Marshall Sahlins, L'economia dell'età della pietra, Milano, elèuthera, 2020.

2. Approfondimenti o parte monografica:
Stefano De Matteis, Il dilemma dell'aragosta. La forza della vulnerabilità, Milano, Meltemi, 2021.

Il corso mira a problematizzare l’insegnamento del cinema e delle discipline audiovisive nel più ampio contesto della media education, sia dal punto di vista teorico-metodologico che dal punto di vista pragmatico.
A partire dalla ridefinizione delle strategie didattiche conseguente all’uso sempre più frequente delle tecnologie digitali in ambito educativo, la prima parte del corso si concentrerà sulla presenza e la funzione dei media nella prassi pedagogica, tanto come oggetto di studio (educazione ai media e al linguaggio cinematografico) quanto come supporto alla didattica in numerose discipline differenti (educazione attraverso i media), con particolare attenzione ai media audiovisivi.
Nella seconda parte del corso la media education sarà posta in dialogo con le più recenti teorie elaborate nell’ambito dei media studies e studi di cultura visuale, per valutare l’efficacia di alcune strategie didattiche nell’ambito dell’educazione all’immagine. Focus specifici saranno: il digital storytelling; l'educational; le forme di "videocriticism" (videoessay e desktop documentary); l'uso dei social media nelle pratiche educative.

- Pier Cesare Rivoltella, Media Education. Idea, metodo, ricerca, ELS La Scuola, Brescia 2017
- Dispense a cura del docente

Il corso si concentra sulle forme della Media Literacy nella cultura digitale contemporanea. La prima parte è di ordine teorico e si confronta con le trasformazioni delle forme pedagogiche e di apprendimento scolastico interpretate in sinergia con le nuove forme di spettatorialità basate sulle logiche delle culture partecipative. La seconda parte è invece incentrata sulle forme del crito-film e del video-saggio. Lette in continuità con le analisi teoriche sul motivo della cornice, del paratesto e dello schermo, tali pratiche critico-espressive reinterpretano motivi e stili peculiari della storia del cinema e dell’arte promuovendo un’inedita elaborazione educativa e creativa di confronto con le immagini contemporanee.

Pier Cesare Rivoltella, Nuovi alfabeti. Educazione e culture nella società post-mediale, Scholé, Brescia, 2020.
Raccolta di materiali a cura del docente, che sarà reperibile all’inizio del corso, presso la copisteria di Via G. Rocco, n. 11.

Per i non frequentanti, a scelta:
Chiara Grizzaffi, I film attraverso i film. Dal “testo introvabile” ai video essay, Mimesis, Milano-Udine 2017
Henry Jenkins, Culture partecipative e competenze digitali. Media education per il XXI secolo, Guerini, Milano 2010.

FILM E VIDEOGRAFIA:
lungometraggi: Be Kind Rewind (2007) Michel Gondry; Shirley: Visions of Reality (2013) Gustav Deutsch.

cortometraggi, videosperimentali, videomusicali: I bambini al cinema (1957) Francesco Maselli; Zorns Lemma (1970) Hollis Frampton; Live-taped Video Corridor (1970) Bruce Nauman; Present Continuous Past (1974) Dan Graham; Monitor (1974) Stephen Partridge; Mein Fenster (La mia finestra, 1979) Zbigniew Rybczynski; Media (1980) Zbigniew Rybczynski; Tele-racconto (1991) Giacomo Verde; Evidence (1995) Godfrey Reggio; Blinkenlights (2001) Chaos Computer Club; Star Guitar (music video The Chemical Brothers, 2002) Michel Gondry; Arcade (2002) Chaos Computer Club; La pozzanghera (2006) Studio Azzurro; Stereoscope (2008) Chaos Computer Club;

antologia di found footage film: Trade Tattoo (1937) Len Lye, Rainbow Dance (1936) Len Lye, Rose Hobart (1939) Joseph Cornell, Le film est déjà commencé? (1951) Maurice Lemaitre, A movie (1958) Bruce Conner, Very Nice, Very Nice (1961) Arthur Lipsett, La rabbia (1963) Pier Paolo Pasolini, La verifica incerta (1965) Gianfranco Baruchello, Alberto Grifi, Movie Drome (1965-1968) Stan Vanderbeek, The Cut-Ups (1966) William S. Burroughs, Antony Balch, Exploding Plastic Inevitable (1966) Andy Warhol, Le stelle di Mario Schifano (1967), L’inizio (Načalo, 1967) Artavazd Pelešian, Tom Tom the Piper’s Son (1969-1971) Ken Jacobs, La société du spectacle (1973) Guy Debord, Technology Transformation: Wonder Woman (1978) Dara Birnbaum, Mongoloid (music video Devo, 1978) Bruce Conner, Koyaanisqatsi (1983) Godfrey Reggio, A TV Dante. The Inferno (1985-1989) Peter Greeneway e Tom Phillips, Dal polo all’equatore (1986) Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi, Art of Memory (1987) Woody Vasulka, Steps (1987) Zbigniew Rybczynski, Histoire(s) du cinéma. 1a Toutes les histoires (1988) Jean Luc Godard, Dab (1988-2016) John Oswald, Alchemie (1992) Jürgen Reble, Filmarilyn (1992) Paolo Gioli, Passage à l’acte (1993) Martin Arnold, 24 Hour Psycho (1993) Douglas Gordon, Telephones (1995) Christian Marclay, The Georgetown Loop (1996) Ken Jacobs, Yours (1997) Jeff Scher, Film Ist 1. Movement and time (1998) Gustav Deutsch, L’arrivée (1998) Peter Tscherkassky, Outer Space (1999) Peter Tscherkassky, Essere morti o essere vivi è la stessa cosa (2000) Gianluigi Toccafondo, The Pentagon Tv Commercials (2003) Cane CapoVolto, Fast Film (2003) Virgil Widrich, Celestial Subway Lines/ Salvaging Noise (2004) Ken Jacobs, Sync(Watch) (2005) Marco Brambilla, 24 seconds Psycho (2005) Chris Bors, Installazione Film Ist (1-12) (2006) Gustav Deutsch, Crumax Rins (2006, visual Plaid) Bob Jaroc, Blob. THI$ I$ NOTH&ND (2008), Domine Jesus (2008) Leonardo Carrano, Alessandro Pierattini, Pasolini Requiem (2009) Mario Verger, The Clock (2010) Christian Marclay, Delia Derbyshire, Loop Composer (2011) AK_Alias, Blue Matter, Change Your Mind (2011) AK_Alias, Distorted Times (2012) Gideon van der Stelt, Creation (2012) Marco Brambilla, Cinema rianimato n. 3 (2012) Daniele Puppi, Cirrus (music video Bonobo, 2013) Cyriak, The Emoshjining (2014) Donato Sansone, Sigla Mostra Internazionale del Cinema di Pesaro (2016) Virgilio Villoresi, Purge The Odd Couple (2017) Pogo, RedruM (2018) Pogo;

antologia di crito-film: Stile di Piero della Francesca (1954) Carlo Ludovico Ragghianti, Carpaccio (1947) Roberto Longhi e Umberto Barbaro, Il dramma di Cristo (1948) Luciano Emmer ed Enrico Gras, Pittori di provincia (1953) Lucio Fulci, Cinéastes de notre temps (1964-1972) e Cinéma, de notre temps (1989-2018);

antologia di video-essay: Le combat avec l’ange (2004) Alain Bergala, The Doors of Perspection (2011) People Like Us (Vicki Bennett), Double Lives, Second Chances (2011) Cristina Álvarez López, Kubrick // One Point Perspective (2012) kogonada, Tarantino // From Below (2012) kogonada, Wes Anderson // From Above (2012) kogonada, The Career of Paul Thomas Anderson in Five Shots (2012) Kevin B. Lee, Rear Window Timelapse (2012) Jeff Desom, Zero De Doom (2012) Matthew Cheney, The Essay Film: Some Thoughts of Discontent (2013) Kevin B. Lee, Screen and Surface, Soft and Hard: the Cinema of Leos Carax (2013)Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, [De Palma’s] Vision (2014) Adrian Martin, Cristina Àlvarez López, Wes Anderson // Centered (2014) kogonada, Peter Greenaway // Centered (2014) LaurentG, Evolution of the Dolly Zoom (2014) Vashi Nedomansky, Eyes of Hitchcock (2014) kogonada, Alphaville - A Crystal Maze (2014) Henrike Lindenberger, Cross-cut (2014) Drew Morton, Last Year At The Overlook (2015) Drew Morton, The Dutch Angle (2015) Jacob T. Swinney, First and Final Frames (2015) Jacob T.Swinney, The Definition of Film (2015) Richard Misek, Auteur in Space (2015) kogonada, Volumetric Cinema (2015) Kevin L. Ferguson, Manderley Motel (2015) Corey Creekmur, Blue Shining (2015) Richard Vezina, Joel & Ethan Coen - Shot | Reverse Shot (2016) Tony Zhou, Taylor Ramos, Amélie - Symmetry & Camera Movement (2016) Lessa Räbiger, Godard in Fragments (2016) kogonada, The Spielberg Touchscreen (2016) Ken Provencher, Graphic Spaces: Film Transitions in Steven Spielberg’s Filmmaking (2018) Andrea Minuz.
I film saranno proiettati integralmente o parzialmente durante le lezioni. Copie in dvd sono reperibili presso la Biblioteca “Lino Miccichè”, Via Ostiense, 139.

Lo strumento voce
-nozioni basilari di anatomia e fisiologia dell’organo vocale
-tecniche respiratorie per il canto
-fonazione, emissione e gestione del suono cantato
-classificazione delle voci e loro caratteristiche
-criteri e metodologie di base per l’educazione della voce cantata e dell’orecchio musicale
-canto corale ed espressione corporea

Il Coro
-il ruolo del direttore/insegnante
-coro di voci bianche, coro a voci pari, coro misto
-coro scolastico
-obiettivi didattici specifici e finalità formative
-strumento collettivo, individualità ed insieme
-creazione di un ambiente musicale inclusivo
-ascolto e esecuzione
-tecniche per l'apprendimento delle parti
-coro "a cappella" e coro con accompagnamento strumentale
-acustica corale
-dinamiche gestionali della musica vocale di insieme
-modelli di organizzazione del lavoro corale

Concertazione e direzione
-repertori corali
-scelta e adattamento dei brani
-elementi ritmici, melodici e armonici della partitura
-rapporto musica/testo cantato
-l'elaborazione estemporanea
-accompagnamento strumentale del coro
-elementi di organologia
-esecuzione e supporti tecnologici
-elementi di tecnica di direzione corale
-forza comunicativa del gesto direttoriale: natura tecnico/concertativa, interpretativa, poetica
-prassi esecutiva

Esercitazioni di esecuzione corale e di direzione di coro

Eventuali testi/dispense saranno segnalati o distribuiti durante il corso.

Il corso si articolerà in tre fasi:

- Inizialmente si analizzeranno i principi di composizione scenica attraverso le nuove prospettive aperte dalle scienze cognitive e dalle teorie sulla cognizione incarnata.
- In un secondo momento si affronteranno le opere e le teorie sulla composizione scenica dei grandi registi russi del XX secolo.
- Infine si studieranno le metodologie di composizione scenica dell’Odin Teatret e gli scritti teorici di Eugenio Barba.

- Gabriele Sofia, “Le acrobazie dello spettatore. Dal teatro alle neuroscienze e ritorno”, Roma, Bulzoni, 2013.

- Angelo Maria Ripellino, “Il trucco e l'anima. I maestri della regia nel teatro russo del Novecento”, Torino, Einaudi Editore, 2002.

- Dispense contenenti una selezione di scritti di Eugenio Barba, da richiedere mandando una mail a gabriele.sofia@uniroma3.it


PER I NON FREQUENTANTI:

- Vsevolod Mejerchol'd, “Sul teatro. Scritti 1907-1912”, Roma, Dino Audino Editore, 2015.

Le riviste di teatro e quotidiani durante il ventennio fascista:
Che cosa può raccontarci il teatro su una situazione politica estrema? I testi teatrali dicono poco, in caso di dittatura. Ma l’influenza della storia sul teatro può farci capire molte cose. Al centro del corso sta la proliferazione di riviste teatrali che avviene intorno alla metà degli anni Venti, con il fascismo già completamente consolidato, ma prima che inizino i veri cambiamenti decisi dall’alto sul teatro. La situazione politica influisce pesantemente, anche se, per tutti gli anni Venti, il teatro mostra ancora segni di vivacità e di volontà di cambiamento. Il corso prevede una esercitazione pratica su quotidiani e riviste teatrali.

1) Gianfranco Pedullà, Il teatro italiano nel tempo del fascismo, Titivillus (oppure: Emanuela Scarpellini, Organizzazione teatrale e politica del teatro nell’età fascista (scaricabile gratuitamente on line http://www.studiumanistici.unimi.it/files/_ITA_/Filarete/131.pdf)
2) Dossier Teatri nel fascismo, “Teatro e Storia” n. 38 (pp. 59-384)
3) Dossier L’anticipo italiano (“Teatro e storia” n. 29, pp. 27-256, può essere letto gratuitamente on-line dal sito di “Teatro e Storia”, http://www.teatroestoria.it/volumi.php)

Oggetto specifico di indagine sarà il teatro dialettale “d’eccezione” (in particolare quello di Raffaele Viviani), tassello essenziale per osservare in maniera nuova quel momento della storia del teatro italiano che la storiografia identifica con gli “anni del ritardo” rispetto al fenomeno della nascente regia teatrale. È prevista l’analisi di film tratti dai testi teatrali di Viviani ("La tavola dei poveri", regia di A. Blasetti, 1932; "I dieci comandamenti", regia di M. Martone, 2000), del film documentario "Viva Viviani" scritto e diretto da Mario e Stefano Martone e di spezzoni documentari inediti.

STUDENTI FREQUENTANTI
(per essere considerato frequentante non sono ammesse più di 2 assenze):

1) Valentina Venturini, "Raffaele Viviani. La compagnia, Napoli e l’Europa", Roma, Bulzoni, 2008 (escluso il cap. IV)
2) Raffaele Viviani, "Dalla vita alle scene. L’altra biografia (1888-1947)", a c. di Maria Emilia Nardo, Napoli, Rogiosi editore, 2012 (http://www.rogiosi.it/)
3) Ettore Petrolini, "Modestia a parte", a c. di D. Orecchia e A. Petrini, Bari, Edizioni di Pagina, 2022
4) Eventuali materiali a cura del docente (caricati nella sezione “FILE” del corso sulla piattaforma TEAMS)
5) FILM: "La tavola dei poveri" di A. Blasetti [https://www.youtube.com/watch?v=dMBlyIUSYvo]
6) FILM: "I dieci comandamenti" di M. Martone [https://www.youtube.com/watch?v=C51GiSPMxrU]
7) FILM: Viva Viviani di M. e S. Martone [vimeo.com/nephilafilm/vivaviviani; password: VIVIANIVIVA]


STUDENTI NON FREQUENTANTI:
1) Valentina Venturini, "Raffaele Viviani. La compagnia, Napoli e l’Europa", Roma, Bulzoni, 2008 (escluso il cap. IV)
2) Raffaele Viviani, "Dalla vita alle scene. L’altra biografia (1888-1947)", a c. di Maria Emilia Nardo, Napoli, Rogiosi editore, 2012 (http://www.rogiosi.it/)
3) Franca Angelini, "Teatro e spettacolo nel primo Novecento", Bari-Roma, Laterza, 2009
4) Ettore Petrolini, "Modestia a parte", a c. di D. Orecchia e A. Petrini, Bari, Edizioni di Pagina, 2022
5) FILM: "La tavola dei poveri" di A. Blasetti [https://www.youtube.com/watch?v=dMBlyIUSYvo]
6) FILM: "I dieci comandamenti" di M. Martone [https://www.youtube.com/watch?v=C51GiSPMxrU]
7) FILM: Viva Viviani di M. e S. Martone [vimeo.com/nephilafilm/vivaviviani; password: VIVIANIVIVA]

Il corso insegnerà le competenze linguistiche, scritte e orali, ritenute necessarie per acquisire la conoscenza della lingua inglese di livello B2, con particolare attenzione a quelle inerenti all'ambito artistico e multimediale. Ci si soffermerà soprattutto sugli aspetti grammaticali, sintattici e lessicali relativi al contesto comunicativo del mondo artistico e che consentano la comprensione approfondita di testi delle discipline di cinema, teatro e televisione.

Peter May, "Compact First. Student's Book with Answers. Second Edition", Cambridge University Press.

Raymond Murphy, "English Grammar in Use. Fifth Edition," Cambridge University Press.